miércoles, 17 de diciembre de 2014

La bóveda sexpartita y el inicio del gótico en España

Como todos los momentos de transición, el paso del románico al gótico va a tener España tiempos de indefinición estilística donde se experimentan diferentes soluciones arquitectónicas hasta se adopten definitivamente las principales características del estilo que llega desde Francia a comienzos del siglo XIII.

Santa María de Huerta en Soria

Existen un grupo de iglesias y catedrales que van a presentar todas ellas una característica común y será el uso de un tipo de bóveda con seis nervios, alejada de la bóveda de crucería que se utilizará en el gótico o de algunas soluciones como la bóveda de ojivas que se utilizó por ejemplo en la Catedral Vieja de Salamanca, originalmente planificada como bóvedas de arista pero que sufrieron una remodelación según iba avanzando la obra y al mismo tiempo cambiando el gusto estilístico.
Catedral de Cuenca
Este grupo de iglesias está influido por una escuela del norte de Francia que se encuentra cercana a lo que será el gótico clásico, donde los modelos normandos serán aquellos que se impongan en esas construcciones, pero no solo en algunas iglesias sino también en Monasterios cistercienses como Las Huelgas en Burgos o en Santa María de Huerta en Soria.
Todas coinciden en el uso de la bóveda sexpartita, un tipo de solución que permitía elevar algo más la cubierta ya que los nervios se encuentran en un punto central y de esta manera proporcionar mayor luminosidad a la iglesia y de esta manera estar más cercanos a la idea de llegar a Dios a través de la luz que se impone en la época gótica.
Solo un edificio conserva las cubiertas íntegras con este tipo de bóveda es la Catedral de Cuenca relacionada con un maestro de nombre Ricardo al cual también se cita trabajando en el Monasterio de la Huelgas en el año 1203 y que muy posiblemente se encuentra trabajando en la ciudad manchega a finales del siglo XII ya que se cita el año 1196 como fecha de dedicación del altar mayor de la Catedral. Ello viene a confirmar que estamos en ese momento de transición ya que las primeras catedrales del gótico clásico, concretamente la de Burgos, no comenzará sus obras hasta el año 1221. Allí las características del gótico clásico se imponen al igual que en ejemplos como la Catedral de Toledo o la Catedral de León.


Son construcciones que podemos denominar protogóticas donde ya sin bóveda sexpartita podemos incluir edificios como los Cimborrios de Duero (Catedral Vieja de Salamanca, Catedral de Zamora, Colegiata de Toro), la Catedral de Avila o la de Santo Domingo de la Calzada, aunque cada una, como decimos, buscando un camino diferente para introducirse en el gótico. Nos encontramos a finales del siglo XII y es allí , en esa segunda mitad del siglo donde se produce esta confluencia de estilos.

Monasterio de las Huelgas

domingo, 14 de diciembre de 2014

Esquema portico gótico en la Colegiata de Toro

Los templos góticos incluyen decoración en sus accesos con esculturas y relieves que representan temas relacionados con el Nuevo Testamento. Al igual que en el románico tienen una labor educativa y doctrinal, una manera de que la gente que acude se familiarice con algunos de los temas más populares. 
Para ello es bueno que aprendamos algunos de los términos que se usan de forma habitual cuando analizamos una portada de este estilo. Palabras como parteluz, tímpano, jambas o arquivoltas son algunos de los más usados en este tipo de análisis. En cada una de estas partes que podemos observar perfectamente en el dibujo se encuentran diferentes representaciones que nosotros vamos a intentar conocer un poco mejor en una de las portadas más interesantes del primer momento gótico o si queremos del momento de transición entre el románico y el gótico. Debemos situarnos en una fecha cercana a principios del siglo XIII en la ciudad de Toro, donde se conserva a los pies de su Colegiata el Pórtico de la Majestad que es el que vamos a intentar desgranar en las siguientes líneas.


Esta bellísima portada como vemos todavía conserva parte de la pintura original, así era como se encontraban estos pórticos, pintados, de manera que los fieles tenían una visión mas realista de las escenas representadas. El autor tiene reminiscencias románicas y es que recordemos que esta obra se hace en un periodo de transición, pero aún así intenta aportar un poco más de realismo a las figuras que en la época precedente.
Comenzamos por el tímpano donde se representa el tema de la Coronación de la Virgen María, algo que hace el propio Jesucristo, representado también en la Catedral de Ciudad Rodrigo y que tiene mucho que ver con la importancia y la presencia de la Virgen María en época gótica.
Vemos también como es una imagen de la Virgen con el niño la que preside el parteluz de la iglesia que divide la puerta en dos partes. Es una virgen que no tiene comunicación con el niño pero que tampoco ejerce de trono para él como ocurría en época románica, en este caso le está ofreciendo una flor mientras el niño bendice.


