Juan de Herrera y el clasicismo en España

El arquitecto Juan de Herrera representa la última etapa del renacimiento en España representada por el clasicismo, una forma de construir que difiere de lo que se había hecho hasta ese momento en España, donde los ojos se vuelven definitivamente a Italia en particular y la mundo clásico en general.

Puerta acceso Monasterio de El Escorial

Y es que el renacimiento en España está cargado de detalles y pequeños matices que varían según el arquitecto del cual estemos hablando. El comienzo del renacimiento no es ni siquiera una forma de construir sino de decorar algunos edificios que todavía tenían trazas de estilo gótico. Esa carga decorativa incluye algunos elementos tomados del arte italiano, como los grutescos o la inclusión de pequeñas figuras desnudas que decoran las fachadas y ventanas de estos edificios. Sin duda es el momento más original de arte español, la mezcla de la tradición gótica, la profusión decorativa musulmana y unos pequeños detalles del renacimiento italiano.

Esa fase primera se va superando poco a poco y se introducen algunos elementos constructivos que podemos ver en diferentes palacios e iglesias realizados a mediados del siglo XVI, la formación de algunos arquitectos, en algunos casos sus viajes a Italia, harán que desaparezca la carga decorativa (aunque no del todo) y se concentren más en los elementos estructurales. Algunos de los nombres como Diego de Siloe o Pedro Machuca tratarán de acercarse al renacimiento italiano.

Biblioteca del Monasterio de El Escorial

La tercera del renacimiento está representada por el arquitecto Juan de Herrera que vivió entre 1530 y 1597 y por uno de sus edificios más emblemáticos, el Monasterio de San Lorenzo del Escorial. 

En el desarrollo de sus obras tiene mucho que ver el rey Felipe II que tiene muy claro el estilo con el que deben construirse los palacios que quiere realizar en España. Los viajes realizados por Europa le abren los ojos a una nueva concepción de la arquitectura y del jardín, que se verán plasmados en sus realizaciones. Desde muy pequeño contó con libros de arquitectos italianos en su biblioteca y sabía perfectamente por donde se estaba moviendo el arte en ese momento.

Si algo define el Monasterio del Escorial es la ausencia de carga decorativa con la que contaban los edificios anteriores, ya no encontramos grutescos, ni escudos, nada de cresterías o cualquier elemento superfluo que pueda distraer la atención del espectador. 

Por otra parte el edificio sigue las normas clásicas de construcción, aquello que los italianos decían sobre los edificios que deberían estar hechos "a la romana", cumpliendo una serie de normas, como por ejemplo la superposición de columnas con diferente capitel dependiendo del piso en el que estuviéramos, dórico para el primero, jónico para el segundo, corintio, para el tercero y compuesto si existían un cuarto, como podía verse por ejemplo en el Coliseo de Roma y que Juan de Herrera repite en el altar mayor de la iglesia que se encuentra en el centro del monasterio.

Otras obras de este arquitecto también se pueden observar en otros lugares de España, siempre por iniciativa del rey Felipe II, hablamos por ejemplo de la Catedral de Valladolid, que no llegó a terminarse por falta de fondos o del Archivo de Indias en la ciudad de Sevilla.

Proyecto de Juan de Herrera para la Catedral de Valladolid

La arquitectura del Renacimiento pleno en España

El Renacimiento es un estilo que en la arquitectura española tiene una duración muy corta, ya que el gótico se extiende en el país a lo largo de 3 siglos. Ello hace que mientras en países como Italia estaban desde hace tiempo redescubriendo el estilo, en España se seguía construyendo en estilo gótico hasta en pleno siglo XVI.

Diego de Siloe. Patio del Colegio Fonseca en Salamanca

Por tanto el fenómeno del Renacimiento tiene una duración bastante corta, que va desde 1512 hasta 1580. Pese a ello podemos dividirlo entres momentos cada uno de ellos con sus características. El primero es el plateresco, que asociamos a un tipo de decoración concreta en los edificios, el segundo es el Renacimiento pleno del cual nos vamos a ocupar. El tercer momento alude al clasicismo y las obras de Juan de Herrera, perfectamente identificadas en la construcción del Monasterio de San Lorenzo del Escorial.

El Renacimiento Pleno comienza a darse desde el año 1530 y podemos decir que la mayoría de sus obras se realizan hacia 1550. Una de las características es que van a eliminar carga decorativa en los edificios, aunque todavía mantienen algunos elementos de la época plateresca, ya que aunque desaparecen los grutescos en columnas y pilastras, se mantienen los escudos de las familias que construyen los edificios. 

Al mismo tiempo se introducen elementos que ya habían sido usados en la arquitectura italiana, bien porque los arquitectos los conocen o bien porque han viajado a Italia y han podido verlos in situ. Se trata de la utilización de arcos de medio punto tanto en el interior como en algunas ventanas y otro tipo de arco como el rebajado que también es profuso en esta época.

Pedro Machuca. Patio del Palacio de Carlos V en Granada

Arquitectos como Rodrigo Gil de Hontañón son representativos de este estilo, sus edificios son fácilmente identificables por la galería de ventanas de medio punto que incluye en sus palacios y en las torres de los edificios, al mismo tiempo mantiene elementos del gótico, como la presencia de escudos, los balcones o la crestería rematando la parte superior. Obras como el Palacio de Monterrey en Salamanca o la Universidad de Alcalá de Henares son fieles testigo de ellos.

Diego de Siloe es también representativo del estilo, aunque este a diferencia de Gil de Hontañón había estudiado en Italia y conocía mas características del renacimiento, como el uso del círculo si se trataba de un panteón, como ocurre en la Catedral de Granada o en la Iglesia del Salvador de Úbeda. Una magnifica obra suya es el patio del Palacio Fonseca en Salamanca, quizás el más bello renacentista que tenemos en España.

