miércoles, 4 de marzo de 2015

La Catedral de Toledo para niños

Toledo era una ciudad histórica muy importante, ya que fue la sede de los reyes visigodos y por tanto era el centro de la Iglesia española, la sede más importante del catolicismo hispano que tuvo que desplazarse durante la época musulmana a regiones más al norte para recuperar su trono en el año 1085 cuando fue recuperada a los musulmanes.
La Catedral esta situada en el mismo lugar en que antes había una mezquita. Pese a la conquista la Catedral no fue iniciada hasta el año 1209 aunque la primera piedra se puso en 1226 pudiendo estar terminada en 1289.
Algunos de los maestros que se citan en la obra encontramos a un Maestro Martín y también a un extraño Petrus Petri (Pedro/Piedra Piedra).
La planta del edificio frente a las otras catedrales góticas clásicas (Burgos y León) presenta cinco naves, quizás el espacio era más grande o bien la Catedral primada de España necesitaba más espacio. Cinco naves con doble girola en la cabecera. Toda cubierta con bóveda de crucería. Es curioso observar la girola, la exterior se cubre con bóveda de crucería y la interior con bóvedas de solo tres nervios, creando espacios triangulares. A los lados de las naves laterales observamos pequeñas capillas  que se abren a la nave. Este esquema de naves y capillas laterales se repetirá en otras muchas catedrales de influencia castellana, como por ejemplo la Catedral de Sevilla que es muy parecida a la Toledo excepto en la zona de la cabecera.
Curioso es observar el coro de la catedral, situado en el centro, quizás porque no había suficiente espacio en la cabecera para los muchos sacerdotes que atendían el culto en la Catedral, por ello lo sitúan en el centro de la nave central, impidiendo con ello desde los pies la visión de la cabecera. Ese esquema servirá de modelo a todas las catedrales españolas, ya que todas sitúan su coro en el centro siguiendo el modelo de Toledo.


El alzado del edificio sigue el esquema de arco apuntado, tribuna y ventana, aunque la tribuna como podemos observar queda reducida a la mínima expresión, ganando en importancia la ventana y la vidriera frente a otras expresiones. Hay diferencia de altura entre la nave central y las naves laterales, lo observamos tanto al exterior como al interior, no es tan exagerada como por ejemplo en la Catedral de León, pero sigue el esquema clásico de construcción de catedral gótica.



domingo, 1 de marzo de 2015

El pintor holandés Piet Mondrian para niños

Mondrian es uno de los pintores más conocidos del siglo XX y uno con los que los niños pueden trabajar más fácilmente en clase, ya que sus cuadros son muy fáciles de comprender y reproducir por los más pequeños. La gama de colores es muy reducido y la geometrización de sus obras ayuda a realizar una composición bastante limpia, siendo Mondrian uno de los pintores mas usados para colorear.


Si queremos trazar una pequeña biografía de Mondrian debemos decir que nació en Holanda en el año 1872 prolongándose su vida hasta justo antes de la finalización de la segunda guerra mundial ya que  falleció en Nueva York en 1944.
Mondrián es un pintor que sufre una fuerte evolución en su obra pictórica a lo largo de su vida, ya que comenzó siendo un pintor interesado por el impresionismo y también por el naturalismo pero su faceta mas conocida la encontramos dentro de la abstracción.
Puntillismo, postimpresionismo, fauvismo son algunos de los movimientos que conoce su paleta, donde los colores vivos se dan cita, pero hay un movimiento que le influye sobremanera, para ello debemos centrarnos en el año 1911, se trata del cubismo. Recordemos que en esa época el cubismo descompone tanto las figuras que está a punto de convertirse en abstracción y de ahí es de donde Mondrian toma su influencia.
De ese cubismo es desde donde Mondrian evoluciona a la abstracción geométrica pura, a la simplicidad absoluta en sus obras basadas en formas geométricas y colores nada complicados, colores primarios, sin mezclar que recuperen la esencia de la pintura.
Este mismo planteamiento será el que se aplique para el grupo que fundó junto a otros artistas del momento, muchos de ellos arquitectos y diseñadores, nos referimos a De Stijl donde perseguían la estructura matemática del universo y todo aquello que de perfecto tiene la naturaleza.

