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domingo, 19 de agosto de 2018

La tumba del rey Juan II e Isabel de Portugal

El lugar de descanso eterno de estos reyes de Castilla y León está en la ciudad de Burgos, concretamente en la Cartuja de Miraflores, donde fueron trasladados sus cuerpos por orden de su hija, la reina Isabel la Católica.


Ni el rey ni la reina fallecieron en la ciudad de Burgos, además hay bastante diferencia en las fechas de fallecimiento de uno y otro. El rey Juan II falleció en 1454, cuando la reina Isabel contaba con tan solo 3 años de edad. La reina, segunda esposa del Juan II, falleció en el año 1496 en la ciudad de Arevalo que pertenece a la provincia de Ávila.


Pero antes de esa fecha concretamente en 1486 la reina Isabel aprobó el proyeecto de construcción de la tumba que había encargado al escultor Gil de Siloe. No será la única obra que realice en este lugar ya que Gil de Siloe también realizó el retablo de la Cartuja y también la tumba del infante Alfonso, hermano de Isabel que falleció en unas circunstancias extrañas en la ciudad de Ávila. Alfonso quizás fuera envenenado por intereses políticos.
Gil de Siloe era un escultor extranjero, había venido a España como otros muchos artistas que habían llegado atraídos por el lujo de la corte castellana. Este artista, pese a que en España era lo normal en escultura trabajar en madera, también sabía manejar los materiales duros. De hecho el sepulcro que nos ocupa está realizado en alabastro, un material ajeno a la tradición española.
El sepulcro tiene forma de estrella de ocho puntas. Cuenta con decoraciones de personajes en cada una de sus puntas que incluyen representaciones de santos, apóstoles o evangelistas, que aparecen representados en las esquinas mayores.
Los reyes aparecen representados en la parte superior. El rey sujetaba un cetro con su mano derecha, mientras que la reina aparece leyendo un libro.
Hay que destacar el virtuosismo y el buen hacer del artista trabajando este material. Podemos apreciar diferentes detalles de calidad tan pequeños como difíciles de realizar. No tenemos más que observar los trajes con los que se encuentran ataviadas las esculturas o bien observar las manos, los pliegues de los guantes o los anillos que llevan en algunos de sus dedos.


domingo, 12 de agosto de 2018

El segador obra desaparecida de Joan Miró

El Guernica de Picasso es la obra estrella que pintó el artista malagueño ttras ser nombrado director del Museo del Prado en Septiembre de 1936. El destino del trabajo era la exposición universal que se celebraba en París en 1937 y que aparecería junto a otros trabajos de artistas españoles como Joan Miró, José Gutiérrez Solana, Julio González o Guillermo Ciruelos entre otros.
El pabellón mostraba al mundo los horrores de la guerra y la lucha del gobierno republicano contra el fascismo.


Picasso y Miró serían los artistas más representativos de la muestra, pero la obra de Miró llamada "El Segador" desapareció tras la celebración de la exposición. La obra, junto al Guernica, debía viajar por Europa, para recaudar fondos para la causa republicana.
Acabada la exposición el Guernica comenzó la gira mientras El Segador desapareció. Miró lo pinto directamente sobre la pared del edificio así que pudo ser destruido con el resto del pabellón. Algunas personas dicen que fue dividido en seis partes y trasladado a Valencia, sede en ese momento del Museo del Prado, aunque nunca llegó a su destino.
Los únicos testimonios conservados de la obra son en blanco y negro.


