domingo, 23 de julio de 2017

Lluvia vapor y velocidad de William Turner

La obra que hoy nos ocupa se considera una de las mejores realizadas por este pintor al cual consideramos dentro de la corriente de la pintura romántica. Para situar la obra diremos que está realizada a mediados del siglo XIX, concretamente fue expuesta por primera vez en el año 1844.


Hay algo que debemos destacar sobre este trabajo y es que da impresión de que Turner se adelanta a otros pintores en lo que tiene que ver con la liberación del artista y la representación de la realidad. Recordemos que muchos artistas dependían de los encargos que se les hacían, en muchos casos coartando la libertad creativa de los mismos al tener que realizar retratos, paisajes o temas religiosos requeridos por diferente señores.
Pero esta obra parece marcar el comienzo de la modernidad, la belleza se sustituye por otro tipo de discurso que tiende a tener un mensaje que transmitir. En este caso da impresión de que la naturaleza ha sido sustituida por la incipiente llegada del tren y todo lo que ellos significa, una revolución en las comunicaciones al poder realizar un transporte por tierra mucho más rápido tanto de pasajeros como de mercancías. 
Al mismo tiempo que se produce esta revolución mucha gente está pasando del campo a la ciudad para trabajar en una industria que les ofrece nuevas oportunidades para su vida. El paisaje natural que muchas veces se había representado pasa a ser una cosa completamente diferente, al ofrecernos un paisaje urbano donde la niebla, el humo impiden una completa visión del mismo. Con esta obra se pierde el carácter primitivo y el objetivo de la pintura en el sentido de transmitir la belleza.
Turner además aparece como un precedente del impresionismo, en una doble vertiente. En primer lugar por lo que significa la liberación del artista para representar aquello que le apetece hacer. En segundo lugar por representar el paisaje y los diferentes efectos de luz sobre el mismo, niebla o humo de la locomotora incluidos.
Esta llamada a la modernidad también estará presente en una de las primeras obras impresionistas de Claude Monet ya que representa la Estación de Saint-Lazare en su obra realizada en el año 1877, así que se abandona el paisaje tradicional para ser sustituido por otro donde la presencia de la máquina adquiere total importancia.
La obra no deja de tener también un cierto aire abstracto que pudo inspirar a otros artistas de principios del siglo XX para representar una realidad alternativa, donde en muchos casos el espectador es partícipe de lo que está contemplando al tener que interpretar un trabajo. La obra de Turner sugiere aquello que no podemos ver y nos ofrece una visión más moderna de lo que sería el paisaje de una ciudad con una locomotora en movimiento, algo como sabemos muy difícil de representar en pintura que obsesionó al movimiento futurista en la segunda década del siglo XX.


domingo, 16 de julio de 2017

Definición de posverdad

Vamos a tratar en las siguientes líneas de explicar de forma sencilla y simple lo que significa la palabra de moda que mucha gente usa. Esta palabra fue elegida como palabra del año 2016 por el diccionario Oxford debido a los hechos sucedidos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos a lo largo del año con el referéndum de permanencia en la Unión Europea o la elección de Donald Trump como presidente de Estados Unidos.