No quiero terminar sin citar a Pedro Machuca, un arquitecto más clásico que los anteriores, que también conocía multitud de obras italianas. Se puede ver perfectamente en el Palacio de Carlos V que construyó en Granada y como tanto en el patio como en la fachada introduce estos elementos clásicos en el orden de las columnas, en el almohadillado exterior o en el uso del vano serliano que tuvo que conocer en Italia.

Rodrigo Gil de Hontañón. Universidad de Alcalá de Henares

Tres momentos claves en la vida de El Greco

Domenicos Theotokopoulos es uno de los pintores mas conocidos y considerados a nivel mundial. Se trata de uno de los pintores manieristas más importantes del mundo occidental. Pero para configurar su estilo pasa por diferentes fases de aprendizaje o etapas que después se verán reflejadas en su forma de pintar.

Vamos a estudiar esos tres momentos que le marcan como pintor.

• La estancia en Creta: se trata del origen del pintor, así que es normal que se sienta influenciado por los artistas de la zona que conviene recordar tiene un rito cristiano diferente al católico. Por tanto los iconos bizantinos serán una gran referencia. Al mismo tiempo esas caras que parecen estiradas y ovaladas en algunos casos tendrían que ver con este tipo de representaciones. Al mismo tiempo la división de las pinturas en dos zonas, una que alude al cielo y otra que alude a la tierra, tiene que ver con algunos iconos donde se aprecian este tipo de divisiones.
• La estancia en Italia: su padre le envió a estudiar a Venecia, de la que Creta era una colonia en estos momentos, allí llegaban los tentáculos comerciales de la ciudad. Venecia como centro de referencia, también del arte y de la escuela de pintura que nos dio artistas tan importantes como Tiziano, Tintoretto o Veronés, que fueron maestros del Greco en la ciudad de los canales. Igualmente en Italia viajará hasta Roma u allí admira la pintura de Miguel Angel, sus figuras tan masivas también aparecen en los cuadros de El Greco.
• Su vida artística en España: ya en nuestro país pasará El Greco por dos lugares de suma importancia, el primero bajo las órdenes de Felipe II en el Monasterio de El Escorial, donde realizó algunas obras, aunque parece que su estilo no encajaba muy bien con el gusto real. De allí se trasladó a Toledo donde se asienta y donde desarrolló la mayoría de los trabajos que hoy conocemos. La capital católica ofreció al pintor la oportunidad de desarrollar todo un repertorio iconográfico con un estilo personal y propio que causa sensación aún todavía, por sus colores y su manera de componer las obras o hechos que le encargaron representar al pintor.

Es muy destacable la biblioteca tan completa que poseía el pintor, con todo tipo de libros y materias, unas cantidad de volúmenes considerables para un artista en esa época.

 

Jeronimo Bosch El Bosco para niños

A lo largo del año 2016 y con motivo del quinto centenario del fallecimiento del artista, se podrá ver en el Museo del Prado de Madrid una de las exposiciones mas completas del artistas, que incluye no solo las obras conservadas en España sino en otros muchos museos como Viena, Boston, Nueva York o Venecia. Esta exposición sobre El Bosco tendrá lugar desde el 31 de Mayor al 11 de Septiembre de 2016.

El Bosco y tratamos de perfilar una pequeña biografía, es un pintor de origen holandés que nació en el año 1450 en la ciudad de Bolduque, en el sur de lo que actualmente conocemos como Holanda. Se trata de un pintor que se encuentra en la transición entre el mundo medieval y el mundo renacentista, ya que algunas de sus obras apuntan al humanismo en los temas y personajes representados.

Su familia era una familia de pintores, su abuelo y su padre se dedicaban a la pintura y también alguno de sus hermanos, que pese a ser buenos, nunca llegaron a la fama del pintor que nos ocupa.

El Bosco es conocido por sus cuadros plagados de diferentes personajes, a los que se añaden en ocasiones extrañas arquitecturas y figuras monstruosas que se encontraban solamente en la mente del artista. De ahí su influencia en artistas posteriores, tanto en artistas expresionistas (sobre todo cuando nos muestra su visión del infierno y la condenación) y en artistas surrealistas, por ejemplo con Dalí el cual reconocía una gran influencia del artista holandés. Y es que Dalí era un habitual en el Museo del Prado durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid y allí pudo observar con detenimiento los cuadros que la colección del Museo posee del artistas. Unos cuadros que fueron comprados por el rey Felipe II, una vez que el artista había fallecido, pero el interés cultural del monarca hizo que se conserve en España una colección de cuadros magnífica del artista, tanto en el Prado como en el Monasterio de El Escorial.

En las obras de El Bosco encontramos una dualidad a la que se enfrenta el ser humano, por un lado tenemos la parte que representa el bien, un lugar que siempre está expuesto al pecado y como consecuencia de este pecado llega la condenación y el caos, su visión del infierno causa un gran contraste con otras partes del cuadro donde este no está presente, allí aparecen monstruos, desorden y un colorido que crea un gran contraste con la otra zona.

Para El Bosco el ser humano no es malo, pero es una persona con mucha debilidad, expuesto permanentemente a la tentación y al pecado, en el que es muy fácil caer porque el ser humano es muy vulnerable en este aspecto.

En sus obras observamos situaciones en muchos casos divertidas, a veces imposibles o grotescas, se trata de representaciones unidas a una iconografía medieval que suele aparecer en la escultura que se representa en algunos pórticos o bien en capiteles, donde podemos observar personajes extraños y figuras cercanas a lo monstruoso. su imaginación es tan grande que a veces resulta complicado interpretar sus obras.

También incluimos la información de El Bosco en vídeo por si así es más fácil y más visual

 

Biografía de El Greco para niños

Domenikos Theotocopoulos es uno de los pintores mas conocidos a nivel mundial que trabajó en un momento de transición entre el renacimiento y el barroco, pudiendo observar algunas características propias del manierismo en muchos de sus trabajos. Fue un hombre muy culto y tenía nociones de arquitectura, de hecho su hijo Jorge Manuel se dedicó a esta profesión en la ciudad de Toledo.