Durante la guerra civil algunas pinturas de Miró aumentan la presencia de color negro y la alegría de los colores de sus obras no aparece en este momento, sirvan como ejemplos obras como Hombre y Mujer frente a un montón de excrementos o bien Naturaleza Muerta con Zapato Viejo. Así que deberíamos estar ante una obra con un colorido similar a estas pero con un tamaño mucho mayor.
La obra representa un personaje hendido en la tierra y tocado con una barretina que intenta alcanzar con su mano una estrella como símbolo de libertad, mientras con la otra mano sujeta una hoz. 
Decía Miró hablando de la obra que "el campesino simboliza la fuerza, la independencia y la resistencia. La hoz no sería el símbolo comunista sino su herramienta de trabajo y su arma porque ve amenazada su libertad". 
La obra también se conoce como "El payés catalán en rebeldía". Su tamaño era de 5.50 metros de alto por 3.65 metros de largo.
La postura política de Miró tampoco parece muy clara pese a participar en este proyecto. Huiría de España en 1936 debida al asesinato de un familiar por unas milicias republicanas. También abría recibido amenazas de muerte de los anarquistas. Regresaría a España en 1940 sin ser cuestionado por el fascismo, quizás la fama del artista fue suficiente para que el régimen de Franco no preguntara por su pasado. Miró se integró en el ambiente cultural de la época tanto en Barcelona como en Mallorca. Colaboró con el régimen de Franco en diferentes exposiciones en el exterior o campañas de promoción como las realizadas tras la dictadura como una imagen para el mundial de futbol de 1982 o la que servía para promover el turismo en España. El propio Miró presumía que "para el rey y para el gobierno todo gratis".


domingo, 5 de agosto de 2018

¿Cómo traducir una obra de arte?


El papel del traductor es tremendamente complicado. No se trata solo de traducir un texto sino de expresar con las palabras adecuadas del idioma lo que dice el original. Walter Benjamin escribió un texto temprano en el que hablaba de la tarea del traductor en el año 1921 donde alude a la complejidad que supone captar el espíritu de las palabras que han sido expresadas en el texto primitivo.


Las palabras no significan lo mismo en distintas lenguas ya que el sentido que se puede dar a las mismas las eleva a un referente casi espiritual que los traductores deben tratar de captar cuando se enfrentan a un texto. Un día cuando trabajaba en un museo de arte contemporáneo llegó una traducción del alemán sobre un artista que íbamos a exponer, el director cambió parte de la traducción y no tenía ni idea de alemán, quizás el camino por el que iba la traducción no estaba acorde con las ideas del artista.
Vamos a imaginar que estamos traduciendo un texto griego clásico al lenguaje actual. Lo primero que debemos hacer es conocer la forma de pensar de esta gente, cuáles eran sus inquietudes, en que creían, cuáles eran sus miedos y temores. Además los griegos por ejemplo no expresaban situaciones en pasado ni en futuro porque vivían el presente, el futuro era tan incierto que no se podía preveer y el pasado casi parecía un presente continuo. Así que cuando traducimos un texto griego clásico deberíamos tener en cuenta todos estos factores porque quizás no estamos haciendo una correcta interpretación de lo que el texto intenta transmitir.


Normalmente para las personas que se dedican a la fotografía de arquitectura se recomienda conocer perfectamente la historia del edificio, si el arquitecto está vivo hablar con él para que nos comente cuales son los mejores puntos de vista o si eso no es posible empaparnos tanto de las circunstancias históricas y el estilo artístico al que el edificio pertenece. Cuando tomamos una fotografía del edificio no estamos haciendo una copia sino una interpretación que debería ser capaz de transmitir el espíritu del edificio, transmitir la información suficiente para que el espectador pueda tener acceso a algo más que una bonita fotografía.
Con una obra de arte sucede lo mismo, para poder admirarla deberíamos conocer los detalles relativos a la misma. No se trata solo de acudir al museo porque queremos ver el original de uno de los grandes iconos del arte y hacernos un selfie para informar a todo el mundo que hemos estado allí. Cuando estamos frente a un icono del arte el silencio y la reflexión sería importante para poder apreciar cada uno de estos detalles. A veces esta situación es difícil. Si estamos frente a la Gioconda parece imposible intentar traducir lo que la obra quiere decirnos, el número de filas, cámaras y palos de selfie a esquivar para llegar a la obra hacen que nuestra tranquilidad no sea la adecuada. Pero sería bueno poder tener esos momentos y poder apreciar las características del expresionismo en El Grito de Munch, los entresijos del ataque a la ciudad de Gernica en la obra de Picasso o el ideal de belleza representado por Sadro Boticelli en El Nacimiento de Venus.
Así que frente al arte debemos actuar como traductores que interpretan las obras, que son capaces de conocer la historia, el estilo del cuadro y las circunstancias por las que el autor la realiza. La didáctica parece esencial para una perfecta comprensión de cada trabajo que incite a una reflexión y nos lleve a descubrir la originalidad que hace a ese trabajo completamente diferente a otros.
La persona que acude a un Museo lo hace como un traductor, un receptor que asume el mensaje y amplia gracias a ello su bagaje cultural.



