miércoles, 19 de noviembre de 2014

El mundo polémico de las subastas de arte

Las noticias de los precios que han alcanzado algunas obras de arte en los últimos tiempos han servido para generar discusión acerca del valor de algunas obras, principalmente pinturas, que han dado la vuelta al mundo gracias a que han alcanzado el precio más alto por el que se ha vendido un objeto artístico.

Los jugadores de Cartas de Cezanne es actualmente el cuadro más caro de la historia. Pagaron 250.000.000$
Pero que una obra adquiera el precio más elevado no quiere decir que sea la mejor obra del mundo o la de mayor calidad artística, simplemente es la más cara por un periodo limitado de tiempo, porque como en una carrera de 100 metros, los records se baten cada poco tiempo. Por supuesto que estas obras pertenecen a buenos artistas, pero eso no quiere decir que comparados con otros que no entran en la subastas habitualmente, fueran a mantener ese record por la venta de una de sus obras. No tenemos más que pensar en algunas obras de artistas clásicos muy conocidos como las Meninas de Velázquez o El Caballero de la Mano en el Pecho de El Greco, ¿que precio alcanzarían estas obras en una subasta de arte?.
Giacometti esta en el top de los más cotizados
Van Gogh, Renoir, Manet, Picasso, Matisse, Cezanne son los que se encuentran en los primeros puestos, aunque no hemos leído que ningún historiador haya calificado a ninguno de ellos como el mejor artista de todos los tiempos. Así que es bueno separar lo que piensan los especialistas del capricho de algún millonario que quiere decorar el salón de su casa con alguna de las obras de estos artistas.
Tendríamos que ver aquí como reaccionarían los coleccionistas si algunos museos pusieran a la venta alguna de sus obras más emblemáticas, ¿cuanto estarían dispuestos a pagar por La Gioconda de Leonardo si el Louvre decidiera venderla? ¿Porqué algunos artistas, esenciales en el desarrollo del arte del siglo XX como Marcel Duchamp, no aparecen en las lista de los más cotizados?
Hay en la subasta ciertas normas estandarizadas que debemos tener en cuenta: la mayoría de los nombres suelen ser los mismos y es uno u otro el que ocupa el top de la última subasta. Los artistas deben parecer modernos sin que existan grandes estridencias en sus obras. Las obras deben ser agradables para los coleccionistas rivales.
Joseph Beuys decía que el arte era esencialmente capital, según esta teoría bastará pagar una gran cantidad de dinero para que un artista u obra pase a ser reconocido o adquiera valor de cara a los diferentes agentes que forman parte del sistema del arte, entre ellos críticos, marchantes, coleccionistas y finalmente el público en general.
Aunque los pintores españoles no están entre los mas cotizados en las subastas deberíamos incluir artistas como Antonio Tapies, Antonio López, Benjamín Palencia, Eduardo Naranjo, Mikel Barceló o Manuel Millares. En España el postimpresionismo se ve sustituido por la generación informalista que tiene su m´maximo desarrollo a lo largo de la década de los 50 del siglo pasado.

