domingo, 15 de enero de 2017

El pintor Andrea Mantegna para niños

Nos encontramos ante uno de los grandes artistas del Quattrochento italiano que tiene una personalidad propia a la hora de componer la figura humana, tanto que la hace fácilmente reconocible siendo un pintor con gran influencia no solo en su lugar de residencia sino en toda Italia.


Los orígenes de Mantegna son bastante modestos, aunque tuvo una vida larga para la época, nació en 1431 y murió en 1506, son 75 años de vida y producción artística. Parece que se dedicó al trabajo desde muy joven ya que se dice que cuidaba ganado, pero será a los 10 años cuando acceda a un taller de pintura del artista Francesco Squarcione. Allí se darán cuenta enseguida de su gran talento sobre todo a la hora de realizar el dibujo y la figura humana. 
Con este pintor realizará varias obras, muchos eran encargos que recibía su maestro el cual mandaba a sus discípulos más destacados a realizarlos. El taller se encontraba en la ciudad de Padua, parece ser que en un momento artístico muy destacado, donde los encargos eran muy numerosos e importantes.
Lo que ocurre es que Mantegna se cansó de que su maestro le utilizara tanto a él como a su talento para realizar obras con su nombre y decidió independizarse cuando tan solo contaba con 17 años. 


Esto no ayudó mucho a la relación ni tampoco que Mantegna se casará con la hija de uno de sus rivales pictóricos en la zona, hablamos de Jacopo Bellini. Uniéndose a esta familia contaba con un gran apoyo, los hermanos de su esposa Giovani Bellini y Gentille Bellini serán grandes artistas reconocidos del momento y eso también le sirven a nuestro protagonista para abrir puertas, aunque como decimos ello le costara la relación con su maestro qe ya venía deteriorada de antes.
En 1459 se traslada a la ciudad de Mantua y allí va a residir el resto de su vida, protegido por la familia Gonzaga, que ejercerán como mecenas de muchas de sus obras.
Mantegna tuvo siempre mucho interés por la escultura clásica y dibujaba las formas de las esculturas con gran maestría. Esta influencia se nota en su obra. Se dice que muchas de sus representaciones humanas parecen esculturas que tienen unas proporciones perfectas a las cuales les otorga una gran expresividad. Nuestro artista trata de trasladar la belleza de las obras clásicas a sus pinturas, en las cuales la figura humana tiene un papel esencial.


miércoles, 11 de enero de 2017

El cubismo sintético explicado a los niños

El cubismo pasa por diferentes fases en un cambio constante desde su inicio en el año 1907 hasta su conclusión final, que tiene lugar con el inicio de la primera guerra mundial en el año 1914. Tras esta fecha otros pintores podrán practicar o experimentar con el cubismo, pero ya no se producirán avances ni cambios en esta forma de expresión pictórica.

Pablo Picasso 1914. Naturaleza muerta verde

En las dos fases anteriores teníamos el inicio del cubismo reaccionando de forma fuerte contra la fotografía, eliminaba la tercera dimensión, reducía a lineas los cuerpos de las personas y los objetos y descomponía alguna de las figuras para poder ser observada desde distintos puntos de vista.
La segunda fase es la del cubismo analítico donde se le da una gran importancia a la descomposición, de manera que nos es muy difícil reconocer aquello que se trata de representar, porque la geometrización de descomposición es tan grande que prácticamente parece un cuadro abstracto.
La tercera fase del cubismo estaría representada por el cubismo sintético, que abarca los años 1912-1914, donde Braque juega un papel importante en su inicio, ya que fue él quien comenzó a pegar papeles decorados en la pintura, como si fuera un collage. Es común observar papeles de periódico en las obras de este periodo, así como papeles pintados con diferentes colores, que ayudan a componer su trabajo.

George Braque. Clarinete, guitarra y frutero

Aparecen las líneas curvas frente al hermetismo recto de las fase anteriores.
Si en la fase anterior del cubismo analítico los colores eran completamente planos y en muchos casos se reducían a una gama de grises y ocres, en esta fase los colores serán mucho más vivos con la incorporación de rojos, verdes y azules.
Estas obras son más fáciles de reconocer que las anteriores, si en el cubismo analítico las obras tienden a la abstracción, ahora es posible reconocer los objetos, aunque se reducen solamente a sus partes esenciales, pero es posible que nuestra mente los pueda asociar de forma más simple que en el periodo anterior.
Serán múltiples los objetos que forman parte del collage, hemos citados los papeles de periódico, pero también encontramos cajetillas de tabaco, papeles que decoraban las paredes de las viviendas, partituras de música, cajas de cerillas, cartas de una baraja. Estos elementos se mezclan con otros tradicionales, como los brochazos pictóricos.

