domingo, 3 de mayo de 2015

La vida de Pablo Picasso obra de la etapa azul

Picasso al igual que otros artistas de su época sufre una fuerte evolución que le lleva desde los estilos tradicionales, en su caso el costumbrismo, hasta el descubrimiento de un nuevo estilo, el cubismo, que en poco tiempo le conducirá a la abstracción, aunque nunca abandonará la seña de identidad de su pintura que comienza en el año 1907 tras múltiples investigaciones.
En esa evolución hacia el cubismo nos encontramos con la etapa azul de Pablo Picasso, un momento artístico del autor que tiene lugar entre los años 1901-1903 y que nace como consecuencia de la muerte del poeta, amigo de Picasso, Carlos Casagemas, que se suicidó muy joven tras un desengaño amoroso, en el que dicen que Picasso estuvo implicado, ya que tuvo algo que ver en la ruptura de la pareja.
Esta obra refleja bastante bien e incluso de forma autobiográfica en algún caso, algunas de las características de la etapa azul de Picasso, nos referimos a aquella en la que el artista siente identificación con los seres más pobres e humildes de la sociedad. Mendigos, alcahuetas, desarrapados, en una palabra lo que el mismo pintor está sufriendo en un momento en el que sus obras no son suficientemente conocidas y se las ve y se las desea para poder vender su trabajo, afortunadamente para él las cosas cambiaran en poco tiempo.
Es por ello que el cuadro se desarrolla en el estudio de un artista, que puede ser el propio Picasso, porque vemos algunas obras en las que está trabajando al fondo. Se trata al parecer de una pareja, tan pobres que ni siquiera tienen dinero para comprar ropa con la que vestirse, esa el la razón por la que aparecen desnudos. La pareja tiene un niño pequeño, pero incapaces de poder mantenerlo de forma digna deciden entregarlo a una mujer que pueda hacerse cargo de él y por lo menos asegurarle la comida. El desgarrador momento de la entrega es lo que se representa en este cuadro, por eso las dos figuras que forman la pareja se encuentran con esos rostros consternados ante la decisión tan trágica que han tenido que tomar respecto a su hijo.
Ahí tendríamos la segunda característica de esta etapa azul, junto a la identificación por los humildes (que llevará al artista a la militancia en el Partido Comunista) a la tristeza que presentan los cuadros de esta época, los temas representados siempre nos conducen a este tipo de situación que enlaza, como deciamos con el fallecimiento de su amigo Casagemas.
Junto a ello la presencia del color azul dominando toda la escena del cuadro, un azul en diferentes tonalidades que inunda cada una de las partes que componen el cuadro y que conforma la tercera característica de este momento artístico en los inicios del trabajo del artista malagueño.

miércoles, 29 de abril de 2015

¿Que es un vano Palladiano?

Andrea Palladio es un arquitecto veneciano que trabajó durante el renacimiento Italiano, concretamente entre los años 1508 y 1580, este último año de su muerte, así que podríamos decir que su etapa activa se sitúa en la fase final del renacimiento, en un punto cercano al manierismo y al comienzo de la estética barroca, que irrumpirá con la llegada del nuevo siglo.

Basilica Palladiana, Vicenza

Es un arquitecto con gran influencia, no solo en su época, donde era considerado uno de los grandes maestros de la arquitectura por su interpretación del renacimiento sino también posteriormente, ya que fue ampliamente imitado en obras que se van a realizar en época neoclásica. Escribió además los cuatro libros de arquitectura, unos volúmenes cargados de información y dibujos que servirán como modelo a múltiples arquitectos.
Una de sus creaciones mas conocidas el el vano palladiano, que como podemos observar lleva su nombre, aunque esta apreciación no es completamente correcta. Se trata de un tipo de ventanas que el arquitecto va a desarrollar principalmente en la primera época de su carrera artística, aunque como hemos dicho deberíamos atribuir el mérito de estas ventanas a Sebastián Serlio, un arquitecto que trabajo una generación antes que Palladio y que en su tratado de arquitectura describe como deben realizarse estas ventanas para adaptarse al gusto clásico o a la estética clásica. Este tratado de arquitectura está inspirado en las ideas de Vitrubio, arquitecto, escultor e ingeniero que vivió en el siglo I antes de Cristo y que era el principal arquitecto de Julio Cesar.
Para decirlo de forma fácil, un vano palladiano es un arco de medio punto que se encuentra entre dos estructuras alquitrabadas. De una forma más técnica se trataría de una galería de arcos que se encuentran flanqueados por vanos rectangulares de tipo menor, siempre siguiendo las indicaciones de Serlio. Esta estructura la podemos observar en algunos arcos de triunfo romanos, donde las partes rectangulares se encuentran huecas u horadadas. 
Es decir el arco de medio punto apoya en dos alquitrabes que están sostenidos por dos columnas.
Es curioso observar este tipo de arco en uno de los cuadros que Velázquez pinta durante su segundo viaje a Italia, que tendría lugar entre 1649 y 1651, se trata de uno de los paisajes de la Villa Medicí donde podemos contemplar unos personajes y al fondo el tipo de arco que acabamos de describir.


