domingo, 20 de agosto de 2017

Ignacio Zuloaga para niños

Zuloaga es un pintor que vive la transición entre los siglos XIX y XX en España, aunque parece ajeno a lo que sucede en Euorpa durante los primeros años del siglo XX, cuando numeroso estilos que conocemos como movimientos de vanguardia, traten de revolucionar el arte y darle un nuevo sentido con estilos como el cubismo, el fauvismo, el futurismo o la pintura abstracta.


Si tenemos que definir el estilo en el que trabaja Zuloaga diremos que es un pintor con fuerte influencia del realismo y del costumbrismo. Este último estilo tuvo mucha repercusión en muchos pintores españoles y el propio Pablo Picasso lo practicó en sus obras de juventud. Pero si Picasso fue capaz de evolucionar buscando nuevas metas para la pintura, Zuloaga parece un pintor mas estancado en la representación de personajes populares, a veces bastante rudos, en sus obras.
Frente a los pintores alegres que trabajan en la misma época. Es decir frente a la corriente luminista representada por Sorolla, máximo representante español del impresionismo, Zuloaga se acerca más a una visión adusta y un tanto trágica de los personajes que representa, normalmente con tonalidades oscuras, quizás influido por una corriente trágica representada por artistas como José de Ribera y sus martirios o Francisco de Goya y sus desastres de la guerra y pinturas negras. Todo ello sin olvidar a otro maestro que trabaja en la misma época y que también transmite esta visión trágica, acorde con las ideas de la generación del 98, en muchos de sus trabajos, estamos hablando de José Gutierrez Solana.


Zuloaga era de origen vasco, provenía de una familia de artesanos, aunque pasó gran parte de su vida en Castilla y León, concretamente en Segovia y también en la villa de Pedraza donde poseía un castillo. Su formación la realizó tanto en España como en el extranjero, ya que viajó para formarse tanto a París como a Roma.
El realismo bastante crudo es una de las referencias de su obra, sobre todo en la representación de Castilla, donde lo dramático adquiere un papel principal en su obra. 
Al igual que Goya fue un gran aficionado a los toros e incluso trató de ser torero como el genio aragonés pero sin mucho éxito, así que también podemos observar este tipo de temática en alguno de sus trabajos, con la misma crudeza, en muchos casos, que en la mayoría de su obra.
El urbanismo tampoco es ajeno a su trabajo, ya que en sus diferentes retratos o representaciones populares, los edificios forman parte del paisaje, integrándose con la obra. Se trata de múltiples edificios que existían en los distintos pueblos del España.
El realismo crudo de su obra no hace que los personajes pierdan su dignidad pese a su condición de pobreza.
Zuloaga falleció en el año 1945.


domingo, 13 de agosto de 2017

La pintura prerrafaelista explicada a los niños

La fundación de este grupo se produce a mediados del siglo XIX, concretamente en 1848, en la ciudad de Londres y no es un movimiento dedicado exclusivamente a la pintura, ya que tenemos otras representaciones que abarcan la poesía o la crítica literaria. Este grupo como tal duró apenas cinco años, pero su influencia se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y en la Inglaterra del siglo XX.

John Everett Millais. Cristo en casa de sus padres

Lo que pretenden los prerrafaelistas es rechazar el academicismo que imperaba en la enseñanza inglesa en ese momento, ya que sus representantes solo se dedicaban a perpetuar el movimiento manieirista que se había producido tras pintores como Miguel Angel y Rafael con composiciones idealizadas y cargadas en muchos casos de decoración, alejadas por tanto del realismo y con un uso del colorido muy llamativo y abigarrado.
Por tanto lo que los prerrafaelistas quieren es un retorno al realismo cargado de detalles y también un uso del color que recuerde a las figuras anteriores a Rafael y Miguel Angel, buscando su inspiración en artistas del Quattrochento y del Trechento italiano, así como otros artistas flamencos de inicios del renacimiento.