domingo, 29 de julio de 2018

¿Como crear una obra maestra?

Parte de lo que vamos a desarrollar en este texto se basa en lo escrito por Francesca Bonazzoli en un ensayo titulado ¿como nace un icono? que fue publicado en un libro que incluye algunas de las obras más conocidas de toda la historia del arte. El libro lleva por título De la Mona Lisa a los Simpson.
¿Como se transforma una obra de arte en un icono? ¿Por que se forman largas colas en un museo para verla?


Una obra de arte necesita cuatro elementos para ser famosa: lo que se dice de ella, cómo se dice, quién lo dice y dónde se dice. Aunque por si solo no es suficiente ya que influyen otros factores como la historia, sociología, psicología o religión.
Antiguamente se veneraban las reliquias de santos y la gente se desplazaba para contemplarlas, ahora veneramos obras de arte, viajamos para verlas y las protegemos. Antes se depositaban las reliquias en iglesias ahora utilizamos museos. Los museos son los nuevos templos de la historia del arte, donde las obras se contemplan con una veneración casi mística, acompañadas de un silencio que nos invita a la oración.
Para una obra es importante el lugar donde se encuentra depositada, no es lo mismo estar en el museo del Prado en Madrid que en un museo perdido de la ciudad de Oulu en Finlandia. La Mona Lisa fue robada del Louvre en 1911 y también fue posesión de numerosos monarcas franceses acumula fama. Una ubicación prestigiosa ayuda mucho a incrementar la fama.
Otro factor determinante para la fama de la obra es el autor y los mitos que existan sobre él. Pensemos por ejemplo en Caravaggio o Modigliani y una vida atormentada por el alcohol y las drogas antes de llegar a su fin.


Si existe duda sobre la autoría de la obra esta pierde por completo el valor y la admiración del público. El artista se ha convertido en una marca que por si solo da prestigio a la obra. 
La forma de ser del artista también influye en la obra, el éxito de las obras de Andy Warhol o Salvador Dalí es parejo a la personalidad de estos artistas.
Lo que se dice de una obra también es importante. Aquellos detalles o circunstancias que conocemos de ellas. Por ejemplo sobre la maja desnuda de Goya sabemos que existe una historia de engaño y desamor o incluso el nombre y apellidos de la persona representada.
Los años 60 son clave para la difusión de las imágenes y el fácil acceso a exposiciones y museos suponen una amplia expansión al alcance de todos. Carteles, televisión, cine, hacen que veneremos las imágenes. Es el momento en el que surgen algunos iconos. La reproducción masiva de imágenes como decía Walter Benjamin han aumentado su magnetismo sagrado y el deseo de peregrinar para ver con nuestros ojos el original porque no es lo mismo que la reproducción.


La copia y la versión también contribuye a la expansión del mito. pensemos en la gran cantidad de imágenes de la Gioconda que tenemos actualmente o incluso de la cara del Che Guevara como icono de no se sabe muy bien qué.
Algunas imágenes servirán para anuncios de publicidad, algo que será aprovechado desde los años 60 cuando el arte se apropia de la publicidad tal como hizo Andy Warhol en sus obras.
La iconografía creada por los artistas también ayuda a la repetición y asociación de algunas imágenes que para nosotros son icónonicas, La Piedad de Miguel Angel puede ser un buen ejemplo o bien la Creación de Adan de este mismo artista, que se repite en la posición de manos de La Vocación de San Mateo de Caravaggio o el dedo de la película ET.
La religión del arte no distingue fronteras ni continentes sino que aparece como la primera religión planetaria.


domingo, 22 de julio de 2018

La inspiración de Elmer de David McKee

El cuento de Elmer es una de las obras más vendidas en todo el mundo, en una de sus últimas ediciones había alcanzado los 8 millones de ejemplares vendidos, lo que nos da una idea del alcance y repercusión que ha tenido esta obra hasta el momento.