Quizás es bueno comenzar con un ejemplo. Neil Farage eurodiputado que estaba en contra de la permanencia del Reino Unido en la Unión Europea, antes de celebrar el referéndum, lanzó un menaje corto y claro, cada semana que el Reino Unido estaba en la UE podía recuperar 350 millones de euros para invertir en su país. Un día después de la celebración del referéndum Farage aclaró que esa afirmación no era cierta, pero ya no importa, porque ese mensaje había calado en las capas más humildes y desfavorecidas de la sociedad que votaron por la salida del Reino Unido.
Se trata pues de una mentira, puede ser, pero más que una mentira es un mensaje lanzado por los políticos para defender sus propios intereses y su permanencia en el poder. Hay quien dice que el engaño masivo es algo típico de las sociedades totalitarias, la mentira puntual y escandalosa es típico de las democracias y la posverdad es algo típico de las posdemocracias y se trata del momento que estamos viviendo.
En una sociedad completamente saturada de información muchas veces es complicado distinguir lo que es verdad de lo que es mentira, con las redes sociales. Los grupos políticos han encontrado una manera muy eficaz de que sus seguidores extiendan sus mensajes de forma rápida y sin tan siquiera preguntarse por el mensaje que están extendiendo. Lo hacen porque lo piden los suyos, pero al extender ese mensaje llega a muchas personas que deben decidir sobre el mismo y en muchos casos posicionarse a favor o en contra, se trata de una manipulación en toda regla.
Vamos con otro ejemplo, el Partido Popular puede extender en las redes su mensaje corto y claro: este partido lucha contra la corrupción. Pero lo cierto es que no es así, ya que el partido se ha visto salpicado por decenas de escándalos, una dudosa financiación, relevantes políticos en la cárcel o que han tenido que pasar por juicios, obras pagadas en dinero negro y defensa de muchas personas imputadas hasta que son expulsados del partido, cuando la situación llega al límite. Si analizamos todos estos datos no parece que la colaboración en este aspecto sea grande y son solo unos pequeños ejemplos de lo que ha pasado, pero este mensaje ha sido extendido a través de los medios de comunicación y a través de las redes sociales, con lo cual hay gente que se cuestiona si será cierto que están luchando contra la corrupción y haciendo todo lo posible por evitarla.
Por tanto apelando a las emociones y a las creencias de cada uno se consigue la efectividad de un mensaje que no importa si es cierto o no. Esas emociones pueden más que lo que la opinión pública opina sobre el tema. Se trata pues de una comunicación para creyentes.
En época prefascista los medios de comunicación extendieron una propaganda que alimentaba el miedo y el odio y manipulaba a las masas hasta empujarlas a una guerra sin sentido que causó millones de muertos.
Ante esto la pregunta es si vivimos una situación similar. Por ejemplo después del 11 de Septiembre, ¿hemos sido manipulados? Las imágenes de las Torres Gemelas cayendo o la gente que se arrojaba por las ventanas han sido utilizados para justificar el ataque a otros países con la excusa de que existían armas de destrucción masiva. Pensemos en el mensaje, corto directo y que se extiende con facilidad por todos los medios: "Irak tiene armas de destrucción masiva". ¿Este mensaje es cierto? Sabemos perfectamente que no. ¿Supone por tanto una manipulación de la sociedad? Si. Es una manipulación sin posibilidad de retorno porque no se puede rectificar con la pérdida de vidas humanas que implica. La novedad es que no importa si el hecho que se difunde ha sucedido o no, quizás este hecho abre un camino que no tiene retorno y que se antoja muy peligroso.
Muchas de las ideas que aparecen en este texto están tomadas del libro En la era de la posverdad, un libro de ensayos coordinado por Jordi Ibañez Fanés de cuya introducción hemos tomado algunos párrafos. El libro está publicado por la Editorial Criterios en Barcelona 2017


domingo, 9 de julio de 2017

La belleza estética en el siglo XXI

Las palabras arte y belleza aparecen unidas en muchos momentos a lo largo de la historia. Se trata de una identificación que ha llevado a lagunas personas a crear arquetipos de lo que debe ser una imagen bella. 


