domingo, 20 de mayo de 2018

Las proporciones en las esculturas griegas

El tema de la proporción esta relacionado con el ideal de belleza, uno de los elementos importantes que se tienen en cuenta para realizar todo tipo de representaciones en época clásica. Se trata de esculturas que representan el cuerpo humano idealizado, podíamos decir alejado de la realidad, como una tendencia a lo que debería ser y no lo que era en realidad.


La proporción es consecuencia de un cálculo matemático donde toman importancia la simetría y la proporción que la figura debe mantener entre las diferentes partes del cuerpo. 
El canon de Policleto nos dice que una figura debe tener el tamaño de 7 veces la cabeza. Este tipo de canon está conectado con las matemáticas, tiene influencia de Pitágoras, pero también de otras enseñanzas de la filosofía griega.
No será esta la primera vez que se van a utilizar las proporciones matemáticas para aplicarlas al arte. En época egipcia existían también una manera proporcional de representación de las figuras equivalente a 18 puños, distribuidos de la siguiente manera. Para la cabeza se utilizaban dos puños, diez era el número de puños desde los hombros hasta las rodillas y 6 más desde las rodillas a los pies.
Ese canon aplicado por Policleto será utilizado en el siglo V a.c. lo que consideramos la época clásica, si avanzamos unos años hasta el siglo IV a.c. se cambiará la proporción y en vez de utilizar 7 cabezas para el cuerpo se usarán 8


Figuras que representan el canon de belleza puede ser la Venus de Milo. Venus o Afrodita en la versión griega era la diosa de la belleza, a la cual suele representarse desnuda y en muchas ocaiones recogiendo la manzana que le ofrece Paris, el humano encargado de elegir cuál sería la diosa mas bella dejando de lado a Atenea y Hera. Esta representación tan común da origen a la guerra de Troya, ya que a cambio de ser elegida Afrodita entregará a Paris a la mujer más bella del mundo, Helena de Esparta, casada con el hermano de Menelao, al cual abandonará para huir con Paris.
En el caso masculino muchas de las figuras están basadas en atletas, compartían con los dioses algunas virtudes como el equilibrio, la voluntad, el coraje o la belleza.
El Apolo de Belvedere puede servir como ejemplo. De ella solo se conserva una copia romana ya que el original griego se ha perdido. Se considera un ideal de representación humana masculina. Es una figura de un tamaño mayor que el natural ya que la medida es de 2 metros y 24 centímetros. Se trata de una figura que se encuentra en actitud de caminar. Al mantener un contraposto el peso de la la figura apoya sobre su pierna derecha, algo que no es suficiente para sostener el peso, por eso se incluye el tronco de un árbol junto a esta pierna. En ese tronco encontramos a una serpiente que parece se encuentra escalando por el tronco. Se trata de un hombre adulto sin barba que representa el ideal de belleza y eterna juventud. El pelo está rizado. Hay gente que dice que está preparado para lanzar una flecha y sostiene una bastón con la mano izquierda.


domingo, 13 de mayo de 2018

Las pirámides de Giza

Aunque son tres las pirámides más conocidas, estamos ante un complejo funerario que tiene diferentes necrópolis ya que fue construido o mas bien utilizado durante diferentes épocas que abarcan desde el 2.500 al 1.500 antes de Cristo.


No cabe duda que lo más conocido son las tres grandes pirámides que albergan los restos de diferentes reyes. Mas que nada destacan por su espectacularidad y gran tamaño.
La pirámide de Keops es la más grande en parte porque está apoyada sobre una plataforma con medidas que van de los 230 metros de la base a los 140 de altura y donde el interior resulta curioso con diferentes pasillos y cámaras de ventilación que nos conducen bien a la cámara de la reina (aunque en realidad no alberga el cuerpo de la reina sino una estatua que podría representar al propio rey) o de Keops, un monarca que podemos fechar en el siglo XXVI antes de cristo, también dispone de una cámara en la zona de la base. El resto estaría todo recubierto de piedra, en una obra de impresionante tamaño. Junto a ella el rey mandó construir tres pirámides para la reinas.


