domingo, 17 de febrero de 2019

La apropiación en la obra de arte

Quizás las diferencias entre la apropiación y la copia sean muy pequeñas. En la historia de la evolución humana la copia se ha dado siempre y son las pequeñas variaciones sobre esa copia lo que han hecho que la humanidad pueda avanzar. Los avances científicos ya no se avergüenzan de mostrar claramente cuáles han sido sus fuentes de información y los cambios que sobre esas bases se han producido para poder crear algo nuevo.


Hay diferentes artistas que han usado la apropiación como forma de expresión. Algunos de los trabajos realizados en vídeo por el artista Christian Marclay están formados por diferentes fragmentos de películas famosas en las que sus personajes realizan la misma acción en cada uno de ellos, puede ser por ejemplo observar la imagen de un reloj como podemos ver en The Clock o bien diferentes personas que marcan números en aparatos telefónicos como ocurre en la obra de 1995 llamada Telephones. La pregunta es si podemos considerar una obra original este tipo de trabajos ya que en realidad son un refrito de otras creaciones ya realizadas. 
Estas ideas chocan con aquello de lo que hablaba Walter Benjamin sobre el aura que toda obra de arte debería tener. En buena parte se ha perdido la originalidad. Actualmente esa idea está completamente olvidada ya que la copia se ha institucionalizado. Antes incluso la copia pese a serlo tenía algo de originalidad porque había sido realizada por alguien diferente al original, podría incluso tener diferentes matices. En la actualidad en muchos casos es imposible ya que la reproducción digital y la distribución de archivos hacen que la copia sea exacta. Pese a ello Agustín Fernandez Mallo en su libro Teoría general de la basura afirma que la copia exacta también se considera un original y como tal la utilizamos para en algunos casos transformarla.  Lo que hace valioso una copia es aquello en lo que se diferencia del original (que puede ser por ejemplo el tipo de soporte) y al mismo tiempo lo que le hace igual a este. 


Cuando Marcel Duchamp pinta unos bigotes a la imagen de la Gioconda, se está apropiando de una de las imágenes más icónicas de la historia del arte. Pero también con ese gesto transforma su imagen, de forma irónica, con un gran espíritu provocador, intentando buscar una reacción en el espectador. El propio autor decía que se transforma totalmente porque el rostro de una mujer pasa a convertirse en el de un hombre con ese atributo por encima de sus labios.
Pensemos en el propio Pablo Picasso, si hacemos un repaso a una de sus obras más emblemáticas Las Señoritas de Aviñón 1907 encontramos cantidad de influencias y posiciones en las que se inspira para componer la obra. ¿Se trata de copias? Pues en muchos casos parece que si pero también hay que reconocer que la mezcla le sale original. La eliminación de la tercera dimensión y Cezanne, las posiciones de los brazos con El Baño Turco de Ingres, las máscaras africanas y la inspiración en algunas piezas del arte ibérico, los ojos grandes y almendrados igual que los que observamos en las pinturas románicas de las iglesias del Vall de Boi y la simpleza en la composición de la mayoría de los cuerpos y objetos que aparecen en la obra. Citamos autores para reafirmar esta teoría de la apropiación y al mismo tiempo el avance que supone la primera obra cubista en la historia del arte superando la fotografía y ofreciendo distintos puntos de vista. 
Se trata como dice Agustín Fernández Mallo de un territorio común donde confluyen lo propio y lo ajeno. Es un hecho innato a la evolución del conocimiento.


Quizás fue el arte pop el que más utilizó la copia sin ningún pudor. En algunas de las obras de Andy Warhol podemos observar que se puede copiar cualquier cosa sin que por ello se produzca un menoscabo de la obra original. Algunos artistas pop españoles como el Equipo Crónica no solo utilizan estos elementos sino que copian descaradamente algunos de los detalles que introduce Andy Warhol en sus obras incluyendo algunos elementos icónicos de la cultura española que hacen referencia a grandes cuadros de la historia o héroes del comic hiperconocidos por la juventud española. 
Más que apropiación podríamos hablar de traducción. Cuando Duchamp lleva un urinario a un museo lo que hace es traer un objeto y llevarlo a un lugar diferente de su disposición habitual, transformando por completo su significado. Se traduce de esta manera y se percibe de forma diferente, indudablemente al traducir se pierde cierta información y se genera otra nueva. Es algo que ocurre con cualquier texto pero que también podemos aplicar a cualquier obra de arte u objeto incorporado a una exposición. 