George Braque Violeta de Parma

domingo, 8 de enero de 2017

El cubismo analítico explicado a los niños

El cubismo surgió en el año 1907 cuando dos pintores, Pablo Picasso y George Braque, llegarán a la misma conclusión en un momento muy parecido. Aunque los dos están muy próximo en el tiempo será Pablo Picasso el que sea más conocido de los dos, aunque no solo crean un cuadro cubista sino que continúan con unos experimentos similares después de esa fecha.

George Braque. El Portugués

Debemos partir de la base de las características que tiene el cubismo para comprender este movimiento analítico, las aportaciones de este movimiento se centran en: la desaparición de la tercera dimensión, la simplicidad en las formas que se reducen al mínimo y la descomposición de las figuras y objetos para que sean observados desde distintos puntos de vista.
A partir del 1909 Picasso y Braque van a experimentar y avanzar en el desarrollo del cubismo y así surgirán dos tendencias, el cubismo analítico y el cubismo sintético. El primero que es el que a nosotros nos interesa hoy lo primero que hace es reducir la gama de colores, cuando miramos algunos de estos cuadros nos da la impresión de que solo han utilizado el color gris y alguna tonalidad ocre.
Ahora mismo lo importante para ellos es la descomposición de la realidad, tanto de figuras como de objetos. Todo se reduce a formas geométricas que colocadas en el cuadro hacen que sea difícil una identificación de lo que se trata de representar, entre otras cosas porque la tendencia es hacer un cuadro abstracto. Puede ser que algún detalle nos indique algo, una corbata, la nariz de la cara, una botella, las letras de un periódico, pero el resto es completamente ilegible para una asociación mental con algo reconocible. Los puntos de vista se reproducen y en muchos casos se hacen tan pequeños que confunden al espectador.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard

La figura humana dejará de ser el centro de atención y solo se utiliza como una excusa para comunicar, se trata de un mero objeto, difícil de diferenciar del mobiliario, una botella o un periódico que se encuentra sobre la mesa. Pero al mismo tiempo se busca la implicación del espectador que debe indagar y descubrir en el cuadro cuales y como son esos objetos representados. El color, prácticamente monocromo, no ayuda mucho a la identificación.
Hubo diferentes críticas a esta tendencia, sobre todo por parte del futurismo, que decía que le faltaba el movimiento y la velocidad que impregnaban los tiempos modernos. Para ellos este estilo de pintura era demasiado estático. Existirán intentos por unir las dos tendencias como en alguna de las obras de Marcel Duchamp (Desnudo bajando la escalera).
Lo que los futuristas y otros movimientos de vanguardia no podían negar es la influencia que sobre ellos tuvo el cubismo como primer gran movimiento de ruptura con la forma tradicional de pintura que se venía practicando desde el Renacimiento.

George Braque

domingo, 1 de enero de 2017

El artista Jeff Koons para niños

Podríamos decir que Jeff Koons es la ultima arista que forma el cuadrado de los artistas contemporáneos mas cotizados y polémicos de la actualidad. Un grupo que estaría formado por Damien Hirst, Takashi Murakami, Maurizio Cattelan y nuestro protagonista de hoy.


Como ocurre con los artistas anteriores resulta complicado definir la obra de Jeff Koons y decir que trabaja en un estilo concreto. En muchos casos existe una gran cantidad de soportes y materiales utilizados en su trabajo que complican el encasillamiento al que estamos acostumbrados en nuestra sociedad.
Antes de dedicarse profesionalmente al arte trabajó como broker en Wall Street, aunque posee estudios artísticos que realizó en la ciudad de Chicago. Pero fue el dinero ganado en bolsa lo que le permitió abrir un estudio donde poder desarrollar sus ideas, este estudio se encuentra en la ciudad de Nueva York. En principio comenzaron trabajando con él 30 personas, pero han llegado a trabajar allí 160, desarrollando todas las ideas, en muchos casos obras monumentales, pensadas por el artista.


Como ocurre con otros artistas tan famosos la polémica suele acompañar su trabajo, ante algunas de sus creaciones puedes tener la sensación de que el artista nos está tomando a todos el pelo, pero al mismo tiempo se trata del artista vivo que ha logrado mas dinero por una de sus obras en una subasta, se llegaron a pagar 44 millones de euros por una de sus obras, así que esa polémica lo mismo ayuda como siempre a incrementar el valor de su trabajo. De hecho ha colaborado con algunos de los iconos actuales como Lady Gaga para la que diseñó la portada de su disco Art Pop. Estuvo casado con la actriz porno italiana Cicciolina, ahora están separados pero tienen un hijo en común, con ella realizó una sus series fotográficas más polémicas.


