domingo, 25 de septiembre de 2016

La burbuja en el mercado del arte. Jacob Kassay

Lo habitual cuando un artista entra en el sistema del arte es que por lo menos sus precios se mantengan, eso si no van aumentando poco a poco y alguno de ellos consigue ser una estrella del panorama mundial. Estos casos son los mínimos, ya que la mayoría de las personas que se creen artistas, jamás tendrán una exposición en una galería de arte contemporáneo, no hablo siquiera de un Museo. Y muchos de los que consigan una exposición, no volverán a hacer otra nunca más.


Pero el arte es un mercado y a veces actual como tal, con un sistema de oferta/demanda que nos deja ejemplos extraños como el del joven artista Jacob Kassay.
Kassay, como otros muchos artistas, recorrió infinidad de galerías de Nueva York en busca de representación, ninguna de las grandes galerías ficharía a un joven recien salido de la facultad, para eso existen otro tipo de galerías, que se dedican a mostrar artistas emergentes, cuyas obras se encuentran entre los 3000 y los 5000 euros. Si alguno de ellos tiene un triunfo masivo, puede que alguna gran galería se fije en ellos y decida ficharlo, pero apostar por algo desconocido e incierto jamás lo harán.
Kassay se había licenciado en Bellas Artes con una especialidad den fotografía. Presentó una pinturas de plata interesantes desde el punto de vista técnico y conceptual. Pone pintura acrílica sobre un lienzo, deja zonas con gran densidad de pintura y otras con menos, esto se pasa por un proceso fotográfico que produce una superficie con líneas y texturas que muestran las desigualdades de la imprimación. El proceso de plateado quema cualquier zona no cubierta con acrílico dando lugar a zonas quemadas en los bordes.
Quizás era más interesante la novedad que el resultado en si y el reflejo que, con diferentes texturas, podía observarse en la obra. 
El caso es que en una subasta celebrada en Nueva York, una de sus obras consiguió un precio de 80.000 dolares que era mucho frente al precio habitual que antes hemos indicado. Eso desató una locura general por conseguir una obra de este artista. Llegaron a pagarse una cifra de 280.000 por una de sus obras y parece que había bastante gente interesada en su obra. La crítica (supuesta) se dedicada más a justificar que a analizar el trasfondo artístico y conceptual de la obra, manteniéndose tan tibia como nos tiene acostumbrada en un juego de intereses en el que no conviene decir que algo es malo o está mal. Los precios del artista comenzaron a subir y la galería ya no quería vender obras pequeñas por menos de 20.000 dolares.


Pero algo sucedió y en otra subasta celebrada ya no se pagó esa cantidad tan ingente de dinero sino bastante menos y eso pasó en la siguiente de nuevo, el galerista quería mantener su ganancia y no daba marcha atrás y lo que era autentica fiebre por el artista pasó de repente, de manera que la gente o aquellos que decían estar tan interesados ya no lo estaban.
Pobre artista, de estar en la gloria pasó al olvido mas absoluto, rompió incluso con la galería de Nueva York y tuvo que buscar otra, también de artistas emergentes y continuar allí desarrollando su trabajo. No se ha vuelto a saber mucho de él desde 2012, año en el que todo esto sucedió.
Es muy curioso saber como funciona el mercado del arte, con ejemplos tan extraños como el que acabamos de contar.


miércoles, 21 de septiembre de 2016

Pokemon Go entretenimiento y ausencia de diagnóstico

El fenómeno de Pokemon Go ha inundado los teléfonos móviles de medio mundo haciendo que mucha gente, en una moda quizás pasajera, persiga por las calles y parques de distintas ciudades, animales virtuales que hay que cazar y acumular para llegar a tenerlos todos y así competir con los demás.


