domingo, 10 de diciembre de 2017

¿Qué es el arte degenerado?

Esta expresión utilizada por los nazis al poco de llegar al poder. Se refiere a una exposición organizada por los nazis y de la que se han cumplido hace poco 80 años de su celebración. Se trataba de una serie de obras que al régimen le resultaban incómodas ya que eran símbolo de la decadencia y, en algunos casos, un símbolo de degeneración.


Este tipo de arte no combinaba muy bien con el estilo que le gustaba imponer al régimen nazi, se trataba de obras demasiado modernas. Según decían no exaltaban los nuevos valores del régimen recién impuesto. Los gustos de Hitler y sus secuaces estaban más ligados al exaltar los valores del país a través del realismo, en un neoclásico revisado.
Resulta curioso que la exposición organizada bajo el nombre de "arte degenerado" no tenía otra pretensión que adoctrinar al pueblo. Hoy en día todas esas obras se aprecian como grandes clásicos de la modernidad. Algunos de los  artistas que formaban parte de la exposición son algunos de los más importantes creadores del siglo XX como Paul Klee, Kandinsky, Edward Much o Marc Chagall.
Es curioso pero el elemento de propaganda llegaba a la colocación de los 600 cuadros que formaban parte de la exposición. Estaban colocados todos muy juntos, sin espacios para respirar, algunos de ellos torcidos o mal colgados. Al tiempo se mostraban dibujos realizados por enfermos mentales o se mostraban fotografías de personas con deformidades físicas. Para completar la exposición los cuadros se acompañaban con cartelas que incluían comentarios sarcásticos sobre aquello que se representaba.


Dentro de este arte degenerado se incluían algunos de los estilos más representativos del siglo XX, por ejemplo el cubismo, dadaismo, fauvimo, impresionismo, surrealismo o expresionismo. Aunque hay que decir que este último fue motivo de controversia. El expresionismo es un movimiento genuinamente alemán. Como disculpa alguno de los jefes del movimiento nazi dijeron que era un movimiento nórdico y así se justificaban un poco.
Esta exposición tenía su contrapunto en otra en la que se mostraban cuadros que se adecuaban a los gustos del régimen que exaltaran los valores de la historia alemana y sus gentes.
Es curioso pero eso me ha recordado algunas exposiciones que se han hecho en contra del arte contemporáneo. Por ejemplo asistí a una en Salamanca que se oponía a lo que se hacía en el centro de arte contemporáneo y se llamaba "figuraciones nuestras" e incluía solo cuadros figurativos principalmente de artistas locales. Fue el hazmerreir del mundo del arte.
La exposición de "arte degenarado" comenzó en Munich. Luego fue trasladada a otras ciudades alemanas y austriacas para así "educar" a un público fácil de manejar en torno a las ideas nazis. Ello llevó a que cerca de 20.000 obras de este estilo salieran en muchos casos compradas en el extranjero o bien tuvieron como destino la hoguera. En 1939 se quemaron más de 1000 obras en Berlín acompañados de multitud de grabados.
La exposición también se presentaba como el despilfarro que había empleado el gobierno anterior a los nazis en obras que no merecían la pena mientras mucha gente lo pasaba más después de la crisis del año 1929. Vamos populismo barato aprovechando las necesidades de la gente y tocando sus sentimientos para conseguir un objetivo. Parece uno de los primeros ejemplos de posverdad a la que tristemente estamos tan acostumbrados en la actualidad.


domingo, 3 de diciembre de 2017

Lecciones de Paul Klee para ser buen artista

Este artista de origen Suizo afincado en Alemania no solo se dedicó a su oficio de pintor sino que también trabajó como profesor enseñando teoría del color en la escuela de la Bauhaus durante diez años, concretamente entre 1921 y 1931.


Normalmente aprendemos a asociar los colores en nuestra mente cuando somos unos niños, pero es cierto que dentro de cada color existe una gama casi infinita de matices en la que quizás deberíamos fijarnos. Klee prestaba atención a todos esos matices para así crear millones de colores. Es parecido a la inmensa lista de pantonés que podemos encontrar en el estudio de cualquier diseñador gráfico o a las mezclas de color que podemos realizar actualmente con Photoshop.
Había una serie de claves que enseñaba a sus alumnos y que sería bueno comentar:
Les hablaba por ejemplo de la importancia de la línea, partiendo de un punto podemos prolongar esa línea que posteriormente nos ayuda a dotar de expresión a la obra.
Estaba muy interesado por el movimiento, tratando de introducirlo siempre en sus composiciones. Algo parecido sucede con la naturaleza, el artista decía que cualquier obra, fuera figurativa o abstracta debería estar inspirada en formas de la naturaleza.


