Pinturas negras de Goya. El perro semihundido

Esta es sin ninguna duda una de las pinturas mas curiosas y extrañas que nos ofrece el artista aragones en toda su carrera. Decimos curiosa en primer lugar por la temática que adopta, no se trata de un cuadro religioso, tampoco mitológico, no es un retrato y tampoco trata como otras pinturas negras de contarnos un a historia sobre las dos españas como ocurre en Duelo a Garrotazos o sobre el brujería como ocurre en El Aquelarre.

Aqui tenemos tan solo la cabeza de un perro y un paisaje neutro de fondo, eso es todo.

Ningún artista hasta el momento había sido tan escueto a la hora de pintar un cuadro, ninguno había necesitado tan poco para describir tanto como aquí hace Goya.

Vamos a recordar que las pinturas negras de Goya las realiza hacia el año 1815 y que no eran para consumo de ningún mecenas sino que están pintadas en las paredes de su casa y sacan a la luz todas las obsesiones y miedos que aturden a Goya en estos momentos finales de su vida, cuando está completamente sordo y se ha vuelto sumamente desconfiado con todo el mundo.

La temática de todas estas obras es expresionista, es decir Goya es un pintor que se adelanta a su época porque es capaz de hacer lo que otros artistas no repetirán hasta finales del siglo XIX, por eso, al igual que Velázquez, es un pintor importante, porque es capaz de adelantarse a su tiempo y ofrecer un estilo nuevo, que nadie ha practicado hasta el momento.

Al enfrentarnos a una obra de este tipo debemos tener en cuenta que el expresionismo siempre trata temas tristes, trágicos, que creen angustia o miedo. Todo acompañado de colores oscuros que ayudan al cuadro a parecer más tétrico y a transmitir esa sensación de desasosiego. Nada que ver con obras como La Familia de Carlos IV u otros momentos de primera época donde se nota un Goya mucho más alegre.

En este caso pode,os imaginar a este animal atrapado en medio de la nada, solo y desamparado, condenado irremediablemente a la muerte si no hay nadie que se acerque a rescatarlo, hundiendose poco a poco en una zona de arenas movedizas, el final trágico se acerca y no podemos hacer nada por ayudar a este animal.

Es una obra muy simple pero cargada de sentimiento.

Pablo Picasso para niños

Si tenemos que resumir la biografía de Pablo Picasso para niños, debemos decir que nació en Málaga, aunque su familia se traslada al poco tiempo a Barcelona, donde el artista vivirá sus primeros años como artista y entrará en contacto con otros pintores de la época. Era un artista muy avanzado llegando a realizar unos temas costumbristas sorprendentes con tan solo 16 años de edad.

Al comenzar el siglo XX y tras la muerte de su amigo, el poeta Carlos Casagemas su pintura da un vuelco influenciada por ello y comienza lo que conocemos como la etapa azul, cuyas características se verán prolongadas en los años 1905 y 1906 cambiando la tonalidad cromática al rosa, dando nombre a la etapa del mismo color. En estos momentos Picasso se ha trasladado a Paris donde en contacto con otros intelectuales de la época va a componer el cuadro que será una revolución en la historia del arte del siglo XX, se trata de Las Señoritas de Avignon, la primera obra cubista pintada por el artista en el año 1907 y que sirve como referencia a otros muchos artistas que la contemplan como un modelo a través del cual empezar a componer sus obras.

Lo importante del cuadro es que Picasso es capaz de ofrecer algo que la fotografía no puede, observar cuerpos y objetos desde diferentes puntos de vista, para que así tengamos una perspectiva mayor. Para ello adelanta el fondo al primer plano, elimina la tercera dimensión y toma partes del cuerpo y objeto desde diferentes posiciones, para que nosotros podamos contemplarlos en el cuadro tal como los veríamos observándolos desde esos puntos de vista, incluso con sus diferentes tonalidades de color o sombra. 