La segunda de las grandes pirámides es la de Kefrén, se trata del hijo de Keops y destaca también por su monumentalidad. Es mayor que la de su padre pero al carecer de base nos da impresión de ser algo más pequeña. La disposición interior aunque varía respecto a la de Keops mantiene una serie de cámaras donde la mas importante albergaría el sarcófago con el cuerpo del rey que parece fue robado cuando se observó documentalmente en el siglo XIX y sus husos sustituidos por unos de un buey.
La Gran esfinge también forma parte del complejo, una obra de grandes dimensiones ya que tiene 57 metros de base y 20 de altura. Estamos hablando de una época similar ya que fue realizada en torno al año 2500 a.c. Podía simbolizar al rey Kefrén como un león. Solo la cara mide 5 metros y originalmente estaba pintada así que no podemos apreciarla en su diseño original.
La pirámide de Micerino es el tercer gran monumento funerario del complejo, seguimos moviéndonos en una fechas similares, unos 2500 años antes de cristo. Es más pequeña que las otras dos y al interior tiene una estructura de laberinto con puertas falsas y pasillos que se encuentran sin concluir, aunque como las anteriores conserva una cámara sepulcral que alberga una tumba con el cuerpo del rey. 



domingo, 6 de mayo de 2018

La nueva figuración madrileña

Para situarnos en la época en que se desarrolla este fenómeno artístico, tenemos que irnos a la década de los 70 y principios de los años 80. En algunos casos la nueva figuración se ha asociado a la movida madrileña que vivió sus grandes momentos a finales de los 70 y principios de los 80, aunque en realidad este fenómeno surgió bastante antes de sus inicios y otros pintores continuaron con un estilo similar en esa momento de explosión cultural. Como podemos ver en el título parece que esta nueva figuración queda asociada a la ciudad de Madrid, aunque su obra se observó en otras ciudades, como la exposición colectiva celebrada en Cádiz en el año 1974.


Los artistas que van a practicar esta forma de pintura tratan de reaccionar contra el informalismo, movimiento muy asociado a los español y promocionado por la dictadura en ambientes internacionales con idea de dar una imagen de modernidad. Frente a la abstracción o simbología de los cuadros de Millares, Tapies o Antonio Saura encontramos estas obras donde lo figurativo adquiere más importancia para contar historias de la vida cotidiana.
Cuatro son los artistas pioneros de esta nueva figuración que contó con el apoyo de la Galería Amadis en los años 1971 y 1972, allí realizaran sus exposiciones Carlos Alcolea, Carlos Franco, Guillermo Pérez Villalta y Chema Cobo. También se pudieron observar exposiciones de nueva figuración en la Galería Buades de Madrid, muchas de ellas programadas por el crítico Juan Manuel Bonet.


El crítico Juan Antonio Aguirre tiene mucho que ver en su forma de pintar ya que se produce una reacción no solo contra el informalismo sino también contra el arte pop. En este proceso el pintor sevillano Luis Gordillo juega un papel importante con su cambio de registro, desde el pop art a una nueva figuración en la que el surrealismo tiene mucho que ver.
Podríamos resumir las características de la nueva figuración de la siguiente manera: ellos se negaban a seguir las tendencias o modas del momento. La originalidad o el crear algo completamente diferente deja de tener importancia para ellos. No importa que no se hagan aportaciones nuevas a la historia del arte, uno puede inspirarse en los movimientos del pasado y realizar buenas obras. Pintar para ellos es un placer, representar aspectos del día a día, de la vida común de la gente, en algunos casos con ciertos toques de psicodelia. Rechazan el realismo puro y añaden un cierto componente conceptual a su pintura que invita al espectador a participar. La imagen transmite una idea, está asociada a ella.
Así tenemos dos corrientes, una más cercana a los planteamientos del arte pop pero mezclada con otros estilos, tal como hemos dicho que hacía Luis Gordillo y la segunda, representada por Guillermo Pérez Villalta mas cercana a la tradición pictórica occidental.


domingo, 29 de abril de 2018

Miguel Angel para niños

Nos encontramos ante uno de los grandes genios de la humanidad. Se trata de un artista completo ya que dominaba las tres grandes disciplinas del arte, conservamos obras suyas tanto en arquitectura, escultura o pintura.

