martes, 30 de octubre de 2012

El retrato de Gertrude Stein de Pablo Picasso


Esta obra fue realizada por Pablo Picasso en el año 1906, poco tiempo antes de dar el salto al cubismo y llevar a cabo "Las Señoritas de Avignon", una obra fechada en 1907 y que será la primera cubista de la historia del arte, al mismo tiempo que una revolución en el arte de principios del siglo pasado.
Gertrude Stein era una joven adinerada de origen norteamericano. Se trasladó a París en 1903, allí su hermano era habitual comprador de pintura de vanguardia. Quiso que Picasso le hicera un retrato y, pese a no ser muy agracidada según cuentan, el artista malagueño se presto a ello. 
Picasso inicia el retrato como una obra de la época rosa, pero podemos observar que existe una evolución muy clara, no solo en el colorido que aparece casi complemtamete superado, sino en la forma de conformar el rostro del personaje representado.
En el año 1906 en el Louvre de París Picasso podrá ver una exposición que va a influirle mucho en su forma de pintar, se trata de los relieves ibéricos de Osuna. Allí la expresividad de la esculturas, la simpleza de las lineas y el primitivismo se dan cita para que el artista intente fijándose en lo más antiguo dar lugar a lo más moderno.
Si nos centramos en el rostro de la representada nos daremos cuenta de estos cambios, lineas rectas componen el contorno de la cara, acercándose al esquematismo, diferenciando cada una de las partes del mismo: boca, nariz, ojos, orejas. Especial atención llama de forma de representar sus ojos, similar a una  almendra y como podremos observar en obras posteriores con un tamaño y colocación diferentes, llegando a introducir los distintos puntos de vista de observación del espectador en una pintura.
Estamos avanzando hacia el cubismo y esta es una obra clave en la evolución de Pablo Picasso para llegar a componer su primera obra cubista en el año 1907.

miércoles, 24 de octubre de 2012

La mujer barbuda de José de Ribera


José de Ribera es un artista con tendencia a exagerar las situaciones, a llevar al extremo el tema que está tratando, bien sea la vida o el martirio de un santo, cuadros estos últimos donde es conocido por su extrema crueldad y realismo, fruto de su aprendizaje dentro de la escuela española, suavizado con su traslado a Italia donde tras pasar por Roma se instalará definitivamente en Napoles desde donde realizó muchísimas obras tanto para clientes españoles como italianos.
Piensa que el tema que se nos planeta incluso puede convertirse en algo divertido de explicar. Como vemos en la obra nos encontramos a una mujer que parece acaba de dar a luz hace poco tiempo, sabemos que es una mujer porque podemos ver que saca uno de sus pechos para dar de mamar al niño. Algo extraño si obervamos la cara de esta señora con ese rostro barbudo y descuidado. La enfermedad que sufre está descrita en la parte derecha del cuadro, allí se indica que alguna mujeres después del parto, mientras su cuerpo se regulariza, segregan hormonas masculinas en exceso, lo cual les provoca la aparición de vello en algunas zonas que hasta entonces no tenían, como por ejemplo la barba o el pecho.




Lo que ocurre es que José de Ribera lleva hasta el extremos está situación, de manera que lo que ha representado es directamente un hombre, no una mujer a la que le está saliendo pelo en estas zonas indicadas, tanto que el dibujo del pecho parece forzado en el pecho de ese hombre.
Es muy curiosa también la cara del esposo situado en la parte posterior del cuadro, como mira al espectador con una cara de incredulidad, no explicándose muy bien lo que está sucediendo y de aceptación dando por hecho que es una circunstancia con la que tiene que convivir, aunque no sea de su agrado.
Todo ello en un ambiente de claroscuro barroco, tan típico de estos primeros años de la pintura barroca española con ese foco de luz que ilumina en este caso la zona de la cabeza del niño y el brazo derecho de la madre, dejando en penunbra el resto de la obra. 
Este claroscuro lo abandonará Ribera una vez que se establezca en Italia.
La obra se conserva en el Palacio Ducal de Medinaceli en Toledo estando fechado en 1531.