domingo, 26 de abril de 2015

Caravaggio el pincel y la espada de Milo Manara

Hace unos días, con motivo del Salón del Comic que de forma ya tradicional se celebra cada año en la ciudad de Barcelona, se presentaba la nueva obra del creador italiano Milo Manara centrado en la vida y obra del pintor barroco Caravaggio.
El comic es fantástico, con una calidad de dibujo impresionante y pensamos que una manera excelente y mucho más divertida de enseñar arte que lo que estamos habituados, ya que aquí podemos disfrutar de la agitada vida de este pintor contada en episodios visuales que son siempre mucho más amenos que cualquier teoría.
Caravaggio además tuvo una vida que merece la pena ser contada, porque fue tremendamente agitada y excesivamente corta para un creador de su categoría. Si tenemos que hacer una pequeña biografía de Caravaggio diremos que tristemente solo vivió 37 años y que la malaria nos privo en el año 1610 de uno de los grandes genios que influyo en la pintura barroca de toda Europa, ya que su temática, el uso del claroscuro y la gran variedad de colores utilizados serán un referente de los más importantes creadores del momento, como Diego Velázquez, Pedro Pablo Rubens, Anthony Van Dyck o José de Ribera por citar solamente algunos de los más conocidos.
Michelangelo Merisi no había nacido en Roma, sino en la pequeña ciudad de Caravaggio, al sur de Bérgamo en el año 1573. Aprendió la pintura en Milán de manos de un maestro que se decía discípulo de Tiziano y que le enseño a nuestro protagonista los rudimentos de la estética manierista.Debió llegar a Roma en el año 1590 y allí era conocido por su mal carácter y por meterse en excesivos problemas que nada tenían que ver con el arte de la pintura. Tuvo varios problemas con la policía y en el año 1606 tuvo que huir de la ciudad eterna como consecuencia de una acusación de homicidio. Pasó por varias ciudades para fallecer justo cuando estaba de regreso a Roma en el año 1610. Como podemos apreciar nos encontramos con una vida llena de hechos relevantes, muchos de ellos sin relación con su profesión sino debido a sus líos y jaleos nocturnos fruto de un violento carácter.
Así que sin duda merece la pena echar un vistazo a este comic y empaparnos un poco de la vida de este fantástico pintor que revolucionó la pintura justo antes del inicio del barroco y nos entregó un nuevo concepto de lo que siginifa el claroscuro un elemento esencial para entender esa época.