Escultura de Miguel Angel que representa la noche

Miguel Angel nació en la zona de la Toscana, en una familia acomodada. Sintió atracción desde muy pequeño por el arte. Cuando se lo comentó a su padre, no le pareció nada bien porque el futuro de un artista era incierto. El padre de Miguel Angel era magistrado y esperaba algo similar para su hijo.
Pero la insistencia de Miguel Angel y las dotes que mostraba le hicieron desde muy joven estar protegido por uno de los grandes mecenas de la ciudad de Florencia, se trata de Lorenzo de Medicí, para el que trabajó hasta que ese gran benefactor del renacimiento falleció. Pasó un tiempo en Venecia pero al poco tiempo fue a Roma donde comenzó a trabajar para el Papa. Se le conoce en su propia época con el sobrenombre de "el divino".
Se dice que Miguel Angel  tenía mal carácter, discutía con demasiada facilidad, a veces con sus superiores, lo que le acarreó numerosos problemas. Es algo que le suele suceder a muchos genios o a muchos hombres que pierden los nervios llevados por su propio orgullo. Se esforzaba en que sus obras fueran perfectas, trataba siempre de obtener esa perfección en su trabajo. Es muy conocida la anécdota en la cual nuestro artista invitó a hablar a la figura de Moises una vez que estaba terminada.

Capilla Sixtina. La Creación de Eva

Si tenemos que decantarnos por alguna del las artes mayores que practicó Miguel Angel debemos decir que fue fundamentalmente escultor, era su disciplina favorita. En escultura podemos observar algunas de sus mejores obras por ejemplo la Piedad que realiza para la Iglesia de San Pedro o el David que se encuentra en la Academia de Bellas Artes de Florencia. La perfección anatómica y lo masivo de sus personajes (sus figuras tienen unos grandes desarrollos musculares) son alguna de las características de su trabajo.
Como pintor es conocido por realizar el techo de la Capilla Sixtina y también la escena del Juicio Final de la misma capilla. Son algunas de las pinturas más conocidas de la humanidad. A él no le hizo mucho gracia tener que pintar esta obra, pero el Papa insistió tanto que se vio obligado a hacerlo. Sufrió mucho ya que nos describe la posición en la que tenía que pasar horas y horas para componer la obra. El trabajo de pintar la Sixtina le ocupó durante cuatro años
También hemos citado su faceta como arquitecto. Diseñó la cúpula de la Iglesia de San Pedro en Roma, una planta que había modificado de su diseño inicial realizado por Bramante, se trata de una de las obras arquitectónicas más impresionantes del mundo.
Nos queda por decir los años en que vivió este artista, nació en 1475 en Caprese y murió en Roma en 1564, como vemos tuvo una vida muy larga.
Miguel Angel es un artista cuya influencia no termina, siempre se le cita como una de las referencias del siglo XVI. Poemos observar rastros de su trabajo en numerosos escultores y pintores europeos que conocieron su trabajo y se sintieron impresionados por él, tratando de repetir esas pautas en sus propias obras. Migul Angel creía en la belleza del cuerpo humano porque era semejante al cuerpo de Dios y por eso trataba sus obras de esta manera, como si fueran un reflejo de la perfección.

Cúpula y Basílica de San Pedro en Roma

domingo, 22 de abril de 2018

El padre de Pablo Picasso

Hoy vamos a dedicar esta entrada a José Ruiz Blasco, conocido por ser el padre de Pablo Picasso, pero que desarrolló una corta carrera artística sobre todo en su ciudad natal, Málaga. 


El padre de Picasso también era pintor, aunque se dedicaba principalmente a la docencia, ya que era catedrático de dibujo, plaza que tenía en la escuela provincial de Bellas Artes de Málaga. Parece que este oficio no le reportaba una gran cantidad de dinero con la que sacar adelante su familia y también en la ciudad andaluza ejercía como director y conservador del Museo Municipal de la ciudad. En este lugar además de organizar el museo se dedicaba a pintar y al mismo tiempo se movía en el ambiente artístico de la ciudad junto a otros pintores de la época. Nunca destacó excesivamente entre ellos aunque tenía una técnica de dibujo muy depurada.
Sería de su padre de quien recibe las primeras lecciones de dibujo Pablo Picasso, es posible que con cinco años su padre ya le intentara enseñar algunas lecciones al tiempo que era consciente del talento del chico. Parece ser que Pablo Picasso era muy distraído en clase, no prestaba atención y tenían que llamarle constantemente al orden. Lo que quería nuestro pequeño artista era ir a casa o que su padre le llevara al museo donde le dejaba algunos pinceles con los que jugar y también pintar. Alguna escena nos cuenta como su padre habla con un amigo para que le pase un examen de ingreso temiendo que su hijo no sea capaz de hacerlo por si solo ante su pasotismo general. Picasso no realizó estudios superiores, pese a estar matriculado posteriormente en Madrid, no asistía a clase y se dedicaba a la pintura o a editar una revista que tuvo una vida efímera y se editaba bajo el nombre "Arte Joven".