Ahora estamos observando como la tecnología está invadiendo a la gente más joven para captarlos hacia una causa ligada al entretenimiento y al espectáculo. Leía el otro día que mientras los chavales están jugando a Pokemon Go o a cualquier otro juego, no están pensando en otras cosas, ni se plantean como funcionan los entresijos del sistema
Y me pareció interesante volver los ojos a Guy Debord y a su teoría sobre la sociedad del espectáculo que lo invade todo en la actualidad. Una teoría que se ha ido extendiendo de los más adultos a los más jóvenes que hace que poco a poco estos últimos cuando estudian dejen de plantearse que son aquellas sombras que se reflejaban en la caverna de Platón o como es posible que haya miles de millones de estrellas en el universo bajo un equilibrio inestable.
Guy Debord decía que cuanto más se contempla menos se vive, cuando estamos mirando la pantalla o asistimos a cualquier espectáculo (entiéndase por ejemplo deportivo y no una obra de Shakespeare) no empleamos tiempo en pensar porqué suceden las cosas o asuntos presentes o pasados que nos rodean.


Continuaba Debord diciendo que cuanto más te reconoces en las imágenes dominantes menos comprende su propia existencia y su propio deseo. Esto me lleva a pensar en esa masa enfervorecida que acude o contempla espectáculos de fútbol y que han dado a la historia algunos eslóganes que serán recordados por siglos como aquellas teorías de los filósofos clásicos. Estoy hablando de lemas como "Luis Enrique tu padre es Amunike", "Fernando Torres lorolololo..." o bien "Alcohol, alcohol, he venido a emborracharme, el partido me da igual" ¿Pero hasta que niveles puede llegar la idiotez humana? Indudablemente mientras cantas estos grandes eslóganes contemporáneos no estas pensando en la alienación que el estado ejerce contra ti, en caso de que lo esté haciendo.
Concluía Guy Debord que el espectador no encuentra lugar de reflexión en ninguna parte, porque el espectáculo está en todas partes. Y lo curioso del tema es que tenía razón. Y como podemos observar desde más jóvenes se va produciendo este fenómeno, películas, videojuegos, actividades deportivas, redes sociales, la vida a través de una pantalla. Ya los romanos sabían como entretener al pueblo llenando cada día el coliseo y repartiendo pan de forma gratuita entre los ciudadanos, inmersos en las carreras de cuadrigas faltaba tiempo para plantearse la pérdida de democracia que supone el imperio con respecto a una república imperfecta, pero mucho más representativa.
Para ampliar información se puede consultar el libro de Guy Debord "La sociedad del espectáculo" Champ Libre 1967


domingo, 18 de septiembre de 2016

El polémico artista Maurizio Cattelan para niños

En épocas antiguas la idea del arte estaba basada en la belleza pero tras las vanguardias artísticas y sobre todo desde los años 60 del siglo pasado lo que entendemos como arte se ha convertido en una amalgama de discursos que han abandonado esa idea primitiva para instalarse en un limbo donde todo tiene cabida.


En ese grupo se encuentra el artista italiano Maurizio Cattelan, nacido en el seno de una familia humilde en el año 1960. Podemos calificar sus obras como conceptuales, es decir que invitan más a la reflexión que a la contemplación activa. Una reflexión que ha veces se transforma en simple provocación, ya que en muchos casos te puedes sentir frustrado o enfadado por las consecuencias de las mismas.
Algunos pensadores atribuyen esta forma de trabajar a la falta de formación artística de Cattelan, el cual en muchos casos indica a los trabajadores de su estudio cual es su idea para que después la desarrollen.
Hay una frase muy curiosa que quiero reproducir y que define muy bien el pensamiento del artista y su forma de afrontar sus obras: " Vivimos en el imperio del marketing, el espectáculo y la seducción, de modo que uno de los papeles de artistas y comisarios es deconstruir esas estrategias para resistirse a su lógica, usarlas y encontrar nuevas formas de activismo contra ellas".
Se trata pues de encontrar los huecos del sistema y colarse por ellos para meter un dedo en la nariz a todos los esquemas establecidos, si es que estos existen.