miércoles, 22 de abril de 2015

El pintor Kazimir Malevich para niños

La antigua Unión Soviética, en este caso Ucrania, nos ha legado uno de los pintores más interesantes de la primera mitad del siglo XX por sus estudios y experimentos sobre el arte abstracto y la creación de un estilo que el propio artista denominaba como suprematismo.
Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Malevich debemos decir que nació en el año 1876, es decir se encuentra en una edad en la que surge una nueva generación de pintores que van a poner patas arriba todo el sistema artístico de occidente con sus experimentos pictóricos, nuestro artista no es ajeno a ellos y participará activamente.
Debido al trabajo de su padre se traslado varias veces de domicilio, aunque siempre tuvo interés por la pintura, su formación es tardía, ya que comienza a hacerlo en el año 1904, cuando cuenta 28 años de edad. Como otros artistas del momento empieza con influencias del impresionismo, realizando paisajes que en poco tiempo se convertirán en neoimpresionistas.
Pero, igual que le ocurre a otros artistas, debido a exposiciones realizadas que tiene la oportunidad de ver, se sentirá influenciado por otros movimientos y artistas, como por ejemplo el futurismo o algunas obras de Cezanne. También tuvo la oportunidad de conocer la obra de Picasso en el año 1907, lo que hace que su forma de pintar cambie e incorpore el cubismo a las influencias que recibe su pintura. Aunque más tarde cuando Marinetti visite Moscú en el año 1914 se sienta muy impresionado por el futurismo y la idea de expresar el movimiento y el cambio rápido de los tiempos en pintura.
Todas las influencias configuran algo que también le ocurre a muchos pintores del momento y es que, pese a comenzar con escenas de tipo naturalista, se decantan finalmente por la abstracción.
Kazimir Malevich. Cuadro Negro
Aunque si por algo es conocido Malevich es por el suprematismo, un estilo que tiene su origen en el año 1915. Si tenemos que definir el suprematismo se trata de obras abstractas que intentan definir la esencia de la pintura. Esta esencia podemos encontrarla en la reducción de las formas a elementos básicos, como una línea, un cuadrado, una cruz y a una combinación de colores que se definen por si mismos. Su Cuadro Negro, que presenta ese mismo año en una exposición puede ser un buen ejemplo de lo que decimos, colores puros y formas simples e incluso en muchos casos primitivas (recordemos la importancia que para Picasso tienen estas líneas en la composición de las obras cubistas, reduciendo formas a estructuras geométricas o bien a líneas que definen el trazo de una forma o figura).
Malevich decía que las obras suprematistas le llevaban a descubrir cosas fuera del conocimiento, una nueva búsqueda de Dios, sus formas son el símbolo de una religión nueva.
Pero sus formas y composiciones son tan simples que parecen ideales para trabajar con niños creando alguna pintura similar sin mucha dificultas, ya que se trata de formas geométricas simples y y distribución de colores que aparecen en solitario o combinados, por tanto desde los más pequeños a los más grandes pueden crear obras similares a las de este artista en su periodo suprematista.
Malevich falleció en Leningrado, que se conoce con su nombre original de San Peterburgo, en el año 1935


domingo, 19 de abril de 2015

El Alcázar de Sevilla para niños

Este magno palacio, residencia de reyes tanto musulmanes como católicos, se encuentra situado en el centro de la ciudad, justo frente a la puerta sur de la Catedral de Sevilla y ocupa un amplio espacio no solo en los edificios que incluye sino también en el jardín que conserva, que tiene un tamaño considerable en extensión.
El Alcázar es uno de los principales monumentos de Sevilla, un edificio que tiene varias épocas de construcción desde el siglo XII hasta el siglo XX, pero al que podemos calificar en su mayoría como mudéjar, es decir realizado por arquitectos y alarifes arabizados contratados por los católicos que conquistaron la ciudad en el siglo XIII. Es decir, aunque se construye en su mayoría en época católica mantiene características decorativas propias musulmanas, ya que fueron estos los que completaron la obra.
Esto se aprecia muy bien en la fachada que incluye una gran profusión decorativa formada por elementos vegetales, textos tomados del Corán (serán de la Biblia si son católicos los que lo construyen) y arcos ciegos polilobulados cuya función únicamente es decorar, con total ausencia de representaciones humanas o animales que el libro sagrado prohibía.