El Greco nació en la isla de Creta, concretamente en la ciudad de Candia en el año 1541. En la isla va a permanecer hasta que cumpla los 26 años influenciado entonces por es estilo bizantino, donde los iconos eran algo típico en esta pintura desarrollada en la zona.

Con esa edad se trasladó a Venecia, en esos momentos la isla de Creta formaba parte de la República Veneciana y no era extraño que muchas personas pasaran por la capital, en este caso para formarse como pintor, al lado de algunos de los más grandes artistas que en ese momento trabajaban en el conjunto de islas. Nos referimos a artistas de la talla de Tizianno, Tintoretto, Verones o Bassano. Aquí El Greco abandonó los iconos y empezó a representar como lo hacían sus maestros, introduciendo esos colores tan llamativos típicos de la pintura veneciana que le acompañarán a lo largo de toda su vida.

Detalle de la pintura El Martirio de San Mauricio

En el año 1570 se trasladó a Roma para continuar su formación, en la ciudad eterna eran las obras de Miguel Angel y Rafael las que tenían más influencia, pese a que los dos ya habían fallecido. Hay quien dice que su salida de Italia tiene que ver con unas declaraciones en las que habría calificado algunas figuras realizadas por Miguel Angel como indecentes, al estar completamente desnudas, en un momento en el que en Roma se planteaban tapar la desnudez de alguna manera. Esto está sin confirmar, lo que hace el Greco es continuar su formación y aprender de los grandes maestros.

En el año 1577 llega a España y se estableció en Toledo, había hecho en Italia algunas amistades que podían favorecerle en este nuevo país. Es un momento en que se están acabando las obras del Monasterio del Escorial, lugar para el que se le encargaron dos cuadros, uno de ellos El Martirio de San Mauricio, parece ser que no fue del gusto del rey Felipe II por lo que su colaboración con el Monaserio no continuó centrándose en su trabajo toledano. Allí, en la capital religiosa del país, recibió múltiples encargos y vivió un éxito continuado, llegando a ganar grandes sumas de dinero por las obras realizadas.

Falleció en el año 1614 en la ciudad imperial, como hemos dicho con numerosos encargos hasta el final de su vida, fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Dejó una gran biblioteca, plagada de todo tipo de títulos, desde tratados de pintura, filosofía o arquitectura. Era una de las bibliotecas personales más grandes del momento, que todavía puede verse en la Casa Museo en la ciudad de Toledo.

El Descendimiento de la Cruz de Roger Van der Weyden

Parece que la del artista que nos ocupa hoy será una de las grandes exposiciones en Madrid programadas durante el año 2015 y sin duda este será su cuadro estrella, una obra de grandes dimensiones que se conserva en el Museo del Prado. También encontramos una copia de la misma si visitamos el Monasterio de San Lorenzo de Escorial disfrutando de sus diferentes salas.

Roger van der Weyden es un artista flamenco, concretamente de la norte de Bélgica. Su vida artística coincide con la primera mitad del siglo XV, ya que nació en el año 1400 y falleció en 1464 en la ciudad de Bruselas. Por tanto es un pintor de estilo gótico, si queremos podemos decir gótico flamenco, un estilo de gran influencia en España, no solo en pintura sino también en arquitectura a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y el reinado de los Reyes Católicos.

El cuadro se encuentra en España porque el rey Felipe II lo compró a una de sus tías en un viaje a los Países Bajos. Ya sabemos que el rey era muy aficionado al arte y poseía una excelente colección de pintura que fue ampliando a lo largo de su vida.

El tema nos muestra el momento en que Jesucristo es bajado de la cruz, ya muerto, cosa que podemos apreciar por la herida que muestra en el costado su figura que ocupa la parte central de la composición. Justo a Él aparecen una serie de personajes que estarían presentes en la muerte de Jesús acompañándole en ese momento. Entre ellos dos ancianos, Nicodemo y José de Arimatea, que sería el dueño del sepulcro donde se deposita el cuerpo de Jesús. El personaje más joven lo identificamos con Juan Evangelista, presente en la escena y al cual reconocemos porque todavía no tiene barba debido a su juventud. La Virgen María se ha desmayado, rota por el dolor al contemplar la muerte de su hijo se encuentra en la misma posición que Jesucristo está representado en el cuadro. De las tres mujeres restantes la más fácil de identificar es María Magdalena que se encuentra a la derecha ataviada con un cinturón que representa la virginidad y la pureza.

Destacamos la riqueza de los vestidos y ropajes que llevan cada uno de los personajes que llenan la obra.

Por último no podemos dejar de señalar la expresión de dolor que presentan cada una de las figuras de la obra, sus rostros desencajados y llenos de lágrimas que muestran por ejemplo las dos mujeres de los extremos y que son una de las características principales de la obra. El gótico como un aumento de la representación realista frente al hieratismo románico, un lugar donde los personajes se humanizan y gracias a la línea marcada por el maestro Giotto comienzan a mostrar que sufren y que los acontecimientos les afectan. En ese aspecto Roger van der Weyden es un gran maestro.

No podemos dejar el texto sin aludir al cráneo y hueso que se encuentran en la composición y que tradicionalmente representan los huesos de Adán, el primer hombre que con el peso de la cruz de cristo emerge de debajo de tierra y simboliza el fin de la vieja alianza y el comienzo de la nueva.
Sin duda una de las grandes exposiciones de pintura en Madrid que nos depara el año 2015.

La mujer barbuda de Juan Sánchez Cotán

Se trata de un extraño tema que trataron algunos de los artistas españoles no solo en pintura sino también en otros géneros artísticos, quizás el ejemplo más conocido de esta representación pictórica sea la mujer barbuda de José de Ribera, donde la representación se lleva al extremo de rechazo del personaje que se nos presenta amamantando a un niño mientras su marido observa la escena sin encontrar una explicación clara a lo que le está sucediendo a su mujer.