Hacía que los estudiantes representaran el sistema circulatorio del ser humano. Este tipo de estructuras eran de su interés, por ejemplo las ramas que van creciendo desde un tronco común o una estructura vista de una mapa de los diferentes rios y sus afluente que finalmente desembocan en el mar o el océano.
Después de estudiar las líneas y los planos comenzaban a trabajar con el color. Creaba composiciones de colores en las que unos se oponían a otros, todo ello basado en un dibujo del año 1809. Así el rojo se oponía al verde, el naranja se oponía al azul y el amarillo al violeta. Realizaba conexiones entre el color y la música. Las composiciones de color, como la música, podían ser armoniosas o disonantes, dependiendo de las parejas que pudiéramos establecer.
Para finalizar invitaba a sus alumnos a fijarse en los grandes maestros. La clave del éxito estaba en conocer cuáles habían sido las claves que llevaban a estas figuras al triunfo. La manera era trabajar con grandes obras, reduciendo sus composiciones a simples líneas, formas o colores que poder aplicar a posteriores trabajos personales.
Hasta aquí las teoría de Paul Klee para ser un buen artista que intentó transmitir a sus alumnos.


domingo, 26 de noviembre de 2017

Diez artistas imprescindibles para niños

En el tiempo de vida que este blog lleva activo hemos tratado multitud de artistas, géneros y estilos. Algunos siempre han tenido más éxito que otros, han sido más populares. Se trata en muchos casos de padres que buscan como ayudar a sus hijos con diferentes artistas que se plantean en clase o bien con trabajos relacionados con dichos artistas que los pequeños tienen que realizar en casa.


Basándonos en esta idea he decidido publicar un libro con los artistas más populares consultados en el blog. Aquí os dejo el enlace al libro Diez artistas imprescindibles para niños. Es curioso pero los artistas consultados no pertenecen a la antigüedad sino que casi todos son del siglo XIX o del siglo XX. Muchos de ellos están ligados a lo que conocemos como las vanguardias artísticas.
Es decir Velázquez no aparece entre estos diez artistas, ni tampoco Miguel Angel o Carvaggio, que son grandes genios de la pintura, sino que se decantan por Van Gogh, Picasso o Andy Warhol.
La idea del libro es conocer mejor a cada uno de esos artistas y los estilos que practican, todo narrado de una forma fácil y comprensible para todo el mundo. Pero no solo tratamos de conocer al artista sino también practicar con alguna de sus obras. Por eso el libro incluye talleres prácticos a realizar con cada uno de los artistas para que los más pequeños puedan desarrollar su imaginación o mostrar su faceta más creativa. En un mundo de la enseñanza como el actual donde la parte didáctica juega un papel tan importante a veces es más fácil enseñar a un artista con un taller que solo con el componente teórico. Así que la parte práctica está muy cuidada y se ha trabajado con mucho cariño para que sirva como guía de orientación tanto a los padres como a los profesores.


Tenemos como decíamos muchos artistas que trabajan en el siglo XX, muchos de ellos dedicados a la teoría del color o al estudio del color en sus obras, hablamos por ejemplo de artistas como Paul Klee, Piet Mondrian o Vasily Kandinsky. Los tres resultan ideales para poder trabajar con niños.
Al mismo tiempo también aparecen algunos artistas contemporáneos como Keith Haring, que comenzó su carrera dedicado al grafiti o la artista japonesa Yayoi Kusama, cuya obsesión por los puntos sobrepasa los límites de lo razonable.
También tenemos representación del surrealismo con la presencia de Joan Miró, quizás el más infantil de todos los pintores, del expresionismo abstracto con Jackson Pollock y su curiosa forma de extender la pintura sobre el lienzo (que fácil hacer un taller con obras de este artista) o bien del arte pop con la presencia de Andy Warhol, considerado el padre de este movimiento cuyos colores inundan los retratos de algunos de los personajes más famosos de su tiempo.
Así pues un completo libro con algunos de los artistas más reconocidos de todos los tiempo, donde se reúne información para entender cada una de las obras presentadas y trabajo de campo para que los niños puedan conectar mejor con cada uno de los artistas propuestos.


domingo, 19 de noviembre de 2017

Fernando Botero para niños

Este artista colombiano es uno de los más reconocidos a nivel mundial tanto por sus obras pictóricas como por sus masivas esculturas que adornan las calles de las principales ciudades del mundo. A caballo entre Europa y América, actualmente cuenta con 85 años de edad.