 Uno de los elementos distintivos del edificio son los azulejos que decoran cada una de las estancias, son de gran belleza y van variando la decoración dependiendo del lugar donde nos encontremos en cada momento. La tradición del azulejo (en parte para proteger las paredes de la humedad), ha continuado hasta nuestrois días en Sevilla sirviendo como aislante y decorando patios y viviendas.
El patio de las doncellas es uno de los más bellos del edificio, allí se unen elementos típicos musulmanes como son: la presencia del agua, la presencia de la naturaleza y la arquitectura. Todos ellos integrados. En este caso los arcos polilobulados decorados con sebka son de gran belleza. Debemos observar el patio como centro de la vida familiar y lugar de distribución de las habitaciones con las que contaba el palacio.
Dentro de las estancias podemos hacernos una idea de como eran las habitaciones de la época ahora desnudas, pero que nuestra imaginación debe llenar de armarios, colchones y cojines.
La sala más espectacular es sin duda el Salón de los Embajadores con su espléndida cúpula con forma de media naranja decorada en colores rojo y amarillo con motivos de mocarabes, es solo una de las muchas cubiertas de madera que cambian su decoración dependiendo de la sala donde estemos. En esta sala se puede apreciar el "horror vaci" es decir el temor al vacío, por lo que toda la pared se llena de decoración con los motivos antes indicados en la fachada, a ello se unen también escudos de Castilla y León que nos hablan de la presencia cristiana en Sevilla durante la construcción.
Los baños es una de las partes más interesantes, ya que aunque reformados en la cubierta conservan la piscina original y nos dan una idea del concepto de limpieza que tan importante era para el mundo musulmán en la Edad Media, pensemos por ejemplo que en la ciudad de Córdoba existían en el siglo IX 800 baños públicos.
El jardín, dividido en varias partes, es muy grande, debemos verlo como un lugar para pasar el tiempo libre, para disfrutar de un paseo protegido por la sombra de los árboles, tratando de huir del calor del verano sevillano. Aunque moderno, el jardín incluye un pequeño laberinto que era muy típico en los edificios musulmanes.
No queremos terminar sin destacar la presencia de algunos personajes históricos en el Alcázar, como por ejemplo los Reyes Católicos, que desde aquí llevaron la conquista de Granada que duró 10 años y entre cuyos muros nació su único hijo varón, el príncipe Juan. También señalar la presencia del rey Carlos I, que se casó en la Catedral de Sevilla y celebró en una de las salas del Alcázar la posterior fiesta decorada con grandes escudos del imperio español y de Portugal de donde era la princesa Isabel. También de Carlos es un cenador que se puede observar en el acceso al jardín del Alcázar, justo al lado del laberinto. Hay otros muchos, Alfonso XII es otro de ellos al que le gustaba escaparse al barrio de Santa Cruz por la noche intentando no ser reconocido en sus escapadas.

miércoles, 15 de abril de 2015

¿Que papel juega la obra dentro del sistema del arte?

Quizás una de las primeras cosas que debemos hacer sea definir el concepto de obra de arte, un término que no empieza a utilizarse hasta el siglo XV y donde se mezcla la naturaleza creadora de Dios, la naturaleza y la capacidad del hombre para imitar las formas que esta nos ofrece. Es decir la condición humana adquiere algo de divina en la capacidad para crear formas que imitan las creaciones de la naturaleza.
La obra de arte aparece como algo creativo, un hombre capaz de crear de "dar vida" conceptos que hacen que esa capacidad creadora sea la que le da un aura divina a los artistas, un algo diferente que les hace distintos del resto de los humanos. Eso ocurre tanto en el pasado como en el presente.
Hasta el siglo XIX la obra de arte era de encargo, el pintor la realizaba para un patrón concreto que a veces tenía sus propias exigencias, pero desde mediados del XIX se produce una independencia de la pintura con el impresionismo, la obra dejará de tener destino en un patrón concreto para estar destinada a toda la humanidad, la proyección de la obra, según Theodor Adorno, cambia y será algo dinámico.
Así entendemos por una obra de arte un objeto producido (incluso una cosa), se supone que la obra tiene un contenido espiritual que favorece su circulación, tiene un principio y un fin (unos límites que no parecen claros en la actualidad), la obra es un mundo en pequeño con sus propias fronteras y por último podemos decir que la obra es única e irrepetible (un concepto que tampoco queda claro en la era de la reproducción de la imagen como la que vivimos).
Claro que el avance la posmodernidad se produce un cambio en el papel tradicional de la obra de arte con algunos parámetros diferentes a los que acabamos de citar en el parrafo anterior, veamos esos cambios que afectan a la obra de arte en la actualidad:

