domingo, 27 de diciembre de 2015

Blanco sobre blanco de Kazemir Malevich

Blanco sobre blanco es una de las obras más conocidas del artista ruso y una de las que ha marcado el desarrollo del arte en las dos primeras décadas del siglo XX, convirtiéndose en una referencia del arte abstracto, del que intentamos extraer su significado.


Debemos situarnos y pensar como podían hacer muchos artistas en esa época. La extensión de la fotografía marca un antes y un después en el desarrollo de la pintura, que observa como gran parte de su papel ha quedado obsoleto ante un objeto que retrata la realidad de forma perfecta. ¿Cual será pues el objeto de la pintura? Habrá que buscar un nuevo camino que algunos iniciaron y Picasso culminó en 1907 con la realización del primer cuadro cubista de la historia del arte, Las Señoritas de Aviñón.
Desde ese momento y gracias entre otros al cubismo, muchos artistas inician un proceso de experimentación que en muchos casos les lleva hasta la abstracción, evolución lógica del cubismo por otra parte. Será Kandinsky el primero en realizar una obra abstracta, pero durante la década entre 1910-1920 muchos otros artistas llegan a una misma conclusión abstracta buscando el ideal de pintura, la pureza de la misma.
En esa evolución también está inmerso Kazemir Malevich que tiene diferentes fases que abarcan el futrismo, el cubismo, para terminar componiendo obras abstractas como la que hoy nos ocupa.
Blanco sobre blanco es una obra del año 1918, y forma parte del suprematismo inaugurado por Malevich en el año 1915, se trata de obras que tratan de definir la esencia misma de la pintura y para ello utilizan simplemente el color, en distintas tonalidades y formas geométricas como las que podemos observar en este cuadro.
Todo queda reducido a elementos simples y básicos donde el color juega un papel fundamental. Se trata de toda una filosofía en torno a las formas puras y la gradación del color, esencia misma de la pintura.
La obra nos presenta un cuadrado blanco más pequeño, inscrito en otro algo más grande y tratados con diferentes tonalidades de color blanco. No tenemos que buscar ninguna conexión con la realidad, simplemente tratar de disfrutar del color y la forma y de como se relacionan entre ellos. Borremos de nuestra cabeza las asociaciones con objetos o paisajes cotidianos y disfrutemos del hecho de la pintura, solo pintura, nada más que eso.
Aunque pensemos que no Malevich tuvo mucha influencia en las escuelas de diseño, tanto industrial como gráfico, así como en muchas de las obras de arquitectura moderna que hoy podemos disfrutar.

domingo, 20 de diciembre de 2015

La noche estrellada de Vicent Van Gogh

Estamos ante una de las obras más conocidas del artista y una de las mas reproducidas de todos los tiempos, en muchas ocasiones se identifica al artista con esta obra. Actualmente se conserva en el Museo de Arte de Nueva York que la posee desde el año 1941.


Es bueno poner la obra en contexto con la complicada vida de Van Gogh, ya que se trata de una de sus obras finales, poco tiempo antes de su suicidio.
Van Gogh, que vivía gracias a la caridad de su hermano Theo, se había trasladado a Arles, en el sur de Francia, donde vivía con Gaugin. Pero los dos artistas tenían un carácter bastante fuerte y discutían constantemente. En una de estas discusiones Van Gogh persiguió a Gaugin con una navaja en la mano. Y finalmente nuestro protagonista, algo desequilibrado, se cortó el lóbulo de su oreja. Gaugin y él no volvieron a verse, aunque si cruzaron algunas cartas.
Los últimos años de la vida de Van Gogh están cargados de desequilibrios mentales, en estos momentos pasó por diferentes sanatorios psiquiátricos en los cuales ingresaba por voluntad propia, será en uno de ellos, concretamente en el Sanatorio de Saint Remi de Provenza donde va a pintar esta esplendida obra.
Aunque la obra se llama la noche estrellada, el cuadro habría sido pintado durante el día, reproduciendo Van Gogh los recuerdos que había acumulado por la noche mientras miraba por la ventana del sanatorio.
Hay quien ha conectado el cuadro con las alucinaciones y ataques epilepticos que sufrió el artista que no fueron tratados de ninguna manera, ese tipo de remolinos creados en el cielo son de lo más original y pueden tener conexión con la visiones que tenía Van Gogh durante sus desmayos.
Por otra parte debemos señalar que Van Gogh es un pintor postimpresionista, su forma de pintar esta marcada por diferentes manchas ordenadas de color, que van componiendo, en distintas tonalidades, los objetos, monumentos y formas vegetales que componen el cuadro. Van Gogh es un pintor que pinta con violencia, con rabia, en muchas ocasiones abandona los pinceles para extender la pintura con los dedos de sus manos, creando un efecto mucho más agresivo que con los pinceles. Esa violencia al extender la pasta es rasgo característico de sus últimas obras.