Para comprender la obra de Mondrian debemos relacionarla, igual ha ocurrido con otros artistas como Tapies, con la espiritualidad y la folisofía. Se trata de encontrar la estructura básica del universo a través de su pintura. Las formas geométricas se formas a través de dos colores antagónicos como son el blanco y el negro que a la vez aluden a la mezcla de color y a la ausencia de todos los colores. La curva desaparece de su obra, igual que de los diseños en De Stilj, se tata de un elemento no formal y por tanto se elimina. Afirmaba que el arte no debe ser figurativo sino que debe indagar en en los elementos m´ñas puros que conforman la realidad e investigar sobre ella. Rojo, azul y amarillo son los colores que observamos en sus obras, nada de mezclas de color que nos den como resultado el verde o el naranja, eso sería traicionar todo aquello que de puro tienen esos colores primarios.
Los niños pueden trabajar perfectamente reproduciendo obras de Mondrian bien en cartulina o papel preparada con los rectángulos en color negro y el interior en blanco para luego rellenar con colores primarios, también se puede trabajar en grupo dividiendo el lienzo en cuatro parte de la cual cada niño es responsable de una zona y rellena los colores a su gusto. También para trabajar con Mondrián para niños se puede utilizar la plastilina delimitando en negro las formas geométricas y rellenado de color el interior con azul, rojo, amarillo y blanco.
Se puede realizar formas o diseños más complejos para niños algo más mayores que pueden incluir por ejemplo la decoración de un vestido con este tipo de formas o bien el poder pintar las uñas con formas cercanas a las obras de Mondrian o bien poder crear formas geométricas que semejen animales o figuras robóticas decoradas con los colores de Mondrian.


miércoles, 25 de febrero de 2015

El origen de Don Pelayo y la Batalla de Covadonga

Este noble Visigodo forma parte importante de la historia de España ya que está considerado como el rey que inicia la reconquista en el año 722 tras la victoria de Covadonga sobre el ejército musulmán. Pero quien es este personaje. Vamos a intentar acercarnos un poco más a su figura.
Una de las primeras cosas que debemos saber es que según la tradición visigoda el rey no transmite a sus hijos la corona por herencia sino que son los nobles los que eligen al rey. De ahí vienen los problemas con el rey Witiza que transmitió la corona a su hijo Agila, los nobles no lo aceptaron y eligieron como rey a Don Rodrigo, de manera que Agila y sus partidarios decidieron pedir ayuda a los musulmanes para poder recuperar el poder, de esa manera en el año 711 se produce la llegada de los musulmanes a España que vendrán no solo a ayudar sino a quedarse.
Una vez asentados los musulmanes un grupo de visigodos entre los que se encuentra Pelayo se refugian en la zona de las montañas de Asturias, algunos han huido antes la posibilidad de tener que pagar los nuevos impuestos a los dominadores musulmanes, a ellos se unieron personas de las tribus asturianas que tampoco querían hacer frente a estas nuevas tasas. Posiblemente Pelayo era noble, quizás tenía el título de duque y estaba unido con Don Rodrigo, es muy posible que los dos fueran primos.
Será en Cangas de Onis donde es elegido como príncipe en el año 718, se trata por tanto del líder o rey de un grupo reducido refugiado como hemos dicho en una zona de difícil acceso.
Pelayo es nombrado rey
Los musulmanes decidieron acabar con este foco de resistencia y reunieron un ejercito de 10.000 soldados para hacer frente a unos escasos 400 guerreros, era el año 722. Pero es difícil mover por un territorio con montañas superiores a los 2000 metros a un alto número de soldados. Los musulmanes pensaron en una victoria fácil, pero los antiguos visigodos atacando desde las torres de los picos y haciendo guerra de guerrillas lograron diezmar el ejército musulmán.
Se trata de la primera victoria cristiana (hay que convertir la cruz en el símbolo de la victoria) o si queremos de este antiguo grupo de visigodos sobre el ejercito musulmán, se trata del comienzo de la reconquista, la constitución de un nuevo reino que gracias a esta victoria y con su capital en Cangas de Onis, va a ir adquiriendo importancia gracias a otras personas que se sumarán a Pelayo tras el éxito obtenido en las montañas de Covadonga.
Pelayo reinará hasta el año 737, casado tendrá dos hijos, uno de ellos llegará a ser el siguiente rey, se trata de Favila, del cual lo único que sabemos es que lo mató un oso.