lunes, 22 de octubre de 2012

La portada del Sarmental de la Catedral de Burgos


Hay varias portadas góticas del siglo XIII en la Catedral de Burgos, que se conservan perfectamente, una es la del Sarmental en el lado sur, la portada de la coronería en la zona norte y la portada de acceso al claustro de la Catedral.
La fecha de la que hoy nos ocupa debemos centrarla en torno a 1240. Es una portada que presenta similitudes con otras catedrales francesas.
Tiene en el tímpano la representación de un Cristo que bendice, levantando su mano derecha y sostniendo el libro de la vida en la mano izquierda. Este Cristo aparece rodeados por los símbolos de los cuatro evangelistas, Marcos como León, Juan como un águila, Lucas como un troro y Mateo como un ángel. También aparecen representados con sus figuras humanas que se afanan por escribir encima de sus pupitres el evangelio. Es un tema que ya aparecía en el Portico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.
Justo debajo en el dintel se representan a los apóstoles sentados, muy naturalistas. Mientras en las arquivoltas que dan forma al pórtico se representan a los 24 ancianos del Apocalipsis y coros evangélicos.
En el parteluz se representa al Obispo Mauricio, el iniciador de la catedral, que falleció en el año 1238, aunque hay otros historiadores que se inclinan por la figura de San Indalecio, fundador de diócesis de Burgos. Parece por otra parte más lógico que sea un santo el que aparece en el parteluz de la actedral.
El autor puede ser alguien que conoce la obra del Maestro Mateo y que se ha formado en talleres franceses, por las referencias y estilo utilizados, cerca de Amiens.


domingo, 14 de octubre de 2012

Video como explicar el Guernica de Picasso a los niños

Una de las entradas más populares del blog es como explicar el Guernica de Picasso a los niños, así que hemos decidido hacer un video donde pueda verse el cuadro y contar las circunstancias en las que se pinta la obra y también explicar las características del cubismo que están presentes en la misma.
Ya hemos realizado otros videos sobre los diferentes elementos de una catedral gótica o como leer una planta de un edificio gótico
Esperamos que os guste.


miércoles, 10 de octubre de 2012

Google Art Project te permite visitar museos desde el ordenador


Google Art Project, te da la oportunidad de visitar más de 150 museos de todo el mundo sentado en la silla delante del ordenador, poniendo a tu disposición 30.000 obras de arte de todas las épocas y estilos.
El enlace a colecciones te da la posibilidad de de acceder a 151 museos donde puedes bien visitar el museo o bien tener una vista de las diferentes obras de arte que este ofrece. Existe otra manera de acceder a la web y es buscar por artista, existe un índice de los mismos, mostrando con el puntero encima del nombre las obras disponibles que tienen de ese artista.
Cuando quieras puedes explorar por diferentes obras de arte y si pasas el ratón por alguna, aparecerá una pequeña ficha con los datos básicos. Si pinchas sobre ella podrás reducirla o ampliarla para apreciar detalles que a simple vista pasarían desapercibidos. Es una herramienta ideal para grandes composiciones y cuadros con multitud de personajes, algunas de ellas pueden ampliarse hasta con una calidad de imagen superior mil veces a la de una cámara fotográfica, apreciando en estos casos cada rastro de cualquier pincelada.
el programa te da la posibilidad de crear tus propias galerías y compartirlas con los demás a través de las diferentes redes sociales
Existe posibilidad de aplicar el programa a la educación, si entras en el apartado Look like an expert, te ubican el cuadro en el tiempo y el espacio, poniéndote en lugar del artista desde el punto de vista personal e histórico, analizando todo el contexto que llevo a pintar la obra de esa manera concreta.
Hay una serie de ejercicios que pueden ponerse a los alumnos y les ayudan a jugar con las obras de arte, creando conexiones entre distintas obras, buscando tesoros o trasladando imágenes de un cuadro tal y como serían en nuestros días.
Por ahora está solo disponible en inglés.

