miércoles, 30 de noviembre de 2016

Dibujos de Paul Klee para pintar y colorear

El artista nacido en Berna pero educado artísticamente en Alemania es uno de los que mejor se adapta el trabajo con niños, ya que sus pinturas no resultan nada complicadas y permiten jugar con el color de manera aleatoria, dejando a decisión del niño cuales quiere incluir y cuales no.


Klee es un artista difícil de definir en un estilo concreto, hay quien dice que está cercano al surrelaismo, otros al expresionismo y para algunos es un artista que practica la abstracción en su trabajo.
Pero lo que podíamos decir que define la obra de Klee y la diferencia de otros es la distribución del color, un tema que para el representaba una obsesión. El color irá ganando importancia en sus obras hata convertirse en la parte principal de su trabajo, mucho más que la forma o figura que se ha decidido representar.


El color nosotros podemos identificarlo fácilmente asociándolo en nuestra mente desde que somos niños, pero dentro de cada color existe una gama de matices inmensa, que también merece nuestra atención. Eso es lo que sucedía con Paul Klee, que se dedicaba a estudiar estos matices para crear millones de colores como la gran lista de pantones con la que trabajan los diseñadores gráficos en la actualidad o las mezclas que podemos hacer con el ordenador si trabajamos con programas como Photoshop.



Quizás esta obsesión por el color tenga que ver con el encuentro que tuvo en Berlin con Kandinky, otro artista para el cual el color y la forma de distribuirlo en el cuadro son mas importantes que las formas en él representadas. Cuando se conocieron ambos artistas estaban vinculados al expresionismo pero los dos evolucionan hasta convertir el color en el objetivo de sus obras.
Resulta muy fácil para los niños trabajar con dibujos de Paul Klee ya que muchas de sus obras están divididas en cuadrados o rectángulos, en algunos casos de forma irregular, que pueden ser rellenados de color y ahí es donde entrá la imaginación de nuestros pequeñps. Podemos enseñarles la obra original para que vean como lo hace el artista pero lo bueno es que tengan libertad para aplicar el color a su gusto. Eso si, intentando que cada rectángulo sea de un color diferentes y procurando que respeten las líneas de cada forma geométrica.


domingo, 27 de noviembre de 2016

El Che Guevara como icono pop

Ernesto Che Guevara es una de las figuras más destacadas del siglo XX, una persona que despierta admiración para algunos y odio para otros, en posturas encontradas que tienen que ver mas con lo ideológico que con lo artístico, que es lo que aquí nos ocupa.


El Che Guevara nació en Rosario (Argentina) en el año 1928 en el seno de una familia acomodada, pero es conocido por la lucha armada en diferentes países para entender la revolución comunista. Quizás el episodio de mayor triunfo lo vive junto a Fidel Castro, cuando desde Mexico llegaron con guerrilleros a Cuba y fueron capaces de extender la semilla de la revolución a un pueblo que se encontraba tremendamente oprimido en ese momento.


Una vez en el poder en Cuba, Guevara ocupó diferentes cargos políticos e incluso adquirió la nacionalidad cubana, pero quizás por enfrentamientos ideológicos o quizás porque llevaba dentro el gusanillo de la guerra, decidió abandonar cualquier cargo y seguirse uniendo a diferentes revoluciones comunistas en todo el mundo, principalmente en América Latina. Tras su salida de Cuba luchó en el Congo y también en Bolivia, donde fue herido, apresado y se le dio muerte en el año 1967.
Pero a nosotros nos interesa la parte artística y es que desde entonces el Che Guevara se ha convertido en un icono pop y su imagen ha sido representada en multitud de objetos que son de uso común en la vida diaria de millones de personas.


Lo curioso es que se trata de un icono pop de la sociedad capitalista, que compra tazas, gorras, mecheros, camisetas y miles de objetos con el rostro del Che Guevara, un guerrillero que trataba de extender la revolución comunista y que por tanto detestaba la sociedad que lo convirtió en un icono mercantilista.
A veces es muy curioso como el capitalismo puede darle la vuelta a cualquier cosa para convertirlo en un negocio. Aquellos que compran objetos con el rostro de Guevara, quizás porque se sienten identificados con sus ideas, están contribuyendo al engorde de la industria que lo único que obtiene con grandes beneficios con la venta de todo tipo de objetos.
Simplemente decir que la mayoría de ellos toman como modelo la fotografía realizada por Alberto Korda en 1960, una obra que en sus diferentes variantes se ha reproducido hasta la saciedad, igual que el perfil que de esta fotografía realizó Jim Fitzpatrick y que ha servido para millones de impresiones en objetos de todo tipo.


