miércoles, 20 de mayo de 2015

El Nacimiento de Venus de Sandro Boticelli

Con esta obra nos encontramos ante una de las pinturas más famosas de toda la historia del arte. La obra representa el ideal de belleza, una palabra que se encuentra muy unida a todo aquello que consideramos arte con anterioridad al siglo XX, donde las reglas cambiaran por completo con las vanguardias históricas.


La obra fue pintada por Sandro Boticelli en el año 1484 y se conserva actualmente en la Galería de los Uffizi en Florencia. Boticelli está considerado como uno de los grandes artistas del cuatrochento italiano, una verdadera explosión artística que se produce en Italia durante la segunda mitad del siglo XV en la que la ciudad de Florencia y los artistas florentinos tendrán mucho que ver.
La historia es un tanto extraña, pero para ella hay que remontarse a la mitología romana, en concreto al libro La Metamorfosis obra del autor clásico Ovidio. Recordemos que el renacimiento se trata en parte en rememorar los grandes momentos de la antigüedad clásica.
Venus, la diosa del amor, a la cual en representaciones iconográficas se le atribuye un papel negativo en la historia del arte, como fuente de pecado, habría nacido de los testículos del dios Urano que fueron cortados por su hijo Saturno y después arrojados al mar. Así que lo que podemos ver aquí no es el momento exacto del nacimiento de la diosa, que ya se ha producido, sino su llegada sobre una concha a una playa que podemos situar en la costa de la isla de Chipre, empujada como podemos ver por el soplo de algunos dioses que la acercan a la orilla, de ese soplo parecen surgen algunas flores que se dirigen hacia el cuerpo de la diosa. En ese lugar le está esperando una representación de la primavera que se dispone a cubrir su desnudez con un mando de color rojo pálido con decoraciones de flores. La ninfa que representa la primavera, lleva también un traje de color blanco decorado con flores.
Hay quien quiere ver en esta alegoría una representación de la pureza de la Virgen y a la representación de la inteligencia y el saber supremo frente a una visión del desnudo puramente sexual.

domingo, 17 de mayo de 2015

Las mujeres de Argel de Picasso subasta record (por ahora)

El mundo de las subastas es algo atípico respecto al ámbito artístico. El frenesí comprador se ve superado en muchas ocasiones por el nombre del artista mas que por la calidad de los cuadros que se subastan, girando casi siempre los mismos nombres en una carrera sin fin, que sucede nombres de artistas principalmente de finales del siglo XIX y principios del siglo XX que se sustituyen unos a otros para conseguir un trono completamente efímero, ya que solo será ocupado durante unos pocos meses.


Las mujeres de Argel es una obra pintada por Pablo Picasso en el año 1955, estamos en un momento en el que se ha superado la segunda guerra mundial y Picasso recupera la alegría en muchos de sus cuadros, tras las experiencias trágicas de obras realizadas durante la Guerra Civil Española como el archiconocido Gernica que se pintó en el año 1937 para la exposición universal que tenía lugar en París en esa fecha.
Una de las cosas buenas acerca de Picasso en ese momento es el uso que hace del color y como es posible (puesto que parece muy complicado) que consiga cuadros muy expresionistas pese a contar con colores que no suelen usarse en ese estilo, nos referimos al Guernica, cuyo color general se encuentra en las diferentes tonalidades del gris y el azul o por ejemplo en Mujer Llorando, una obra que Picasso pinta en 1937 y que tiene bastantes conexiones (en lo que al colorido se refiere) con esta obra que se acaba de subastar, aunque este pintada unos años después.
Mujer Llorando. Pablo Picasso 1937
Lo que si está claro es que durante toda su vida (mejor dicho desde el año 1907) Picasso es un pintor cubista. Es decir hay una serie de características comunes a sus cuadros que se repiten de forma constante con pequeñas variaciones. Podríamos decir que son tres principalmente las características del cubismo: la primera es la eliminación de la tercera dimensión (solamente tendremos alto y ancho pero no profundo porque como vemos en la obra Picasso se encarga de eliminar esa dimensión), la segunda es la utilización de formas simples ( no existen formas complejas en el cuadro, lineas rectas componen el dibujo de las figuras u objetos, líneas que después se rellenan de diferentes colores como apreciamos en el cuadro) y en tercer lugar descomposición de las figuras para obtener diferentes puntos de vista (esta es una novedad frente al nacimiento y difusión de la fotografía que ofrecía solo un punto de vista. Picasso jugará con la posición y con la luz para ofrecer una imagen diferente de aquello que tenemos delannte, para ofrecer algo que la fotografía no podía ofrecer). 
Estas son las características principales del cubismo que perfectamente podemos observar en la obra subastada hace unos días. También es interesante compararlo con a obra que incluimos del año 1937, porque el colorido es muy parecido, aunque es cierto que la temática y el momento que vive Picasso en cada una de las obras es completamente distinto.
Bacon, Giacometti, Gaugin, Van Gogh, Picasso, son algunos de los nombres que nos encontramos en las últimas subastas, no pensamos que puedan variar demasiado en los próximos años, lo que si podemos decir es que se irán sustituyendo unos a otros y Picasso ocupará el trono por poco tiempo.