El sueño de Picasso segundo cuadro mas caro de la historia

domingo, 16 de noviembre de 2014

La fotografía como arte. August Sander

Sander es uno de los mejores fotógrafos que utiliza el retrato como un nuevo modo de expresión para mostrar gente de diferentes clases sociales. Frente a la obra de Eugene Atget que prestaba atención a lugares, calles, performers o escaparates, Sander comienza a utilizar el retrato desde un nuevo punto de vista.
Tratando de crear un pequeña biografía de August Sander diremos que nació en Herdorf en el año 1876. Trabajó en una mina. Allí aprendió los primeros rudimentos de fotografía ya que ayudaba al fotógrafo de la compañía minera. En el año 1920 abrió un estudio en la ciudad alemana de Colonia donde comenzó a realizar un catálogo de la sociedad alemana contemporánea realizando retratos de diferentes personas correspondientes a distintas profesiones y clases sociales.
Cuando los nazis llegaron al poder su trabajo y sus retratos fueron prohibidos y gran parte de su obra se destruyó. Incluso uno de sus hijos fue detenido en el año 1934 y enviado a prisión donde moriría diez años mas tarde. Es en esa fecha cuando los nazis incautaron su trabajo titulado Face of our Time y las placas que había realizado fueron destruidas. De hecho no volvió a trabajar en este tema hasta su muerte y se dedicó a realizar fotografías bastante insulsas de paisajes y escenas de naturaleza, que nada tenían que ver con lo que había hecho hasta ese momento. En el año 1944 perdió también su estudio ya que fue bombardeado como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial
Sander es famoso por los retratos de su serie Hombres del Siglo XX (people of XX century) donde trata de mostrar como se compone la sociedad alemana durante la república de Weimar. Esta serie esta dividida en nueve secciones que abarcan: agricultores, comerciantes, mujeres, profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, gente sin hogar y veteranos de guerra.
Sander decía que no existe nada mejor que la fotografía para dar una imagen histórica lo más real posible sobre la realidad de su tiempo. Creó con ello una filosofía propia que situaba a cada persona dentro del espacio que ocupaba en la sociedad, en esa distribución los campesinos estaban en la base, seguido por los artesanos, mujeres, obreros cualificados (dentro de los cuales podríamos incluir abogados, soldados, políticos, banqueros los cuales eran la base de la vida cívica) intelectuales, artistas, músicos y poetas, la gran ciudad y el ciclo finaliza con los locos, gitanos, mendigos, hombres agonizantes y gente muerta. 
Como podemos comprobar es una nueva manera de entender el mundo. Pero aún así todos sus retratos tienen la misma unidad formal y estética, con independencia de la clase social o la condición a la que la gente representada pertenezca, todos ellos se muestran con la misma dignidad y respeto, tan solo un pequeño detalle será el que nos ayude a identificar la profesión en la que el sujeto trabaja, quizás con un objeto, tal vez sea por su forma de vestir o simplemente porque está realizando un pequeño gesto.
Esos pequeños detalles son los que hacen que cada foto sea distinta de la anterior y ello nos permite hacer un estudio o una observación individual de cada una de ellas.
August Sander falleció en el año 1964.





miércoles, 12 de noviembre de 2014

Arte pop para niños

El arte pop es uno de los últimos movimientos artísticos del siglo XX, quizás sea junto al minimalismo el último estilo antes de entrar en la posmodernidad, un término y estilo que abarca diferentes aspectos de la sociedad y que es difícil de definir. Actualmente estaríamos inmersos en la posmodernidad.

Bandera de Jasper Johns

El arte pop surge como reacción a otro estilo artístico muy de moda en Estados Unidos y por extensión en otros países europeos durante la década de los 50, nos referimos al expresionismo abstracto que puede tener en Jackson Pollock a uno de sus máximos representantes. 
Los artistas dadaistas tuvieron gran influencia en todo el arte del siglo XX, su forma de despersonalizar el arte y dotar a cualquier objeto de un aura artística son algunas de las características recogidas por el arte pop. La descontextualización de las obras y la utilización de la ironía también son características del movimiento dada, del cual Marcel Duchamp es uno de sus máximos representantes, creadores y fuente de influencia para muchos artistas del siglo XX.
El arte pop se basa en la utilización de imágenes fáciles de reconocer por todo el mundo, ya que forman parte del día a día, son personas u objetos icónicos que están presentes en el devenir de la sociedad y se han hecho conocidos gracias a los medios de comunicación o la publicidad. Nos referimos a anuncios, comics, actores de cine, objetos de decoración, elementos utilizados en el día a día para comer o lavar la ropa, iconos mediáticos. Se trata de acercar a la gente objetos ampliamente reconocidos y aceptados en una repetición sin fin, todo ello frente a un arte abstracto más complicado y complejo de entender para la mayoría del público.
Aunque tuvo repercusión en muchos países, quizás sea Estados Unidos el país de donde nos vienen más referencias, nosotros hemos dedicado un post a la figura de Andy Warhol para niños, que puede ser el autor más significativo del movimiento, aunque en este país debemos citar como introductores a Jasper Johns y Robert Rauschenberg, cada uno con sus pequeños matices.
En España el arte pop tuvo un gran número de seguidores, uno de los pintores más conocidos es Eduardo Arroyo, es un movimiento asociado a un arte figurativo que reacciona frente a lo abstracto que tiene el informalismo, que parece inundarlo todo en ese momento. La ironía y la crítica social serán elementos que acompañen a las obras de Arroyo, tratando de que las obras tengan un significado además de ser apreciadas por su belleza estética. Alfredo Alcain o la utilización del comic por el Equipo Crónica también encajan dentro del movimiento pop español.