Justo encima del parteluz y debajo del tímpano se sitúa el dintel, que en este caso incluye una escena de la muerte de la Virgen María, que por tradición sabemos que ocurre por dormición, es decir la Virgen se mete en la cama, se duerme y fallece sin dolor. Los apóstoles son los que se encuentran alrededor contemplando la escena mientras dos ángeles llevan su alma hacia el cielo.
Las arquivoltas tienen diferentes tipos de representaciones, desde ángeles con trompetas, diferentes santos y mártires y también músicos. Pero muy curiosa resulta la última de las arquivoltas donde se representa la escena del Juicio Final,. con Cristo en la parte central enseñando las heridas provocadas por la Pasión (se llama técnicamente Cristo varón de Dolores) rodeado de ángeles que portan los elementos de tortura que sufrió durante su martirio, la Virgen y San Juan. El acceso al cielo y al infierno se hace por un ángel que toca un gran instrumento y podemos distinguir uno de otro por el movimiento y la tensión del lado del infierno frente a la tranquilidad celestial.
En las jambas (en el esquema del dibujo pone derrame) se sitúan ocho figuras, en los extremos son ángeles y el resto son complicados de identificar, excepto el rey David y Salomón.
Sin duda es una de las portadas góticas más bellas que se conservan en España. Se puede relacionar con otras de la misma época o bien incluso con reminiscencias al Pórtico de la Gloria de Santiago de Compostela, aunque sin duda existe un avance en el estilo en esta portada de la Colegiata de Toro.



miércoles, 10 de diciembre de 2014

Iconografía de la escena Jesús y la Samaritana

No es una de las escenas más repetidas de la historia del arte, pero no por ello deja de ser interesante analizar algunas de las características que han motivado a diferentes autores a la hora de representar este tema. Una historia que tiene una amplia dimensión religiosa y un mensaje claro tanto para los discípulos de Jesús como para todos los seguidores de la religión católica.


Según la narración que nos cuenta el apóstol Juan cuando Jesús se desplazaba de Judea a Galilea debía atravesar Samaría y se paró solo junto a un pozo que se conocía como el Pozo de Jacob, estos pozos eran normales en la zona, existían muchos ya que es una zona rica en aguas subterráneas, de manera que servían para el abastecimiento de la población y de forma fácil se podía encontrar agua en este territorio.
Cuando Jesús se encuentra en el pozo se acerca una mujer samaritana y Jesús comienza a hablar con ella. Hay dos aspectos interesantes en este punto. En primer lugar las relaciones entre judíos y samaritanos no eran buenas, primero por una cuestión de raza, ya que los judíos consideraban a los samaritanos una raza diferente, proveniente de una zona distinta y por tanto ajena a ellos. En segundo lugar existe otra separación por cuestión religiosa, ya que se consideraba a los samaritanos como una secta que se había apartado de la religión judía.
Quizás esta sea la razón de que la mujer samaritana le pregunte a Jesús que como se dirige a ella, si el es judío y ella de Samaría, es una situación que le resulta de lo más extraño.
Hay otro aspecto interesante y es que Jesús se dirige a una mujer, para mantener una conversación con ella posteriormente, algo que también resulta extraño para un momento en que la opinión de la mujer cuenta cero. Por esa razón sus discípulos se extrañan cuando lo encuentran de que se halle hablando con una hembra.


El caso es que Jesús le pide agua y quizás es la excusa para iniciar una conversación en la que Jesús lanza un nuevo mensaje. Y es que la Buena Nueva no es solo para unos pocos elegidos sino que es para todo el mundo, da igual que sean negros, blancos, calvos, gordos, romanos, egipcios o samaritanos. Jesús ha venido a salvar a todos, no solo a los judíos, sino a cualquier ser humano hombre o mujer que pueble la tierra.
Prueba de ello es que poco a poco durante la conversación ella se va dando cuenta de que está hablando con un "profeta" y lo comenta después con la gente de su pueblo que al buscar a Jesús hacen que se quede a pasar dos días con ellos, para escuchar su mensaje y disfrutar de las promesas del Nuevo Reino, como dice el texto con muchas nuevas conversiones y seguidores que comenzaron tras esos días de estancia en Samaría.
La escena suele representarse con la idea central de que existe un pozo, en torno a él se desarrolla el hilo conductor. Allí aparecen Jesucristo y la mujer de Samaría que se acerca con un jarrón o bucaro en sus manos para recoger el agua del pozo. Se suele representar el momento en que los dos mantienen la conversación, cuando se encuentran hablando de las bondades del reino y su nuevo mensaje. La presencia de uno o varios árboles se hace indispensable. Jesús se expresa, quizás moviendo alguna de sus manos y la mujer se encuentra escuchándole muy atenta a sus palabras.
Las pinturas incluidas en este post corresponden a Il Gerchino, el pintor neoclásico de origen ruso Henryk Siemradzky y el granadino Alonso Cano.