miércoles, 13 de mayo de 2015

La muerte de la Virgen de Caravaggio

Michelangelo Mesiri es uno de los grandes maestros de la pintura barroca y uno de los introductores del claroscuro en la pintura barroca europea de comienzos del siglo XVII. Sus pinturas sirvieron como modelo a otos muchos artistas que trabajan en la época y que consideraban a Caravaggio como un maestro aventajado en el arte de la pintura.
La muerte de la Virgen es un tema bastante polémico, entre otras razones porque en ese momento la iglesia no tenía definido claramente la manera en que la Virgen muere, existe un tema iconográfico que se llama la dormición de la Virgen  que nos indica que la Virgen , libre de pecado moriría sin dolor, simplemente quedándose dormida y que instantes después Dios la volvería a la vida para llevarla al cielo en cuerpo y alama. Aunque también podemos encontrar escritos que nos indican que la virgen no murió sino que simplemente ascendió a los cielos. Esa indefinición plantea problemas a los pintores a la hora de representar este tema.
He hecho la obra de Caravaggio no fue aceptada, entre otras cosas porque era evidente que la persona representada había fallecido y ese, como hemos visto, era un tema no resuelto por la Iglesia Católica en ese momento.
Quizás una segunda razón para no aceptarlo fue que para representar a la Virgen Caravaggio habría usado la imagen de una joven prostituta que se había ahogado en el río Tiber, lo cual planteaba ciertos problemas éticos, acrecentados por la representación de los pies hinchados y el vientre hinchado, como consecuencia del ahogo. Todo ello unido a la evidencia de la muerte.
El uso del claroscuro es fantástico y sobre todo la representación de los personajes, porque, como vemos, Caravaggio se aleja por completo de la representación de figuras idealizadas, para tomar modelos de la calle, compañeros, amigos de taberna, prostitutas que son los personajes que le sirven para componer la obra, alejándose del idealismo generalizado de la pintura italiana para explorar una vena realista que se encontraba alejada del gusto de los mecenas que vivían en las ciudades de aquel país.
Pero esa vena realista será de gran influencia y será recogida por otros pintores como por ejemplo Velázquez o Rubens, gracias al cual conservamos esta obra, ya que al ser rechazada fue comprada por el Duque de Mantua por no poder ser expuesta en la Capilla de Santa María de Scala, su destino original.
María Magdalena se encuentra desolada en primer plano, mientras los apóstoles contemplan atónitos las escena, no con rostros de dolor, sino más bien de pesadumbre.

domingo, 10 de mayo de 2015

Historias del Nuevo Testamento. La cena de Emaus para niños

Para situar el episodio que vamos a narrar debemos situarnos después de la Resurrección de Jesucristo, cuando este va a realizar una serie de apariciones a diferentes personas durante 40 días antes de que se produzca su ascensión a los cielos.


Hay un dato que nos parece interesante y que Jesucristo repite en alguna ocasión y es que su presencia después de la Resurrección no es la misma que cuando contaba con su cuerpo mortal, por eso en alguna ocasión no es tan fácil que le reconozcan como ocurría en el pasado. Esa es una de las razones por las que lo discipulos de Emaus no lo reconocen cuando se encuentran y están hablando con él.
La historia nos dice que Jesús comenzó a caminar con dos de sus seguidores camino de la ciudad de Emaus a los tres días de que se produjera su muerte y ellos comenzaron a hablarle de los hechos que habían sucedido en Jerusalem, de su condena, muerte y de como unas mujeres y algunos apóstoles habían encontrado el sepulcro vacío esa misma mañana. Pero ellos no sabían que creer. Jesús mientras tanto les explicaba las escrituras y como estaba escrito acerca de su resurrección. Cuando llegaron a Emaus y Jesús hacía ademán de continuar, los discípulos le invitaron a quedarse porque se hacía tarde. Cenando juntos, en el momento en que Jesús bendijo el pan y lo partió para dárselo le reconocieron y en ese momento la figura de Cristo desapareció de su vista, quedándose ellos extrañados y recordando como les palpitaba el corazón cada vez que El les hablaba.
El momento elegido por muchos artistas para representar es el crucial instante de la cena en el que Jesucisto parte el pan y los discípulos le reconocen, con lo que como vemos en alguna de las pinturas que acompañan esta entrada, hacen ademán de levantarse porque se han dado cuenta de quien está con ellos en ese momento.
Conservamos dos fantásticas pinturas de Caravaggio sobre el tema donde observamos su concepto del barroco, con la utilización del claroscuro y también de personajes populares, nada idealizados que nos muestran un magistral uso de la luz y el color de este maestro nacido cerca de Milán en el año 1572 y muerto prematuramente en 1610 como consecuencia de la malaria. Un autentico referente de la pintura universal que supo retratar como nadie este tema.