domingo, 10 de febrero de 2019

El pintor de bodegones barroco Luis Meléndez

Vamos en situarnos en la época en la que trabaja este artista al que calificamos como pintor barroco, que trabaja en el siglo XVIII ya que nació a principios de este época 1716 y vivió hasta el año 1780. Tuvo una vida bastante difícil pasando muchas dificultades pese a ser actualmente uno de los pintores más conocidos y considerado en el género del bodegón.


Nació en Italia, concretamente en Nápoles, aunque debemos aclarar que Nápoles era un territorio español en ese momento. El caso es que su padre se había marchado a ese lugar buscando oportunidades para su obra, ya que también era pintor. Al poco tiempo de nacer su hijo regresó a Madrid donde se estableció el resto de su vida.
Suponemos que fue su padre el que le transmite los primeros conceptos pictóricos, aunque sabemos que nuestro artista asistió al taller de Louis Michel Van Loo, artista de origen francés que había llegado a España para trabajar como pintor de cámara, concretamente con el cambio de dinastía tras el fallecimiento del rey Carlos II. El nuevo rey Borbón, Felipe V, era de origen francés que contrató algunos pintores también franceses para trabajar en la corte.
Acudió como alumno a la recién creada Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde su padre había sido nombrado director de pintura y sería allí donde comenzó a trabajar la naturaleza muerta que estaba siendo promocionada junto a otras disciplinas en esta escuela.


Como dijimos no tuvo una vida fácil, se marchó a Italia buscando fortuna, pero no le fue bien, regreso a España cuando tras la quema del Alcázar los reyes reclamaban todo tipo de obras para paliar el desastre que había ocurrido en ese lugar donde se perdieron multitud de obras.
Entre 1759 y 1774 trabajó en más de 30 bodegones que pasarían a formar parte de la colección del futuro rey Carlos IV. La gran mayoría de ellos se conservan en el Museo del Prado.
Tenemos que tener en cuenta que el bodegón se encuentra muy unido a la tradición española del barroco. No tenemos más que pensar en artistas como Juan Sánchez Cotán que se muestra como un gran artistas avanzado de este género. También Francisco de Zurbarán dedicó varias obras al mismo. Aunque el bodegón está presente en muchos de los trabajos realizados por los grandes artistas barrocos. Diego Velázquez utilizaba el bodegón en muchas de sus obras de primera época. José de Ribera también daba una tremenda importancia a este género en muchos de sus trabajos. Todos trataban de dotar de un gran realismo fotográfico tanto a los objetos como los alimentos que suelen aparecer en las obras. 
Para Meléndez la influencia de la luz es muy importante en sus obras, el color de las frutas que aparecen o los brillos tanto de la cerámica como de los objetos metálicos son de una gran importancia en sus obras. Le atraían las obras  que trataban la vida cotidiana frente a los grandes temas tratados por otros artistas de su época.


domingo, 27 de enero de 2019

La escalera dorada de la Catedral de Burgos

Es una de las mejores obras del renacimiento en España situada en la nave de crucero de la Catedral de Burgos. Es una obra realizada posteriormente a la construcción de la Catedral. Burgos es una catedral gótica clásica del siglo XIII, la segunda que se construye en España tras la Catedral de Toledo. Es cierto que la obra de Burgos tuvo fuertes reformas en el siglo XV cuando se añadieron por ejemplo el cimborrio de la Catedral o diferentes capillas que llenaron este edificio de bóvedas estrelladas. 


La zona de la catedral donde se sitúa la escalera tiene que salvar un desnivel de ocho metros entre la puerta de acceso (llamada Portada de la Coronería) y el suelo de la Catedral. Debía existir otra forma de acceso anteriormente a la construcción de esta escalera aunque no sabemos nada de ella.
La obra se encargó a uno de los mejores arquitectos del renacimiento español, se trata de Diego de Siloe hijo de Gil de Siloe, artista de origen extranjero que había trabajado profusamente en la ciudad, con magnificas obras en la Cartuja de Miraflores, donde realizó el retablo y los sepulcros de familiares de la reina Isabel la Católica. 
Diego de Siloe nació y se formó en España, su padre era un artista del final del gótico, pero su hijo ya se encuentra trabajando en pleno renacimiento. Además completó su formación en Italia, lo que le lleva a ser uno de los arquitectos más clasicistas que tenemos en España.