Desde las esculturas griegas y su obsesión por la perfección en las proporciones y la idealización de los personajes, pasando por el renacimiento donde asociamos cuadros como el Nacimiento de Venus de Sandro Boticelli o La Gioconda de Leonardo da Vinci con el ideal de mujer bella.
Pero este concepto de belleza ideal, que debemos decir no siguieron todos los artistas ya que muchos se decantaron por el realismo, se trunca con la llegada del siglo XX (la búsqueda de la abstracción o bien la reacción contra la fotografía) y sobre todo con los movimientos estéticos que surgen de la posmodernidad, mucho más centrados en lo conceptual. La idea sustituye a la belleza y de eso nos vamos a ocupar en este post.
Y es que en el arte contemporáneo la belleza estética ha perdido toda su importancia y ha dejado paso a una participación activa del espectador, que, enfrentado a la obra, debe extraer una conclusión o establecer una reflexión sobre aquello que se le ofrece, una imagen o una idea de la cual no ha tomado conciencia hasta ese momento, pero que afecta mucho más de lo que piensa a su vida diaria.
Hemos encontrado esta imagen de un artista que se llama Jorge Gamboa, se trata de una pintura, como vemos pintada con suficiente realismo. Cuando observas la obra, lo primero que te das cuenta es que parece la punta de un iceberg que emerge de la superficie marina, como ocurre en la realidad. Sabemos además que los iceberg solo muestran en superficie una octava parte de su tamaño real, permaneciendo el resto invisible debajo del agua. Todos hemos oido hablar de la historia del Titanic (o visto la película) y conocemos las consecuencias de chocar con un iceberg, que suelen ser catastróficas.
Pero aquí es donde entra la reflexión, ya que si en la pintura observamos la parte sumergida, nos daremos cuenta de que en realidad no se trata de un iceberg, sino de una bolsa de plástico arrojada al agua y que vaga sin destino contaminando la naturaleza. Sabemos que una bolsa de plástico tarda en degradarse unos 150 años, una cantidad de tiempo considerable y muy superior a una vida humana. Así que estaría bien establecer una reflexión sobre el papel que cada uno tenemos en el reciclaje y como afecta el uso indebido de los residuos a la naturaleza.
No hay que negar que la obra a la que nos enfrentamos, con ese hiperrealismo crudo, no esta exenta de cierta belleza. Además podemos apreciar que el artista domina perfectamente la técnica. Pero al mismo tiempo la obra nos ofrece una segundo nivel, no solo se trata de apreciarla por la belleza que tiene sino que, al mismo tiempo, nos ofrece un tema de actualidad sobre el que podemos pensar o reflexionar o simplemente actuar, para poder evitar que situaciones de este tipo se sigan repitiendo.
Como vemos, no es necesario renunciar a la belleza en nuestras obras, pero superada la temática religiosa o mitológica en muchas obras, superada también la abstracción, hay que intentar dar un paso más allá para crear mecanismos de reflexión para un público a veces desconcertado por la sobresaturación informativa.

domingo, 2 de julio de 2017

La leyenda de Longino y la lanzada

La figura de Longino aparece asociada a Jesucristo ya que estaría presente durante la muerte del maestro en la cruz y según la tradición (así lo indica Juan en su evangelio) habría traspasado el pecho de Jesús con una lanza para comprobar que estaba realmente muerto.


Mientras que los ladrones que habían sido crucificados con Jesús aguantaban más tiempo vivos, por no sufrir un maltrato físico igual que el de Jesús, para acelerar su muerte se les quebraron los huesos de las piernas, mientras que a Jesús, en vez de quebrarle alguno de sus huesos, para comprobar si realmente estaba muerto se le atravesó el pecho con una lanza y de la herida se dice que salió agua mezclada con sangre, debido a la falta del rojo elemento por el maltrato sufrido en las horas anteriores a su crucifixión.
Siguiendo una tradición, que comienza a afianzarse en la edad media, Longinos, no solo habría atravesado el pecho de Jesús, sino que también le habría acercado la esponja con vinagre cuando Jesús afirmó que tenía sed.


Tras la muerte de Jesús (cuya sangre mojo el cuerpo de Longinos al insertar su lanza en el cuerpo de Jesús) y siguiendo esa tradición el personaje habría afirmado que realmente Jesús era el hijo de Dios y se habría convertido al catolicismo, extendiendo su mensaje por diferentes lugares hasta su muerte que se habría producido de forma violenta, siendo su martirio la causa de su canonización. Hay quien dice que Longinos tenía problemas de visión, pero que al salpicarle la sangre de Jesús recuperó por completo la vista.
No exento de esa aura comercial que adquieren las reliquias en la Edad Media, el cuerpo y alguno de los objetos durante la crucifixión habrían sido trasladados a Europa y el cuerpo del santo dividido, ya que hay un par de iglesias que se reclaman la tumba del santo, conservándose también tanto la lanza como la esponja que el propio santo habría trasladado a Italia. Este tipo de reliquias como decimos son muy comunes en Europa durante esa época y en muchos casos debemos poner en duda la veracidad de las mismas ya que en muchos casos, las iglesias competían entre si por atraer la mayor cantidad de público que incrementaba el mercado de la ciudad.
La iconografía de la lanzada es muy popular, sobre todo durante la época barroca, con la proliferación de escenas de misterio que representan el momento en el que la lanza se dispone a atravesar el costado de Jesucristo.


domingo, 25 de junio de 2017

Ciencia y Caridad de Pablo Ruiz Picasso

Para nosotros Picasso es conocido como el padre del cubismo y un autentico revolucionario en la historia del arte del siglo XX por su forma de comprender la pintura, pero la obra que vamos a ver hoy pertenece a su primera etapa y nada tiene que ver con todo esto sino que forma parte de su etapa de formación.