William Holman. El pastor distraido

Tampoco descartan la inspiración medieval en muchas de sus obras, basando los temas en numerosas leyendas de esa época y también en temas relativos a la mitología clásica. El realismo y la visión romántica de la naturaleza también les sirven como fuente de inspiración.
Una cosa interesante es que ellos creen en la liberación del artista y en la libertad creativa para poder representar lo que mejor le parezca sin depender de un encargo. Esta corriente que tiene su germen a mediados del siglo XIX se acabará imponiendo por la adhesión de artistas de diferentes movimientos.
La naturaleza será uno de los elementos más importantes, en muchos casos llegando a compararse con la fotografía por el nivel de detalle con el que era representada. Ese hiperrealismo es una de las señas de identidad del movimiento. Junto a ello la presencia del color, que debía ser exactamente igual que el representado al natural.

Dante Gabiel Rossetti. Beata Beatrix

domingo, 6 de agosto de 2017

¿Qué es la pintura expandida?

En los años de la posmodernidad se ha tratado de definir el estilo de los múltiples artistas y disciplinas que se practican en la actualidad y que podemos calificar como arte, entre ellas aparece el término "pintura expandida", un término el de expandido que fue utilizado por primera vez por Rosalind Krauss para designar los derroteros que estaba tomando la escultura durante la década de los 60 del siglo pasado. Recordemos que ese es el momento de la escultura minimalista y lo que Krauss se cuestiona son los límites que tiene esta disciplina y cuales son las obras a las que podemos llamar escultura y cuales no.


Con la llegada del nuevo milenio este término, en principio solo aplicado a la escultura, saltó también a la disciplina de la pintura de una manera similar, ¿donde se encuentran los límites entre lo que definimos como una pintura y aquello que ya no es pintura sino otra disciplina? Por ejemplo un artista que practica este tipo de pintura es Fabian Marcaccio que recibió un prestigioso premio de escultura por una obra que partía de una base pictórica. Es decir su obra ¿era pintura o escultura? o bien como decía el profesor Omar Calabrese en su libro titulado Barrocos y Neobarrocos "un no se qué y un que se yo". El propio Fabian Marcaccio cuando habla de su obra la define como "una clase de pintura que incluye material fotográfico, pintura digital, técnicas escultóricas y todo aquello que la obra necesite".


Como vemos resulta complicado definir lo que es una pintura expandida, podríamos decir que el artista parte de una base pictórica pero los límites del marco no significan nada para él porque los desborda para incluir en su obra otras partes del edificio donde trabaja, adaptándose en muchos casos al lugar donde trabaja. Franz Ackermann, considerado uno de los mejores pintores contemporáneos, pinta las paredes del muro blanco, al tiempo que incluye sus propias pinturas que muestra combinadas con diferentes instalaciones que hacen referencia a temas de actualidad invitando al espectador a reflexionar sobre ellos.
Es decir el interés de estos pintores, muchos de ellos volviendo la vista hacia las obras de Robert Rauschenberg, tratan de repensar el concepto espacial de manera que no sea solo un simple contenedor sino contenido de la obra en sí. El espacio se convierte en un escenario donde suceden cosas, no solo sirve como un lugar para colgar las obras sino que participa activamente de ellas aportando contenido bien en forma de pintura, escultura o instalación. El artista se va alejando de la idea de pintar para introducir otros materiales o formas de actuar que ya no tienen que ver con la pintura sino con otros procesos.
Hay ejemplos de pintura expandida tanto en artistas extranjeros como Sery C., Katarina Grosse, Paul Morrison o españoles como Daniel Verbis, Angela de la Cruz o Arancha Goyeneche.


domingo, 30 de julio de 2017

Retrospectiva de Bill Viola en el Museo Guggenheim de Bilbao

Estamos sin ninguna duda ante una de las exposiciones del año 2017 que muestra las obras de este videoartista desde sus primeros trabajos en la década de los 70 del siglo pasado (junto a otros pioneros como Nam June Paik) hasta nuestros días. Y es que Bill Viola es uno de los pioneros del videoarte y uno de sus máximos representantes activo ahora mismo.


