La estética Neobarroca en la sociedad contemporánea

El profesor Omar Calabrese rechazaba para nuestro tiempo la etiqueta de "postmoderno" como aglutinador de todas las artes que se protegían bajo el paraguas de la palabra cultura y decía que habría que definir nuestra época con una etiqueta diferente, mas cercana a lo que en realidad estaba ocurriendo, se trata de la palabra Neobarroco. 

Para ello el profesor Calabrese argumentaba una serie de características que aplicadas a la sociedad contemporánea, nos llevaban a concluir que algunas características típicas del movimiento barroco se estaban viviendo en la actualidad, en muchas ocasiones sin darnos cuenta o sin darle importancia.

Uno de esos principios enumerados por el profesor Calabrese hablaba sobre el límite y el exceso. Una tendencia general a acercar los temas a un lugar que se encuentra entre lo correcto y lo que no lo es. Llegando a empatizar con situaciones desesperadas, extrañas, disfuncionales o lejanamente separadas de lo que la estética define como común.

Todo esto viene a cuento de la supuesta cantante de nombre Conchita (cuyo nombre verdadero parece ser Tom) que representó a Austria en el Festival de Eurovisión y que fue la ganadora del festival, no porque tuviera la mejor canción, sino porque su imagen y su estética hicieron que el público se sintiera identificado con una situación en la que una (supuesta) mujer podía presentarse delante del público con barba. Lo extraño, lo siniestro, lo anormal, la tensión llevada al límite conduce a esta mujer (un hombre disfrazado de mujer recordémoslo) a empatizar con el el público, deseoso de reconocer y aceptar el exceso[1] mucho antes que cualquier expresión artística o cultural.

Tenemos otros ejemplos similares, en el año 2009, una cantante inglesa, de nombre Susan Boyle, se presentó al concurso Britain´s Got Talent, su aspecto físico, mas bien hombruno, llamaba la atención de todo el mundo, los comentarios despectivos y la identificación del público comenzaban a fraguarse anticipando su fracaso. Hasta que empezó a cantar y todo la gente que había prejuzgado se dió cuenta que tenía la voz como un ángel. Todo ello amalgamado y deglutido fueron razones suficientes para ganar ese concurso. Quizás porque era una persona normal, de la calle o tal vez porque la situación de esa mujer se estaba llevando al límite[2] como indicaba el profesor Calabrese. Rápidamente en este tipo de casos la identificación se transforma en fiebre por conocer detalles de la vida publica o privada de la persona, que no aportan nada a nuestra vida, pero que sacian el ansia de morbo que inunda y enfanga nuestra sociedad. ¿Esta casada? ¿Cuando tuvo su primera relación? ¿Posaría desnuda para una revista? ¿Es su novio hombre o mujer?
¿Alguien puede explicarme que trascendencia tienen estas preguntas y sus posibles respuestas?

Al hilo del debate de Conchita Wurst y Eurovisión 2014 pensaba en una fotografía tomada por Erwin Olaf en el año 2001-2002 y que pertenece a la serie Paradise. Olaf es uno de los más destacados fotógrafos contemporáneos que sabe captar como nadie muchos de los defectos de nuestra sociedad. En esa fotografía están representados algunos de los excesos que se cometían en la discoteca Paradise de Amsterdam en aquellos años, donde las fiestas locas se llevaban al extremo, en una bacanal de sexo y situaciones límite. En una de las fotos que componen la serie,  observamos a una mujer barbuda columpiándose de forma sonriente, mientras mira de reojo como un enano muerde la pierna de una supuesta y desenfrenada gogo y un payaso, entre lo sonriente y lo siniestro, observa al espectador. Es el mundo al revés, hemos tensado el extremo de la cuerda hasta llevarlo casi a romperse, toda la situación está pendiente de un hilo y un fanatismo[3] siniestro de percibe en el ambiente.

Todo ello enlaza con la estética barroca y el ejemplo más claro lo tenemos en el cuadro La Mujer Barbuda de José de Ribera, una obra pintada en la década de los 30 del año 1600, donde el autor Xetabense está describiendo una enfermedad que algunas mujeres padecían después de dar a luz. El exceso de hormonas masculinas, producidas tras el parto, les llevaban a perder pelo en la cabeza mientras les salía en otras partes del cuerpo como la barba o el pecho. Claro que en esta obra la situación también se lleva al extremo, porque si la observamos detenidamente nos daremos cuenta que el papel de la mujer está claramente representado por un hombre. Es decir Ribera, ha pintado un hombre[4] (las manos le delatan) al cual le ha añadido un pecho (forzado casi en una posición imposible) con el que amamanta a un niño. Todo ello para que tengamos la idea de que es una mujer. Es una idea similar a la de Conchita Wurst para ganar el Festival, se trata de un hombre, disfrazado con un traje de mujer, para intentar dar el pego y realizar un simulacro de lo que en realidad no es, una realidad superada por la propia realidad[5]. Se trata de una teatralización en toda regla, una actuación cargada de contenido simbólico que hace centrar toda la atención en aquello que se supone supérfulo frente a lo que en realidad (se supone que) tiene importancia.

El Neobarroco está entre nosotros, teatralidad, fingimiento, detalle, límite, caos, destrucción, laberinto, complejidad, distorsión, perversión, ritmo, repetición; reflexionemos sobre algunas de estas características que apuntaba el profesor Calabrese y nos daremos cuenta de que estamos mucho más cerca de ellas de lo que pensamos.