Escalera Biblioteca Laurentina de Miguel Ángel 

Posee obras tanto de arquitectura como escultura, destacando la Catedral de Granada, la Iglesia del Salvador de Úbeda o el Palacio Fonseca de Salamanca, por citar algunas de ellas. Como escultor sabía trabajar los materiales duros como el mármol o el alabastro. 
La obra de la escalera se realizó en torno al año 1520 y tiene semejanzas con obras italianas como la escalera de la Biblioteca Laurenciana que realizó Miguel Ángel en Roma. También Bramante había realizado una escalera en espiral en el Museo Vaticano de Roma. Tiene un tramo recto que se divide en dos tramos a derecha e izquierda que vuelven a juntarse en la parte superior que ya comunica con la puerta. La preciosa barandilla está cargada de adornos de todo tipo, flores, cabezas de ángeles y bichas entre otras cosas. 

Escalera de Bramante. Museos Vaticanos 

domingo, 13 de enero de 2019

El retrato de Inocencio X para niños

Estamos ante uno de los numerosos retratos que pintó el artista sevillano Diego Velázquez a lo largo de su vida, ya que en la corte de Madrid realizó esta técnica no solo con miembros de la familia real sino con nobles e incluso algunos de los bufones que trabajaban en la corte.


Es posible que este retrato esté pintado durante el segundo viaje a Italia que realiza el pintor. Este viaje tuvo lugar entre los años 1649-1651, veinte años después del primero. Su misión era mas que nada diplomática y cultural, aunque no parecía previsto que estuviera dos años en el país transalpino.
En este momento es posible que realizara otros retratos de personajes que se encontraban en la ciudad de Roma. Se ha especulado con la idea de que el Papa Inocencio X tenía dudas sobre la valía de Velázquez como pintor y le hizo presentar otros retratos para apreciar si realmente merecía la pena posar para él. Así se conservan retratos del propio esclavo de Velázquez, llamado Juan de Pareja y que sería pintor del rey una vez que su maestro, mentor y dueño falleciera. También se conserva un retrato que fue adquirido por el Museo del Prado en el año 2003 y que se ha revelado hace poco tiempo como el barbero del Papa, habría sido realizado en ese momento, aunque como digo existen dudas sobre si estos retratos se hicieron con anterioridad o posterioridad al de Inocencio X.
Sea como fuere el Papa, que había conocido a Velázquez en 1625 cuando era Nuncio Papal y viajó a Madrid, posó para él en 1650. Parece que el retrato fue de su agrado pues al verlo terminado exclamó que era "muy realista".
Si pensamos que Velázquez penetra con sus retratos en la personalidad de la persona que posa, quizás con este retrato podríamos afirmar que el Papa da impresión de ser una persona soberbia, muy estricto, poco aficionado a las bromas. Parece que está mirando al espectador por encima del hombro, mostrando en su mano derecha el anillo que le reconoce como Papa. Estamos ante una figura superior y esa es la impresión que debe dar cuando miramos este retrato.
El retrato se encuentra en la Galería Doria Pamphili de Roma que pertenecía a la familia del Papa. 
Comparado con las obras de primera época del artista podemos apreciar que Velázquez en esta época pinta de una manera muy suelta, moviendo excesivamente la muñeca para extender el pincel. Pese a ello consigue un realismo similar al que tenía en sus primeros cuadros donde el detallismo y el realismo fotográfico era parte importante de su trabajo. 

domingo, 30 de diciembre de 2018

La Alcazaba en la Alhambra de Granada

Dentro de el complejo de La Alhambra diferenciamos tres partes que serían construidas en momentos diferentes de lo que sería el último reino musulmán en España antes del 2 de Enero de 1492, fecha en la que los Reyes Católicos tomaron finalmente la ciudad. 