domingo, 22 de febrero de 2015

El pintor alemán Paul Klee para niños

Paul Klee es un artista difícil de calificar ya que a lo largo de su vida muestra influencias de varias de las corrientes que conviven en las primeras décadas del siglo XX y por las cuales, este artista nacido en Suiza, pero educado artísticamente en Alemania, no se decanta.
Así encontramos en su obra influencia del surrealismo, en una vertiente más cercana a Miró que a Salvador Dali, pero este tipo de corriente convive con el expresionismo y en muchos casos con la abstracción.
En lo que coincide la mayoría de la gente es que no existía un maestro para distribuir el color como Paul Klee ya que lo hacía de una forma genial, pasando de no tenerlo en cuenta al principio de su obra a tratarlo con verdadera pasión. Es una de las cosas que hace reconocible muchas de sus obra, el uso tan delicado y con gran cantidad de matices que otorgaba al color.
Todos estos estilos de los que hablamos y que aparecen en su obra posiblemente tienen que ver con la relación que Klee tenía con Wassily Kandinski, con el que coincidió en Munich cuando este fundó un grupo de artistas que se encontraban vinculados al expesionismo. Pero como sabemos Kandinski también evoluciona en su forma de pintar y en sus obras tanto la abstracción como el color jugarán un papel importante en su obra.
Klee también es conocido porque en alguna subasta algunas de sus obras ha adquirido un precio descomunal, aunque como sabemos estas cifras son efímeras y se superan con facilidad en cuanto pasa algo de tiempo, pero este artista se encuentra en el grupo de privilegiados que consiguen grandes cantidades por sus cuadros en las subastas.
Como vemos en la biografía de Paul Klee pese a nacer en Suiza, su padre era alemán con lo que su carrera artística se desarrolló en el país germano. Fue también profesor en la escuela de la Bauhaus  y en la Escuela de Bellas Artes de Dusseldorf, pero cuando los nazis llegaron al poder calificaron su obra como "arte degenerado", los últimos años de su vida los pasó en Suiza aquejado de una grave enfermedad los últimos cuatro, falleció en el año 1940.