La historia de Elmer tiene que ver con la diversidad y sobre todo con la educación en valores que cada persona tiene que tener. Elmer es un elefante cuya piel esta llena de cuadrados de diferentes colores. Él no está contento con esa situación porque el resto de los elefantes tienen la piel de color gris oscuro mientras que la suya no es así. Ser diferente le hace sospechar del resto de sus compañeros que piensa que hablan más sobre él solo por el hecho de ser distinto cuando en realidad es un compañero apreciado y querido en su comunidad.


Entonces escapa a la selva en busca de un árbol con cuyos frutos puede teñir la piel de color gris. Al regresar se da cuenta de que todos sus compañeros se encuentran bastante tristes porque le echan de menos. Una repentina tormenta hace que desaparezca el color teñido que llevaba en su piel y vuelva a ser el elefante con multitud de colores de nuevo. Sus compañeros le quieren y le aceptan tal como es.
El mensaje es maravilloso ya que ahonda en uno de los temas de mayor debate de nuestra sociedad, hablamos de la diversidad.


Para realizar la figura de Elmer, el autor del cuento se inspira en alguna de las obras que realiza el artista suizo afincado en alemania Paul Klee. No existe otro artista más preocupado por la distribución del color en sus obras. Digamos que el color para Klee era una obsesión y se muestra como un autentico estudioso del mismo en las primeras décadas del siglo XX. Los matices que encontramos en sus trabajos casi no los ha conseguido ningún otro artista.
Fue profesor de teoría del color durante 10 años en la Bauhaus alemana, concretamente entre los años 1921 y 1931. Nosotros aprendemos desde niños cuáles son los colores básicos pero dentro de cada uno de los colores existen tantos matices que podemos crear una lista infinita, como las opciones que encontramos en cualquier empresa de diseño o los colores individualizados que podemos crear en una tienda de pinturas.


En sus obras observamos que algunos colores se oponen a otros, el rojo, por ejemplo, se opone al verde, el naranja al azul y el amarillo al violeta.
Estas teorías del color que explicaba Paul Klee a sus alumnos las aplicaba en muchas de sus pinturas y, como vemos, sirven de inspiración para la creación de uno de los personajes más populares de la actualidad, el elefante Elmer. Klee es un pintor que conecta perfectamente con el trabajo de los más pequeños. Sus complicadas teorías son motivos de inspiración para composiciones simples, como las que puede realizar cualquier niño.


domingo, 15 de julio de 2018

Pioneros de la fotografía. William Henry Fox Talbot

Estamos ante el tercero de los padres de la fotografía. Tras revisar los avances realizados por los dos anteriores, hablamos de Nipece y Daguerre, vamos a tratar de desgranar como obtenía las fotografías Talbot, ya que imprimía directamente en papel en vez de utilizar un placa como será el método habitual.

Latticed Window

Talbot había nacido en el año 1800, así que se encuentra en una fecha similar a los dos anteriores para progresar con sus descubrimientos. Era una persona que había destacado por sus avances en botánica y química. Recordemos que al principio la fotografía tiene mucho que ver con la química, se trata de encontrar los elementos necesarios para fijar la imagen en una placa y después en papel fotográfico.
Nuestro artista empezó trabajando directamente con papel húmedo alternando soluciones comunes de sal y soluciones de plata, Con este método era capaz de obtener una imagen negativa por cada contacto. 
Una de sus primeras imágenes obtenidas es del año 1835 y lleva por título "Latticed Window" .
Mezclaba nitrato de plata y ácido gálico para desarrollar la imagen. La imagen cambiaba de una imagen impresa sobre el papel a desarrolla sobre el papel.
El nombre de este procedimiento es Collotipo. La novedad es que no usa una placa de plata o de cobre como hacía Daguerre sino que se imprime directamente sobre papel. Eso convierte este método en mucho más barato y también en un transporte más fácil porque la cámara oscura que incluye el papel pesa bastante menos. 