Esta frase, que también se utiliza profusamente en el Merchandising de Guevara es la despedida de la carta en la que anunciaba a Fidel Castro que renunciaba a todos sus cargos y a la nacionalidad cubana para continuar extendiendo la semilla de la revolución comunista por el resto del planeta.

miércoles, 23 de noviembre de 2016

La Catedral gótica de Gerona

Hoy vamos a hablar de uno de los mejores ejemplos del gótico del siglo XIV en España, el que conocemos como gótico mediterráneo, ya que las mayoría de los edificios de esta época se construyen en la zona de Cataluña, Valencia y las Islas Baleares. Se trata de un momento de inestabilidad en Castilla aprovechado por el reino de Aragón para desarrollar gran cantidad de obras en las ciudades más importantes del reino.


Si observamos la planta del edificio veremos que existen algunas diferencias entre las catedrales clásicas castellanas y estas obras mediterráneas. La primera es que se abandona la diferencia de altura entre las naves, de manera que es mínima entre la nave central y las laterales, llegando la iluminación al interior a través de los muros laterales. Tanto es así que por ejemplo en Gerona pasaron bastante tiempo discutiendo si realizan una o tres naves y quizás debido a esa falta de diferencia decidieron realizar solo una nave dividida en cuatro tramos que están cubiertos con bóveda de crucería.
Al llegar a la zona del altar mayor si se divide la iglesia en tres partes, dos que corresponden al deambulatorio que nos permite girar alrededor del altar mayor, que sería la tercera parte en la que se divide esta zona de la cabecera. Si existe en este caso una diferencia de altura considerable entre el altar mayor y la zona de la girola. Ello sirve al exterior para incluir arbotantes que ayudan a recoger el peso de las bóvedas del altar y depositarlo en los contrafuertes que se adosan al muro del edificio.


Otra de las características de estas iglesias son las capillas con las que cuenta, muchas y todas ellas abiertas a la nave no cerradas y cubierta por rejas como en Castilla. En la zona mediterránea las capillas no eran privadas no pertenecían a una familia noble o algún eclesiático, sino que pertenecían a diferentes gremios que las usaban para incluir imágenes de su patrón o celebrar festividades conjuntas.
Muy característicos de esta catedral son los rosetones que encontramos en la zona de la cabecera y que se sitúan por encima de las bóvedas de crucería, tanto en la zona central donde el rosetón es más grande, como en el deambulatorio que cuenta con dos de menor tamaño.
Resulta curioso como descarga el peso de las bóvedas de crucería sobre finas columnillas, que, apoyadas en contrafuertes, descargan el peso a la zona inferior de los muros del edificio.
También son muy típicos los pilares que recogen en el altar mayor el peso de las bóvedas y que permiten el paso desde la girola al altar mayor, dando una sensación de espacio y libertad de movimientos bastante grande.

domingo, 20 de noviembre de 2016

El escultor barroco Pedro de Mena para niños

Estamos ante un artista que es una de las figuras más destacadas a nivel nacional durante la segunda mitad del siglo XVII, época en la que desarrollo su actividad, difundiendo obras por toda España y creando modelos iconográficos que se distribuyeron por iglesias y conventos de clausura.


Pedro de Mena era granadino, en la ciudad nazarí vió la luz en el año 1628, entre la ciudad de Granada y la de Málaga repartirá su vida, ya que un encaro le movió hasta allí, pero no un encargo cualquiera, sino la realización de la sillería del coro de la Catedral de Málaga, que posiblemente sea junto a la de Toledo, las de mayor calidad que tenemos en España.
En Granada debió aprender el oficio junto a su padre Alonso de Mena de quien aprendió algunos modelos de representación, pero su padre falleció pronto y él se hizo cargo de su estudio con tan solo 18 años. En unos años colaboraría con él en el estudio Alonso Cano, que había regresado desde Madrid debido a una acusación de asesinato. Esta colaboración será decisiva ya que la delicadeza de las obras de Alonso Cano y la expresión de los rostros se verá acrecentada en la obra de Pedro de Mena que tomó de este su maestro muchas características para sus obras.