  • Vivimos una crisis de los soportes tradicionales y algunos estilos cuyos límites no parecen claros, ya que en muchos casos no podemos definir una obra como pintura, escultura o instalación. Se introducen nuevos términos aplicados a intentar definir algunas obras como por ejemplo pintura expandida, pintar sin pintura, eso por no hablar de como el vídeo o el ordenador han podido cambiar nuestra forma de percibir el arte.
  • La obra abandona su contenido "espiritual" para abrazar un mensaje de tipo conceptual que incluye un argumento, una base teórica sobre la que comenzar el análisis de la obra
  • Cuando decimos que antiguamente las obras tenían un principio y un fin nos referimos a que fueron creadas para ser colocadas en un lugar concreto, pero esta situación es imprevisible en la actualidad con la cantidad de mediadores que existen, como galerías, museos, subastas o ferias de arte.
  • La obra se plantea como algo abierto, donde el espectador puede participar, la estructura de la obra es dinámica.
  • No existe un tema concreto sobre el que deba tratar, ya que el creador tiene plena libertad para plantear lo que mejor le parezca.
  • El tema de la originalidad de la obra existe, pero al mismo tiempo se han incorporado nuevos conceptos como reproducción masiva, serialidad, multiplicidad, repetibilidad que suenan de vez en cuando con el fin de acceder a mayor cantidad de público (no tenemos mas que pensar en las series fotográficas u obras de video de las que se venden 3 ó 5 ejemplares y pruebas de artista o bien grabados y serigrafías de las que se realizan 100, 200 o 1000 copias a veces incluso firmadas por el artista)
Actualmente para que una creación sea reconocida como "obra de arte" debe ser reconocida antes por las instituciones que sostienen el sistema, si la obra no está insertada o ha pasado por los canales tradicionales como Museos, Galerías de Arte, Salas de Exposiciones o Subastas, no se encuentra dentro del sistema y por tanto no puede calificarse como obra de arte, debe ser sancionada por alguno de los elementos que componen el sistema del arte, hasta por los críticos de arte, aunque debemos decir que el mejor crítico para cualquier obra es el paso del tiempo.
Esta idea el tiempo es importante ya que la obra no debe ser una burla contra la institución o el sistema sino que debe mantener la coherencia para mantenerse en el tiempo.


domingo, 12 de abril de 2015

El artista pop Roy Lichtenstein para niños

El arte pop tiene multitud de manifestaciones en su época de mayor esplendor, es decir a partir de los años 60, cuando artistas tan conocidos como Jasper Jhons o Andy Warhol conviertan en arte aquello que hasta ese momento solo se consideraba popular. Como ya vimos en el post Andy Warhol para niños, este se dedicaba a la representación de personajes famosos o bien de latas de comida que se anunciaban en televisión.


Si tratamos de hacer una pequeña biografía de Roy Lichtenstein, lo primero que debemos decir, es que al igual que Andy Warhol, también es Americano, nació en la ciudad de Nueva York en el año 1923 y murió en la misma ciudad como consecuencia de una neumonía en el año 1997.
Ya comentamos que el arte pop surge como reacción al movimiento americano por excelencia, hablamos del expresionismo abstracto. Bien, pues Lichtenstein practicó este movimiento hasta el año 1958, pero desde entonces comenzó a cambiar su estilo y se aproximo mucho más a la idea del pop y a sus cuadros más conocidos en la actualidad.
Lichtenstein se doctoró y trabajó como profesor de Universidad la mayoría de su vida.
Y es que su estilo se caracteriza por el uso de imágenes tomadas de los comics que aparecen aisladas y descontextualizadas de su entorno, en muchos casos reinterpretadas por el autor, que añade nuevos colores y situaciones. No solamente se trataba de comics ya que también utilizaba personajes que aparecían en anuncios comerciales para darles un nuevo valor distinto del que tenían en origen. Por ejemplo algunas de sus primeras figuras son personajes que aparecen en el envoltorio de algunos chicles.
Sus obras recuerdan tanto a los comics que en muchas ocasiones la forma de pintar nos da impresión al ver  como están impresos sobre el papel estos dibujos, reproduciendo los puntos rojos que creaba la impresión del momento. A ello añadía en algunas ocasiones colores que no aparecían en el comic, ya que los colores en la impresión se reducían por el alto valor que tenía imprimirlo, de manera que podemos observar en los cuadros personajes con el pelo azul, cosa que en los comics no aparecía por la razón que acabamos de explicar.
No solamente se dedicó a la pintura, sino también a la escultura, con un estilo muy similar, es posible encontrar obras suyas repartidas por todo el mundo, ya que fue un autor muy prolífico. 
En muchas de sus obras la mujer es protagonista, sobre todo en cuadros de primera época, son muy guapas mujeres que bien anunciaban productos o eran protagonistas como héroes de algún comic de acción y aventura. En muchos casos las emociones se pueden apreciar perfectamente e incluso a veces predominan sobre otro tipo de situaciones.