miércoles, 16 de diciembre de 2015

Mierda de artista provocación en el arte

En el año 1961 el artista italiano Piero Manzoni presentaba al mundo su obra Mierda de artista. Se trata de varias latas que como un objeto de consumo cualquiera tiene indicadas todas las propiedades que encierra su interior, desde el número de gramos, que es de 30, al grado de conservación de la misma.


La obra se trata sin duda de una provocación que trata de llamar la atención sobre las desigualdades que crea el mercado del arte en muchas ocasiones. Decía el filósofo alemán Walter Benjamin cuando hablaba de una de las opciones de los intelectuales dedicados a abastecer al sistema de producción. Es decir aquellos artistas famosos que solo con su simple firma pueden vender cualquier cosa o bien las reproducciones en serie de obras famosas, reproducciones en muchas ocasiones firmadas por el propio artista.
Podemos dar un par de ejemplos de esto. Picasso realizó un número superior al centenar de versiones de Las Meninas de Velázquez revisando el tema desde diferentes opciones que se vendían con una facilidad pasmosa, no por la calidad de las obras sino por el hecho de que eran obras de Picasso.
Otro ejemplo lo tenemos con Dalí cuando en la etapa final de su vida se comentaba que sus administradores le acercaban papeles en blanco que pudiera firmar para después añadir el grabado o reproducción que más interesara.
El tema de la provocación en el arte es algo que viene de lejos, es decir debemos remontarnos a 1917 cuando Marcel Duchamp llevó un urinario a una exposición donde se indicaba que no se rechazaría ninguna obra. La obra titulada La Fuente fue finalmente rechazada pese a que el propio Duchamp se encontraba entre los miembros de jurado que debían indicar su obra favorita. Duchamp para no ser reconocido firmó la obra con un sobrenombre R Mutt, a él le interesaba ver la reacción del resto de los miembros de jurado.
La obra de Piero Manzoni tiene una idea similar, ¿es posible considerar arte cualquier cosa? ¿es aplicable el ready made a cualquier tipo de obra? Quizás una prueba de que si se puede considerar arte es que estamos hablando sobre ello, aunque simplemente sea por el hecho de que nos llama la atención.
Se trata de un momento en que se produce un desarrollo del situacionismo, un grupo que proponía al artista una implicación total, el arte al servicio de la denuncia social y en consecuencia, según ellos, al servicio de la revolución, se trata de una transformación radical del mundo del arte. Esta obra es una buena prueba de lo que estamos diciendo.
Mierda de artista es una crítica mordaz al sistema del arte, donde el artista marca vale más que la obra presentada. El artista presentó un número bastante alto de latas, concretamente 90, todas ellas están firmadas por el artista en la parte superior de la lata. Las latas indicaban un peso de 30 gramos, que realmente eran de yeso, no de mierda y su precio era el mismo que el equivalente a 30 gramos de oro en ese momento.

Eugenio Merino. El olor del arte. Una de las latas abierta

domingo, 13 de diciembre de 2015

El enigma de la relación entre Juan Bautista y Jesús

Juan Bautista es una figura clave en la historia de los primeros años del siglo I y por supuesto del cristianismo, porque muchos de los mensajes lanzados desde el desierto son iguales que los expuestos por Jesús a las gentes de bien que querían escucharle.


Gran parte de lo que vamos a escribir está inspirado en el libro de Ernest Renan titulado "Vida de Jesús" donde este estudioso francés del siglo XIX hace un pormenorizado análisis de la vida e ideas del maestro intentando desprenderse de todo aquello que de fantástico nos han legado los escritos que consideramos canónicos.
Una primera cuestión sería el parentesco entre los dos personajes, inexistente para el autor, ya que habían nacido y vivían en zonas muy diferentes, aunque si es cierto que los dos llegaron a las mismas conclusiones con un mensaje común expresado eso si de forma diferente.
Juan podía ser considerado como un profeta, un enviado de Dios. Era una persona acostumbrada a los rigores. En muchos casos vivía como un anacoreta, vestía de forma muy humilde y comía aquello que el desierto le proporcionaba, que era más bien poco. Juan es uno de los muchos predicadores que surgen en el momento en Judea, aunque a diferencia de otros consiguió un gran número de seguidores que escuchaban su mensaje.