¿Donde se encuentra su trabajo? Pues es una pregunta difícil. Podemos decir que el pop es un elemento muy importante, ya que muchas de sus creaciones recurren a objetos tradicionales de consumo, pero la época del pop fueron los años 50 y 60 principalmente, estaríamos hablando de un momento neo pop.Son muy curiosas por ejemplo las creaciones hinchables, de tamaño monumental, que recrean las formas que con globos los payasos crean en las fiestas de los niños o bien los mimos en la calle.
¿Puede el consumo masivo transformarse en una obra de arte? Esta es la base del trabajo de Jeff Koons en el momento en que comienza a desarrollar su trabajo en los años 80, bajo un ambiente en que las necesidades básicas están cubiertas y existe una avalancha de consumo de todo tipo de objetos quizás innecesarios. Serán estos objetos cotidianos y carentes completamente de valor los que integren algunos de sus trabajos. Juguetes, muñecos, figuras de pin-up o el mismísimo Michael Jackson con sus polémicas son algunos de los temas que más observamos en su obra.
Hay quien define su trabajo como conceptual, quizás todos estos objetos sirvan como una máquina de reflexión para una clase media que ve reflejado en la obra de Koons sus manías y obsesiones de conseguir fama, dinero y en muchos casos poder. Otros en cambio califican su obra como minimalista.


domingo, 25 de diciembre de 2016

El Coliseo de Roma para niños

La arquitectura romana es una continua fuente de inspiración a lo largo de la historia del arte. A veces sorprende como estos artífices podían tener unos completos estudios de ingeniería en unas fechas en las que los demás pueblos se encontraban en la ignominia. Pero junto a un sangriento despliegue militar por el mundo, se desarrolló un poderoso avance cultural que abarcaba todo tipo de artes, entre ellas la arquitectura.


El Coliseo de Roma es el anfiteatro de la ciudad, recibe su nombre por una estatua de un coloso que se encontraba cerca del edificio. El que conservamos en la actualidad fue realizado en el siglo I d.c. durante la época imperial. Antes existieron otros pero no se han conservado o han sido destruidos.
Era el lugar destinado para realizar los espectáculos, en muchos casos sangrientos, que tenían lugar en la ciudad de Roma. Fue utilizado en muchas ocasiones como elemento de distracción del pueblo para que no pensaran en cuestiones políticas o militares que tenían lugar en el seno de la ciudad de Roma. Panem et circense es una frase que se ha utilizado para hablar sobre esa distracción ya que regularmente se repartía pan entre los que acudían a ver los espectáculos.
Luchas de gladiadores, luchas entre hombre y animal o entre diferentes animales, carreras de cuádrigas son algunos de los eventos que podían contemplarse en el lugar. Por debajo de la arena se situaba una estructura de madera debajo de la cual había gran cantidad de túneles y celdas donde se situaban los gladiadores y los animales que podían salir al exterior a través de rampas o siendo elevados con otras estructuras de madera, un efecto de sorpresa que cautivaba al público asistente.


El edificio tenía capacidad para albergar a 50.000 personas, quizás una cifra que no dice mucho en la actualidad, pero que se trata de un número descomunal de personas hace dos mil años. Las gradas estaban preparadas para albergar a las diferentes clases sociales, situándose la parte dirigente lo más cerca posible de la arena y los menos afortunados en la parte superior del edificio, los precios eran más baratos cuanto más alto y lejano te encontrabas de la arena.
Durante la Edad Media dejó de utilizarse y muchas de sus piedras se cogieron para formar parte de otros edificios, aunque si se conserva es gracias a que se paró este expolio debido al gran número de cristianos que fueron martirizados en el lugar y que fuera considerado como un cementerio que debía recordar a todos esos muertos.
Arquitectónicamente es un prodigio de la ingeniería. El edifico contaba con un despliegue de todo tipo de arcos y bóvedas que se situaban a lo largo de los cuatro pisos que tenía el edificio, mas el subsuelo, que, como hemos dicho, se encontraba repleto de galerías y habitaciones. Al exterior se podían apreciar cuatro pisos que respetaban la disposición clásica en las columnas y pilastras que lo adornan. Así en el primer piso de disponían columnas de orden toscano (muy similar al dórico) que separaban los arcos de medio punto que lo componían, en el segundo piso las columnas eran de orden jónico, en el tercero corintio y en el cuatro no existían arcos sino estructuras cegadas y el orden de las columnas era compuesto (es decir una mezcla entre jónico y corintio). Esta estructura se repetirá en la época clásica del renacimiento cuando las obras traten de imitar la arquitectura griega y, sobre todo, romana.


domingo, 18 de diciembre de 2016

Tradiciones de la Biblia. El craneo de Adán

Dentro de la Biblia existen una serie de historias que no aparecen reflejadas en el libro pero que se han ido transmitiendo de padres a hijos por tradición oral. Algunas de ellas han llegado hasta nosotros y han pasado a formar parte de la tradición artística, ya que han sido reflejas en diferentes obras a lo largo de la historia del arte.