Al igual que otros artistas expresan su contenido a través de la pintura, la escultura o la instalación, desde sus primeros pasos Bill Viola se decidió por el vídeo para transmitir sus emociones y ayudar al espectador a reflexionar sobre ciertos aspectos relacionados con el misticismo, la poesía o la filosofía tanto de occidente como de oriente.
Quizás los temas que trata Bill Viola en sus vídeos no sean novedosos, ya que hablamos de aspectos como el nacimiento, la muerte, el paso del tiempo o los diferentes procesos de cambio que sufren los seres vivios; pero si lo es la técnica en la cual se desarrollan. No solamente hablamos del vídeo como si fuera un método de expresión más, sino como una técnica que ha adquirido un desarrollo puntero en nuestra sociedad actual, como programas y técnicas totalmente novedosas, que permiten jugar prácticamente con las imágenes para hacer con ellas lo que queramos, me refiero a acelerarlas, congelarlas, utilizar la cámara lenta o superlenta y tratar de crear belleza con cada una de esas imágenes.


Los sentimientos y las emociones también son muy importantes en su trabajo. ¿Como nos sentimos ante una obra de Bill Viola? ¿Que es lo que realmente nos transmite? Paz, desasosiego, empatía, angustia, sorpresa, lágrimas, recuerdo, depresión. Hay un amplio abanico de posibilidades. No se trata solo de contemplar el trabajo sino también de buscar una reacción en el espectador, de buscar su participación activa con la obra.
Pensemos en el poder de atracción que para el ser humano tiene la pantalla con imágenes en movimiento, mucho mayor que el de otras expresiones, gracias al desarrollo no solo de la televisión sino de programas de vídeo como Youtube, donde actualmente hay canales seguidos por millones de personas. No debemos descartar la capacidad de atracción del vídeo como parte importante del triunfo de este artista, al tiempo que busca la complicidad del espectador para que este adquiera una conocimiento más profundo de su propia experiencia.


domingo, 23 de julio de 2017

Lluvia vapor y velocidad de William Turner

La obra que hoy nos ocupa se considera una de las mejores realizadas por este pintor al cual consideramos dentro de la corriente de la pintura romántica. Para situar la obra diremos que está realizada a mediados del siglo XIX, concretamente fue expuesta por primera vez en el año 1844.


Hay algo que debemos destacar sobre este trabajo y es que da impresión de que Turner se adelanta a otros pintores en lo que tiene que ver con la liberación del artista y la representación de la realidad. Recordemos que muchos artistas dependían de los encargos que se les hacían, en muchos casos coartando la libertad creativa de los mismos al tener que realizar retratos, paisajes o temas religiosos requeridos por diferente señores.
Pero esta obra parece marcar el comienzo de la modernidad, la belleza se sustituye por otro tipo de discurso que tiende a tener un mensaje que transmitir. En este caso da impresión de que la naturaleza ha sido sustituida por la incipiente llegada del tren y todo lo que ellos significa, una revolución en las comunicaciones al poder realizar un transporte por tierra mucho más rápido tanto de pasajeros como de mercancías. 
Al mismo tiempo que se produce esta revolución mucha gente está pasando del campo a la ciudad para trabajar en una industria que les ofrece nuevas oportunidades para su vida. El paisaje natural que muchas veces se había representado pasa a ser una cosa completamente diferente, al ofrecernos un paisaje urbano donde la niebla, el humo impiden una completa visión del mismo. Con esta obra se pierde el carácter primitivo y el objetivo de la pintura en el sentido de transmitir la belleza.
Turner además aparece como un precedente del impresionismo, en una doble vertiente. En primer lugar por lo que significa la liberación del artista para representar aquello que le apetece hacer. En segundo lugar por representar el paisaje y los diferentes efectos de luz sobre el mismo, niebla o humo de la locomotora incluidos.
Esta llamada a la modernidad también estará presente en una de las primeras obras impresionistas de Claude Monet ya que representa la Estación de Saint-Lazare en su obra realizada en el año 1877, así que se abandona el paisaje tradicional para ser sustituido por otro donde la presencia de la máquina adquiere total importancia.
La obra no deja de tener también un cierto aire abstracto que pudo inspirar a otros artistas de principios del siglo XX para representar una realidad alternativa, donde en muchos casos el espectador es partícipe de lo que está contemplando al tener que interpretar un trabajo. La obra de Turner sugiere aquello que no podemos ver y nos ofrece una visión más moderna de lo que sería el paisaje de una ciudad con una locomotora en movimiento, algo como sabemos muy difícil de representar en pintura que obsesionó al movimiento futurista en la segunda década del siglo XX.