martes, 9 de octubre de 2012

Descifrando el arte contemporáneo. Entrevista a Rafael López Borrego y Pilar DM

Originalmente en Articaonline
La escena del arte contemporáneo es en varios sentidos un misterio. No solo por la gran abundancia de artistas que vuelve difícil saber por dónde adentrarse en el panorama actual, sino también porque es complicado tanto para legos como incluso para expertos distinguir hoy entre qué es arte y qué no lo es. Para hacer las cosas aún más difíciles, existe un sistema del arte contemporáneo con reglas idiosincrásicas, que es en buena medida el que legitima o deslegitima a un artista o una obra.
Para comenzar a descifrar esta escena del arte contemporáneo decidimos entrevistar a Pilar DM y a Rafael López Borrego, quienes a partir del 1 de noviembre y hasta el 13 de diciembre darán juntos el curso online “Nuevas tendencias en el arte contemporáneo” en Ártica. Ambos son Historiadores del Arte y apasionados estudiosos del arte que se hace en nuestros días. Pilar es la creadora del blog “El dado del arte”, que es una referencia obligada en la web para conocer nuevos artistas. Rafael ha comisariado varias exposiciones de artistas españoles e internacionales, ha escrito numerosos textos sobre arte contemporáneo y ha dirigido la Feria de Arte Contemporáneo Artsalamanca en el año 2009, entre otras cosas.

Ártica: ¿Por qué un curso de nuevas tendencias en el arte contemporáneo? ¿A quiénes puede servirles y de qué manera?
Rafael: El curso está dirigido a todas aquellas personas que tengan interés por conocer un poco mejor el ambiente que rodea al arte contemporáneo, a veces algo que nos suena lejano, distante e incomprensible. Desde las dificultades para integrarse en su sistema, entendiendo el papel de cada uno de los agentes que intervienen, hasta las diferentes tendencias artísticas en algunos nuevos movimientos que han surgido en los últimos años, que ayudan a configurar el espectro de artistas que, en la actualidad, marcan las diferentes tendencias del sector.
Pilar: En primer lugar porque en muchas universidades parece que da miedo hablar de arte contemporáneo, y los docentes se quedan en las vanguardias porque gracias a la perspectiva histórica pueden hablar de ellas, se ha investigado mucho a posteriori, y es un arte “aceptado”. Sin embargo, el arte contemporáneo de hoy, el realizado por artistas vivos está muy inexplorado. Y es precisamente ese desconocimiento del arte contemporáneo junto con el rechazo que en la sociedad producen obras a las que no les encuentran un significado, el que pretendemos minimizar. El objetivo es mostrar que hay muy buen arte contemporáneo en la actualidad y que merece la pena seguirle la pista, por ello el curso se dirige a cualquier persona que quiera explorar las nuevas tendencias del arte contemporáneo.

Á: ¿Cuáles son las tendencias que ustedes identifican como las más relevantes en el arte contemporáneo actual?
Rafael: Quizás la palabra que mejor define alguna de las tendencias actuales sea el límite. ¿Dónde se encuentra el paso de una tendencia a otra? ¿Podemos acotar un cuadro como pintura o en realidad invade otras disciplinas artísticas? Han surgido en los últimos años nuevas denominaciones que tratan de dar contenido a estas preguntas. Términos como “pintura expandida” o “pintar sin pintura” están a la orden del día en los textos que tratan de desentrañar las obras de los distintos artistas, que realizan obras cuya base es pictórica, escultórica o bien que trabajan con vídeo. Quizás otra palabra que nos ayuda a definir este momento sea hibridación, la mezcla entre disciplinas, donde no sabemos realmente cuándo finaliza una y comienza la otra.
Pilar: En la actualidad puede parecer que “todo vale”. Cuando vamos a ferias de arte, exposiciones o galerías y vemos piezas catalogadas como “obras de arte” es cuando deberíamos reflexionar acerca de qué está aportando esa obra o ese artista en la evolución del arte, por ejemplo. Hoy día no hay tendencias extremadamente claras debido en parte a la remezcla de técnicas. Antes o era pintura o era escultura, pero apareció la fotografía, llegó el vídeo, se mezcló con la instalación, la pintura quiso salir a la calle y ser graffiti y después pasar a ser digital para posteriormente transformarse en algo que está por venir. En definitiva, la mejor manera para disfrutar del arte es aprender a ser receptivo y a darle una segunda oportunidad a cada obra, ejercer la mirada para poder distinguir entre lo bueno y lo menos bueno.