La pinturas de José Ruiz Blasco eran principalmente de palomas, es curioso representaba muy bien a estos animales y hacía practicar el dibujo a Pablo Picasso con ellos. Quizás sea por ello que este elemento aparece de forma constante en la pintura del genio cubista. Junto a estas representaciones de animales también pintaba bodegones y paisajes. Nunca fue un pintor de éxito y poco a poco va a ir abandonando la pintura para dedicarse casi de forma exclusiva a la docencia.
Buscando una mejor oportunidad para su familia todos se trasladaron a La Coruña cunado Picasso contaba unos diez años de edad, en 1891. Nunca se adaptó bien a la ciudad. Era un cambio grande, del sol de Málaga a la lluvia y la nube de La Coruña. Ganaba más dinero pero no era muy feliz. En esta época poco a poco va dejando de pintar.
El siguiente traslado tiene lugar cuatro años más tarde para dar clases en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde permaneció el resto de su vida. En Barcelona abandona todo contacto con la pintura, aunque el clima mediterráneo se adaptaba mucho mejor a su carácter. 
En esta ciudad falleció en el año 1913 cuando Picasso contaba 32 años. Fue un gran sostén para su hijo. Su labor como docente ayudaba perfectamente al desarrollo artístico de su hijo, de cuyo gran talento era consciente.
Tenemos numerosas representaciones realizadas por Pablo Picasso, algún retrato y la inclusión en dos de las grandes obras del artista como son La Primera Comunión o Ciencia y Caridad, obras que se conservan en el Museo Picasso de Barcelona.


domingo, 15 de abril de 2018

Paris y la manzana de la discordia

Una de las historias más conocidas de la mitología griega tiene es aquella en la que se ve envuelto un pastor que a su vez (sin saberlo todavía) es príncipe de la ciudad de Troya, que debemos situar en lo que ahora es Turquía. Se trataba de una de las ciudades más prósperas del momento económicamente y militarmente ya que se decía que sus murallas eran impenetrables.

Eris ofrece la manzana de la discordia. Jacob Jordaens

Debemos partir del hecho de que es una historia mitológico, quizás habrá algunos episodios ciertos pero la gran mayoría son inventados. Lo que si podemos observar en esta historia es algo curioso. Los dioses griegos juegan con los hombres como si fueran muñecos a su antojo y no les importan las consecuencias de sus actos. Para los dioses todo lo que ocurre es algo divertido donde participan seres mortales. No importa lo más mínimo que estos pierdan la vida, son solo simples marionetas en manos de los caprichos de los dioses. Estos se enfrentan entre ellos con unas consecuencias funestas para los humanos.
La historia comienza con una boda entre dioses, se trata de Tetis y Peleo. A esa boda no había sido invitada la diosa Eris mientras que el resto de los dioses si acudirían. Como ella no había sido invitada se presentó en el momento en que se celebraba el banquete y dejó sobre una mesa una manzana de oro que debería de ser para la más hermosa de las mujeres que acudían a esa comida. Para este desafío, provocado por la diosa de la discordia, se presentaron tres candidatas que aspiraban a obtener este título, se trataba de Atenea, Hera y Afrodita.


La disputa entre las tres provocó una gran confusión siendo el propio Zeus, dios principal de la mitología griega, el que decidió que fuera un mortal el que tomara la decisión. El elegido fue Paris, hijo del rey de Troya, aunque él desconocía esa situación porque había sido criado como pastor. El encargado de llevarle la noticia fue el dios que transmitía los mensaje, Hermes.
Cuando Paris tenía que tomar la decisión las diosas intentaban convencerlo para que eligiera a cada una de ellas. Le ofrecían diferentes premios que obtendría según la elección. Hera, esposa de Zeus le ofreció todo el poder que pudiera desear. Atenea le ofreció la sabiduría y la victoria en cuantas batallas pudiera librar. Afrodita, por su parte, le ofreció el premio de obtener a la mujer más hermosa del mundo.
La decisión de Paris fue por Afrodita y las consecuencias desastrosas. La mujer más bella del mundo era Helena, reina de Esparta, donde su marido Menelao actuaba como rey. Invitado a Esparta Paris y Helena se enamoraron y él la secuestró llevándosela en secreto a Troya. Esta decisión no gustó nada a su marido que unió a los reyes de Grecia, entre ellos su poderoso hermano Agamenon, que reinaba sobre la mayoría de los griegos con diferentes sumisiones de otros reyes.