miércoles, 18 de febrero de 2015

El papel del catálogo dentro del sistema del arte

El catálogo sirve como elemento de representación de la institución que lo realiza. Digamos que es como una marca de representación de la institución, una carta de presentación en el exterior de las actividades o exposiciones que se han llevado a cabo en ese Museo, Centro Cultural o Galería.
Será pues la institución encargada de la edición del catálogo la que lleva cabo una labor que incluye a varios agentes culturales para que este se lleve a efecto, Desde el propio artista, pasando por las personas encargadas de escribir los textos, el contenido que debe incluir, la línea argumental, el diseño.
Es decir el catálogo marca en gran parte la línea de actuación del Centro de Arte, es el hecho diferencial respecto a su línea de actuación y a su política de exposiciones.
No es seguro hasta que punto una institución cultural busca una rentabilidad con la edición de un catálogo, indudablemente algunas lo consiguen, pero nos referimos a grandes museos y a exposiciones que generan grandes colas para acceder a ellas. La mayoría de las instituciones sirven para obtener una rentabilidad en cuanto a imagen corporativa, que sea una seña de identidad de ese lugar.
En muchos casos el coste de venta ni siquiera cubre el coste de producción ya que, como hemos dicho, no está hecho para buscar una rentabilidad. Así que en muchos casos suele venderse al coste que ha tenido, incluso en muchos casos, a un precio inferior.
Hay que decidir que es lo que se va a incluir en el catálogo. El comisario de la exposición tiene un papel importante en la elaboración, pero siempre siguiendo las directrices y al política del Museo a la hora de diseñar este tipo de libros. Hay que seguir la línea habitual del Centro de Arte.
El catálogo se edita pensando en el público que asiste a la exposición. La distribución en España suele ser nula o inexistente, aunque hay alguna editorial que se ha esforzado por que esté presente en las librerías más importantes.
Solo en Madrid se editan entre 100 y 150 catálogos anuales, una cifra que puede llegar a los 1000 si abarcamos todo el territorio nacional.
El catalogo a veces tiene una serie de esclavitudes que limitan su utilidad. En muchas ocasiones hay bastante premura para que los textos estén terminados a tiempo. La repetición de los objetos expuestos, la vanidad y la pedantería pseudo intelectual que a veces intenta justificar las obras de arte contemporáneo se dan cita en este tipo de libros

domingo, 15 de febrero de 2015

El grito obra de Edward Munch explicado a los niños

Estamos ante una de las obras más conocidas de toda la historia del arte por la repercusión mediática que tiene, uno de los cuadros más famosos que fue pintado en el año 1897 aunque se conservan cuatro copias de esta obra, tres en Museos y una en manos de un coleccionista privado. De hecho en el año 2012 fue la pintura por la que más dinero se pagó en una subasta, luego superada por otras obras en una carrera sin fin a la cual no vemos mucho sentido. El precio que alcanzó El Grito fue de 119,9 millones de dólares.
El cuadro se considera un ejemplo de pintura expresionista ya que algunas de las características de este movimiento se pueden ver en la obra, por ejemplo la temática triste que observamos en el cuadro, en segundo lugar el uso de colores con tendencia al negro, a veces utilizando blanco y negro en contraste. En tercer lugar la deformación de las figuras que podemos observar perfectamente tanto en la cara como en las manos del personaje principal.
El tema representado en El Grito es extraño, se trata de una figura que se encuentra cruzando un puente, donde como podemos observar al fondo también se encuentran otros personajes en actitud de paseo. Pero esta figura ha visto algo que le atemoriza, que le hace llevarse las manos a la cabeza y abrir la boca para expresar su rabia, dolor, incapacidad o lo que sea, de ahí el título de el cuadro. El escenario es un puente desde el que se puede apreciar una vista de la ciudad de Oslo que aparecería al fondo de la obra completamente desdibujado en un uso de la pincelada completamente suelto.
La obra como dijimos fue pintada a finales del siglo XIX por Edward Munch que fue pintor hasta que se produjo su fallecimiento en el año 1944.
Hay quien alude en su obra a la realización de otra muy parecida que después sería modificada por el autor y que lleva el nombre de La desesperación, se trataría de una serie que el artista estaba realizando sobre distintos estados de ánimo. Esta obra tiene el mismo escenario que la anterior, pero el personaje, al cual se reconoce perfectamente, muestra una cara deprimida, de un conformismo impotente ante la situación que se le plantea. Es el personaje que cambia en el grito para adquirir una actitud completamente diferente y muy activa respecto al anterior.
Ese aura de misterio que tiene la figura representada en El Grito y el no saber que es lo que le provoca ese terror nos causa una gran angustia de la que no podemos abstraernos mientras observamos el cuadro.
No queremos citar sin citar al verdadero precursor del expresionismo y los cuadros de este tipo que es el pintor español Francisco de Goya que cumple todas las reglas citadas para los cuadros expresionistas en las pinturas negras que realizó en los muros de su casa y que ahora se pueden contemplar en el Museo del Prado, esas obras fueron realizadas 80 años antes de expresionistas como Munch trabajaran en este cuadro, de ahí el gran mérito del pintor aragonés.