Á: ¿Qué rol cumplen los críticos de arte con respecto a los espectadores y, también, con respecto a los creadores?
Rafael: En mi opinión la crítica de arte ha dejado de existir, una crítica real y sincera entendida como tal, basada en aspectos relativos a la historia del arte y al momento que vive la sociedad en la que esa obra se está desarrollando. El crítico se ha transformado en un orientador (en ocasiones un simple adulador), un informador que ayuda a comprender mejor lo que el artista quiere transmitir para justificar la visita a la exposición. Su fuerza es prácticamente nula, aunque el sistema del arte lo acepta e incluso reverencia en un entramado lleno de intereses de todo tipo. Pero aunque solo sea para orientar, su labor no deja de ser importante. Según algunos datos, el público que puede mover la crítica no llegaría al 2% mientras que un anuncio impactante en prensa es capaz de crear colas a las puertas de un museo. Quizás es el signo de los tiempos, una imagen vale más que toda una justificación teórica con base científica.
Pilar: Yo diferenciaría entre el crítico y el reseñista informador y a su vez, el para qué de la crítica, es decir, si escribe para una publicación o no. Yo si leo a un crítico espero más que datos básicos de la exposición. Sin embargo, también espero que me hable en un lenguaje comprensible. Ésta es precisamente una de las corazas más utilizadas por algunos críticos, algunos consideran que cuanto menos se les entienda más célebre será su crítica, sin preguntarse realmente cuántas personas terminaron de leer su crítica y cuántas se quedaron en la primera frase. Es esta tendencia la que ha provocado que el papel de la crítica sea cada vez menor y roce el aburrimiento halagador. Las críticas han de ser apasionadas y honestas, tanto para lo bueno como para lo malo, pero ello escasea. Los medios de comunicación populistas defienden los textos neutros y cuanto más informativos mejor.




Á: ¿Cómo piensan que influyen Internet y los medios sociales en el mercado del arte y en la producción artística en general?
Rafael: Los artistas y el sistema del arte en general está desaprovechando una gran oportunidad de abrirse a las redes sociales e implicar al público en sus diferentes proyectos y exposiciones. Recordemos que un artista es una pequeña empresa, que como tal debe estudiar el público al que se dirige y explotar las oportunidades que le ofrece internet y las redes sociales. No hay que estar por estar e incluir un post en Facebook cada vez que abro una nueva exposición, sino implicarse activamente en ello, de manera que se transmita una información de calidad que ayuda a aumentar el número de seguidores en las diferentes plataformas que, de forma gratuita, se ponen a nuestra disposición. Tener un blog personal actualizado, una página web accesible y de fácil manejo y estudiar qué redes sociales se adaptan mejor a mi proyecto, ya sea de un artista o de una institución, es básico en el mundo en el que nos movemos. Dejarlo de lado es perder una gran oportunidad.
Pilar: En la actualidad, aún influyen poco en el mercado y en la producción, no así en la difusión. Gracias a Internet y las redes sociales es mucho más fácil saber por ejemplo cuándo se inaugurará una exposición, o cuál será la programación de un museo para la próxima temporada. Sin embargo, cada día me levanto con la esperanza de que los artistas entiendan que pueden vender su obra en Internet, que estar en redes sociales no es una opción, que no pueden darle la espalda y esperar que un magnate les haga una visita a su taller. Todo lo contrario, han de dar a conocer su obra al mundo, y hoy día, la mejor manera de hacer eso es gracias a Internet. Respecto al mercado, existen ya numerosas galerías virtuales, que te ofrecen comprar arte online, desmitificando la necesidad de ver la obra físicamente antes de comprarla, aportando visualizaciones en 3D y todo tipo de detalles sobre la obra, para que el futuro comprador tenga la sensación de estar delante de la obra, pero estoy segura que todo esto evolucionará profundamente en los próximos años.

Á: ¿Cuáles son los artistas contemporáneos que les resultan más interesantes e influyentes?
Rafael: Realmente es una pregunta complicada. Vamos a tratar de responderla. En pintura Fabian Marcaccio, Franz Ackermann, en video Julian Rosefeldt, Judith Barry, Tony Oursler, en fotografía Gregory Crewdson, Sam Taylor-Wood, Erwin Olaf, Manolo Bautista, en escultura Ron Mueck, Eugenio Merino, en instalación Kendell Geers, Jan Fabre.
Pilar: A mí un artista me parece interesante por lo que me transmite. Me puedo enamorar de la obra de un artista totalmente desconocido y querer ver más y más obras de ese artista, o interesarme por una serie en concreto de su producción. Cada día descubro obras interesantes gracias a Internet, aunque si tuviera que resumir, en este momento me quedaría con la obra de Bernardí Roig, Yaşam Şaşmazer, Harijs Brants, Ackermann, Alexandre Madureira, Fernando Bayona, Bill Viola, Olafur Eliasson, Yue Minjun, Pedro Varela, Max Sauco, Yinka Shonibare, Ernesto Neto, Vik Muniz o Maleonn, entre otros muchos.