El Equipo Crónica realiza una versión personal del Entierro del Señor de Orgaz

domingo, 9 de noviembre de 2014

Juan Gris para niños

Reconocemos a Juan Gris como uno de los grandes representantes del cubismo, aunque su trayectoria estuvo siempre empañada por la fuerte presencia de Pablo Picasso con el que comparte movimiento artístico y muchas de sus ideas, aunque como veremos Juan Gris también realizó alguna aportación al proyecto cubista.


Si tenemos que describir una pequeña biografía de Juan Gris lo primero es aclarar la época en la que trabaja, su nacimiento fue en 1887, por tanto era más joven que Picasso, quizás esa sea una de las razones de entrar más tarde que el genio malagueño en contacto con el movimiento cubista. Gris no pasó puros económicos pues era de familia acomodada, lo cual le sirvió para establecer buenas relaciones con gente pudiente.
Pero una de las cosas que quería evitar era realizar el servicio militar, largo y peligroso en aquella época, por lo que nuestro artista se traslado a París con apenas 19 años. Allí entrará en contacto con los artistas que estaban trabajando en el proyecto cubista, entre ellos los más conocidos y los que llegaron a una conclusión similar en la misma época, nos referimos a Picasso y Braque.
Pero si consideramos 1907 la primera fecha en la que Picasso pinta un cuadro cubista con la realización de Las Señoritas de Aviñón, las primeras obras de este estilo de nuestro autor no llegarán hasta 1910, tres años después, cuando el estilo cubista esta avanzando y da pasos hacía la abstracción que no veremos hasta el año 1912 en las obras de Picasso. Será ese el año de las verdaderas obras cubistas de Juan Gris.
En ese momento se produce el principal aporte de Juan Gris al cubismo, con el añadido de recortes realizados en cartón y papel, muchos de ellos tomados de periódicos, que, en forma de collage, pasan a a formar parte del cuadro. Una idea que será recogida por otros artistas que practicaron este estilo pictórico.
Debemos destacar que Juan Gris permaneció fiel al estilo cubista durante toda su vida, ello le llevó a alejarse de Picasso, el cual hacia el año 1917 abandona el cubismo para centrarse en movimientos más cercanos al clasicismo y naturalismo italiano, muy influenciado sobre todo por la escultura. El choque con la personalidad del malagueño y el ego personal le llevo a perder uno de sus grandes valedores. 
Juan gris será el máximo defensor del cubismo analítico donde la unidad estructural del cuadro es más importante que la realidad que aparece en el mismo.
Juan Gris falleció bastante joven, en el año 1927, con tan solo 40 años y estuvo olvidando durante bastante tiempo, quizás por el empuje de otros artistas, hasta que fue recuperado en los año 80 del siglo pasado y reconocido por su trabajo y aportación al estilo, del cual hemos desarrollado un post dedicado a como explicar el cubismo a los niños


miércoles, 5 de noviembre de 2014

Gian Lorenzo Bernini para niños

Bernini es uno de los artistas barrocos más conocidos y afamados de su tiempo. Era un artista completo, eso quiere decir que practicaba las tres artes mayores entre otras destrezas, por tanto fue arquitecto, escultor y pintor, destacando en las dos primeras materias por las que fue más conocido.