La guerra de Troya para recuperar a Helena y conquistar la ciudad duró mucho tiempo y provocó un número muy grande de muertos, todo como consecuencia de la decisión de Paris al elegir a Afrodita como la diosa más bella. Finalmente la ciudad fue destruida por completo y desapareció. 
De esta historia nos han quedado nombres que asociamos con grandes héroes y que están mitificados, figuras como Ayax el Grande, Aquiles el guerrero invencible excepto por su talón que era su punto débil, Priamo rey de Troya y padre de Paris o Hector hijo mayor de Priamo casado con Andrómaca que simboliza el amor conyugal y filial frente al ambiente de guerra que se vive en la ciudad.
Un par de cosas curiosas para terminar, la manzana también aparece en la Bliblia como símbolo del desastre. Cuando Adán y Eva comen del árbol prohibido, la manzana es la consecuencia de la expulsión del paraiso. En segundo lugar Cristo también es tentado en el desierto por el demonio con obtener todo el poder y tener el mundo a sus pies, Él renuncia por una vida de sacrificio y entrega a los demás para salvar al mundo.

Lucas Cranach Adan y Eva detalle 

domingo, 8 de abril de 2018

El pintor y cartelista Henri Tolouse Lautrec

Este artista tiene un estilo difícil de defiinir. Se encuentra a caballo entre el siglo XIX y el siglo XX. Aunque siempre se ha hablado de él como un artista postimpresionista observamos en su obra algunas características propias del modernismo, como por ejemplo el interés por plasmar el movimiento tanto en su pintura como en sus carteles.


Tolouse Lautrec era hijo de una familia adinerada de clase noble, así que nunca tuvo problemas económicos. También es cierto que a lo largo de su vida tuvo bastante éxito con sus trabajos que vendía de forma habitual, al tiempo que colaboraba con revistas y locales de la ciudad de París para realizar sus famosos anuncios que animaran a la gente a visitarlos.
Tuvo una vida bastante corta, no llegó a los 40 años. Tuvo diferentes enfermedades, en primer lugar como consecuencia de la endogamia de sus padres, que eran primos carnales. Padecía una enfermedad que impedía el normal desarrollo de sus huesos y que empezó a manifestarse cuando tenía tan solo 10 años. La debilidad d¡que padecía hizo que sufriera dos roturas de fémur algo que le impidió crecer como el resto de los niños. Se quedó en una altura de 1,52 cm. También tenía deformado el rostro.


Ya asentado en París y decidido a ser pintor, tuvo relación con Degás, del cual era vecino. Le influyó mucho en su trabajo, sobre todo con la idea del trabajo en interior. En París Tolouse Lautrec le encantaba la vida nocturna, el ambiente de fiesta que había por la noche en los cabarets, locales de bailes y salas de fiesta. Al mismo tiempo visitaba locales de prostitutas, fruto de ello contrajo la sífilis. También tuvo problemas con el alcohol ya que bebía demasiado y eso le provocaba en ocasiones fases de delirio que eran difíciles de controlar. Fueron varias las ocasiones en que tuvieron que recogerle completamente alcoholizado en la calle.
Frente a los impresionistas que representaban la naturaleza, Tolouse Lautrec prefería los ambientes interiores, iluminados con luz artificial. Representaba a la perfección los gestos de las bailarinas y los comediantes de los locales que visitaba, también observaba a las personas de la alta sociedad que se divertían en estos locales al tiempo que parecían llevar un vida tranquila con su familia. Pensaba de si mismo que era un cronista social. Lo que realmente le interesaba eran las personas, sus reacciones y sus gestos.
Con el fin de promocionar los espectáculos que tenían lugar en estos locales, algunos dueños le contrataban para que realizara carteles que los anunciaban. Tiene una gran capacidad para representar el movimiento de los diferentes personajes. Se dedicó mas a la ilustración que a la pintura, conservamos pocos óleos del artista.