Agradecemos a Pilar y a Rafael por la entrevista y les recordamos que el 1 de noviembre comienza el curso online “Nuevas tendencias en el arte contemporáneo”. Para informarse sobre el curso e inscribirse, los invitamos a visitar este enlace. Entre el 8 y el 20 de noviembre hay una promoción por la cual los inscriptos tendrán un importante descuento.

domingo, 7 de octubre de 2012

Tardes en el CAC de Malaga durante el curso 2012-2013


Ya esta abierto el plazo de inscripción para los talleres infantiles que tienen lugar en este centro de arte contemporáneo y que llevan por título "Tardes en el CAC de Málaga".
Esta actividad es un taller de continuidad que se desarrolla los martes o los jueves a las 17,00 h, durante todo el curso escolar 2012/13, excepto en periodo de vacaciones, es gratuito y está ideado para niños y niñas de entre cinco y once años. De una manera amena y divertida, con este taller, pretendemos acercar el arte contemporáneo a los más pequeños.
La inscripción en estos talleres puede hacerse a través de la dirección de correo electrónico pedagogico@cacmalaga.org o en el teléfono 952 12 00 55.
Esto puede completarse con el taller La Magia de las obras de Vik Muniz, un taller de 1.30 minutos basado en las obras que este artista tiene expuestas en el Museo ahora msimo.
 Las obras de Vik Muniz , pueden ser como  el sombrero de un mago que sorprenden, divierten y no es lo que parecen ser. Más de un centenar de obras forman esta exposición de las que  hemos hecho una selección especial para  Educación Infantil. Juguetes que nos acercan al cuento de “Alicia en el País de las Maravillas”, nubes que tienen formas de animales, banderas que representan la primavera y el otoño, mermelada…. todo ello formando imágenes llena de color y sugerencias.  El recorrido por la exposición, como es habitual en nuestra manera de trabajar, es muy participativo. Se fomenta la expresión oral, por medio de los cuentos, actividades de  relacionar y ordenar, completar imágenes……
Posteriormente, se trasladarán al Aula Taller y trabajaran las obras relacionadas con la exposición con pinturas, algodón, papel…, materiales utilizados por el artista.

miércoles, 3 de octubre de 2012

La Linterna Mágica, taller infantil sobre el funcionamiento del cine en Salamanca



A través de cinco actividades, se pretende dar a conocer el funcionamiento del cine desde sus orígenes a la actualidad, de una forma amena y lúdica, teniendo en cuenta el público al que va dirigido. Para ello, se propone un recorrido por algunas de sus manifestaciones más primarias, y por seguro que desconocidas, para llegar a aquellas que resultan más familiares en el tiempo.
De igual manera busca acercarse a la historia y desarrollo del cine tal y como lo conocemos hoy día a través de sus diferentes fases evolutivas, comprendiendo su desarrollo; creación de historias breves pero no por ello carente de sentido, fomentando así la imaginación y la parte creativa del alumnado; expresarse a través de diferentes materiales y utensilios, despertar curiosidad por el nacimiento del arte cinematográfico; cuestionarse cómo se hacen las cosas que tenemos por cotidianas.
El taller tendrá lugar en las siguientes fechas durante los meses de Octubre y Noviembre:

6, 13, 20 y 27 de Octubre-3, 10 y 17 de Noviembre
Tiene logar los sábados de 11.30 a 14.00 horas
Lugar: DA2. Domus Artium 2002 de Salamanca
Los grupos tendrán un máximo de 15 alumnos entre 7 y 14 años.
Inscripción: gratuita llamando al teléfono 923184916, indicando nombre, edad y sábado elegido para hacer el taller. 
 Para una primera toma de contacto, siempre se iniciará la sesión tras una breve presentación por parte de la monitora, seguida de su equivalente por el alumnado, en las cuales se proporcionará una pegatina con el nombre del niño para facilitar su reconocimiento entre todos

       Después hay cinco actividades a dsarrollar: sombras chinescas, Lotte Reiniger, placa de linterna mágica, taumatropo, flipbook.
Se puede consultar un folleto informativo en el siguiente pdf