Para trazar una pequeña biografía de Bernini, debemos decir que nació en Napoles en el año 1598, por tanto es un artista que debemos situar dentro del barroco,  estilo en el que se mueven sus obras. Su padre, el escultor Pietro Bernini,  se encontraba circunstancialmente trabajando en la ciudad y por eso nació allí, aunque pronto, cuando Bernini tenía 6 años su familia se traslada a Roma donde pasará en el resto de su vida. 
Pronto comenzó a trabajar con la escultura, su padre le enseñaría a tallar y Bernini mostró mucha habilidad para realizar obras en mármol, tanto que fue comparado con el gran Miguel Angel y nombrado su digno sucesor. Fue un hombre de hondas convicciones religiosas que se pueden apreciar en muchos de los estudios realizados antes de realizar sus obras.
El ambiente artístico en la ciudad de Roma era excelente, los Papas y diferentes cargos de la iglesia y nobles hacen confluir en la ciudad a los grandes artistas europeos del momento, que intercambian ideas en la ciudad eterna, centro del arte a principios del siglo XVII.
Bernini trabajó para diferentes Papas, Urbano VIII, Inocencio X y Alejandro VII y de él conservamos multitud de obras ya que tuvo una vida larga que se extendió hasta los 82 años. Falleció en la ciudad de Roma en el año 1680.
Como arquitecto hay que destacar algunos de sus trabajos que se encuentran a la altura de los mejores artistas del momento, como por ejemplo Francesco Borromini o Pietro da Cortona. Algunas de sus obras son muy conocidas, por ejemplo quien no ha visto alguna vez la Plaza de San Pedro y su diseño de la galería porticada como unos brazos que abrazan al mundo. Otro ejemplo es el Baldaquino que se encuentra en el interior de la Basílica de San Pedro, La Cátedra de San Pedro en el mismo edificio o la Fuente de los Cuatro Ríos también en Roma. Una de las iglesias más destacadas es la de San Andrea al Quirinal.
Como escultor tenía una gran habilidad para mostrar los sentimientos de las personas que representaba, sobre todo en aspectos que tenían que ver con lo dramático, llegando a penetrar psicológicamente en los sentimientos de los personajes. Tenía gran maestría para realizar esculturas de grupos. Sus obras suelen representar el momento culminante de la escena, el de mayor tensión dramática, jugando con los efectos de claroscuro y jamás descuidando el ambiente del lugar donde la obra iba a estar situada.
Hay multitud de obras destacadas, vamos a señalar algunas, pero cualquiera de ellas nos parece bellísima, así tenemos Apolo y Dafne, David, El Extasis de Santa Teresa o el busto del rey Luis XIV.


domingo, 2 de noviembre de 2014

Los inicios de la fotografía. Eugene Atget

Este fotógrafo francés está considerado como el primer artista fotográfico que ha dado la historia del arte, pero vivió siempre fuera del sistema del arte y su reconocimiento llegó posteriormente, cuando ya había fallecido, cosa que ocurrió en la ciudad de París en 1927


Si tenemos que trazar un pequeña biografía de Euegene Atget veremos que la mayoría de las actividades que realizó durante su vida están marcadas por el fracaso. Nacido en el año 1857, quiso ser actor e inició estudios en la escuela de arte dramático, trabajo viajando durante diez años donde solo consiguió papeles secundarios hasta que se estableció en París con idea de iniciar una carrera como pintor, pero su trabajo no tuvo ningún impacto, con lo que volvió a cambiar e inclinó sus esfuerzos a ser fotógrafo, en este momento tenía 40 años y un pequeño estudio en París.
En esa ciudad vivió el resto de su vida pobre e ignorado, vendía sus fotos por unas monedas a gente tan extraña y excéntrica como él. Cuando murió dejo realizadas más de 4000 fotografías que representan la vida diaria en el París de principios del siglo XX, lo mismo retrata lugares, profesiones, modos de vida, monumentos, parques, vendedores, prostitutas, se trata de un modo de vida que va a desperecer con la llegada del nuevo siglo en la ciudad del amor.
Los marchantes y agentes de publicidad nada supieron de este hombre que vendía sus fotografías por algo mas que el precio de una postal. Es uno de los artistas que mas influye en el surrealismo, le gustaba representar gente que se reflejaba en los escaparates de la calle, una visión que tenía algo de fantasmal. A los surrealistas les gustaba como representaba objetos familiares y los aislaba de su relación con el entorno desactivándolos de su función o dándoles una nueva.
Atget nunca presto atención a la representación de grandes paisajes sino pequeños detalles, donde en muchos casos la imagen está vacía, por ejemplo lugares completamente vacíos de gente. Pero muchas de sus fotografías tienen algo especial, aunque solo sea un documento de una ciudad y un momento concreto de su desarrollo histórico. La efervescencia del Paris de principios del siglo XX, una ciudad que vio nacer casi todos los movimientos conocidos de vanguardia que cambiaran la historia de la pintura y también la historia del arte.