La obra se pintó en el año 1896, si tenemos en cuenta que Picasso nació en 1881, cuenta con tan solo 15 años cuando realiza la obra, una edad muy temprana. Pero si es interesante analizar que Picasso tiene un perfecto dominio de la técnica desde muy joven. Quizás su padre, que era profesor de dibujo y pintura inculcó a su hijo los valores y las maneras de hacer de los buenos artistas, lo hizo desde la época que pasaron en La Coruña y después ya asentados en Barcelona. Así que cuando pensemos en Picassso como un artista que pinta cosas raras y abstractas, deberíamos tener en cuenta que tiene un perfecto conocimiento de la técnica pictórica y de como aplicarlo. Una vez dominada esa materia trata de hacer algo nuevo y sobre todo de trascender dentro de la historia del arte.
En el momento en que Picasso trabaja en este cuadro esta de moda una corriente costumbrista y también una realista que se preocupa por los temas sociales debido a la incipiente industrialización que viven varios países europeos. También durante la etapa azul y rosa mantendrá esta preocupación social ligada a movimientos de izquierdas. Es aquí donde debemos enmarcar la obra de Picasso, tanto en el detallismo costumbrista como en la preocupación por la ciencia, que está realizando grandes avances en esa época.


El cuadro describe como una mujer bastante enferma es tratada por un médico que como vemos le está tomando el pulso, mientras una monja se encarga de cuidar a su hijo porque ella no puede valerse por si misma. Cada uno de los personajes representa una de las palabras del título del cuadro, el médico es la ciencia mientras que la monja representa la caridad.
En estos primeros cuadros los modelos que utiliza serán gente de su entorno, el médico por ejemplo es su propio padre, para la enferma y el niño contrato a una indigente de la zona donde vivía y le pagó la cantidad de 10 pesetas, por su parte la monja sería una amiga de la familia.
Es curioso fijarse en algunos detalles como el cambio de color en la pared del fondo o como la humedad a desteñido parte de los colores de la ventana que se encuentra en la parte izquierda. También ese adorno modernista encima de la mujer enferma.
Parece ser que hay una corriente de realismo hospitalario que pudo servir a Picasso como inspiración, en el post incluimos dos obras que pudieron influirle para pintar esta. Se trata de La Visita de la Madre al Hospital pintado en 1892 por Enrique Paternina o bien Una sala de hospital durante la visita del médico jefe realizado por Luis Jiménez Aranda y conservados ambos en el Museo del Prado

domingo, 18 de junio de 2017

La Escuela de Arquitectura de Chicago

Damos esta denominación a una serie de edificios y a una forma concreta de construir que se produce en la ciudad de Chicago y se propaga por otras ciudades de Estados Unidos y después en Europa a finales del siglo XIX, donde una serie de avances técnicos permiten su desarrollo.


Para comprender como surge la Escuela de Chicago debemos tener en cuenta algunas circunstancias. La primera de ellas es histórica y es que la ciudad de Chicago sufrió un terrible incendio en el año 1871 que destruyó toda la zona dedicada a negocios que tenía la ciudad, la zona más cercana al lago Michigan. 
Chicago era una ciudad donde los negocios eran prósperos y recibía mucha gente atraída por los puestos de trabajo que se estaban creando en la zona. Así que tanto las empresas, como los hoteles tenían prisa porque se construyeran de nuevo los edificios devastados en el incendio.
Esta demanda hizo que los precios del terreno aumentara considerablemente con lo cual la manera de que estos edificios fuera rentable era elevar en altura, para construir más pisos que los que habitualmente tenían una casa regular. Al mismo tiempo al tener tanta demanda de empresas y servicios se requería un mayor número de oficinas de las que la zona podía albergar. Tengamos en cuenta que los primeros edificios que construyó la Escuela de Chicago tenían entre 10 y 16 pisos.
Será la introducción de nuevos materiales lo que haga posible esta posibilidad de elevar en altura, los pilares que sustentan los edificios empiezan a incluir materiales como el hierro o el acero, también se utiliza el hormigón armado, que es una mezcla de hormigón reforzado con unas varas de hierro que permite sustentar el peso del edificio. Pero no solo eso sino que se perfeccionan los sistemas de cimentación para ayudar a levantar edificios en altura.


