miércoles, 7 de diciembre de 2016

Juan de Herrera y el clasicismo en España

El arquitecto Juan de Herrera representa la última etapa del renacimiento en España representada por el clasicismo, una forma de construir que difiere de lo que se había hecho hasta ese momento en España, donde los ojos se vuelven definitivamente a Italia en particular y la mundo clásico en general.

Puerta acceso Monasterio de El Escorial

Y es que el renacimiento en España está cargado de detalles y pequeños matices que varían según el arquitecto del cual estemos hablando. El comienzo del renacimiento no es ni siquiera una forma de construir sino de decorar algunos edificios que todavía tenían trazas de estilo gótico. Esa carga decorativa incluye algunos elementos tomados del arte italiano, como los grutescos o la inclusión de pequeñas figuras desnudas que decoran las fachadas y ventanas de estos edificios. Sin duda es el momento más original de arte español, la mezcla de la tradición gótica, la profusión decorativa musulmana y unos pequeños detalles del renacimiento italiano.
Esa fase primera se va superando poco a poco y se introducen algunos elementos constructivos que podemos ver en diferentes palacios e iglesias realizados a mediados del siglo XVI, la formación de algunos arquitectos, en algunos casos sus viajes a Italia, harán que desaparezca la carga decorativa (aunque no del todo) y se concentren más en los elementos estructurales. Algunos de los nombres como Diego de Siloe o Pedro Machuca tratarán de acercarse al renacimiento italiano.

Biblioteca del Monasterio de El Escorial

La tercera del renacimiento está representada por el arquitecto Juan de Herrera que vivió entre 1530 y 1597 y por uno de sus edificios más emblemáticos, el Monasterio de San Lorenzo del Escorial
En el desarrollo de sus obras tiene mucho que ver el rey Felipe II que tiene muy claro el estilo con el que deben construirse los palacios que quiere realizar en España. Los viajes realizados por Europa le abren los ojos a una nueva concepción de la arquitectura y del jardín, que se verán plasmados en sus realizaciones. Desde muy pequeño contó con libros de arquitectos italianos en su biblioteca y sabía perfectamente por donde se estaba moviendo el arte en ese momento.
Si algo define el Monasterio del Escorial es la ausencia de carga decorativa con la que contaban los edificios anteriores, ya no encontramos grutescos, ni escudos, nada de cresterías o cualquier elemento superfluo que pueda distraer la atención del espectador. 
Por otra parte el edificio sigue las normas clásicas de construcción, aquello que los italianos decían sobre los edificios que deberían estar hechos "a la romana", cumpliendo una serie de normas, como por ejemplo la superposición de columnas con diferente capitel dependiendo del piso en el que estuviéramos, dórico para el primero, jónico para el segundo, corintio, para el tercero y compuesto si existían un cuarto, como podía verse por ejemplo en el Coliseo de Roma y que Juan de Herrera repite en el altar mayor de la iglesia que se encuentra en el centro del monasterio.
Otras obras de este arquitecto también se pueden observar en otros lugares de España, siempre por iniciativa del rey Felipe II, hablamos por ejemplo de la Catedral de Valladolid, que no llegó a terminarse por falta de fondos o del Archivo de Indias en la ciudad de Sevilla.

Proyecto de Juan de Herrera para la Catedral de Valladolid

domingo, 4 de diciembre de 2016

La arquitectura del Renacimiento pleno en España

El Renacimiento es un estilo que en la arquitectura española tiene una duración muy corta, ya que el gótico se extiende en el país a lo largo de 3 siglos. Ello hace que mientras en países como Italia estaban desde hace tiempo redescubriendo el estilo, en España se seguía construyendo en estilo gótico hasta en pleno siglo XVI.

Diego de Siloe. Patio del Colegio Fonseca en Salamanca

Por tanto el fenómeno del Renacimiento tiene una duración bastante corta, que va desde 1512 hasta 1580. Pese a ello podemos dividirlo entres momentos cada uno de ellos con sus características. El primero es el plateresco, que asociamos a un tipo de decoración concreta en los edificios, el segundo es el Renacimiento pleno del cual nos vamos a ocupar. El tercer momento alude al clasicismo y las obras de Juan de Herrera, perfectamente identificadas en la construcción del Monasterio de San Lorenzo del Escorial.
El Renacimiento Pleno comienza a darse desde el año 1530 y podemos decir que la mayoría de sus obras se realizan hacia 1550. Una de las características es que van a eliminar carga decorativa en los edificios, aunque todavía mantienen algunos elementos de la época plateresca, ya que aunque desaparecen los grutescos en columnas y pilastras, se mantienen los escudos de las familias que construyen los edificios. 
Al mismo tiempo se introducen elementos que ya habían sido usados en la arquitectura italiana, bien porque los arquitectos los conocen o bien porque han viajado a Italia y han podido verlos in situ. Se trata de la utilización de arcos de medio punto tanto en el interior como en algunas ventanas y otro tipo de arco como el rebajado que también es profuso en esta época.