Es imposible negar que sus obras tiene una personalidad propia, muy fácil de reconocer por cualquiera que pueda verlas. Esas figuras tan grandes, corpulentas, excesivas son fáciles de identificar tanto por adultos como por niños. 
Hay varias influencias que podemos tener en cuenta en la obra de Fernando Botero, por una lado el arte pop un estilo en el cual se siente cómodo y donde encuentra su propia personalidad. También hay una cierta influencia clásica en su obra, algunas de las obras fuertes realizadas por Miguel Ángel o sus seguidores tienen algo que ver con las obras de Botero. Recordemos que Picasso después de ver un viaje a Italia y observar el trabajo de Miguel Ángel tuvo una fase clásica allá por 1917-1918 en el cual algunas de las figuras tienen grandes semejanzas con las que realiza Botero. Así que no solo encontramos la influencia del maestro florentino en la estética de Botero sino también de muchos de los artistas y obras del renacimiento italiano.


Quizás una de las claves de su éxito es que su obra, pese a encontrarse entre los creadores de arte contemporáneo, es fácil de comprender, muy directo, muy claro y conecta de forma sencilla con las familias, tanto adultos como niños.
Tiene varias obras dedicadas al mundo de los toros, ya que es un gran admirador de la fiesta. Le ocurre como a otros artistas que también admiraron este espectáculo, hablamos de artistas como Francisco de Goya o Pablo Picasso.


Siempre se le ha acusado de pintar gordos y gordas, se trata de una visión diferente de la realidad que le lleva a expresar con estos personajes una visión irónica del mundo. Muchas de sus obras tratan temas costumbristas bajo la visión tan personal que hemos descrito. Se trata de escenas que pueden identificarse de forma fácil, un retrato en el campo, una representación de la familia en el interior de la casa, un baile en una fiesta popular o un bodegón.


domingo, 12 de noviembre de 2017

Blanco sobre Blanco de Kazimir Malevich

Para comprender mejor esta obra debemos situarnos en el momento preciso que se realiza y también conocer un poco la evolución artística de este autor que con esta obra concluye un proceso del movimiento suprematista cuyo manifiesto se había presentado en el año 1915.


Así que estamos en la segunda década del siglo XX donde hay una efervescencia de movimientos artísticos que se dan cita en Europa con diferentes manifiestos y exposiciones que van a influir de una u otra manera a los artistas que trabajan en este momento. Al mismo tiempo en la zona de nacimiento del artista (que era Ucraniano) se produce la revolución soviética que trata de imponer un nuevo estilo de vida en una Rusia ligada a los zares desde tiempos remotos.
Kazimir Malevich pasa por varias etapas pictóricas que comienzan con la influencia impresionista, pero serán dos los estilos que van a llevarle hasta el suprematismo, en concreto serán el cubismo y la reducción de las personas y objetos a formas geométricas creadas con líneas y también el futurismo con sus ideas acerca de expresar el movimiento en pintura debido a la velocidad y los avances técnicos que se están produciendo en esa época en diferentes países. Hay un cuadro que se llama "El afilador de Cuchillos" realizado en el año 1912 que resume perfectamente la unión de estos dos movimientos.


El suprematismo no nos habla de figuras ni objetos sino que nos habla de la pureza de la pintura, de la esencia de la misma, se trata de representar formas y colores. Los sentidos deben concentrarse en las formas y en la esencia de la pintura, no en la representación de ningún otro tipo de representación. Se trata por tanto de una sensibilidad nueva, diferente a lo representado hasta el momento, a la copia de elementos tomados de la naturaleza.
Las formas se definen en planos geométricos y también en color. No existe ningún tipo de profundidad, tampoco puntos de fuga. Se trata de algo trascendente, único, casi conectado con la divinidad y una nueva forma de religión. Es curioso pero la observación de la obra puede colocarse en horizontal o en vertical y en cualquiera de ellas la obra tiene sentido porque hablamos de formas y color no de posición.
La obra de la que hablamos hoy Blanco sobre Blanco fue realizada en el año 1918, no es una obra muy grande ya que mide 80x80 cm. Digamos que esta obra es la culminación de la estética suprematista. La superficie del mismo es completamente blanca que se trabaja en toda la superficie del cuadro donde se utiliza un solo pigmento en dos diferentes tonalidades pero sin recurrir a ninguna referencia, forma o figura. La obra como vemos no tiene ningún tipo de profundidad. La idea del autor al utilizar el color blanco es introducirse en la representación de la nada, el vacío total sin fondo, sin perspectiva sin idea de arriba o abajo, la esencia de la pintura.
Hay una cosa muy curiosa y es que Malevich después de pintar esta obra no volvió a pintar más, porque había encontrado el culmen de sus investigaciones estéticas, se dedicó a la enseñanza y a escribir para así poder transmitir cuales eran sus ideas sobre el arte.


domingo, 5 de noviembre de 2017

¿Qué es el body art?