Quizás tanto Juan como Jesús hubieran pasado desapercibidos si nos quedáramos solo con su mensaje de conversión y de arrepentimiento de cara al Padre, pero tanto uno como otro volcaron su mensaje de una manera política, señalando directamente a los poderosos políticos o religiosos que consideraban culpables de que su mensaje no se llevara a cabo. Y ese fue el verdadero problema, porque cuando el poderoso ve peligrar su sillón se revuelve de manera que mata con tal de conservar su estatus, llevándose por delante a quien haga falta para mantenerlo. 
En cuanto Juan comenzó a denunciar la situación semiincestuosa del rey Herodes y sus seguidores se daban cuenta de que llevaba razón, que se estaba vulnerando la ley, le falto tiempo al títere romano para detener a Juan y mantenerlo en prisión con tal de que su mensaje no se propagara. Es muy posible que Herodes respetara a Juan como profeta e incluso le tuviera miedo como elemento distorisonador de su poder, quizás su muerte es una cuestión de orgullo personal por una palabra empeñada a la cual no se pudo negar, pero seguro que fue un tema que le trastornó, más sabiendo que el mensaje de Juan era verdadero.

Renan apunta que Jesús, que vivió en Nazaret y Caná, se desplazó con un primer grupo de seguidores hasta donde Juan estaba haciendo su predicación. Juan era muy conocido en ese momento y Jesús quería aprender de él. Tenían un mensaje muy similar, aunque Jesús no estaba preprarado todavía para dar el salto, tiene que dar forma a sus ideas y será con Juan cuando aprenda como expresar todas esas ideas que fluyen en su cabeza. Juan sin duda se daba cuenta de la fuerza que poseía Jesús y de que estaba llamado a una labor mucho más trascendente que la suya, aunque como hemos dicho los dos comparten momento y se respetan, jamas Jesús durante el tiempo que pasó con él, intenta imponer sus ideas o preceptos, se limita simplemente a aprender, sabiendo quien lleva el mando en ese momento. Es curioso como algunos discípulos informan a Juan cuando esta preso de los pasos que van a dar en el futuro y de las cosas que está haciendo Jesús. Quizás sea esta detención de Juan la que hace que Jesús vea una oportunidad para lanzarse de forma definitiva a la predicación de su mensaje.
Claro que existe una gran diferencia entre Juan y Jesús. Juan tiene un mensaje de conversión, de regeneración, de abrir el corazón y el espíritu a una nueva vida, alejarse del pecado porque el fin del mundo es, quizás, inminente. Por su parte Jesús nos habla de las mismas cosas, aunque profundiza mucho más en un mensaje de amor y de un Dios que nos ama y está siempre pendiente de nosotros, debemos amar como él lo hace tanto a nuestro Padre  como a nuestros semejantes. Pero mientras Juan sabe que simplemente es un predicador, un agitador de almas, Jesús posee el espíritu de Dios dentro de si, está imbuido del espíritu de Dios, de manera que expresa que es su propio Hijo, nunca dice que sea Dios mismo sino el Hijo de Dios, aquel que expresa su voluntad por medio de una persona convencida de ello y que cambió la historia de la humanidad con un mensaje rompedor y completamente distinto al que los judíos del momento estaban acostumbrados o esperaban.

miércoles, 9 de diciembre de 2015

La última cena de Leonardo da Vinci para niños

Esta obra del gran artista italiano es una de las más famosas y representadas de toda la historia del arte, ya que por su calidad y maestría ha servido como modelo a otros muchos artistas que querían representar este tema.


Los artistas podían haber escogido varios momentos que tuvieron lugar en esa habitación la noche del jueves santo, pero la mayoría de ellos se decidieron por representar el momento en el que Jesús anuncia a sus discípulos que son sus últimos momentos juntos y que uno de ellos le va a traicionar. 
Esa es la razón para que la mayoría de los apóstoles aparezcan con gran cara de sorpresa, moviendo sus brazos, mirando angustiados a Jesús o el resto de sus compañeros y preguntándose cual de ellos puede ser el traidor.