Pedro Machuca. Patio del Palacio de Carlos V en Granada

Arquitectos como Rodrigo Gil de Hontañón son representativos de este estilo, sus edificios son fácilmente identificables por la galería de ventanas de medio punto que incluye en sus palacios y en las torres de los edificios, al mismo tiempo mantiene elementos del gótico, como la presencia de escudos, los balcones o la crestería rematando la parte superior. Obras como el Palacio de Monterrey en Salamanca o la Universidad de Alcalá de Henares son fieles testigo de ellos.
Diego de Siloe es también representativo del estilo, aunque este a diferencia de Gil de Hontañón había estudiado en Italia y conocía mas características del renacimiento, como el uso del círculo si se trataba de un panteón, como ocurre en la Catedral de Granada o en la Iglesia del Salvador de Úbeda. Una magnifica obra suya es el patio del Palacio Fonseca en Salamanca, quizás el más bello renacentista que tenemos en España.
No quiero terminar sin citar a Pedro Machuca, un arquitecto más clásico que los anteriores, que también conocía multitud de obras italianas. Se puede ver perfectamente en el Palacio de Carlos V que construyó en Granada y como tanto en el patio como en la fachada introduce estos elementos clásicos en el orden de las columnas, en el almohadillado exterior o en el uso del vano serliano que tuvo que conocer en Italia.

Rodrigo Gil de Hontañón. Universidad de Alcalá de Henares

miércoles, 30 de noviembre de 2016

Dibujos de Paul Klee para pintar y colorear

El artista nacido en Berna pero educado artísticamente en Alemania es uno de los que mejor se adapta el trabajo con niños, ya que sus pinturas no resultan nada complicadas y permiten jugar con el color de manera aleatoria, dejando a decisión del niño cuales quiere incluir y cuales no.


Klee es un artista difícil de definir en un estilo concreto, hay quien dice que está cercano al surrelaismo, otros al expresionismo y para algunos es un artista que practica la abstracción en su trabajo.
Pero lo que podíamos decir que define la obra de Klee y la diferencia de otros es la distribución del color, un tema que para el representaba una obsesión. El color irá ganando importancia en sus obras hata convertirse en la parte principal de su trabajo, mucho más que la forma o figura que se ha decidido representar.


El color nosotros podemos identificarlo fácilmente asociándolo en nuestra mente desde que somos niños, pero dentro de cada color existe una gama de matices inmensa, que también merece nuestra atención. Eso es lo que sucedía con Paul Klee, que se dedicaba a estudiar estos matices para crear millones de colores como la gran lista de pantones con la que trabajan los diseñadores gráficos en la actualidad o las mezclas que podemos hacer con el ordenador si trabajamos con programas como Photoshop.



Quizás esta obsesión por el color tenga que ver con el encuentro que tuvo en Berlin con Kandinky, otro artista para el cual el color y la forma de distribuirlo en el cuadro son mas importantes que las formas en él representadas. Cuando se conocieron ambos artistas estaban vinculados al expresionismo pero los dos evolucionan hasta convertir el color en el objetivo de sus obras.
Resulta muy fácil para los niños trabajar con dibujos de Paul Klee ya que muchas de sus obras están divididas en cuadrados o rectángulos, en algunos casos de forma irregular, que pueden ser rellenados de color y ahí es donde entrá la imaginación de nuestros pequeñps. Podemos enseñarles la obra original para que vean como lo hace el artista pero lo bueno es que tengan libertad para aplicar el color a su gusto. Eso si, intentando que cada rectángulo sea de un color diferentes y procurando que respeten las líneas de cada forma geométrica.


domingo, 27 de noviembre de 2016

El Che Guevara como icono pop

Ernesto Che Guevara es una de las figuras más destacadas del siglo XX, una persona que despierta admiración para algunos y odio para otros, en posturas encontradas que tienen que ver mas con lo ideológico que con lo artístico, que es lo que aquí nos ocupa.


El Che Guevara nació en Rosario (Argentina) en el año 1928 en el seno de una familia acomodada, pero es conocido por la lucha armada en diferentes países para entender la revolución comunista. Quizás el episodio de mayor triunfo lo vive junto a Fidel Castro, cuando desde Mexico llegaron con guerrilleros a Cuba y fueron capaces de extender la semilla de la revolución a un pueblo que se encontraba tremendamente oprimido en ese momento.