Dolorosa. Convento de Madres Carmelitas de Alba de Tormes

La expresión decimos es una de las maneras de reconocer las obras de Pedro de Mena, una piel que parece porcelana, las cejas onculadas, los ojos abiertos, la boca entreabierta donde pueden apreciarse los dientes, todo para crear figuras que esperan rotas por el dolor acompañadas de cantidad de ropajes que se superponen unos a otros de forma finísima.
Muchos son los modelos importantes que realizó nuestro artista, figuras de San Pedro de Alcantara, San Francisco de Asis, María Magdalena o Inmaculada son algunas de sus figuras más conocidas. Pero cabe destacar algunas figuras que repartió por conventos de todo el país y que normalmente se vendían en grupo, se trata de las representaciones de la Dolorosa y el Ecce Homo, figuras de busto en muchos casos que servían como inspiración a los monjes y monja para realizar sus oraciones frente a ellas.
Pedro de Mena vivió 60 años y falleció tras 30 años de estancia en Málaga, concretamente en el año 1688. Como decimos tuvo mucho éxito en vida lo que le proporcionó el poder llevar una vida acomodada.

Detalle del rostro de una figura del Ecce Homo. Pedro de Mena

miércoles, 16 de noviembre de 2016

¿Como pintar un cuadro puntillista con niños?

Quizás sea el puntillismo uno de los estilos artísticos más fáciles de trabajar con niños, el uso de diferentes colores y la forma de disponerlos en el cuadro puede ser una de las maneras más entretenidas de componer una obra desde los más pequeños hasta los entrados en años con dibujos que sean mas complicados.

Imagen tomada de www.actividades.dibujos.net

La técnica del puntillismo consiste en aplicar sobre la lámina o el papel diferentes bloques de puntos distintos colores que nos ayudan a componer una figura u objeto. Tengamos en cuenta que la aplicación de puntos nos ayuda a componer en nuestra mente las formas creadas cuanto más alejados nos encontramos de la obra, si estamos excesivamente cerca tan solo parecerá que tenemos una serie de manchas provocadas por los puntos.
El puntillismo y el impresionismo tienen en esto mucho en común, pensemos en artistas como Vicent Van Gogh y su manera de extender manchas de color que componen los paisajes o los retratos pintados por el maestro holandés.
Así que una vez que tenemos una cartulina o lámina de papel y diferentes colores ya estamos preparados para crear nuestra primera obra puntillista.

Obra tomada de www.manualidades.about.com

Para poder apoyarnos mejor podemos realizar con lapicero el dibujo que pensamos realizar, pensemos por ejemplo en una imagen del sol con los rayos en forma triangular, este dibujo nos creará diferentes zonas para después aplicar los puntos de color. Por ejemplo dentro del circulo del sol podemos aplicar color amarillo, los rayos del sol podemos llenarlos de puntos de color naranja y la zona externa puede llevar puntos de color azul que imiten el cielo.
Un paisaje con diferentes tonalidades como vemos en el dibujo inferior o bien alguna fruta abierta que nos ofrezca diferentes colores pueden ser algunos ejemplos a realizar, tres o cuatro colores pueden ser suficientes para que los pequeños puedan trabajar con ellos y la obra no aparezca excesivamente saturada.
Es bueno que todos los puntos tengan el mismo tamaño para que la imagen que debamos componer en nuestra mente no se vea alterada porque unos sean de mayor tamaño que otro.
Una vez que hemos finalizado podemos borrar las líneas hechas con lapicero que han creado el dibujo o bien si creemos que es importante este dibujo podemos afianzarlo con un rotulador de color negro que nos indique perfectamente las formas a destacar.

Imagen tomada de www.agorabierta.com


domingo, 13 de noviembre de 2016

Dibujos de Velazquez para pintar y colorear

Velázquez es uno de los grandes maestros del arte español y mundial, vivió durante la época barroca, en pleno sigo XVII y es un artista con muchas influencias, desde sus inicios claroscuristas en su Sevilla natal hasta las explosiones de color tras viajar a Italia y entrar en contacto con los grandes maestros de la época.