La desesperación. Edward Munch

miércoles, 11 de febrero de 2015

Paul Gaugin y la obra mas cara de la historia del arte

Acostumbrados cada día a escuchar noticias escandalosas, no es extraño que otras actividades se unan al escándalo general, entre ellas el arte que no queda exento de esta practica. Muchas de las noticias que aparecen en los medios relacionadas con el arte o son escandalosas o rozan el escándalo, suponemos que tienen la intención con ello de generar desprecio o bien rechazo ante una incomprensión o falta de interés generalizado. Con ello nos referimos a los precios de las subastas de arte o a noticias extravagantes relacionadas con algún artista o su forma de componer una obra en concreto.
Esta pequeña introducción nos sirve para hablar un poco sobre la pintura mas cara de la historia, aquella por la que un coleccionista ha pagado más dinero y cuyo valor es tan relativo como el escándalo que genera una noticia de este tipo.
Este título va cambiando de forma constante, en los últimos años son varios los artistas que han tenido el honor de ocupar esta posición, la mayoría son pintores que han trabajado a finales del siglo XIX y principios del siglo XX y ahora mismo Gaugin acaba de desbancar a Paul Cezanne y la maravillosa obra Los jugadores de cartas, que tenía el honor de haber cosechado 219 millones de euros por ella. Anteriormente los Tres estudios de Lucian Freud o la obra El Sueño de Pablo Picasso habían pertenecido a este selecto grupo que se encuentra en una carrera sin fin que, como decimos, lo único que sirve es para generar noticias de un record que como los 100 metros lisos va cambiando cada poco tiempo.
Desde hace pocos días la obra ¿Cuando te Casas? de Paul Gaugin es la más cara de toda la historia del arte ya que un coleccionista de Qatar ha pagado por ella 263 millones de euros (300 millones de dolares). Ahora pensamos que lo mejor es no quedarnos con la cifra sino intentar conocer mejor al artista y algo sobre la obra, mas que el dinero que se ha pagado.
Gaugín es un pintor postimpresionista muy influyente en las generaciones posteriores, por ejemplo beben de sus fuentes artistas tan determinantes como Picasso, muchos de los expresionistas y su influencia será muy grande para el fauvismo, sobre todo debido a los colores que utiliza en su obra y a la distribución que hace del color. Recordemos que el fauvismo se caracteriza, entre otras cosas, por aplicar colores que no son reales a paisajes, objetos o personas que originalmente tienen uno distinto. Es decir pintar por ejemplo una cara de color azul o el cesped que cubre una colina con color morado en vez del verde que tendría originalmente. Así que como podemos comprobar Gaugin fue un pintor muy influyente en la generación posterior.
Por otro lado Gaugín vivió la mayoría de su vida arruinado, no tuvo mucha suerte con sus obras. Las más conocidas, como esta que nos ocupa, fueron realizadas en Tahití donde se estableció desde el año 1891, tengamos en cuenta que esta obra fue pintada en el año 1893. En ella como vemos se retratan dos mujeres que aparecen sentadas sobre un paisaje con colores bastante vivos, que no deben ser extraños para una persona que se encuentra en esta zona de la Polinesia Francesa.
¿Cual será el próximo? Pues pensamos que a no mucho tardar Gaugin será sustituido por otro artista. Aunque quizás lo que debamos preguntarnos es el precio que alcanzaría algún artista que no se encuentra a la venta, por ejemplo ¿cuando se pagaría por Las Meninas de Velázquez?. Quizás unas cantidades mucho mayores a las que estamos hablando en estos momentos. El arte es así sugerente y escandaloso (para los medios de comunicación).