Una vez en el poder en Cuba, Guevara ocupó diferentes cargos políticos e incluso adquirió la nacionalidad cubana, pero quizás por enfrentamientos ideológicos o quizás porque llevaba dentro el gusanillo de la guerra, decidió abandonar cualquier cargo y seguirse uniendo a diferentes revoluciones comunistas en todo el mundo, principalmente en América Latina. Tras su salida de Cuba luchó en el Congo y también en Bolivia, donde fue herido, apresado y se le dio muerte en el año 1967.
Pero a nosotros nos interesa la parte artística y es que desde entonces el Che Guevara se ha convertido en un icono pop y su imagen ha sido representada en multitud de objetos que son de uso común en la vida diaria de millones de personas.


Lo curioso es que se trata de un icono pop de la sociedad capitalista, que compra tazas, gorras, mecheros, camisetas y miles de objetos con el rostro del Che Guevara, un guerrillero que trataba de extender la revolución comunista y que por tanto detestaba la sociedad que lo convirtió en un icono mercantilista.
A veces es muy curioso como el capitalismo puede darle la vuelta a cualquier cosa para convertirlo en un negocio. Aquellos que compran objetos con el rostro de Guevara, quizás porque se sienten identificados con sus ideas, están contribuyendo al engorde de la industria que lo único que obtiene con grandes beneficios con la venta de todo tipo de objetos.
Simplemente decir que la mayoría de ellos toman como modelo la fotografía realizada por Alberto Korda en 1960, una obra que en sus diferentes variantes se ha reproducido hasta la saciedad, igual que el perfil que de esta fotografía realizó Jim Fitzpatrick y que ha servido para millones de impresiones en objetos de todo tipo.


Esta frase, que también se utiliza profusamente en el Merchandising de Guevara es la despedida de la carta en la que anunciaba a Fidel Castro que renunciaba a todos sus cargos y a la nacionalidad cubana para continuar extendiendo la semilla de la revolución comunista por el resto del planeta.

miércoles, 23 de noviembre de 2016

La Catedral gótica de Gerona

Hoy vamos a hablar de uno de los mejores ejemplos del gótico del siglo XIV en España, el que conocemos como gótico mediterráneo, ya que las mayoría de los edificios de esta época se construyen en la zona de Cataluña, Valencia y las Islas Baleares. Se trata de un momento de inestabilidad en Castilla aprovechado por el reino de Aragón para desarrollar gran cantidad de obras en las ciudades más importantes del reino.


Si observamos la planta del edificio veremos que existen algunas diferencias entre las catedrales clásicas castellanas y estas obras mediterráneas. La primera es que se abandona la diferencia de altura entre las naves, de manera que es mínima entre la nave central y las laterales, llegando la iluminación al interior a través de los muros laterales. Tanto es así que por ejemplo en Gerona pasaron bastante tiempo discutiendo si realizan una o tres naves y quizás debido a esa falta de diferencia decidieron realizar solo una nave dividida en cuatro tramos que están cubiertos con bóveda de crucería.
Al llegar a la zona del altar mayor si se divide la iglesia en tres partes, dos que corresponden al deambulatorio que nos permite girar alrededor del altar mayor, que sería la tercera parte en la que se divide esta zona de la cabecera. Si existe en este caso una diferencia de altura considerable entre el altar mayor y la zona de la girola. Ello sirve al exterior para incluir arbotantes que ayudan a recoger el peso de las bóvedas del altar y depositarlo en los contrafuertes que se adosan al muro del edificio.


Otra de las características de estas iglesias son las capillas con las que cuenta, muchas y todas ellas abiertas a la nave no cerradas y cubierta por rejas como en Castilla. En la zona mediterránea las capillas no eran privadas no pertenecían a una familia noble o algún eclesiático, sino que pertenecían a diferentes gremios que las usaban para incluir imágenes de su patrón o celebrar festividades conjuntas.
Muy característicos de esta catedral son los rosetones que encontramos en la zona de la cabecera y que se sitúan por encima de las bóvedas de crucería, tanto en la zona central donde el rosetón es más grande, como en el deambulatorio que cuenta con dos de menor tamaño.
Resulta curioso como descarga el peso de las bóvedas de crucería sobre finas columnillas, que, apoyadas en contrafuertes, descargan el peso a la zona inferior de los muros del edificio.
También son muy típicos los pilares que recogen en el altar mayor el peso de las bóvedas y que permiten el paso desde la girola al altar mayor, dando una sensación de espacio y libertad de movimientos bastante grande.

domingo, 20 de noviembre de 2016

El escultor barroco Pedro de Mena para niños

Estamos ante un artista que es una de las figuras más destacadas a nivel nacional durante la segunda mitad del siglo XVII, época en la que desarrollo su actividad, difundiendo obras por toda España y creando modelos iconográficos que se distribuyeron por iglesias y conventos de clausura.