Picasso es un pintor cubista y eso lo mantendrá toda su vida, tanto en sus dibujos, esculturas o realizaciones pictóricas o sus experimentos con la cerámica, pero hay momentos en los que se acerca a otros estilos artísticos que están de moda en ese momento o bien porque se ha sentido influenciado por ellos. Por ejemplo tras llegar a la abstracción a través del cubismo pasará por una etapa clasicista, muy influenciado por la escultura clásica, tendrá un pequeño acercamiento al surrealismo a finales de los años 20 y principios de los 30 y compondrá una de las obras cumbres del arte del siglo XX, el Guernica, un alegato contra la guerra y a favor de la paz, no solo en España sino aplicable a cualquier país que se encuentre en esa situación.

A nivel personal su vida no fue excesivamente fiel por decirlo de alguna manera, tuvo varias esposas, amantes, varios hijos con cada una de ellas, a las cuales ponía a vivir juntas al mismo tiempo que él estaba con una nueva. En ese aspecto no es un gran modelo de comportamiento. Se aprovechaba claramente de su fama y del aura artística para conquistar mujeres de todo tipo y condición.

Falleció en el año 1973 en Francia, no pudiendo cumplir uno de sus grandes deseos, morir después que Franco, dictador español tras la guerra civil y al que no se sentía unido ideológicamente. Tiene una vida muy longeva y una producción artística muy abultada en todo tipo de soportes. Sin duda es una figura clave para la historia del arte, su aportación artística es revolucionaria como ya hemos indicado.

El caballero de la mano en el pecho de El Greco

Fueron numerosos los retratos que realizó El Greco a lo largo de su estancia en España, diferentes señores o nobles quisieron dejar constancia de su existencia y encargaron cuadros a uno de los pintores más afamados de la época, como sabemos, con residencia en Toledo, tras realizar diferentes trabajos para el rey Felipe II en el Monasterio del Escorial.

En los retratos del Greco los personajes siempre van vestidos de la misma manera, todos de color negro, un color que a El Greco, educado en la pintura veneciana junto a maestros como Tintoretto o Veronés, no debía hacerle mucha gracia. Pero era la moda de la época ir vestido de esta guisa, haciendo contraste entre el negro del vestido y el blanco de la gola y los puños de la camisa, así que por ahí tenemos la razón del vestido.

Hace poco tiempo se hizo una restauración del cuadro y se descubrió que el fondo de la pintura era de color marrón claro, antes estaba todo negro y el vestido se confundía con el fondo. Esta restauración nos ayuda a tener una nueva perspectiva de la pintura y un mayor contraste entre el vestido y el fondo de la misma.

Es curiosa la posición de la mano sobre el pecho con dos dedos juntos y dos separados, muy típica del arte italiano y sobre todo, muy elegante. No tiene ningún significado especial, pero fue muy utilizada por los artistas que conocían el arte clásico, como le ocurre al Greco tras sus estancias en Venecia y Roma antes de venir a España.

No sabemos quién es la persona que se representa en el cuadro, se especula con varios nombres, pero ninguno de ellos está claro. Hay quien dice que puede representar a Miguel de Cervantes, el célebre autor de Don Quijote de la Mancha, amigo personal del pintor y de quien se dice también aparece en otra de sus más conocidas pinturas, ya que sería uno de los personajes representados en "El Entierro del Conde de Orgaz" que se encuentra actualmente en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. Sería  el personaje que con una cruz de Caballero de la Orden de Santiago en su pecho vuelve la mano de una forma muy manierista tocando la cara de un monje que mira hacia el cielo. Semejanzas entre estos dos personajes si existen sin duda, de ahí a que el caballero de la mano en el pecho sea Cervantes hay un trecho.

Detalle de la parte baja del Entierro del Conde Orgaz del Greco

La visión contemporánea de las Pasiones de Bill Viola

Las pasiones es una de la series más conocidas del videoartista Bill Viola, esta realizada en torno al año 2000 y en ella el artista trata de reproducir con su particular estilo escenas de grandes artistas de la época medieval y renacentista, la diferencia es que los cuadros se representan sobre una pantalla de plasma y las imágenes se ralentizan de manera que los actores tratan de representar diferente estados de ánimo.