Para comprender lo que es el arte del cuerpo debemos alejarnos de los procesos tradicionales de composición artística. Estamos habituados a asociar las representaciones artísticas con la pintura y el óleo sobre lienzo que es su modo principal de representación. Igual ocurre con la escultura donde la diferencia está en el tipo de materiales que se utilizan, por ejemplo mármol, madera, bronce.


Para entender lo que es el body art tenemos que tener en cuenta que el soporte que se va a utilizar es el propio cuerpo.
Debemos situarnos a finales de los años 60 cuando esta forma de expresión adquiere su mayor desarrollo. En muchos casos las expresiones de body art están unidas al arte conceptual y también al mundo de la performance
Como se utiliza el cuerpo como medio de expresión, es difícil obtener un objeto físico que pueda trasladarse a un museo. La mayoría de estas expresiones artísticas son documentadas, bien en fotografía o en vídeo. Esas serían las maneras de exponer estas obras, una simple documentación de la expresión realizada.

Ricardo Corona. Imagen creative Commons

Quizás pudiéramos asociar este tipo de expresiones con algunos rituales que se celebraban en diferentes tribus, podían ser relativos a la pertenencia al grupo o bien rendir culto a los diferentes dioses. 
Uno de las expresiones más conocidas es pintar sobre el propio cuerpo realizando sobre el mismo todo tipo de dibujos. Pueden ser figuras u objetos o en otros casos figuras geométricas se rellenan con diferentes colores.
Aunque esta puede ser la forma más común de representación en la que, como decimos, el cuerpo es el soporte para la obra. Pero hay otras formas de trabajar sobre el cuerpo. Podemos encontrar artistas que dañan su cuerpo realizando diferentes tipos de herida sobre el mismo. También se realizan tatuajes con motivo de la acción artística o diferentes tipos de piercing.
Así que en algunos casos los temas aparecen ligados a la violencia, al simple exhibicionismo, a temas relativos a la resistencia corporal, la sexualidad o fenómenos de tipo físico. El cuerpo se utiliza como un simple instrumento, en algunos casos llevándolo al límite del sufrimiento. Estos temas relacionados con el dolor y la resistencia tuvieron mucho más éxito en Europa que en otras zonas del mundo.
Deberíamos observar una influencia del dadaismo en todo este tipo de representaciones.

Imagen libre de derechos. Tatoo

domingo, 29 de octubre de 2017

La Venus de Willendorf para niños

Estamos ante una de las esculturas más antiguas de la humanidad ya que la fecha de datación se encontraría entre el 28.000 y el 25.000 a.c. La obra lleva el nombre del yacimiento donde fue encontrada en Willendorf (Austria) y se conserva en el Museo de Historia Natural de Viena.


Es curioso el nombre de la figura. Junto a su lugar de procedencia se ha colocado la palabra Venus. Esta diosa romana representa la belleza, según la mitología fue elegida por Paris como la más bella de todas las diosas a cambio de recibir a Helena, la mujer más bella de la tierra en ese momento. Es decir la diosa Venus ha estado asociada al concepto de belleza a lo largo de la historia. También su imagen se ha asociado al pecado debido al deseo que produce su figura, encontramos numerosos ejemplos de ello en el Renacimiento.
Lo que queremos decir es que se le ha dado a esta figura el título de Venus cuando en realizar se encuentra alejada del concepto tradicional de belleza. Algunos estudiosos quisieron asociar esta figura con la idea del canon que sería habitual en ese momento prehistórico para una mujer. Pero esta idea no tiene mucho sentido, ya que desconocemos cual sería ese canon debido a la falta de documentación. Muchas veces se asocia cosas que desconocemos con suposiciones que tienen que ver con temas relativos a la religión, la caza, la agricultura, la fertilidad o la muerte.
Junto a ello hay personas que lo han identificado con la madre tierra aunque puede estar asociado también a la idea de seguridad y bienestar para la familia que lo posee.


Lo que si es cierto es que se trata de una figura de una mujer desnuda y sobrada de carne tanto en el vientre como en los glúteos. Los órganos sexuales de la figura aparecen muy destacados. Contrastan las piernas que tienen una perfecta fisonomía con unos brazos excesivamente pequeños y cortos que la mujer apoya sobre sus pechos. También es curioso el detalle del ombligo que destaca mucho en el conjunto de la figura.
En cuanto a la cara no podemos apreciarla porque se encuentra cubierta por un extraño peinado que no nos permite ver ojos, nariz o boca.
Tampoco debemos pensar en una gran figura porque en realidad no mida más de 10 cm de alto por 6 cm en su parte más ancha. Se trata de una figura para llevar en la mano de forma fácil