domingo, 7 de diciembre de 2014

El retrato de la Familia Real de Antonio López

Hace pocos días se presentó en sociedad el esperadísimo cuadro del pintor hiperrealista Antonio López que representa a la familia real. Decimos esperadísimo porque el artista ha pasado algo mas de 20 años para entregar la obra, ya que los primeros contactos y las primeras tomas de fotografías de los modelos  incluidos en la obra comenzaron en el año 1993.


Decía un conocido  pintor contemporáneo que Antonio López era un caradura y un vago. Y es que tomar 20 años para entregar una obra está fuera de todos los cánones de la pintura, sobre todo para un artista que quiera vivir de su trabajo o simplemente dar a conocer su obra para las generaciones futuras. Así que por muchas explicaciones que se puedan dar estamos cerca de la tesis que planteaba este artista.
Por otro lado quizás también es criticable el estilo del autor, ya que el hiperrealismo es una técnica estupenda, demuestra un amplio dominio de la técnica, un dominio que debería tener cualquier pintor que se precie, pero ahora estamos en otro momento artístico, porque para hiperrealismo ya tenemos la fotografía y necesitamos (no ahora sino desde hace más de un siglo) que la pintura aporte algo más, que de alguna información distinta del mero retrato que aquí se está representando. Velázquez era un artista que dominaba la técnica a la perfección pero al mismo tiempo era un artista transgresor y novedoso en los planteamientos de sus obras y por eso es un artista tan conocido. Velázquez era un magnífico pintor, uno de los mejores de todos los tiempos, pero al mismo tiempo trataba de ofrecer algo nuevo con su pintura.
¿Donde se encuentra la novedad en la obra de Antonio López? Lo cierto es que es difícil ir más allá de un mero ejercicio pictórico como el que pueden ensayar muchos alumnos en las facultades de Bellas Artes. 


Hemos leído que quiere compararse el cuadro con La Familia de Carlos IV de Goya, el artista aragonés era más limitado que Velázquez pero sabía suplir esas carencias con estudios de personalidad de los personajes que eras capaz de transmitir en sus obras, haciendo ver cual era la verdadera forma de ser de los mismos, no olvidemos sus juegos de pupilas para representar a la reina Maria Luisa o al mismo rey Carlos IV para indicar el papel y carácter de cada uno en la corte de principios del siglo XIX.
Pero al contemplar la obra de Antonio López no observamos ningún tipo de estudio, sino un simple retrato, una copia, una fotocopia en color de una fotografía individual o de grupo tomada hace mucho tiempo.
Con Las Meninas no nos atrevemos ni a compararlo porque la obra de Velazquez trasciende lo pictórico para adentrarse en miles de matices históricos y técnicos de los que carece esta obra.
Así que no parece que seamos muy partidarios de Antonio López, al cual hay que reconocer su valía como pintor al mismo tiempo que hay que criticar su falta de mensaje y sobre todo una lentitud que raya la agresión para cualquier mortal al que le exigen cada día realizar su trabajo.