El primero de los edificios en construirse sería la Alcazaba, en realidad un recinto fortificado que servía como lugar de residencia de los soldados. En su interior había una serie de viviendas para ellos, aunque en el edificio actual no se conservan completas y solo tenemos lo que era la planta de las mismas.
Debemos tener en cuenta cuáles son las circunstancias en las que se construye este edificio y porqué es el primero de los que se hace en el complejo de la Alhambra. El avance de los cristianos en el siglo XIII será muy grande. Un momento importantísimo será la batalla de las Navas de Tolosa, donde todos los reinos cristianos se unen para enfrentarse al bando musulmán. Fue una iniciativa del rey castellano Alfonso VIII de Castilla al que se unieron los reyes de Aragón y Navarra y numerosos voluntarios extranjeros, ya que la batalla fue calificada como cruzada por el Papa. La victoria no solo sirvió para abrir la conquista de las ciudades del Guadalquivir sino también como refuerzo moral ya que el número de los cristianos era menor pero, a pesar de ello, lograron la victoria.
Eso significa que algunas de las ciudades musulmanas van a ser conquistadas por estos reyes, por ejemplo Fernando III el Santo será el encargado de la conquista de ciudades tan emblemáticas como Córdoba que ocurrió en 1236 o Sevilla que fue conquistada en 1248.
Con este panorama el reducto musulmán quedó restringido a tres provincias que eran Almería, Málaga y Granada. Parece lógico que tuvieran mucho miedo de ser conquistados en una época de expansión como la que estamos hablando. Por eso algunos de los edificios construidos en esta época serán fortalezas defensivas en los que no se puede apreciar ninguna de las características de otros edificios musulmanes. Así no encontramos nada de decoración como ellos acostumbra, nada de azulejos o diferentes tipos de arcos. se trata de zonas de murallas y torres defensivas, nada más. 
Pensamos que la Alcazaba de Granada está construida entre los años 1273 y 1302, poco tiempo después de estas batallas y conquistas de las que hemos hablado. Cuando la situación se vaya normalizando y el reino de Granada se convierta en vasallo de Castilla gracias al pago de impuestos será un momento de mayor tranquilidad y se podrá construir el Palacio de la Alhambra ya que las posibilidades de invasión castellana eran mucho menores, esto ocurrirá durante el siglo XV y primeros años del siglo XV hasta que para los Reyes Católicos sea un objetivo principal la conquista del territorio. 


domingo, 16 de diciembre de 2018

La Torre del Oro de Sevilla

Esta torre se encuentra junto al río Guadalquivir y se desconoce cual fue su origen. Parece un edificio similar a la Giralda, es decir un minarete junto a la cuál debería haber una mezquita. Se trataría de un lugar desde donde una persona llama a la oración a las personas que deben acudir a rezar. Recordemos que los musulmanes acuden a rezar a la mezquita cinco veces diarias. De todas maneras no se conserva ninguna mezquita junto a este edificio.


La opción más probable es que esta torre formara parte de la muralla que rodeada el casco antiguo de la ciudad, muy cercano a una de las puertas de acceso al casco antiguo de Sevilla, la conocida como Puerta de Jerez. Así lo encontramos en algunas representaciones de época medieval en las que la muralla se conservaba junto al río Guadalquivir.
Para la fecha de construcción debemos situarnos en torno al año 1220, pocos años antes de la llegada de los católicos a la ciudad bajo el mando del rey castellano Fernando III el Santo, que se produciría en el año 1248.
La estructura del edificio es igual que el que tiene la Giralda, se trata de una torre dentro de torre. Em la Giralda teníamos cuatro lados en la torre exterior y cuatro lados en la torre interior. Entre las dos torres se abre un espacio que es el que nos permite ir ascendiendo a la parte superior a lo largo de 35 rampas. En la Torre del Oro contamos con 12 lados en la torre exterior y 6 lados en la torre interior, entre las dos torres hay un espacio para poder llegar a la parte superior. 
La parte superior nos da una idea de como podía ser el remate original de la Giralda. Esta desapareció en el siglo XVI cuando se construyó un cuerpo de campanas por el arquitecto Hernán Ruiz. Pero quizás fuera muy similar a la que conserva la giralda, realizada en ladrillo y con decoración de azulejo de diferentes colores. con arcos ciegos de diferentes tipos: apuntados, lobulados, herradura...
El nombre del edificio tiene que ver muy probablemente con el color de la piedra que tiene el edificio en su parte exterior, ya que es de tonalidad amarilla. El reflejo de el edificio sobre el río Guadalquivir daría nombre a esta torre. 
En la actualidad alberga un Museo Naval en su interior. Mucho más interesante resulta la subida a la parte superior del edificio donde hay una vista muy particular del edificio catedralicio. 