Pedro de Mena era granadino, en la ciudad nazarí vió la luz en el año 1628, entre la ciudad de Granada y la de Málaga repartirá su vida, ya que un encaro le movió hasta allí, pero no un encargo cualquiera, sino la realización de la sillería del coro de la Catedral de Málaga, que posiblemente sea junto a la de Toledo, las de mayor calidad que tenemos en España.
En Granada debió aprender el oficio junto a su padre Alonso de Mena de quien aprendió algunos modelos de representación, pero su padre falleció pronto y él se hizo cargo de su estudio con tan solo 18 años. En unos años colaboraría con él en el estudio Alonso Cano, que había regresado desde Madrid debido a una acusación de asesinato. Esta colaboración será decisiva ya que la delicadeza de las obras de Alonso Cano y la expresión de los rostros se verá acrecentada en la obra de Pedro de Mena que tomó de este su maestro muchas características para sus obras.

Dolorosa. Convento de Madres Carmelitas de Alba de Tormes

La expresión decimos es una de las maneras de reconocer las obras de Pedro de Mena, una piel que parece porcelana, las cejas onculadas, los ojos abiertos, la boca entreabierta donde pueden apreciarse los dientes, todo para crear figuras que esperan rotas por el dolor acompañadas de cantidad de ropajes que se superponen unos a otros de forma finísima.
Muchos son los modelos importantes que realizó nuestro artista, figuras de San Pedro de Alcantara, San Francisco de Asis, María Magdalena o Inmaculada son algunas de sus figuras más conocidas. Pero cabe destacar algunas figuras que repartió por conventos de todo el país y que normalmente se vendían en grupo, se trata de las representaciones de la Dolorosa y el Ecce Homo, figuras de busto en muchos casos que servían como inspiración a los monjes y monja para realizar sus oraciones frente a ellas.
Pedro de Mena vivió 60 años y falleció tras 30 años de estancia en Málaga, concretamente en el año 1688. Como decimos tuvo mucho éxito en vida lo que le proporcionó el poder llevar una vida acomodada.

Detalle del rostro de una figura del Ecce Homo. Pedro de Mena

miércoles, 16 de noviembre de 2016

¿Como pintar un cuadro puntillista con niños?

Quizás sea el puntillismo uno de los estilos artísticos más fáciles de trabajar con niños, el uso de diferentes colores y la forma de disponerlos en el cuadro puede ser una de las maneras más entretenidas de componer una obra desde los más pequeños hasta los entrados en años con dibujos que sean mas complicados.

Imagen tomada de www.actividades.dibujos.net

La técnica del puntillismo consiste en aplicar sobre la lámina o el papel diferentes bloques de puntos distintos colores que nos ayudan a componer una figura u objeto. Tengamos en cuenta que la aplicación de puntos nos ayuda a componer en nuestra mente las formas creadas cuanto más alejados nos encontramos de la obra, si estamos excesivamente cerca tan solo parecerá que tenemos una serie de manchas provocadas por los puntos.
El puntillismo y el impresionismo tienen en esto mucho en común, pensemos en artistas como Vicent Van Gogh y su manera de extender manchas de color que componen los paisajes o los retratos pintados por el maestro holandés.
Así que una vez que tenemos una cartulina o lámina de papel y diferentes colores ya estamos preparados para crear nuestra primera obra puntillista.

Obra tomada de www.manualidades.about.com

Para poder apoyarnos mejor podemos realizar con lapicero el dibujo que pensamos realizar, pensemos por ejemplo en una imagen del sol con los rayos en forma triangular, este dibujo nos creará diferentes zonas para después aplicar los puntos de color. Por ejemplo dentro del circulo del sol podemos aplicar color amarillo, los rayos del sol podemos llenarlos de puntos de color naranja y la zona externa puede llevar puntos de color azul que imiten el cielo.
Un paisaje con diferentes tonalidades como vemos en el dibujo inferior o bien alguna fruta abierta que nos ofrezca diferentes colores pueden ser algunos ejemplos a realizar, tres o cuatro colores pueden ser suficientes para que los pequeños puedan trabajar con ellos y la obra no aparezca excesivamente saturada.
Es bueno que todos los puntos tengan el mismo tamaño para que la imagen que debamos componer en nuestra mente no se vea alterada porque unos sean de mayor tamaño que otro.
Una vez que hemos finalizado podemos borrar las líneas hechas con lapicero que han creado el dibujo o bien si creemos que es importante este dibujo podemos afianzarlo con un rotulador de color negro que nos indique perfectamente las formas a destacar.

Imagen tomada de www.agorabierta.com