domingo, 16 de julio de 2017

Definición de posverdad

Vamos a tratar en las siguientes líneas de explicar de forma sencilla y simple lo que significa la palabra de moda que mucha gente usa. Esta palabra fue elegida como palabra del año 2016 por el diccionario Oxford debido a los hechos sucedidos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos a lo largo del año con el referéndum de permanencia en la Unión Europea o la elección de Donald Trump como presidente de Estados Unidos.


Quizás es bueno comenzar con un ejemplo. Neil Farage eurodiputado que estaba en contra de la permanencia del Reino Unido en la Unión Europea, antes de celebrar el referéndum, lanzó un menaje corto y claro, cada semana que el Reino Unido estaba en la UE podía recuperar 350 millones de euros para invertir en su país. Un día después de la celebración del referéndum Farage aclaró que esa afirmación no era cierta, pero ya no importa, porque ese mensaje había calado en las capas más humildes y desfavorecidas de la sociedad que votaron por la salida del Reino Unido.
Se trata pues de una mentira, puede ser, pero más que una mentira es un mensaje lanzado por los políticos para defender sus propios intereses y su permanencia en el poder. Hay quien dice que el engaño masivo es algo típico de las sociedades totalitarias, la mentira puntual y escandalosa es típico de las democracias y la posverdad es algo típico de las posdemocracias y se trata del momento que estamos viviendo.
En una sociedad completamente saturada de información muchas veces es complicado distinguir lo que es verdad de lo que es mentira, con las redes sociales. Los grupos políticos han encontrado una manera muy eficaz de que sus seguidores extiendan sus mensajes de forma rápida y sin tan siquiera preguntarse por el mensaje que están extendiendo. Lo hacen porque lo piden los suyos, pero al extender ese mensaje llega a muchas personas que deben decidir sobre el mismo y en muchos casos posicionarse a favor o en contra, se trata de una manipulación en toda regla.
Vamos con otro ejemplo, el Partido Popular puede extender en las redes su mensaje corto y claro: este partido lucha contra la corrupción. Pero lo cierto es que no es así, ya que el partido se ha visto salpicado por decenas de escándalos, una dudosa financiación, relevantes políticos en la cárcel o que han tenido que pasar por juicios, obras pagadas en dinero negro y defensa de muchas personas imputadas hasta que son expulsados del partido, cuando la situación llega al límite. Si analizamos todos estos datos no parece que la colaboración en este aspecto sea grande y son solo unos pequeños ejemplos de lo que ha pasado, pero este mensaje ha sido extendido a través de los medios de comunicación y a través de las redes sociales, con lo cual hay gente que se cuestiona si será cierto que están luchando contra la corrupción y haciendo todo lo posible por evitarla.
Por tanto apelando a las emociones y a las creencias de cada uno se consigue la efectividad de un mensaje que no importa si es cierto o no. Esas emociones pueden más que lo que la opinión pública opina sobre el tema. Se trata pues de una comunicación para creyentes.
En época prefascista los medios de comunicación extendieron una propaganda que alimentaba el miedo y el odio y manipulaba a las masas hasta empujarlas a una guerra sin sentido que causó millones de muertos.
Ante esto la pregunta es si vivimos una situación similar. Por ejemplo después del 11 de Septiembre, ¿hemos sido manipulados? Las imágenes de las Torres Gemelas cayendo o la gente que se arrojaba por las ventanas han sido utilizados para justificar el ataque a otros países con la excusa de que existían armas de destrucción masiva. Pensemos en el mensaje, corto directo y que se extiende con facilidad por todos los medios: "Irak tiene armas de destrucción masiva". ¿Este mensaje es cierto? Sabemos perfectamente que no. ¿Supone por tanto una manipulación de la sociedad? Si. Es una manipulación sin posibilidad de retorno porque no se puede rectificar con la pérdida de vidas humanas que implica. La novedad es que no importa si el hecho que se difunde ha sucedido o no, quizás este hecho abre un camino que no tiene retorno y que se antoja muy peligroso.
Muchas de las ideas que aparecen en este texto están tomadas del libro En la era de la posverdad, un libro de ensayos coordinado por Jordi Ibañez Fanés de cuya introducción hemos tomado algunos párrafos. El libro está publicado por la Editorial Criterios en Barcelona 2017