miércoles, 3 de diciembre de 2014

Política y medios de comunicación

En esta era del espectáculo en la que nos movemos a diario, la televisión se ha convertido en el mayor fabricante de fugaces estrellas que se haya conocido jamás. Es capaz de motivar y cambiar la idea de la opinión pública con parámetros desconocidos hasta el momento. Salir en televisión significa catapultarse a la fama no por lo que eres ni por lo que representas sino porque tu rostro es reconocible por la calle cuando la gente te mira de forma extrañada intentando asociar imágenes con recuerdos que están guardados en su mente.
Da igual lo que hagas, puedes presentar un programa, asistir como participante buscando un momento de gloria que se prolongue en el tiempo o siendo político intentar aprovechar el momento para tus propios intereses que pueden ser muy legítimos pero que no se apartan de la lucha por conseguir el poder, el mando y sumisión de los demás, sustituyendo ideas por personas con rostro conocido.
Contamos todo esto porque haciendo un repaso de algunos de los políticos que habitualmente asisten a televisión nos encontramos con que cada uno de ellos, antes completamente desconocidos, han encontrado gracias a ella el éxito mediático de su falta de ideas ya que hay gente que se guía por recuerdos más que por hechos y eso significa que esas personas resultan cercanas, de confianza por el simple hecho de salir en televisión, son semejantes a lo que podíamos llamar amigos, confiamos en ellos cuando en realidad lo que se oculta tras ese rostro o tras esa disputa con el adversario de turno es una enconada lucha por ejercer el poder.
Pensaba en patéticos personajes como Antonio Miguel Carmona, al cual podemos calificar como extremista social, que atribuye generalmente todos los hechos históricos de los últimos años al buen hacer socialista y que realmente su falta de consenso y su nula capacidad de entendimiento con un adversario, al que desprecia, hace que puedan temblar las canillas de cualquier persona. Pues este personaje será el candidato del partido socialista a la alcaldía de Madrid, pero no porque sea bueno, ni por sus ideas, sino por el simple hecho de que participa en tertulias de televisión.
Hemos colocado también a Tania Sanchez, miembro de izquierda unida, novia de Pablo Iglesias (la verdad es que es difícil distinguir porque se la conoce) asidua por asistir también a tertulias políticas será candidata al ayuntamiento de Madrid por IU, eso si le permiten hacerlo unos escándalos que han salido los últimos días sobre presuntas adjudicaciones.
Alberto Garzón, otro de los habituales en la tele, este ha conseguido que dimita el coordinador general de Izquierda Unida para presentarse a unas primarias que se supone que ganará, para dar un impulso joven a la formación (es decir para hacerse con el poder absoluto de la misma).
Esas recomendaciones de los asesores de imagen de circular por los platos de televisión (Saálvame incluido) a políticos como Albert Rivera o Pedro Sanchez con la única idea de mejorar su imagen y parecer cercanos a un pueblo que sigue más a pies juntillas lo que la tele le dice y ordena, sin crear opinión propia.
Pablo Iglesias es el mejor ejemplo de todo lo que decimos. ¿Realmente las cadenas de televisión tienen interés en el ideario de Pablo Iglesias?. Estoy completamente seguro que no, no tienen el más mínimo interés. ¿Esta moviendo a las cadenas que le entrevistan la idea de regeneración y cambio en España? Pero que cosas, por supuesto que no. La irrupción de Pablo Iglesias y su partido Podemos tiene mucho que ver con el interés de la audiencia. Pablo Iglesias asiste a las cadenas porque la gente lo ve, en cuanto la audiencia baje un poco no recibirá ni una llamada más en su móvil y será engullido y sustituido por la Belén Esteban de turno, que también tiene su opinión y tan respetable o escandalosa como la de Pablo, un anónimo que puede ser cualquiera de nosotros que de la noche a la mañana y gracias a la televisión se convierta en el nuevo icono mediático del país, el nuevo Chiquito de la Calzada. Son fenómenos sociales efímeros.
Buena prueba de ello es que los dueños de La Sexta lo son también del diario La Razón (por eso Paco Marhuenda sale mucho en esa Tele) lo cual nos da una idea de que los planteamientos políticos importan un mínimo cuando lo que se buscan son beneficios empresariales. 
Todos estos personajes, incluida la madre Sor Lucia, ahora mediáticos pasarán, nadie es eterno en televisión excepto Matías Prats, lo malo es que serán estos rostros los que posicionados ocuparan sus parcelas de poder para, nulos de ideas, decidir sobre los destinos de aquellos que embobados les conocen a través de la televisión y serían capaces de encumbrar a Carmen de Mairena al poder absoluto (si no lo han hecho ya en el pasado).

domingo, 30 de noviembre de 2014

El pintor Eduardo Arroyo para niños

Eduardo Arroyo es uno de los pintores vivos más importantes que ha dado el arte español en la segunda mitad del siglo XX y el siglo XXI. Frente a la moda imperante en España dominada principalmente por el informalismo que tiene su desarrollo en la década de los cincuenta y sesenta del siglo pasado, Arroyo, siempre remando en contra, se decanta por la pintura figurativa para expresar mejor sus ideas y críticas contra la sociedad española de la eṕoca.
Mientras esos pintores informalistas se les acusó en varias ocasiones de colaborar con el régimen de Franco e incluso aprovecha la estructura del régimen, que les permitía ciertas licencias, para su promoción interior y exterior, apoyándose mutuamente para conseguir esos objetivos de promoción, la figura de Eduardo Arroyo representa todo lo contrario que que debemos señalar que gran parte de su vida la pasó exiliado en Francia, donde huye de la presión franquista, contra el que estaba abiertamente en contra.
En una pequeña biografía de Eduardo Arroyo podríamos decir que nació en Madrid, estudió peridismo y practicó la caricatura antes de decantarse definitivamente por la pintura a partir del año 1957, cuando se traslada a París asfixiado por la presión del régimen franquista.
Fue muy crítico, pero no solo contra la dictadura de Franco sino con cualquier tipo de disctadura, por ejemplo dedicó una obra titulada Los Cuatro Dictadores dedicada a Hitler, Mussolini, Franco y el portugués Salazar, un trabajo del año 1963 que no gustó nada en España que realizó una protesta formal a Francia.