Brigida del Río. Barbuda de Peñaranda. 1590

Juan Sánchez Cotán es un pintor anterior a Ribera ya que se encuentra a caballo entre las últimas representaciones renacentistas y el inicio del barroco, nació en Orgaz, provincia de Toledo, en 1560 y murió en Granada en 1627. Trabajó intensamente en la ciudad de Toledo, en sus inicios tenía una fuerte influencia de algunos pintores que habían trabajado en El Escorial. En el año 1603 profesó como monje cartujo y se traslado a Granada donde pasó el resto de su vida.

Como pintor Sánchez Cotán destacó por su pintura religiosa, también por sus retratos de una gran delicadeza y sobre todo y ante todo es conocido por los bodegones, muy austeros en su composición y sobrios en los productos que presentan.

La obra que nos ocupa probablemente se trata del Retrato de la Barbuda de Peñaranda que podríamos fechar en el año 1590, por lo tanto habría sido realizado en su etapa toledana. La mujer la identificamos con Brígida del Río, que llegó a ser una persona popular a finales del siglo XVI, ya que aparece mencionada en varias novelas de género picaresco que se editan en ese momento. 

Existía una cierta tendencia en la época a dejar constancia de exte tipo de personas extrañas, diferentes, que llaman la atención porque poseen algún tipo de rasgo fuera de lo común, lo observamos también en la idea de Velázquez al representar a los bufones de la corte, quizás con excesiva dignidad para la profesión a la que se dedicaban. 

Otra cosa es lo que se pensaba acerca de ellas, ya que a estas mujeres se les asociaba en ocasiones con el pecado de lujuria y trato con el demonio, razón por la cual les habría aparecido esa barba tan destacada. Se trataba de cierto tipo de humores cálidos que serían propios del cuerpo masculino pero que aparecían en el cuerpo de la mujer

Quizás por eso Ribera para aclarar un poco la situación describe en su obra una enfermedad que se producía tras el  parto en algunas mujeres y es que perdían el pelo de la cabeza al tiempo que lo ganaban en la barba y otras partes del cuerpo, sin duda se trataba de un exceso de hormonas masculinas segregadas por el cuerpo femenino, pero en ese momento quizás no estaban preparados para esta explicación y preferían asociar este tipo de anormalidades a cuestiones que tenían que ver con el pecado o directamente con el demonio.

Para más información sobre la mujer barbuda en la historia se puede consultar este completo estudio de Pilar Pedraza.

Bodegón del Cardo de Juan Sánchez Cotán

La Catedral de Granada para niños

Granada proyecta su catedral muy tarde respecto a otras ciudades españolas, pero las peculiaridades de su historia y la presencia musulmana hasta el año 1492 hace que hasta después de esa fecha no se comenzara a proyectar el proyecto de la Catedral y otros edificios de la ciudad.

El primer proyecto de la catedral es de estilo gótico final y fue realizado por Enrique Egas, los reyes católicos habían puesto empeño en que se realizara rápidamente este proyecto para dejar constancia de la conquista,  aunque tras él las obras fueron retomadas por uno de los mejores arquitectos renacentistas que tenemos en España, se trata de Diego de Siloe, que había estudiado en Italia y que traía ideas nuevas a la arquitectura del momento.

De manera que Diego de Siloe convenció al rey Carlos V para cambiar el proyecto, ofreciendo un ambiente completamente distinto entre unas naves cubiertas con bóvedas estrelladas del gótico final y una cabecera totalmente renacentista y con forma de cripta circular cuyo destino sería servir de tumba al emperador Carlos V, rey que finalmente no fue enterrado allí, ya que su hijo Felipe II construyó el Monasterio de El Escorial para que sirviera como tumba de los reyes españoles de la dinastía Austria en adelante.

Diego de Siloe también participó en un proyecto similar en la ciudad de Úbeda, concretamente en la Iglesia del Salvador, con una estructura circular que sirve como lugar de reposo para el cuerpo del secretario de Carlos V, de nombre Francisco de los Cobos.

Recordemos además que en Granada y en un edificio contiguo a la Catedral de Granada, concretamente en su Capilla Real se encuentran las tumbas de los Reyes Católicos y de su hija Juana la Loca y su esposo Felipe el Hermoso. Todo ello nos da la medida de la importancia de la ciudad de Granada tras la conquista de la ciudad por los Reyes Católicos y por su nieto que pasó en la ciudad una temporada tras su matrimonio celebrado en Sevilla con Isabel de Portugal, madre del rey Felipe II.

Tras esta época constructiva, ya durante el barroco, el multiartista Alonso Cano se convertirá en arquitecto de la Catedral y gracias a él conservamos la fachada principal del edificio, una de las vistas exteriores mas conocidas del edificio.

Si queremos visitar la Catedral de Granda los precios son los siguientes, la entrada general cuesta 4 euros, los menores de 10 años y discapacitados tienen la entrada gratuita, los grupos y mayores de 65 años pagan 2,50 euros, los estudiantes granadinos tienen también la entrada gratuita.

Sepulcro de los Reyes Católicos

El griego de Toledo la exposición de 2014

Si podemos destacar una exposición que se celebra en España durante del año 2014 esa es El Griego de Toledo, que tiene lugar en la capital imperial entre el 14 de Marzo y el 14 de Junio, esas son las fechas para este evento.

Vista y plano de la ciudad de Toledo

Hay que destacar que es la primera vez que se celebra una exposición del artista cretense en Toledo, ya que se habían celebrado otras, pero en otras ciudades excepto en su lugar de residencia durante la mayoría de su vida y ciudad donde se conservan la mayoría de sus cuadros más importantes.