La revoluzione siamo noi

El humor también es parte esencial de su obra. En su primera exposición no se le ocurrió otra cosa que cerrar la galería y colgar un cartel que decía "Vuelvo enseguida", en eso consistía todo. Desde entonces nos encontramos con acciones similares que van desde robar los cuadros de la galería de al lado y exponerlos como suyos hasta copiar los cuadros de otro artista y exponerlos el día de la inauguración de su obra, pasando por alquilar el espacio de exposición de la Bienal de Venecia a una empresa de publicidad.
También ha realizado algunas obras escultóricas que incluyen imágenes del artista como La Revolzione Siamo Noi, animales como el suicidio de una ardilla en su supuesto estudio o la polémica imagen La Ora Nona que describe como un meteorito derriba la figura del icónico Papa Juan Pablo II.
Esta mezcla de performance, ironía, crítica contemporánea y arte ha convertido a Cattelan en el artista más conocido de Italia y uno de los más valorados a nivel mundial, con exposiciones en los más importantes museos de todo el mundo.


miércoles, 14 de septiembre de 2016

¿En que consiste una feria de arte contemporáneo?

Una feria de arte es una exposición de tipo comercial donde varias galerías ofrecen sus productos representados por un reducido número de artistas, al mismo tiempo sirve como lugar de encuentro y debate entre los diferentes agentes que forman parte del sistema del arte contemporáneo.

Barbara Kruger. Tonto avaricioso se refiere a los coleccionistas de arte 

Las ferias de arte han ganado en popularidad y adeptos en los últimos años siendo muy importantes sus ventas para algunas galerías que ven imprescindible su presencia en este de eventos. Para muchos de ellos suponen el 70% de sus ventas anuales con lo que la presencia física en la galería pierde importancia respecto a la feria.
La feria más popular actualmente se celebra en Miami, se trata de Art Basel Miami Beach, se celebra desde 2012 con gran éxito de público y ventas, lo que ha atraído otros eventos, como ferias satélite (que se cuentan por un número cercano a la veintena), performance, exposiciones privadas, fiestas nocturnas, comidas y cenas, etc. Las ferias satélite albergan artistas emergentes o galerías que no han podido entrar en la gran feria pero que quieren contar a sus clientes que han estado en Miami.
En número de VIPs es muy alto, se trata de personas que tienen un acceso a la feria con anterioridad al público en general, con lo cual pueden comprar antes que cualquiera otro algunas de las obras o artistas ofrecidos por las galerías representadas. En muchos casos los VIPs son coleccionistas de arte, compradores potenciales de obra, en otros casos son simplemente personajes conocidos del mundo del espectáculo que aportan glamour a la feria con su presencia física. En una feria como Miami tenemos VVIP (very very important person), normalmente traídos por los grandes patrocinadores de la feria, luego estarían los VIP y luego el público general. Los primeros en una hora pueden arrasar con las obras más importantes.


Hay un número limitado de espacios o stands, entonces si hay mas peticiones de asistencia que stands algunas de las galerías quedará fuera y no podrá repartir el pastel con el resto. Es normal establecer una serie de condiciones para poder acceder a la feria y así descartar algunas de las galerías que se presentan por ver si suena la flauta.
En cuanto a las ventas es un tema difícil de cuantificar, normalmente un galerista no dirá que una feria le ha ido mal, no quedaría bien con sus clientes ni sería buena imagen para la galería. Por tanto las cifras de ventas pueden estar hinchadas en algún caso excesivamente. También puede ser lo contrario, es decir un galerista ha vendido tanto que no le interesa que se conozca la cifra de ventas, quizás porque es excesiva o porque ha hecho unos descuentos que no aceptarían otros de sus coleccionistas.
En una feria existe el sentimiento de "último momento", es decir que pasas por un pasillo, ves una obra, esperas un poco y cuando vuelves a pasar ya está vendida. La oportunidad de evitar ese desasosiego se llena con la compra compulsiva, en muchas ocasiones, para evitar que la obra se nos escape de las manos, "ahora o nunca". Este tipo de sensación no se produce en una galería donde no se da esa sensación de competencia durante una inauguración o en una subasta organizada por una gran casa.
Gran parte de este texto está basado en el libro de Don Thompson La Supermodelo y la Caja de Brillo. Limpergraf 2015

Takashi Murakami

domingo, 11 de septiembre de 2016

El emperador Augusto como Pontifex Maximus

Octaviano, mas conocido históricamente como Augusto, marca la transición entre el final de la república romana y el principio del imperio al que da origen. Ninguno de los emperadores quería designarse como rey, ya que esta figura estaba completamente desacreditada en Roma después del fracaso monárquico y el establecimiento de la república en el siglo VI a.c.