domingo, 9 de julio de 2017

La belleza estética en el siglo XXI

Las palabras arte y belleza aparecen unidas en muchos momentos a lo largo de la historia. Se trata de una identificación que ha llevado a lagunas personas a crear arquetipos de lo que debe ser una imagen bella. 


Desde las esculturas griegas y su obsesión por la perfección en las proporciones y la idealización de los personajes, pasando por el renacimiento donde asociamos cuadros como el Nacimiento de Venus de Sandro Boticelli o La Gioconda de Leonardo da Vinci con el ideal de mujer bella.
Pero este concepto de belleza ideal, que debemos decir no siguieron todos los artistas ya que muchos se decantaron por el realismo, se trunca con la llegada del siglo XX (la búsqueda de la abstracción o bien la reacción contra la fotografía) y sobre todo con los movimientos estéticos que surgen de la posmodernidad, mucho más centrados en lo conceptual. La idea sustituye a la belleza y de eso nos vamos a ocupar en este post.
Y es que en el arte contemporáneo la belleza estética ha perdido toda su importancia y ha dejado paso a una participación activa del espectador, que, enfrentado a la obra, debe extraer una conclusión o establecer una reflexión sobre aquello que se le ofrece, una imagen o una idea de la cual no ha tomado conciencia hasta ese momento, pero que afecta mucho más de lo que piensa a su vida diaria.
Hemos encontrado esta imagen de un artista que se llama Jorge Gamboa, se trata de una pintura, como vemos pintada con suficiente realismo. Cuando observas la obra, lo primero que te das cuenta es que parece la punta de un iceberg que emerge de la superficie marina, como ocurre en la realidad. Sabemos además que los iceberg solo muestran en superficie una octava parte de su tamaño real, permaneciendo el resto invisible debajo del agua. Todos hemos oido hablar de la historia del Titanic (o visto la película) y conocemos las consecuencias de chocar con un iceberg, que suelen ser catastróficas.
Pero aquí es donde entra la reflexión, ya que si en la pintura observamos la parte sumergida, nos daremos cuenta de que en realidad no se trata de un iceberg, sino de una bolsa de plástico arrojada al agua y que vaga sin destino contaminando la naturaleza. Sabemos que una bolsa de plástico tarda en degradarse unos 150 años, una cantidad de tiempo considerable y muy superior a una vida humana. Así que estaría bien establecer una reflexión sobre el papel que cada uno tenemos en el reciclaje y como afecta el uso indebido de los residuos a la naturaleza.
No hay que negar que la obra a la que nos enfrentamos, con ese hiperrealismo crudo, no esta exenta de cierta belleza. Además podemos apreciar que el artista domina perfectamente la técnica. Pero al mismo tiempo la obra nos ofrece una segundo nivel, no solo se trata de apreciarla por la belleza que tiene sino que, al mismo tiempo, nos ofrece un tema de actualidad sobre el que podemos pensar o reflexionar o simplemente actuar, para poder evitar que situaciones de este tipo se sigan repitiendo.
Como vemos, no es necesario renunciar a la belleza en nuestras obras, pero superada la temática religiosa o mitológica en muchas obras, superada también la abstracción, hay que intentar dar un paso más allá para crear mecanismos de reflexión para un público a veces desconcertado por la sobresaturación informativa.