domingo, 2 de diciembre de 2018

Diego Velázquez prefiere ser noble a pintor

En los últimos años de su vida, concretamente el 12 de Junio de 1658, Velázquez fue nombrado caballero de la orden de Santiago. Así aparece representado en su propio cuadro de Las Meninas donde se autorretrata junto a los miembros de la familia real. 


Si observamos algunos datos da la impresión de que Velázquez estaba obsesionado por conseguir este tipo de distinciones desde su llegada a la corte en el año 1621. Su padre era de origen hidalgo. Se llamaba Juan Rodríguez de Silva, de origen portugués, había trabajado toda su vida en Sevilla como notario eclesiástico, y sacaba adelante a su familia de una forma bastante modesta. Su madre no era noble sino que pertenecía a una familia humilde de artesanos, se llamaba Jerónima Velázquez.
Encontrarse en la corte y cerca del rey supone una posibilidad de ascenso social ya que era el rey el encargado de repartir esta clase de títulos. Podíamos decir que Velázquez utilizó la pintura como un medio para conseguir un mayor estatus social. No existe duda que el rey Felipe IV más interesado a veces en la pintura que en la política estuvo en constante contacto con Velázquez y que visitaba de forma asidua el estudio que el pintor tenía en el antiguo Alcázar de la ciudad. No debemos descartar que después de 37 años surgiera entre ellos algo que podríamos llamar amistad, siempre desde el respeto debido al monarca.


Debemos pensar que los puestos que ocupa Velázquez en la corte se deben a esta amistad con el rey que le ayuda a ascender y convertirse en una persona importante dentro de la corte. Así sabemos que Velázquez pasó por los siguientes puestos: fue ujier de cámara, ayuda de guardarropa, ayuda de cámara y aposentador de Palacio. Pero el honor más grande lo obtuvo cuando fue nombrado Caballero de la Orden de Santiago, un ingreso nada fácil de conseguir ya que requería demostrar la pureza de sangre por todas partes y la entrevista a más de cien testigos que hablaran favorablemente sobre el artista. 
Uno de esos testigos fue el también pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano que declaró que Velázquez solo había ejercido la pintura por gusto y obediencia a su majestad. Pintaba para adornar el palacio donde residía el monarca. 
Es como si la pintura no le interesara lo más mínimo y lo hacía por afición. En la sociedad de la época se denostaba a cualquier noble que utilizara las manos para trabajar y Velázquez sin duda tenía que usar las manos para con sus pinceles crear las diferentes obras. Quizás por eso las sorprendentes declaraciones de Alonso Cano.
Lo curioso es que otros testigos consultados para el ingreso en la Orden militar de Santiago corroboraron esta versión, los también pintores Zurbrarán o Carreño de Miranda así lo hicieron. 
Para aceptar el ingreso fueron consultados 148 testigos, pero pese a todas las versiones favorables la Orden de Santiago rechazó su admisión. La amistad con el rey jugó un importante papel, el propio Felipe IV pidió la intervención del Papa que ayudó a que Velázquez fuera admitido en la orden sin haber sido hidalgo anteriormente.
Ser noble o hidalgo se identificaba con poseer los recursos necesarios para poder mantener una forma de vida en la que no era necesario desarrollar ningún trabajo. Ser caballero significaba disponer de las las rentas suficientes, aunque no en todos los casos era así y algunos de sus miembros eran mantenidos por la orden militar. Velázquez ascendió por recomendación ya que la presencia en la corte era una de las posibilidades, la otra participar en la guerra. 
Así que Velázquez en Las Meninas se muestra orgulloso, altivo, siendo un caballero que ha conseguido tal honor con los pinceles en la mano. Un artesano que ha sido capaz de conseguir la nobleza, pese a desarrollar su trabajo con las manos, aunque en su ingreso muchos de los testigos dijeran que pintar era solo un hobby. 

Retrato del pintor Alonso Cano