Detallede Juan,  Judas con la bolsa y Pedro con un cuchillo

Lo que ocurre en la pintura de Leonardo es que los grupos de apóstoles, que se encuentran al los lados de la figura central de Jesús, están muy bien organizados, ya que se agrupan en figuras de tres en tres, donde se producen varios contrastes para poder ganar en tensión y movimiento. Por ejemplo Leonardo contrasta figuras más jóvenes con otras más viejas, unas al lado de las otras y también figuras con mucho movimiento frente a otras que se encuentran más tranquilas, con la idea de generar cierta tensión. 
Judas, el apóstol que va a traicionar a Jesús se encuentra en el segundo grupo empezando por la izquierda, junto a Juan, al que reconocemos porque no tiene barba.
La estructura de la obra y todas las líneas de fuga nos conducen a la figura central, a la cara de Jesús, que se encuentra explicando cual es la situación.
Leonardo se esforzaba mucho en sus obras por no copiar siempre los mismos modelos o repetirlos, como hacían otros artistas, quizás por eso se demoró demasiado en realizar esta obra, porque buscaba los modelos adecuados, incluso hay quien dice que se incluyó a si mismo entre el último grupo de apóstoles junto a la figura de Platón, un filósofo esencial gracias al cual se han explicado muchas de las teorías teológicas de la doctrina católica.
Polémicas aparte (si está Leonardo, si se ha llegado a representar una mujer que podría ser María Magdalena), la obra fue pintada sobre una pared  en el refertorio del convento dominico de Santa María de la Gracia en Milán. La obra ha sufrido deterioro desde los primeros momentos, ya que no es un fresco, que requiere una gran rapidez de ejecución, Leonardo quiso experimentar y mezcló temple y óleo, alargando sobremanera el tiempo de ejecución y provocando que al poco de terminarse ya hubiera zonas que se desprendían de la pared. De todas maneras la obra ha tenido una restauración hace poco tiempo que la ha dejado en perfecto uso y disfrute de los turistas e interesados en el arte renacentista.

Marcos López. Última cena

domingo, 6 de diciembre de 2015

El pintor Michelangelo Merisi conocido como Caravaggio

Estamos ante una de las grandes figuras mundiales de la pintura, no solamente porque sea un magnífico artistas, cuya calidad se puede observar en sus obras, sino también porque su influencia en otros artistas que van a seguir su forma de concebir la pintura durante el desarrollo del movimiento barroco.


Intentaremos describir una pequeña biografía de Caravaggio, que nació en Milán en 1571 aunque le conocemos por el nombre de la localidad donde se trasladó su familia poco después de la peste que asoló la gran ciudad de Milán, lugar donde su padre trabajaba.
En el desarrollo de su vida y los lugares a los que va a desplazarse tiene mucho que ver el carácter del artista. Debemos decir que Caravaggio tenía un carácter complicado, en ocasiones violento, lo cual le llevaba a pelearse constantemente y tener problemas con la policía de la época. Por ejemplo, tras su traslado a Roma tendrá que abandonar la ciudad como consecuencia de que había dado muerte a un hombre, eso le llevó por diferentes ciudades, se trasladó a Napoles, viajó a la isla de Malta, se trasladó a Sicilia, de nuevo a Napoles y cuando se encontraba camino de Roma tras ser perdonado por su asesinato gracias al nuevo Papa, falleció tempranamente quizás como consecuencia de unas fiebres en el año 1610, privándonos de un artista excepcional y mágico.
Con respecto a su obra, su forma de pintar era sinónimo de escándalo. Muchos de sus contemporáneos acostumbrados al idealismo típico de la pintura italiana, se daban de bruces con un naturalismo exagerado, llevado al extremo. Daba igual a quien tuviera que representar, que representaba a su modelo de forma tan natural, que daba igual que no tuviera nada que ver con el personaje representado. Muchas de sus obras fueron un gran escándalo y fueron rechazadas nada más ser presentadas. Pero al mismo tiempo hay que decir que otra mucha gente apreciaba su obra y fue protegido por alguno de los personajes más importantes de la época, ello le sirvió para salvar la cárcel en varias ocasiones.
Hay otro aspecto destacable en su pintura y es el uso del claroscuro. No es que Carvaggio inventara el claroscuro porque ya existía en la pintura italiana, pero él lo llevó a su máxima expresión, llenando de dramatismo sus obras, gracias a los contrastes entre luces y sombras que podemos observar en sus obras.
La influencia de Carvaggio es estos dos aspectos, naturalismo y claroscuro, será una constante en los más importantes artistas del barroco. Estamos hablando de nombres tan importantes como Rubens, Rembrandt, Gentileschi, Diego Velázquez o José de Ribera (que pudo observar sus obras de forma directa en Napoles).