Para colorear las obras de Velázquez es bueno tener el original delante de nosotros para saber los colores que utilizaba el maestro. En muchos casos se trata de colores divertidos y muy vivos ya que tuvo contacto con la obra de artistas venecianos, que utilizaban colores llamativos para adornar a los personajes que incluían en sus cuadros. De esta manera no es extraño encontrar en Velázquez la utilización del color amarillo, el rojo carmín o el azul turquesa, más extraño es el uso del color rosa que el artista solía utilizar para as bandas que decoraban el pecho de alguno de sus personajes como ocurre por ejemplo en La Rendición de Breda.


Las Meninas es sin duda una de las obras más conocidas del pintor, aunque los colores no parecen muy vivos, tendremos que utilizar muchos, ya que en el cuadro original aparecen zonas muy iluminadas en contraste con otras a las que les llega muy poca luz. Esto lo hace Velázaquez con la idea de conseguir profundidad en sus obras.


Otra de las obras con la que podemos trabajar es la pintura que representa a la Infanta Margarita, uno de sus trabajos de última época donde predominan los colores dorados y donde podemos apreciar ese color rosa del que antes hablábamos.


Velázquez es un artista muy completo, que posee un perfecto dominio de la técnica pictórica, desde sus inicios en un estilo cercano al realismo fotográfico hasta cuando realiza paisajes impresionistas tras su segundo viaje a Italia pocos años antes de su muerte.


Su autorretrato con la cruz roja de Santiago en el pecho puede ser otro trabajo que sirva para explicar cosas del artista, como por ejemplo que la Cruz de la Orden de Santiago le fue entregada por su labor en palacio como embajador no como pintor. Ese ascenso social, imposible para un pintor, era muy importante para Velázquez, que había conseguido una buena posición trabajando en la corte para el rey Felipe IV.


miércoles, 9 de noviembre de 2016

El pintor Julio Romero de Torres

Romero de Torres es uno de los grandes representantes del realismo y simbolismo andaluz con sus representaciones que diferentes tipos de mujer. Hay quien dice que no hay otro artista como él para representar el cuerpo femenino y su delicadeza, acompañado de multitud de detalles que aluden a la naturaleza muerta y al carácter de la mujer andaluza.


Julio Romero de Torres nació en Córdoba en 1874, en esta ciudad se conserva la mayoría de la obras del artista en un magnífico museo. Su padre también fue pintor y es con quien aprendió los primeros pasos de pintura. Durante su juventud participaba activamente de todos los eventos culturales que había en la ciudad de Córdoba pero no desdeñaba las corrientes internacionales que surgían como novedad en el mundo del arte. Viajó por diferentes países y estudió los nuevos estilos que allí estaban surgiendo. Se presentó también a varios concursos internacionales que logró ganar gracias al buen hacer de su pintura.


Era un maestro en la representación de la figura humana, sobre todo de la mujer, pues son los retratos de mujeres los que le han proporcionado la fama. Tenía una gran precisión en la forma y en el dibujo, representando a sus personajes lo que parece un escenario teatral donde está teniendo lugar la representación de una obra. Sus paisajes a veces te transportan al un lugar de ensueño donde es fácil imaginar todo aquello que sucede, desde una escena de seducción a la trágica representación de un drama.


Julio Romero de Torres comenzó su trabajo haciendo carteles para la compañía Unión Española de Explosivos, donde se ve perfectamente que su monólogo dedicado al cuerpo de la mujer comienza a desarrollarse. Ya desde el primer momento comenzará a representar algunas de las modelos y actrices más conocidas de España que posaron en muchos de sus cuadros. A pesar de su faceta como pintor, nunca abandonó su faceta de cartelista hasta el final de sus días.
Romero de Torres admiraba mucho el flamenco y tocar la guitarra, participó de hecho en algún concurso. Ese cariño por el flamenco, tanto el baile como el cante se nota perfectamente en sus obras y aparece de forma constante. Pintó a la mayoría de las artistas flamencas del momento.
Falleció en la ciudad de Córdoba en el año 1930.


domingo, 6 de noviembre de 2016

Obras de Leonardo da Vinci para pintar y colorear

Leonardo es uno de los pintores más conocidos de todos los tiempos, se trata de un artista que no se dedicó solo a la pintura sino que destacó como científico ya que su mente proyectó algunos inventos que se han hecho realidad muchos años más tarde.