Recordemos que El Greco no era una figura muy reivindicada por el ámbito artístico hasta que en el año 1902 se celebra una exposición en Madrid donde los críticos del momento y algunos pintores románticos comienzan a apreciar la calidad artística del pintor de origen griego, descubriendo novedades como el ambiente fantasmagórico de algunas de sus pinturas, los estiramientos, las deformidades, el color blanquecino de la piel de muchos de sus personajes, la división en dos o más escenas en algunas de sus obras y muchas más características de la pintura de El Greco.

Claro que la mayoría de las obras que tenemos en España corresponden a la etapa que el pintor tiene en nuestro país, con dos destinos principalmente, el Monasterio de el Escorial y la ciudad de Toledo, pero como hemos visto en el post El Greco para niños, el artista tiene una completa etapa de formación en su Creta natal para después pasar por la ciudad de Venecia y mas tarde por Roma. Este es el aspecto desconocido en el que incide la exposición, tener la posibilidad de apreciar las obras del artista realizadas en sus primeros años de formación en la isla de Creta y poder apreciar la influencia de los iconos orientales en su obra, por ejemplo en su magnífica dormición de la Virgen. Igualmente ocurre con su etapa veneciana y la influencia de grandes maestros como Tiziano, Tintoretto o Veronés o su paso por la ciudad eterna de Roma donde se siente muy impresionado por lo masivo de las figuras pintadas y esculpidas por Miguel Angel del que este año también celebramos aniversario.

Las obras en la exposición se presentan en diferentes sedes, la principal se encuentra en la Museo de Santa Cruz , también hay un núcleo importante de obras en la Catedral de Toledo, Hospital Tavera, Iglesia de Santo Tomé, Capilla de San José y Convento de Santo Domingo el Antiguo. 

El precio de la entrada a la exposición El Griego de Toledo es de 10 euros, siendo la entrada reducida de 5 euros para mayores de 65, desempleados, niños entre 2 y 12 años y estudiantes entre 18 y 25 años. La entrada es gratuita para personas con discapacidad.

Vídeo con las principales características y biografía de El Greco

Este año 2014 celebramos el año de El Greco, ya que se produce el 400 aniversario de la muerte del pintor en la ciudad de Toledo, su principal lugar de residencia, tras una larga formación que le lleva desde su Creta natal a Venecia, Roma, el Monasterio del Escorial y finalmente a la ciudad imperial, donde se asentó y disfrutó de mucho éxito a lo largo de su vida.

Por ello hemos querido hacer un vídeo que nos ayude a comprender un poco mejor tanto la biografía de El Greco como algunas de sus principales características, donde se mezclan todas las influencias recibidas a lo largo de su vida y que hacen del artista uno de los más originales de la pintura española anterior al siglo XX.

Esperamos que el vídeo nos ayude a conocer un poquito mejor su figura

El Greco 2014 pasa por su cita en Toledo

Dentro de los centenarios que se celebran en el año que acaba de comenzar sin duda uno de los más interesantes es el 400 aniversario de la muerte del pintor de origen Cretense pero afincado en España y más concretamente en la ciudad de Toledo a finales del siglo XVI y comienzos del siglo XVII.

Nosotros hemos dedicado un post a la figura de El Greco para niños, pero debemos decir que es un personaje no suficientemente valorado por la historia del arte en todo momento sino que fue recuperado y puesto en valor por el movimiento romántico y la contribución que supone a la difusión de su obra el anterior centenario que tuvo lugar en el año 1914.

El Greco es considerado junto a Velázquez y Goya uno de los tres grandes pintores "españoles" anteriores al siglo XX por lo avances que su forma de pintar suponen como influencia para otros artistas posteriores. El Greco, como los otros dos, es un pintor importante porque es capaz de adelantarse a su época, desbordando lo que hacen otros autores de su tiempo y yendo por su cuenta dando lugar a un estilo propio, particular y reconocible por cualquiera, aunque se profano en arte o en pintura.

Y es que quizás en la mezcla es donde se encuentra la virtud, en saber conjugar cada uno de los estilos que El Greco aprende durante su vida, desde los modelos iconográficos de los iconos orientales que podemos observar en sus primeras obras, la conjunción del color y su influencia veneciana, el paso por Roma y la representación de masivas figuras o la religiosidad de las obras españolas cuyos encargos no paró de recibir durante su estancia en nuestro país, tras un efímero paso por El Escorial, para asentarse finalmente el resto de su vida en Toledo donde disfrutó de un éxito sin precedentes.

El Greco fue capaz de alejarse de algunos temas habituales o de representarlos de una forma tan particular que no ha llevado a especular en ocasiones con defectos visuales y otras zarandajas que son falsas y que forman parte del estilo peculiar de un autor revolucionario, capaz de adelantarse al expresionismo y de dotar a muchas de sus obras de un ambiente fantasmagórico, lleno de niebla y de misterio, tan intrigante que nos hace cuestionar realmente lo que está sucediendo. Todo ello, al igual que Velázquez y Goya, con una maestría inusitada, dominadora, soltando la muñeca para pintar según va avanzando su vida y consiguiendo al mismo tiempo una calidad y una forma particular de representación de figuras y personajes con pieles blanquecinas que rozan mas el terreno de los no vivos.

Merece la pena un mayor estudio el artista, sobre todo de aquellas obras menos conocidas en España, como son las realizadas en su isla natal y aquellas realizadas durante sus estancias en Venecia y Roma que marcan sin duda el devenir de su obra y su estilo. Esperemos que la exposición que se celebra entre los meses de Marzo y Junio de 2014 en el Monasterio de Santa Cruz haga justicia a todas aquellas cosas que han sido reseñadas en este post.

La leyenda del Apóstol Santiago explicada a los niños

La historia de de la vida del apóstol Santiago después de la muerte de Jesucristo no deja de ser curiosa. Hoy vamos a ocuparnos de la representación de la muerte del apóstol en la pintura, tal como vemos en la obra que nos ocupa. El autor es Juan Fernández de Navarrete y se encuentra en el Monasterio del Escorial. Parece que fue realizada en el año 1571, es decir estamos en un momento final del renacimiento en España.