La siguiente obra, con la misma temática es obra del artista flamenco Mathias Stom y fue realizada en torno al año 1600. El momento elegido es el mismo, vemos como Jesucristo se encuentra partiendo el pan cuando a los discípulos se les abren los ojos. Fantástica obra también y un excelente uso del claroscuro.


miércoles, 6 de mayo de 2015

Los toros de Guisando y otras representaciones tribales en la España prerromana

Antes de las llegada de los romanos a España, debemos distinguir entre dos zonas del país con diferentes niveles culturales y por supuesto representaciones artísticas. Por un lado encontramos la zona de Andalucía y todo el Mar Mediterráneo con un mayor grado de desarrollo en todos los niveles, cultural, comercial, organización social y expresiones artísticas como por ejemplo La Dama de Elche, la Dama de Baza o la Dama de Ibiza.


Por otro lado se encuentran las zonas del interior del país, mucho menos culturizadas que las anteriores, que no tienen un desarrollo de la escritura o la justicia tan grande como las anteriores, con una organización social en tribus dirigidas por un jefe al que su pueblo le debe lealtad y con representaciones artísticas mucho más toscas que las anteriores.
Un buen ejemplo de ello son las imágenes de los Toros de Guisando, que se encuentran en la provincia de Ávila. Guisando es un lugar conocido históricamente porque allí el rey Enrique IV de Castilla en el año 1468 nombró a su hermanastra Isabel como Princesa de Asturias y heredera del trono de Castilla renunciando a los derechos que tenía su hija Juana la Beltraneja sobre la que existían dudas acerca de su paternidad por su conocida impotencia.
Los Toros de Guisando son un grupo de esculturas halladas en este lugar de la provincia de Ávila que podemos fechar en el siglo II o siglo I antes de Cristo. Realizadas en granito, no sabemos muy bien lo que representas, algunas personas se inclinan porque sean toros mientras que hay otras que aluden a que pueden ser cerdos. La razón para pensar en toros es que muchas de ellas tienen dos espacios en la cabeza que podían acoger los cuernos del animal. Todas estas figuras deben asociarse con la ganadería, muy importante en ese momento en la zona norte de España y con la creencia de que estas representaciones podrían ser imágenes protectoras de los animales.
Quizás sean los Toros de Guisando los más conocidos pero encontramos figuras de este tipo repartidas por toda Castilla y León, otra de las más conocidas se encuentra en el Puente Romano de Salamanca, ya que forma parte de un episodio que le sucedió al Lazarillo de Tormes cuando sirviendo a un ciego, este le invita a colocar su cabeza sobre el lomo del Toro para escuchar cierto tipo de ruido y cuando Lázaro acerca la cabeza el ciego se la estampa contra la piedra, intentándole enseñar que debe ser más precavido y menos crédulo, sobre todo si la escultura que tiene delante es de piedra como esta.