Para obtener la imagen sumerge el papel en una solución de sal común, luego se seca el papel y se extiende una solución de nitrato de plata en un 20% y se seca otra vez. El papel entra en contacto con la imagen que queremos reproducir y se expone al sol, la imagen aparece en segundos. La parte trasera tarda unos dos minutos en hacerse visible. Obtenemos así una imagen en negativo que en contacto con otro papel finalmente se convierte en positivo. 
El gran problema que tiene el collotipo es el largo tiempo de exposición que necesita, requiere entre una hora y a veces un día entero. Este largo tiempo de exposición lo hace inviable para el desarrollo de la fotografía, aunque tenemos alguno de los artistas del siglo XIX que lo van a usar para realizar retratos, como le ocurre a David Octavius Hill.
Ahora, si observamos las imágenes obtenidas con un collotipo son más nítidas y se aprecian mucho más detalles que con un daguerrotipo, pero claro, esperar a veces todo un día para un ser humano resulta casi imposible, mientras que destaca mucho el collotipo en la realización de paisajes.


domingo, 8 de julio de 2018

El grafitero Banksy para niños

Uno de los hechos más destacables de la biografía de Banksy es que no conocemos su identidad. En sus numerosas apariciones públicas todavía no se ha logrado adivinar quién es o de que persona se trata. Lo que se viene diciendo de forma habitual es que habría nacido en el año 1975 en la ciudad inglesa de Bristol donde todavía reside. Algunos se atreven a afirmar que es alto y rubio.


Comenzó a realizar sus trabajos a mediados de los años 90, en principio en la ciudad de Bristol y otras ciudades inglesas, entre ellas en Londres, donde algunas de sus obras se hicieron famosas. Desde allí sabemos que ha trabajado en algunas de las principales ciudades del mundo, donde ha pintado alguno de sus grafitis.
Sus obras reflejan una crítica importante a la sociedad y también a los medios de comunicación de masas, que dominan en la actualidad la voluntad de muchas personas. 
Resulta curioso que se mantiene un importante misterio en torno a su persona y eso es importante porque el grafiti callejero tiene algo de vandálico y por tanto fuera de la ley. Pero al mismo tiempo este artista ha realizado exposiciones en galerías y museos, lo que significa que se encuentra perfectamente integrado dentro del sistema del arte y ganando dinero con la venta de sus obras o de algunos de los libros que ha escrito. Estas dos situaciones no combinan bien, o eres un rebelde outsider o eres un artista que respeta las normas del sistema, pero las dos cosas a la vez solo le han acarreada críticas. Pero también es cierto que juega con esa dualidad para de esta mera conseguir una mayor repercusión.


Se dice que en una fotografía es importante mantener cierta tensión y misterio. Algo parecido pasa con la personalidad de Banksy. Se mantiene la incógnita de su identidad (algo extremadamente complicado en el mundo en que vivimos) y eso le ayuda que sus trabajos tengan más repercusión, se hable de ellos y finalmente sea conocido en todo el mundo. Este hecho (como los bigotes de Dalí) solo le proporciona beneficios a nivel económico y personal.
Muchas de sus obras tiene influencia de la estética punk,que él nunca ha negado. Ese movimiento de protesta y lucha contra el sistema que surge en Inglaterra a finales de los años 70 como consecuencia de un importante crisis, que dejó el país regado de desempleo y falta de fe en un sistema que  abandonaba a sus trabajadores a su suerte. Quizás de ahí venga la idea de incluir texto en muchos de sus trabajos, como si fuera un cartel que ayuda a llamar la atención en una manifestación.