De hecho Augusto, al igual que hizo Cesar, intentaba continuar con un sistema republicano basado en su persona, donde al principio era elegido como cónsul cada año pero que terminó sin que nadie cuestionara su figura como dictador perpetuo, otra palabra esta que tampoco gustaba tras las experiencias de Sila o el propio Julio Cesar.
El Ponfifex Maximus representaba el cargo religioso más importante en Roma establecido prácticamente desde la fundación de la ciudad, tenía no solo capacidad religiosa sino también política como órgano consultivo tanto del monarca como de la república. Será a partir de Augusto cuando este cargo recaiga directamente en los emperadores.
Y es que Augusto trató por todos los medios de transmitir una imagen divina, su gobierno sería el de un nuevo renacer en la ciudad de Roma, un nuevo principio, la reencarnación de Romulo. Consideraba tener un origen divino por dos partes diferentes, una como hijo (adoptivo) de Cayo Julio Cesar. Si Cesar era considerado un dios, su hijo no podía ser menos que su padre.
Por otro lado trató por todos los medios de conectar su origen con el fundador de la ciudad de Roma, no solo con Rómulo sino con Eneas, que fue el joven que huyendo trajo consigo la espada de Troya durante la destrucción de la ciudad en una fecha cercana al año 1200 a.c El origen de Eneas, perfectamente descrito por los Virgilio está conectado con los dioses, con intervenciones de Jupiter y Venus. Conectarse con Eneas significa reclamar un origen divino para la dinastía Julia que con él comienza con un extenso periodo de gobierno que él mismo se encargó de engrandecer acompañado por múltiples escritores e historias en torno a su persona y a sus hechos.


La clave de su acceso al poder y su posterior victoria estuvo en su poderío militar, aunque fuera con un ejército reclutado de forma privada, pero que lo otorgo victorias y poder hasta conseguir su objetivo, el acceso al título más importante de Roma. Será además a partir de Augusto cuando el emperador también sea comandante en jefe del ejercito romano, cargo que antes quedaba repartido entre los diferentes generales a los cuales los soldados debían lealtad. Augusto estableció un periodo de servicio de 20 años para después cobrar una cuantiosa paga o recibir tierras para iniciar una nueva vida para los soldados.
En la escultura que podemos observar se ve al emperador en el momento previo a realizar un sacrificio a los dioses y es una de las obras más conocidas y repetidas de la estatuario romana, al tiempo que se usa como modelo de representación del emperador Augusto.

domingo, 4 de septiembre de 2016

Zhang Xiaogang y la Gran Familia China

Cuando nos enfrentamos a una obra de arte contemporáneo ya no se espera que sea estéticamente bonita, eso es solo un simple añadido, sino que también se transmite un mensaje que, gracias a la didáctica, debemos interpretar y llegar a comprender. La didáctica es algo muy importante en el arte contemporáneo ya que nos ayuda a poder reflexionar sobre la obra a la que nos enfrentamos cuyo ideal de belleza puede estar completamente diluido.


Para ambientar estas frases nos sirve perfectamente la serie de pinturas que el artista chino Zhang Xiaogang dedico bajo el título The Big Family al tema de la familia durante la revolución cultural en China.
Es curioso como se da el nombre de revolución cultural a un movimiento político que lo que hace es justo lo contrario, ir contra todo atisbo de cultura. Mao Zedong estaba intentando luchar contra el ala derechista del Partido Comunista que quería abrir la economía al capitalismo y según el líder chino traicionar las bases de la revolución. Ello llevó a un movimiento que se dedicó a destruir todo atisbo de pensamiento que fuera diferente al del Partido Comunista, vamos a cualquiera al que se le ocurriera pensar libremente.
La creación de comités populares donde estaban representados obreros, soldados y cuadros del partido, sirvió como un autentico tribunal de la inquisición donde se perseguía cualquier atisbo de capitalismo y también de idea contraria al régimen. Por tanto las denuncias (verdaderas o falsas) y la represión estaban a la orden del día.