Toro situado en el Puente Romano de Salamanca


domingo, 3 de mayo de 2015

La vida de Pablo Picasso obra de la etapa azul

Picasso al igual que otros artistas de su época sufre una fuerte evolución que le lleva desde los estilos tradicionales, en su caso el costumbrismo, hasta el descubrimiento de un nuevo estilo, el cubismo, que en poco tiempo le conducirá a la abstracción, aunque nunca abandonará la seña de identidad de su pintura que comienza en el año 1907 tras múltiples investigaciones.
En esa evolución hacia el cubismo nos encontramos con la etapa azul de Pablo Picasso, un momento artístico del autor que tiene lugar entre los años 1901-1903 y que nace como consecuencia de la muerte del poeta, amigo de Picasso, Carlos Casagemas, que se suicidó muy joven tras un desengaño amoroso, en el que dicen que Picasso estuvo implicado, ya que tuvo algo que ver en la ruptura de la pareja.
Esta obra refleja bastante bien e incluso de forma autobiográfica en algún caso, algunas de las características de la etapa azul de Picasso, nos referimos a aquella en la que el artista siente identificación con los seres más pobres e humildes de la sociedad. Mendigos, alcahuetas, desarrapados, en una palabra lo que el mismo pintor está sufriendo en un momento en el que sus obras no son suficientemente conocidas y se las ve y se las desea para poder vender su trabajo, afortunadamente para él las cosas cambiaran en poco tiempo.
Es por ello que el cuadro se desarrolla en el estudio de un artista, que puede ser el propio Picasso, porque vemos algunas obras en las que está trabajando al fondo. Se trata al parecer de una pareja, tan pobres que ni siquiera tienen dinero para comprar ropa con la que vestirse, esa el la razón por la que aparecen desnudos. La pareja tiene un niño pequeño, pero incapaces de poder mantenerlo de forma digna deciden entregarlo a una mujer que pueda hacerse cargo de él y por lo menos asegurarle la comida. El desgarrador momento de la entrega es lo que se representa en este cuadro, por eso las dos figuras que forman la pareja se encuentran con esos rostros consternados ante la decisión tan trágica que han tenido que tomar respecto a su hijo.
Ahí tendríamos la segunda característica de esta etapa azul, junto a la identificación por los humildes (que llevará al artista a la militancia en el Partido Comunista) a la tristeza que presentan los cuadros de esta época, los temas representados siempre nos conducen a este tipo de situación que enlaza, como deciamos con el fallecimiento de su amigo Casagemas.
Junto a ello la presencia del color azul dominando toda la escena del cuadro, un azul en diferentes tonalidades que inunda cada una de las partes que componen el cuadro y que conforma la tercera característica de este momento artístico en los inicios del trabajo del artista malagueño.

miércoles, 29 de abril de 2015

¿Que es un vano Palladiano?

Andrea Palladio es un arquitecto veneciano que trabajó durante el renacimiento Italiano, concretamente entre los años 1508 y 1580, este último año de su muerte, así que podríamos decir que su etapa activa se sitúa en la fase final del renacimiento, en un punto cercano al manierismo y al comienzo de la estética barroca, que irrumpirá con la llegada del nuevo siglo.

Basilica Palladiana, Vicenza

Es un arquitecto con gran influencia, no solo en su época, donde era considerado uno de los grandes maestros de la arquitectura por su interpretación del renacimiento sino también posteriormente, ya que fue ampliamente imitado en obras que se van a realizar en época neoclásica. Escribió además los cuatro libros de arquitectura, unos volúmenes cargados de información y dibujos que servirán como modelo a múltiples arquitectos.
Una de sus creaciones mas conocidas el el vano palladiano, que como podemos observar lleva su nombre, aunque esta apreciación no es completamente correcta. Se trata de un tipo de ventanas que el arquitecto va a desarrollar principalmente en la primera época de su carrera artística, aunque como hemos dicho deberíamos atribuir el mérito de estas ventanas a Sebastián Serlio, un arquitecto que trabajo una generación antes que Palladio y que en su tratado de arquitectura describe como deben realizarse estas ventanas para adaptarse al gusto clásico o a la estética clásica. Este tratado de arquitectura está inspirado en las ideas de Vitrubio, arquitecto, escultor e ingeniero que vivió en el siglo I antes de Cristo y que era el principal arquitecto de Julio Cesar.
Para decirlo de forma fácil, un vano palladiano es un arco de medio punto que se encuentra entre dos estructuras alquitrabadas. De una forma más técnica se trataría de una galería de arcos que se encuentran flanqueados por vanos rectangulares de tipo menor, siempre siguiendo las indicaciones de Serlio. Esta estructura la podemos observar en algunos arcos de triunfo romanos, donde las partes rectangulares se encuentran huecas u horadadas. 
Es decir el arco de medio punto apoya en dos alquitrabes que están sostenidos por dos columnas.
Es curioso observar este tipo de arco en uno de los cuadros que Velázquez pinta durante su segundo viaje a Italia, que tendría lugar entre 1649 y 1651, se trata de uno de los paisajes de la Villa Medicí donde podemos contemplar unos personajes y al fondo el tipo de arco que acabamos de describir.