Según cuenta la leyenda al apóstol Santiago se le encargó la predicación del evangelio en tierras españolas, parece que no tuvo mucho éxito en la empresa y regresó a Jerusalem, donde fue torturado en el año 44 d.c. La forma de morir que tiene, al igual que otros apóstoles como Pablo, fue que le cortaron la cabeza, tal como podemos apreciar en la pintura. Resulta curioso la forma de representar al personaje que lo hace, muchos pintores españoles solían representar a los judíos con rasgos que delataran que actuaban incorrectamente o se burlaban de aquellos a quienes estaban torturando. Solían pintarles la nariz grande, un gorro de forma puntiaguda en la cabeza y a veces los encontramos sacando la lengua como si se estuvieran mofando del personaje que tienen enfrente.

Vemos algún signo identificativo del apóstol como por ejemplo el sombrero que lleva una concha que servía para identificar a los peregrinos que utilizaban habitualmente el camino que lleva a Compostela o bien el callado que servía como apoyo y como defensa de los animales que pudieran acechar a lo largo del camino.

También al fondo de la escena aparece una de las imágenes que más se asocian a la representación del apóstol en España, se trata de "Santiago matamoros". La imagen de Santiago fue utilizada como apoyo o ayuda a los que luchaban contra los musulmanes en el sur de España, llenando a los luchadores de historias que infundieran ánimo, diciendoles que Santiago estaba luchando con ellos, como ocurrió en la batalla de Clavijo, donde según la leyenda, Santiago se presentó montado en un caballo de color blanco e iba cortando la cabeza de todos los musulmanes que se pusieran en su camino, así es como aparece representado en la imagen que podemos apreciar en esta obra, pero que también aparece en multitud de edificios o esculturas a lo largo de la Edad Media en todo el país. Santiago y la reconquista aparecen unidos.

Francisco Ribalta. Martirio del Apóstol Santiago en Jerusalem

¿Que es un grutesco y cuando se utiliza en arquitectura?

Grutesco. Fachada Universidad Salamanca

El grutesco es básicamente un elemento decorativo, es decir no se utiliza como elemento constructivo. En España se asocia principalmente con un momento de la arquitectura que se denomina plateresco y se utiliza como elemento decorativo en los principales edificios de este momento que abarca unos pocos años de comienzos del siglo XVI, ya que que pese a la abundancia de construcciones de este momento, el plateresco se reduce a 20 años de actividad. Recordemos que el renacimiento en España tiene tres fases y que el plateresco corresponde con la primera, habría un segundo momento a mediados del siglo XVI, que a veces se confunde con el manierismo y, por fin, un tercer momento que se identifica con el clasicismo y el Monasterio de San Lorenzo del Escorial.

Parece que la decoración deriva del un descubrimiento que se hace a finales del siglo XV en Italia y que se identificaron con la Domus Aurea de Nerón. La decoración combina elementos vegetales, figuras humanas habitualmente desnudas, animales fantásticos y seres mitológicos. Una decoración que llena completamente el espacio creando un "horror vacui" que hace que contraste la zona decorada con la zona sin decorar.

El termino grutesco se ha utilizado también para designar columnas y pilastras cuyo fuste ha sido decorado con todos estos motivos antes señalados y que pueden apreciarse en los edificios platerescos que existen en algunas ciudades, por poner algún ejemplo en la Fachada de la Universidad de Salamanca, el Colegio Mayor de Santa Cruz de Valladolid o bien el inacabado a nivel decorativo Ayuntamiento de Sevilla magnífica obra construida por Diego de Riaño mientras trabajó en el ella hasta el año 1534.

Bien es cierto que este tipo de decoración puede encontrarse no solo en fachadas de los edificios sino en todo tipo de decoraciones, incluidas sillerías de coro de alguna de las catedrales más conocidas

Muchas de las decoraciones de estos grutescos circulaban por Europa en forma de dibujos en los cuales se fijaban los escultores para después reproducirlos en los edificios que construían, como ocurre en los que aparecen en la Fachada de la Universidad de Salamanca, inspirados en unos dibujos que provenían de Alemania.

La Trinidad del El Greco

Este espectacular cuadro está pintado poco después de la llegada de El Greco a España, tras su estancia en Italia donde pasó un tiempo en Venecia y también en Roma. Pero atraido por la construcción del Monasterio de San Lorenzo del Escorial y la posibilidad de trabajar para el rey Felipe II, decide trasladarse a España en el año 1577, donde permanecerá el resto de su vida. La obra estaba destinada al altar mayor de la Iglesia de Santo Domingo el Antiguo en Toledo, aunque actualmente puede contemplarse en el Museo del Prado.

La obra muestra el momento en que Dios Padre recoge el cuerpo de Cristo muerto en sus brazos, mostrandonos el dolor por la muerte de su hijo, pero al mismo tiempo la reconciliación que su muerte significa para los cristianos al abrirse de nuevo las puertas del cielo. Las tres personas de la Santísima Trinidad se completan con la figura del Espíritu Santo, representado en forma de paloma por encima de estos dos personajes.

Aparecen estos rodeados de ángeles que, con los rostros llenos de dolor, llaman poderosamente la atención por sus ropajes llenos de colores llamativos, que el pintor de origen cretense aprendió a utilizar durante su etapa en Venecia en compañía de artistas como Tiziano, Tinttoreto o Veronés. Rojo carmin, verde esmeralda, azul turqusa o amarillo plátano son algunas de las acepciones que podemos darle a estos colores.