Como hemos dicho es una buena manera de acercar el arte contemporáneo a los niños, comparando obras de la antigüedad con otras contemporáneas, así se dan cuenta de las referencias de los grandes maestros que utilizan en sus obras.

Hoy vamos a tratar la obra Emergence/Emergencia (tal vez deberíamos traducirlo como aparición o surgimiento) donde el video tiene como referencia la Pieta que pinta Masolino y que muestra el cadaver de Cristo sustentado por su Madre y María Magdalena.

En este caso tenemos a dos mujeres que aparecen sentadas a los lados de un pozo de mármol (una mayor y otra más joven), una de las mujeres (la más joven) vuelve su cabeza al pozo del que de repente comienza a surgir la figura de un hombre, la salida provoca que se derrame agua por los bordes del pozo, provocando que el suelo del patio se encharque. El agua llama la atención de la otra mujer que se vuelve. El cuerpo del hombre surge por completo para caer como desmayado inmediatamente, las mujeres lo recuestan en el suelo y lo cubren con una sábana, la escena termina con la mujer mayor llorando y la más joven abrazando el cuerpo con ternura.

Varias escenas relativas a la iconografía religiosa se rememoran en esta proyección. Por un lado el nacimiento, la figura que surge del pozo con el agua que inunda el suelo como elemento generador de vida. Por otro lado la escena semeja una resurrección, el cuerpo blanco del hombre sale del pozo mientras las dos mujeres pensativas parecen sorprendidas por lo que sucede. Por último el cuerpo del hombre que ha surgido parece sin vida y la situación se transforma en una piedad, con una de las mujeres, la mayor,  que rompe a llorar y otra, la mas joven, que abraza el cuerpo de su amado.

(El texto es de Rafel López Borrego y fue publicado en el siguiente artículo sobre Bill Viola)

Pieta. Masolino

El Palacio de Juan Vázquez de Molina o la Casa de las Cadenas en Ubeda

Esta casa fue construida por el arquitecto Andres de Vandelvira, un arquitecto que recibe una gran influencia de la arquitectura manierista, alterando las proporciones clásicas en sus construcciones como ahora explicaremos y que nos muestran lo efímero del renacimiento en las construcciones españolas, debido a la pervivencia del gótico hasta épocas muy tardías.

La primera piedra se puso en el año 1526, pudiendo estar terminada en 1566, la casa pertenecía a la familia de Francisco de los Cobos, secretario personal de Carlos V y enterrado en la Iglesia del Salvador, situada en la misma plaza que este palacio en la ciudad de Ubeda.

La fachada como observamos tiene tres plantas y en todos los aspectos de la misma se alteran las normas clásicas, según estas mismas en la fachada las columnas deberían ser dóricas en le primer cuerpo, jónicas en el segundo y corintias en el tercero. Observamos que en vez de utilizar columnas utilizan pilastras  las del primer cuerpo son corintias, las del segundo jónicas y en el tercer cuerpo las pilastras han sido sustituidas por atlantes y cariátides. Algo parecido ocurre con las ventanas, en primer lugar porque según la norma clásica las del primer cuerpo deberían ser mas grandes que las del segundo, algo que ocurre también en la colocación de los frontones en el segundo cuerpo y no digamos en el uso de esos huecos elípticos del tercer cuerpo, ya que los clásicos pensaban que el círculo es una figura perfecta, pero no el óvalo que es la figura que vemos en esta fachada.

Hay un detalle más que nos hace pensar en lo anticlásico y es que las calles que dividen los cuerpos no tienen la misma medida, siendo las laterales más nachas que las que se acercan al centro, en un edificio clásico deberían haber tenido todas las calles la misma medida.

Por encima de ellos una gran cornisa con dos grandes linternas a los lados.

La entrada, como podemos apreciar es adintelada y rematada con un frontón triangular con escudo.

Al interior el patio tiene arquerías de medio punto sobre columnas de mármol, un antepecho cerrado en la parte superior y grandes escudos orlados en las enjutas.