Esta revolución supuso cargarse a toda la élite intelectual del país y anular la capacidad de pensar de la gente, las universidades y cualquier conato de investigación quedaron paralizadas, había que enseñar los valores ideológicos antes que las materias intelectuales. Muchas universidades cerraron y no volvieron a abrir sus puertas en 6 años. Recordemos que esta supuesta revolución abarca desde 1966 hasta 1976 cuando el ala contraria a las ideas de Mao impone su criterio.
La ruptura con lo antiguo bien fueran costumbres, tradiciones, cultura o pensamiento llevó a que miembros de la guardia roja destruyeran obras de arte, libros, templos y edificios antiguos al tiempo que sometían a los intelectuales sesiones donde se les criticaba abiertamente por su actitud.
De todo ello nos hablan las obras de Zhang Xioaogang, sobre todo de esa época en la que dentro de la familia el propio hijo podía ser miembro de la Guardia Roja y denunciar a su padre por el hecho de ser un intelectual o simplemente por acercarse al mundo capitalista al tener un pequeño negocio. La traición estaba a la orden del día y la falta de educación ayudaba a extender el mensaje del miedo ya que el enemigo podía encontrase en cualquier parte, incluso dentro de tu propia familia.
Sin duda todo este texto como vemos nos puede ayudar a comprender un poco mejor las obras de nuestro artista que hoy destacamos, sin esta explicación resulta mucho más complicado comprenderlas, de ahí la importancia que damos a la didáctica en museos y centros de arte.


domingo, 28 de agosto de 2016

La historia de Santa Catalina de Alejandría por Carvaggio

Caravaggio es uno de los pintores mas reputados a nivel mundial que da inicio al estilo barroco en Italia y se convierte en un maestro del claroscuro, movimiento que se extenderá por toda Europa y donde nuestro artista tiene una importancia crucial en su difusión e influencia.


Caravaggio murió joven, no llegó a legar una gran cantidad de obras, pero entre ellas encontramos esta representación tremendamente realista de Santa Catalina de Alejandría, acompañada de sus símbolos habituales, una rueda con cuchillos y una espada que porta en sus manos.
La historia sobre Catalina de Alejandría fue escrita varios siglos mas tarde de su muerte, con lo que es posible que muchos aspectos de su vida se encuentren distorsionados. Nació en el año 290 viviendo a principios del siglo IV y destacando por su habilidad para los estudios relacionados con la filosofía. Según cuenta la leyenda se le apareció Jesucristo una noche y desde entonces decidió consagrarle su vida.
Requerida tanto ella como otros fieles por el emperador de la zona a realizar sacrificios a los dioses paganos Catalina se negó, regando de conversiones a su paso cada una de las veces que se le preguntaba para hacerlo. Sabios, militares, damas, hasta la propia emperatriz admiraban y seguían las ideas de Catalina.
Pero pese a todos estos hechos y su capacidad de convencimiento fue condenada por el emperador a morir en una rueda llena de cuchillos, cuyo cuerpo se colocaba en medio y al ir girando lo cortaba en diferentes piezas. Parece ser que cuando el cuerpo de Santa Catalina tocó la madera, esta se rompió, con lo cual fue imposible ejecutar el castigo. Pese a este símbolo tan claro, el emperador obcecado pensó en un método mucho mas eficaz y útil para hacerla morir, mucho más rápido eso sí, le cortaría la cabeza con una espada.
Según la tradición su cuerpo se encuentra depositado en un monasterio del Monte Sinai, donde la gente peregrinaba para visitarlo.
Estos símbolos de los que hablamos podemos observarlos en la obra de Caravaggio, la rueda rota, la espada y la mujer que nos mira de forma siniestra con ánimo de preguntar algo al espectador. Todo acompañado del tenebrismo típico del artista que observamos en la zona iluminada y el fondo completamente oscurecido.