Destaca sobremanera la figura de Jesucristo, donde El Greco despliega todo su buen hacer, prácticamente desnudo, nos muestra una figura muy musculada, fruto de su admiración por Miguel Angel. Adopta una posición un tanto extraña, pero debemos tener en cuenta que es la figura de una persona que está muerta y que el movimiento ondulado de su cuerpo nos anuncia que no puede controlar sus movimientos, forzando en ocasiones la posición para destacar los músculos de la figura, como sucede en el brazo derecho. Su color blanquecino nos recuerda una escultura, pero pensemos que es una figura que representa a un muerto y que ya ha perdido el color de la carne en su cuerpo. El Greeco es un maestro a la hora de jugar con las diferentes tonalidades del blanco.

La fachada de la Universidad de Alcalá de Henares

La fachada de este edificio se construye entre los años 1541 y 1553 bajo el nombre de Colegio Mayor de San Ildefonso aunque con el paso del tiempo se convertiría en la sede del rectorado de la Universidad de Alcalá de Henares,  según las trazas del arquitecto Rodrigo Gil de Hontañón, que también participa en otras obras civiles como el Palacio de los Guzmanes en León. Nos encontramos en un segundo momento del renacimiento en España que se encuentra entre la construcción de la Fachada de la Universidad de Salamanca (considerada como el mejor ejemplo del plateresco español) y el Renacimiento pleno representado por edificios como el Monasterio de El Escorial o bien la Catedral de Valladolid, ambas obras en las que participa el arquitecto Juan de Herrera. El Renacimiento en España es tan efímero que los tres momentos se solapan entre si, conviviendo con obras manieristas realizadas en Úbeda por Andrés de Vandelvira, por poner un ejemplo.

La fachada se articula en tres cuerpos decorados con pilastras y columnas, a los lados en los dos primeros cuerpos aparecen grandes ventanas, llamadas ventanas estandarte, decoradas con frontones, triangulares en el primer cuerpo y con gran profusión decorativa en el segundo, adquiriendo formas curvilíneas. El remate del tercer cuerpo se hace con una balaustrada decorada con pináculos.

La portada principal se abre con un arco de medio punto que se encuentra entre un orden compuesto de columnas pareadas, en el segundo cuerpo se repite el esquema, sustituyendo el acceso por un ventanal adintelado entre columnas y un entablamento decorado con los escudos de la familia Cisneros rematado con un frontón curvilíneo  En el último cuerpo aparece el águila bicéfala, símbolo del imperio español y del rey Carlos I de España y V de Alemania y un gran frontón triangular con una representación del Padre Eterno en el tímpano.

En este último cuerpo debemos señalar la similitud de las ventanas que aparecen con otras galerías similares del mismo autor que podemos observar en edificios de Salamanca como el Palacio de Monterrey o el Palacio de Salina y que será imitada en la arquitectura neorrenacentista que se realice a principios del siglo XX, cuyo mayor exponente tenemos en la Fachada del Ayuntamiento de Valladolid.

Detalle de las ventanas del Palacio de Monterrey. Salamanca

El Greco para niños

El Greco es uno de los pintores más originales de todos los tiempos y son muy numerosas las influencias que recibe en las distintas etapas de su vida. Ello va a configurar un artista completamente diferente al resto de su época, poco reconocido hasta que fue recuperado por el romanticismo. Un pintor que no para de experimentar llegando, igual que otros grandes como Velázquez o Goya, a componer figuras con unos brochazos muy sueltos, como le ocurrirá en su etapa final, donde no se sabe muy bien si las figuras que pinta son humanas o se asemejan más a fantasmas.

Su lugar de nacimiento marca la parte inicial de su vida, los iconos que encontramos tanto en Grecia como en Turquía estaban a la orden del día en Creta. Puede que venga de ahí esa tendencia suya a alargar los rostros de las figuras, nada que ver con posible defecto visual como en algunas ocasiones se ha especulado. Igualmente de aquí puede venir esa tendencia a dividir sus cuadros en dos o más espacios que tratan de representar el cielo y la tierra o diferentes episodios históricos.

Su salida de Creta solo servirá para enriquecer su pintura, en primer lugar en Venecia, donde su padre le mando a aprender y donde El Greco aprende a utilizar los colores, esos colores llamativos que estarán presentes en su obra a lo largo de su vida, nos referimos al azul turquesa, al verde esmeralda, al amarillo plátano. EN Venecia trabaja con los grandes maestros del momento Tiziano, Tintoretto o Verones se encargan de su formación.

Lo mismo podríamos decir de su paso por Roma, donde tras la muerte de Miguel Ángel, la obra del Florentino inunda el estilo de la época, sobre todo a la hora de representar figuras masivas y con una musculatura muy desarrollada, algo que se verá claramente en los primeros cuadros que realice en España.

A nuestro país llega atraído por la construcción del Monasterio de San Lorenzo del Escorial, en un momento en que rey Felipe II requiere de muchos artistas para llenar este magno espacio. Hay quien dice que al rey no le gustaba la forma de pintar de El Greco y tras realizar algunas obras en el Monasterio, termina trasladándose a Toledo, donde pasará el resto de su vida recibiendo multitud de encargos tantos religiosos como civiles, ya que era un afamado retratista. Tuvo mucho éxito aunque al morir no dejo mucho dinero, hay quien especula con que lo gasto en fiestas nocturnas, la verdad es que con todos los encargos recibidos no deja mucho en herencia a su familia.

Era un hombre muy culto y poseía una gran biblioteca donde se conservan ejemplares no solo de pintura sino también de otras disciplinas. Su hijo Jorge Manuel fue arquitecto y colaborado en obras tan importantes como la Plaza de Zocodover o el Ayuntamiento de Toledo.

El Greco es una figura clave de la transición entre el renacimiento y el barroco, un manierismo cuya mezcla de estilos e influencias le convierten en un artista único y completamente original.

El caballero de la mano en el pecho de El Greco

Fueron numerosos los retratos que realizó El Greco a lo largo de su estancia en España, diferentes señores o nobles quisieron dejar constancia de su existencia y encargaron cuadros a uno de los pintores más afamados de la época, como sabemos, con residencia en Toledo, tras realizar diferentes trabajos para el rey Felipe II en el Monasterio del Escorial.