Santa Teresa de Jesús de Gregorio Fernández

El escultor barroco de origen gallego pero asentado en Valladolid, Gregorio Fernández, no es solo un gran artista, sino también uno de los creadores de modelos iconográficos que van a repetirse durante todo el siglo XVII y XVIII tanto en escultura como en pintura, perviviendo algunos de ellos en el tiempo, realizándose este tipo de modelos más adelante.

Con la contrarreforma en pleno apogeo en España y la vigencia de los santos y su modelo de vida para el resto de los cristianos, fueron numerosas las figuras de Santos que se encargan a los distintos escultores para los diferentes conventos que se fundan en España por las distintas órdenes religiosas que se reforman en esa época, como ocurre con los carmelitas, o las nuevas fundaciones, como los Jesuitas. Ningún país como en España para este tipo de representaciones y su importancia para inspirar la oración entre los fieles, donde hasta la más pequeña iglesia cuenta con imágenes de este tipo acompañadas de otro tipo de escenas del nuevo testamento.

Ya habíamos visto alguna escultura de Gregorio Fernández en este blog, con la creación del modelo de Inmaculada castellana que se repetirá en varias esculturas del momento.

Pero también tiene Gregorio Fernández realizadas esculturas de diferentes santos, como ocurre con la escultura que analizamos hoy y que crea modelo. Otros santos también fueron representados en esta época y repetidos hasta la saciedad como San Bruno, San Juan de la Cruz, San Francisco de Asís  San Pedro de Alcántara.

La manera que tiene de representar a Santa Teresa es como doctora mística, aparece en actitud de escribir inspirada por Dios. Adquirió Santa Teresa mucha popularidad en su época, fue beatificada en 1614 y canonizada en 1622 por el Papa Gregorio XV, además sus escritos que fueron publicados en imprenta por primera vez en 1588 alcanzaron tres ediciones en un solo año, mostrando así la cercanía de la Santa de Ávila con la sociedad. Fue el rey Felipe III quien la nombró copatrona de España junto al apóstol Santiago.

La representa el escultor con el libro abierto, donde pueden apreciarse textos escritos, la pluma en la mano derecha y la mirada perdida o en ocasiones mirando al cielo en espera de la inspiración divina para continuar con sus escritos. Tanto el rostro de Santa, como las manos con una posición muy elegante de cada uno de sus dedos, se muestran muy expresivos.

El retrato de Juan de Pareja de Diego Velázquez

Este cuadro fue pintado por Velázquez durante su segundo viaje a italia, aproximadamente en el año 1650, durante ese viaje el artista sevillano tendría el encargo de comprar cuadros y esculturas para la colección real, pero permaneció varios años, hay quien especula con la posibilidad de que también conociera a una hija concebida durante su primer viaje a italia realizado 20 años antes.

Juan de Pareja era un esclavo que tenía Velázquez de origen antequerano, le ayudaba en sus labores como pintor, preparando los lienzos o mezclando los colores antes de que pintara el maestro. Pero Juan de Pareja también era pintor y a ello se dedicó después de obtener la libertad, poco después de 1650. Se conservan cuadros suyos en el Museo del Prado, donde se muestra como un digno seguidor de su maestro, su obras más conocida se llama La Vocación de San Mateo.

El retrato puede ser pintado como ensayo antes de realizar un retrato del Papa Inocencio X, es posible que el Papa no se fiara de la pintura de Velázquez y le hiciera presentar otro retrato antes de pintar el suyo. Por eso Velázquez pinta esta obra, que fue del agrado del Papa y le permitiría pintar el suyo propio.

Lo bueno que tiene Velázquez tanto cuando pinta esta obra, como la del Papa Inocencio X, es que es capaz de penetrar en la personalidad del personaje y mostrarnos algunos aspectos de la personalidad que permanecen ocultos, así nos muestra al Papa Inocencio X como un personaje un tanto soberbio, mientras que a Juan de Pareja, que era un esclavo le dota de mucha dignidad, mirando de lado y por encima del hombro al espectador que lo está contemplando.

Al ser un reatrato no está interesado en la profundidad y ni siquiera la trabaja..

La obra se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.