El Eclipse, 1912. La imagen fue portada de la revista nº 7 de El Surrealista

miércoles, 29 de octubre de 2014

La mujer barbuda de Juan Sánchez Cotán

Se trata de un extraño tema que trataron algunos de los artistas españoles no solo en pintura sino también en otros géneros artísticos, quizás el ejemplo más conocido de esta representación pictórica sea la mujer barbuda de José de Ribera, donde la representación se lleva al extremo de rechazo del personaje que se nos presenta amamantando a un niño mientras su marido observa la escena sin encontrar una explicación clara a lo que le está sucediendo a su mujer.
Brigida del Río. Barbuda de Peñaranda. 1590
Juan Sánchez Cotán es un pintor anterior a Ribera ya que se encuentra a caballo entre las últimas representaciones renacentistas y el inicio del barroco, nació en Orgaz, provincia de Toledo, en 1560 y murió en Granada en 1627. Trabajó intensamente en la ciudad de Toledo, en sus inicios tenía una fuerte influencia de algunos pintores que habían trabajado en El Escorial. En el año 1603 profesó como monje cartujo y se traslado a Granada donde pasó el resto de su vida.
Como pintor Sánchez Cotán destacó por su pintura religiosa, también por sus retratos de una gran delicadeza y sobre todo y ante todo es conocido por los bodegones, muy austeros en su composición y sobrios en los productos que presentan.
La obra que nos ocupa probablemente se trata del Retrato de la Barbuda de Peñaranda que podríamos fechar en el año 1590, por lo tanto habría sido realizado en su etapa toledana. La mujer la identificamos con Brígida del Río, que llegó a ser una persona popular a finales del siglo XVI, ya que aparece mencionada en varias novelas de género picaresco que se editan en ese momento. 
Existía una cierta tendencia en la época a dejar constancia de exte tipo de personas extrañas, diferentes, que llaman la atención porque poseen algún tipo de rasgo fuera de lo común, lo observamos también en la idea de Velázquez al representar a los bufones de la corte, quizás con excesiva dignidad para la profesión a la que se dedicaban. 
Otra cosa es lo que se pensaba acerca de ellas, ya que a estas mujeres se les asociaba en ocasiones con el pecado de lujuria y trato con el demonio, razón por la cual les habría aparecido esa barba tan destacada. Se trataba de cierto tipo de humores cálidos que serían propios del cuerpo masculino pero que aparecían en el cuerpo de la mujer
Quizás por eso Ribera para aclarar un poco la situación describe en su obra una enfermedad que se producía tras el  parto en algunas mujeres y es que perdían el pelo de la cabeza al tiempo que lo ganaban en la barba y otras partes del cuerpo, sin duda se trataba de un exceso de hormonas masculinas segregadas por el cuerpo femenino, pero en ese momento quizás no estaban preparados para esta explicación y preferían asociar este tipo de anormalidades a cuestiones que tenían que ver con el pecado o directamente con el demonio.
Para más información sobre la mujer barbuda en la historia se puede consultar este completo estudio de Pilar Pedraza.

Bodegón del Cardo de Juan Sánchez Cotán