En los retratos del Greco los personajes siempre van vestidos de la misma manera, todos de color negro, un color que a El Greco, educado en la pintura veneciana junto a maestros como Tintoretto o Veronés, no debía hacerle mucha gracia. Pero era la moda de la época ir vestido de esta guisa, haciendo contraste entre el negro del vestido y el blanco de la gola y los puños de la camisa, así que por ahí tenemos la razón del vestido.

Hace poco tiempo se hizo una restauración del cuadro y se descubrió que el fondo de la pintura era de color marrón claro, antes estaba todo negro y el vestido se confundía con el fondo. Esta restauración nos ayuda a tener una nueva perspectiva de la pintura y un mayor contraste entre el vestido y el fondo de la misma.

Es curiosa la posición de la mano sobre el pecho con dos dedos juntos y dos separados, muy típica del arte italiano y sobre todo, muy elegante. No tiene ningún significado especial, pero fue muy utilizada por los artistas que conocían el arte clásico, como le ocurre al Greco tras sus estancias en Venecia y Roma antes de venir a España.

No sabemos quién es la persona que se representa en el cuadro, se especula con varios nombres, pero ninguno de ellos está claro. Hay quien dice que puede representar a Miguel de Cervantes, el célebre autor de Don Quijote de la Mancha, amigo personal del pintor y de quien se dice también aparece en otra de sus más conocidas pinturas, ya que sería uno de los personajes representados en "El Entierro del Conde de Orgaz" que se encuentra actualmente en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. Sería  el personaje que con una cruz de Caballero de la Orden de Santiago en su pecho vuelve la mano de una forma muy manierista tocando la cara de un monje que mira hacia el cielo. Semejanzas entre estos dos personajes si existen sin duda, de ahí a que el caballero de la mano en el pecho sea Cervantes hay un trecho.

Detalle de la parte baja del Entierro del Conde Orgaz del Greco

La curiosa planta de San Lorenzo del Escorial

El Monasterio de San Lorenzo del Escorial se construyó por orden del rey Felipe II iniciando sus obras en el año 1557. Una de las funciones del edificio, además de la monástica, sería servir como tumba de los reyes de España cuya dinastía Austria había inciado el rey Carlos I de España y V de Alemania. De hechó allí estan enterrados todos los reyes que ha tenido España, salvo dos excepciones, el rey Felipe V y el rey Fernando VI, por voluntad propia.
Los arquitectos encargados de desarrollar el proyecto fueron Juan Bautista de Toledo que comienza la obra en 1559 y más tarde se incorpora a las obras Juan de Herrera, artífice principal del edificio y del estilo clásico del renacimiento español.
Para conocer la forma de la planta del edificio debemos saber la razón de la construcción, el edificio se hace para conmemorar la victoria sobre los franceses en la Batalla de San Quintín, tras la invasión de estos del reino español de Nápoles. Esta batalla concluyó el 10 de Agosto de 1557 y eso es muy importante porque ese día se celebra la festividad de San Lorenzo.
Normalmente la forma de representar a San Lorenzo es por el martirio que tuvo, el santo fue asado en una parrilla hasta morir. Y esa es la forma que tiene el edificio del Escorial, su planta semeja una parrilla (si parecida a la que usamos para asar carne), con sus diferentes iglesia, claustros y patios, de esta manera se recuerda el martirio del santo.
Hay un detalle curioso que podemos contar a los niños y es que hay una leyenda que cuenta que cuando San Lorenzo estaba siendo martirizado en la parrilla se dirigió a sus verdugos y les comentó: "Podéis darme la vuelta porque ya estoy hecho por este lado".
Las tarifas para el Monasterio del Escorial por si queremos hacer turismo, es gratuita para los menores de cinco años y reducida para los niños entre 5 y 16 años. Para consultar los precios solo hay que pinchar en este enlace.
El horario del Monasterio es todos los días de Octubre a Marzo entre las 10.00 y las 18.00 horas y entre Abril y Septiembre todos los días de 10.00 a 20.00 horas.

"La túnica de José" de Diego Velázquez

Este cuadro se encuentra en el Monasterio del Escorial.
Representa una historia del Antiguo Testamento, es el momento en que los hijos de Jacob se presentan delante de su padre para contarle que a José lo ha devorado una manada de lobos. Por eso llevan en sus manos unos restos de su ropa manchados de sangre. Jacob, al recibir la noticia se levanta muy sorprendido del asiento al conocer que su hijo favorito acaba de morir.

Pero en realidad se está produciendo un engaño, los hermanos de José, cansados de los sueños de grandeza y ansias de poder de su hermano, decidieron encerrarlo en un pozo y venderlo a una caravana de mercaderes egipcios que pasaba por allí  Tomaron sus ropas y las rociaron de sangre de un carnero para engañar así a su padre.
Pero nadie sospecha de la mentira, quizás solo el perro que aparece en la pintura y que se encuentra ladrando al grupo de hermanos mientras dan explicaciones a su padre.
Este cuadro estaría pintado después del primer viaje que Velázquez realiza a Italia, entre 1629 y 1631 y en el se pueden ver algunas características novedosas respecto a etapas anteriores:

• Diego Velázquez abandona el claroscuro y dota al cuadro de una iluminación general
• Comienza a usar colores típicos venecianos en los ropajes de hermanos, como el azul, el naranja o el amarillo.
• Algunas figuras muestran el pecho o el torso por influencia de los desnudos que el artista puede observar en la pintura y escultura italiana.
• Introduce detalles decorativos como la alfombra que adorna la estancia o el perro que podemos observar en primer plano.
• Aunque tendrá un momento de mayor desarrollo, se interesa por la profundidad abriendo una linea de paisaje en la parte izquierda de la obra.

Os adjuntamos un vídeo que explica la obra para que así sea más fácil