El cráneo de Adán en la crucifixión de Andrea Mantegna

La historia que hoy contamos tiene que ver con ello y hace referencia al cráneo y los huesos que se observan bajo la cruz de Cristo cuando se hace una representación de un crucificado. Según esa tradición el monte Golgota, el lugar de la crucifixión era un cementerio, esa puede ser una de las razones de la aparición del cráneo y los huesos.
La historia dice que cuando Adán murió, sus descendientes le colocaron una semilla en la boca y lo enterraron en ese lugar, de esa semilla nació un árbol, en ese árbol encajaron la parte superior de la cruz que portaba Jesús y cuando a este lo crucifican, el peso de su cuerpo hace que de la parte inferior surjan un cráneo y unos huesos, que serían los del propio Adán.

Tríptico del Calvario en el Museo de Bellas Artes de Sevilla

Sin duda se trata de una alegoría de la vieja alianza, que Dios hizo con Adán y la nueva alianza, que representa Jesucristo, el nuevo pacto implica que las puertas del cielo, cerradas hasta ese momento, por enfado de Dios con el hombre, vuelven a estar abiertas para todo el mundo, judíos y gentiles. La figura de Cristo por encima de Adán simboliza el triunfo de esta nueva alianza, que deja atrás los huesos de la antigua.
Decimos que es una tradición y por tanto hay diferentes versiones, por ejemplo hay quien afirma que el cuerpo de Adán  fue trasladado por Sem y Melquisedec, fueron a buscarlo al Arca de Noe, donde se encontraba y los trasladaron a la Golgota, guiados por ángeles. Junto al cráneo de Adán, también trasladaron el cráneo de la serpiente que tentó a los primeros padres en el paraíso. Con este texto podemos apreciar otra versión de la historia.
Esta imagen del cráneo y en ocasiones los huesos de Adán, se repite de forma constante en la iconografía tradicional. Es común observar este cráneo bajo la cruz de la que cuelga Cristo o al lado de la misma, como podemos ver en las pinturas y esculturas que incluimos como ejemplo. Suele ser lo más habitual en la representación de este tipo de imagen, desde la Edad Media hasta nuestros días.

Jose María Subirats. Crucifixión. Basílica de la Sagrada Familia. Barcelona

miércoles, 14 de diciembre de 2016

Gerard Richter para niños

El artista alemán que hoy nos ocupa es una de las figuras más importantes de la pintura posterior a la segunda guerra mundial que, a día de hoy, todavía se encuentra vivo y reside en la ciudad alemana de Colonia.


Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Gerard Richter diremos que ha tenido una vida bastante ajetreada durante su infancia y su juventud. Debemos recordar que nació en el año 1932, así que siendo un niño le tocará vivir algunos de los rigores del nazismo y la segunda guerra mundial. Su propio padre tuvo que luchar en el frente oriental y estuvo como prisionero durante bastante tiempo, una de sus tías murió en un programa nazi de eutanasia y esterilización, uno de esos que buscaban la supremacía de la raza en una locura sin fin.
Asimismo después de la guerra se encontraba en la parte oriental de alemania y tuvo que cruzar con su esposa al otro lado pocos días antes de que se iniciara la construcción del muro de Berlín, una barrera que se lo habría puesto muy difícil si decide hacerlo unos días más tarde.


La pintura de Gerard Richter pasa por varias etapas, pero quizás sea su comienzo lo más interesante, donde se adscribe a una corriente que tiene que ver con el expresionismo abstracto. Los horrores y atrocidades cometidos durante la guerra le hacen perder la confianza en el ser humano. No hay más que pensar en algunas de las cosas que los nazis hicieron para darse cuenta de lo cruel y vil que se puede llegar a ser. El hombre es un animal cargado de bondad, si quiere, porque también es capaz de los mayores horrores que podamos imaginar. Este segundo aspecto es el que predomina en la ideología nazi y en la gran mayoría de sus seguidores, cegados por un fanatismo que solo causó dolor y millones de muertos, en el campo de batalla y fuera de él.
Toda esta explicación tiene conexión con un tipo de pintura abstracta, violenta, con grandes brochazos y descargas de pintura sobre el lienzo. Así se componen una serie de cuadros cargados de rabia y dolor, por las cosas que han sucedido, por aquello que se va descubriendo en los campos de concentración y que harían avergonzarse a cualquiera.
Richter a lo largo de su larga carrera artística se ha visto seducido por otros movimientos, como por ejemplo la tendencia del arte pop en los años 60 y también por el minimalismo durante la década de los 70, aunque desde el año 1976 su obra es mayoritariamente abstracta, exceptuando algunos bodegones y paisajes.
Paneles de vidrio y espejos también se incluyen en sus obras abstractas y le dan un ambiente extraño, diferente, como un reflejo de un espectador que participa de la tensión que genera la pintura, tratando de incluirlo en el cuadro.