Podemos decir que la pintura de Eduardo Arroyo se encuentra mas cerca del pop art que de cualquier otro estilo, aunque también observamos en su trabajo una fuerte influencia del surrealismo. Se trata en ocasiones de figuras y objetos típicos, fáciles de asociar con España, nos referimos a botellas de vino fino, bailarinas de flamenco, personajes históricos, todos ellos representados desde una vertiente bastante crítica con la sociedad y el momento político que en ese momento se está viviendo en España. Los colores de sus obras serán bastante vivos y llamativos, muy cercanos a la misma idea de obras del arte pop norteamericano e inglés.
Resulta curioso que Eduardo Arroyo siempre ha defendido el papel del mercado del arte como un el símbolo más importante para el reconocimiento del artista, frente a la presencia del Museo y la promoción museística en muchos casos patrocinada con dinero público. Es cierto que es la venta de obra la que sostiene al artista, pero el sistema del arte está integrado por diferentes factores, dentro del cual el Museo cumple un papel esencial como sancionador de la obra de arte y promotor de la misma por su capacidad para llegar al gran público, aunque indudablemente como ya sabemos el Museo no se dedica a la venta de obras de arte, sino que se integra como un elemento más, tan importante como pueda ser la Galería, la subasta o la crítica de arte.


miércoles, 26 de noviembre de 2014

Arshile Gorky y el inicio del expresionismo abstracto en USA

Este artista de origen armenio es una de las figuras más importantes de la primera mitad del siglo XX en Estados Unidos y uno de los artistas más influyentes en el origen y el desarrollo del expresionismo abstracto en ese país, cuyo máximo representante será Jackson Pollock.


Si queremos trazar una pequeña biografía de Arshile Gorky lo primero que debemos decir es que ese no era su nombre original que ya en una fecha indeterminada entre 1902 y 1905 nació en Armenia como Voostanik Manoog Adoyan. Su padre emigró a Estados Unidos cuando Arshile Gorky tenía tan solo cinco años y su madre y hermanas tuvieron que pasar diferentes penurias cuando se produjo el genocidio armenio por la ocupación de Turquía durante la Primera Guerra Mundial, lo que les obligó a trasladarse a Rusia para más tarde llegar a Estados Unidos.
Estudió pintura en Nueva York, aunque podemos decir que su formación es esencialmente autodidacta, asistiendo a múltiples exposiciones y museos, acudiendo a revistas de arte o bien a libros de historia. Gracias a ello entró en contacto con la pintura de vanguardia que en ese momento estaba de moda en Europa y sobre todo la influencia de algunos artistas muy importantes para el desarrollo de la pintura del siglo XX, como por ejemplo Cezanne, Picasso o la vertiente surrealista de Joan Miró que será una de la que más podemos apreciar  en su forma de pintar y en su estilo más personal.
Así que constatamos en diferentes etapas en su pintura, desde unos inicios influenciados por el impresionismo, después de sintió atraído por el cubismo, mas que nada en su versión analítica. Pero será el surrealismo el estilo que más hondo cala en el artista y en sus obras. Ello le llevará a ponerse en contacto con integrantes del grupo surrealista, entre ellos llegará a conocer a Andre Breton que con su arrolladora personalidad atrajo su forma de pintar al grupo sin grandes problemas.
Otro pintor el chileno Roberto Matta le influirá bastante a la hora de decantarse por la pintura automática, es decir abandonar el pincel a los dictados aleatorios de la mano sobre el lienzo. Algunas de las formas de Gorky tienen conexiones con lo natural, otras con lo orgánico, se basan en sus recuerdos infantiles de su tierra armenia cargados de una tremenda fuerza que explora vertientes diferentes para conectar con la naturaleza.
Los últimos años de su vida fueron bastante trágicos, lo cual terminó en su suicidio en el año 1948, padecía un cáncer, su esposa le abandonó y tuvo un accidente que le afectó directamente a la mano con la que pintaba, se ahorcó cuando solo tenía 44 años y un prometedor futuro por delante.
Pero su obra pervive y es uno de los artistas más influyentes del arte americano y, como hemos dicho, uno de los pioneros del expresionismo abstracto en ese país.