En sus obras Leonardo creo una técnica que podemos observar perfectamente en La Gioconda y es la técnica del esfumado, que consiste en realizar un desenfoque de la parte posterior del cuadro para así destacar aún más aquello que tenemos en primer plano. Es algo parecido al desenfoque que puede hacerse con una fotografía.


La Gioconda, que se conserva en el Louvre de París, es una de las obras más famosas del mundo, visitada a diario por miles de personas que hacen cola para ver el cuadro y tomar una foto o, últimamente un selfie, con esta gran obra, una representación de la belleza enigmática de su protagonista. Puede trabajarse con los niños con esa idea de saber quien es la mujer, porqué no tiene cejas o bien cual es el significado de su media sonrisa.
También La Ultima Cena es otra de sus grandes creaciones, un trabajo con un perfecto estudio de las proporciones y de la profundidad, en este trabajo ninguna de las figuras se encuentra colocada al azar sino que están allí con una función determinada.


En esta página podemos encontrar diferentes dibujos de grandes obras de Leonardo para poder pintar y colorear, si pinchamos en cada uno de ellos la obra se agranda y se puede imprimir para que los más pequeños derrochen imaginación al pintarla, aunque sería bueno que tuvieran delante el modelo original para poder acercarse lo más posible a los colores utilizados por Leonardo en sus trabajos.
Otra posibilidad es alterar completamente los colores utilizados por Leonardo y dejar que la imaginación les guíe para representar a esta extraña mujer sin cejas y con esa enigmática sonrisa.


miércoles, 2 de noviembre de 2016

Las cinco mejores pinturas del románico español

Durante los siglos XI y XII muchas de las iglesias estaban pintadas, sobre todo sus muros que se decoraban con historias del nuevo testamento y vidas de santos. En ese momento existían en España dos corrientes que vienen del extranjero, una con más influencia de la zona bizantina que se centra principalmente en la zona de Cataluña y por otro lado una corriente con mayor influencia francesa, algo más realista y menos estática que se desarrolla principalmente en Castilla y León.
Ambos tienen excelentes ejemplos de esta pintura con algunos temas que se repiten de forma constante a lo largo del románico y el gótico, no solo en pintura sino también en escultura. Por ello vamos a citar las que son a nuestros parecer las cinco obras más importantes del románico español, siempre admitiendo posibles comentarios sobre otras obras que no aparecen en esta lista.



Comenzamos con el Frontal de la Seo de Urgell, una obra que representa la figura de Cristo en Majestad en actitud de bendecir acompañado del libro de la revelación en la otra mano insertado dentro de una doble mandorla, la figura aparece acompañada de los apóstoles, colocados 6 a cada lado con algunos de sus atributos. Estos frontales servían para cubrir la parte delantera del altar mayor de la iglesia.


Cripta de San Isidoro de León. Se le conoce también como la capilla sixtina del románico. Entre sus representaciones destacan la imagen de Cristo en Majestad, la escena del ángel avisando a los pastores del nacimiento de Jesucristo y también una curiosa representación de los meses del año y las actividades que los hombres de la época realizaban cada uno de los meses, desde la recogida de la uva o la matanza del marrano en Navidad.


Ábside de la Iglesia de San Clemente de Tahull. Conservado actualmente en el Museo de Arte de Cataluña. Allí se representa a Cristo en Majestad o "maiestas domini" acompañado de los evangelistas, representados con forma humana y forma animal. Es una de las mejores obras del románico.


Pinturas de la Iglesia de Maderuelo. Actualmente se conservan estas obras en el Museo del Prado de Madrid, entre sus pinturas destaca la representación del cordero y también de la creación de Adán.


Ábside de la Iglesia de Santa María de Tahull. En un estilo muy similar al de la iglesia de San Clemente, el tema resulta distinto al de las otras obras citadas, en este caso se representa la Adoración de los Reyes Magos ante la Virgen y un niño bastante serio que tiene su mano en posición de bendición.