Este nuevo sistema de sostén hace que los muros dejen de hacer función sustentante, como hasta ahora, trasladándose la función a los pilares o vigas maestras del edificio. Liberar los muros implica no solo que pueden elevar en altura sino también que se elimina toda la decoración ornamental que acompañaba a las ventanas, influenciada por el historicismo, que en Estados Unidos asociamos con el arte Neoclásico más que ningún otro. Europa será un caso diferente para el tratamiento de los estilos neo.
Es decir los muros aparecen horadados con ventanas y en esos muros habrá un gran predominio de líneas horizontales y verticales, serán las ventanas de los edificios y de las oficinas construidas en ese momento. El cristal pasará a ser un elemento muy importante no solo en las ventanas de las casas sino también en los escaparates que dan a la calle.
Hay otro elemento interesante en este proceso y es la utilización de los ascensores que permiten a la gente poder subir a sus viviendas o a las oficinas de forma cómoda. Algunas empresas perfeccionan sus modelos en esta época y como sabemos encontrarán un nicho de mercado importantísimo.
Por último pensemos en muchas de las viviendas que tenemos actualmente, en muchos de los edificios que encontramos en nuestras ciudades y nos daremos cuenta que esto que estamos hablando hoy forma parte de nuestra vida diaria.




domingo, 11 de junio de 2017

El pintor Georges Seurat para niños

Una de las cosas que hacen más interesante a un pintor o a un artista en general es aquello que puede aportar a la historia del arte, hablamos de la originalidad a la hora de componer su trabajo, todo aquello que lo hace reconocible y diferente. Se trata de que nada más ver la obra podamos asociarla con un autor concreto. Todas estas reflexiones se juntan en la figura de Seurat, creador del puntillismo y uno de los artistas más destacados del siglo XIX.


Seurat nació en el seno de una familia humilde pero con capacidad para que él pudiera dedicarse a sus estudios de dibujo y pintura. Es una pena porque no tuvo suficiente tiempo para desarrollar su trabajo y sus teorías. Falleció siendo una persona muy joven, con tan solo 32 años, dejando un gran vacío en sus investigaciones sobre el color y la forma de aplicarlo sobre el lienzo.
A Seurat se le considera el padre del puntillismo, sus primeras obras no tuvieron éxito en los circuitos oficiales y tuvo que exponer en un salón dedicado a artistas independientes.
Ciencia y pintura se unen en su obra. Seurat pensaba que se podía usar la pintura igual que un compositor dirigía una orquesta y que la distancia y disposición del color podía crear una sinfonía de emociones que se veían reflejadas en la obra. La percepción y las leyes ópticas también eran un elemento importante para él, la disposición de diferentes colores y como estos interactúan entre si una vez que nuestra vista se aleja de la obra están estudiados al milímetro para poder crear el efecto deseado.


Los sentimientos por tanto se pueden excitar a través de la pintura, por ejemplo la emoción y la alegría se consiguen con tonalidades luminosas, colores cálidos y la tendencia de que las líneas apunten hacia lo alto. La calma se consigue mostrando un equilibrio de tonalidades claras y tonalidades oscuras también por la utilización de líneas horizontales. Por último la tristeza se obtendría al utilizar colores oscuros y líneas que tienden a colocarse hacia abajo.
Se trata pues de un artista que no se queda solo en la creación de obras sino en la investigación para conseguir que sus trabajos se acerquen poco a poco a las teorías en las que estaba trabajando. De hecho, con su temprano fallecimiento, sus teorías quedaron huérfanas ya que no hay ningún artista que continúe con sus investigaciones, aunque algunos tratan de imitar su trabajo y continuar pintando en estilo puntillista.
Trabajar el puntillismo con niños puede ser una buena manera de orientar su creatividad. Tan solo necesitamos una plantilla con un dibujo que los niños pueden tratar de rellenar de color o colores creando puntos de distintos tamaños y con diferentes tonalidades, intentando aplicar las teorías de alegría, calma o tristeza que hemos expuesto para las obras de Seurat.