[1]"El exceso, en tanto que desbordamiento de un límite y de un confín, puede ser más desestabilizador. Toda sociedad tacha de excesivo lo que no puede o no quiere obasorver. En cambio en épocas barrrocas em el interior de los sistemas surgen fuerzas centrífugas que se proyectan fuera del sistema. Nuestra cultura vive fenómenos de exceso endógenos que son cada vez más numerosos y que se dan a todos los niveles". Omar Calabrese. La era Neobarroca. en Barrocos y Neobarrocos. El infierno de lo Bello. Salamanca 2005

[2]Nos encontramos en una situación difícil de definir, en un contraste que no sabemos calificar. Se trata de una lucha entre el concepto estético y el concepto artístico o cultural que es difícil de vencer o siquiera inclinarse hacia uno de los lados.

[3]Apliquemos esta tendencia a personas ligadas excesivamente al fenómeno fan en todas sus vertientes, deportivas, musicales, aligadas al coleccionismo, obsesionadas con una famoso, etc. "Creo que es posible definir al fanático como una persona excesivamente narcisista, en realidad alguien muy próximo a la psicosis depresiva, una persona que está completamente desconectada del mundo exterior. El fanático ha convertido su causa en un ídolo, encontrando en ello una razón para vivir". Erich Fromm. La Condición Humana Actual. Paidos 2009

[4]Walter Benjamin decía que en el cine occidental mantiene un argumento ilusorio que solo lleva a especulaciones inequívocas. La realidad se despoja de si misma para dar como resultado algo completamente artificial. Walter Benajmin. La obra de arte en la época de la revolución mecánica. Casimiro libros. Madrid. 2010
[5]Segun Mario Perniola Baudrillard se opone a Guy Debord, es decir, ya no vivimos en la sociedad del espectáculo, sino que este se ha sustituido por la hiperrealidad, el espectáculo se sustituye por lo obsceno, una realidad que supera la experiencia de la realidad. Lo real absorve, confunde los términos y potencia lo que quiere expresar y lo contrario. Mario Perniola. El futuro de una ilusión: acción artista, comunicación patafísica. Revista Archipielago nº79. Pag 39-51

Talleres infantiles para el verano 2014 en la Fundación Carlos de Amberes de Madrid

Bajo el nombre Misterios en el Museo y durante los meses de verano 2014 se desarrollarán talleres infantiles en esta institución que estarán llenos de intriga y misterios para los más pequeños.

Por tercer año consecutivo el colectivo dedicado a proyectos culturales para todas las edades Arte en Mente, con la colaboración de Mutua Madrileña y la Fundación Carlos de Amberes de Madrid organizan talleres infantiles donde la diversión y la cultura se dan cita en un recorrido que cubrirá los principales Museos y obras de arte de todo el mundo.

A lo largo de siete semanas en las vacaciones escolares estivales del año 2014 (del 23 de Junio al 1 de Agosto y del 1 al 5 de Septiembre) en horario de 10 a 14 horas (con posibilidad de servicio de guardería entre las 8 y las 10 y entre las 14 y las 16 horas para las familias que lo necesiten por su horario laboral), rastreamos pistas por todo el globo para descubrir siete misterios relacionados con el mundo del arte en siete talleres semanales diferentes. Durante la semana los participantes, niños entre 5 y 13 años, simultanearán el taller de artes plásticas con el taller de teatro para, el último día, realizar una representación que habrán preparado ellos mismos íntegramente: desde los escenarios, vestuario, hasta el guión y la puesta en escena

Además, los talleres se completarán con dos actividades especiales: una salida a un museo relacionado con la temática semanal y la visita de un arqueólogo o un restaurador, según la semana, que nos enseñará más sobre los secretos de las obras de arte.

Los talleres versarán sobre los siguientes temas:

La maldición de la momia de Tutankhamon. 23-27 de Junio

¿Porqué no rie la Gioconda? 30 Junio-4 Julio

El robo de un Picasso. 7-11 Julio

El misterio de la máscara africana. 14-18 Julio

La tabla flamenca robada...14veces! 21-25 Julio

La Piedra del Sol brilla más que nunca 28 Julio 1 Agosto

El misterio del tesoro hundido en el mar. 1-5 Septiembre

Podéis encontrar más información y la forma de inscripción en los enlaces facilitados, tanto de Arte en Mente como de la Fundación Carlos de Amberes.

Marc Chagall para niños

Chagall es uno de los pintores más representativos de las vanguardias artísticas anteriores a la Primera Guerra Mundial. Su vida es bastante larga, ya que vivió 98 años, lo que hace que su producción artística sea muy amplia.

Si tenemos que acercarnos a la biografía resumida de Marc Chagall para niños debemos decir que era de origen bieloruso y se asentará en una edad temprana en la ciudad de San Petesburgo, será un momento junto con un viaje a Paris en 1914 de contacto con las vanguardias que le influyen en su forma de pintar. Colaboró con la revolución rusa, fue nombrado comisario de arte, aunque pronto se trasladó a Moscú y después a Paris en 1923. En Francia permanece hasta la ocupación Nazi, momento en el cual se traslada a Estados Unidos, donde permanece hasta mediados de los año 60, cuando vuelve a Francia para realizar varios encargos de tipo público.Esta enterrado en la ciudad francesa de Niza.

Al igual que podemos calificar a otros artistas dentro de un estilo, por ejemplo podemos decir que Picasso es un pintor cubista o Dalí es un pintor surrealista, es más difícil calificar la obra de Chagall, igual que muchos artistas de principios del siglo XX tuvo influencia del cubismo, aunque podemos decir que es el fauvismo el movimiento que más influye en su forma de pintar, sobre todo a la hora de aplicar el color y distribuirlo a lo largo de sus cuadros.

Chagall es un pintor que gusta mucho a los niños y conecta muy bien con ellos porque muchas de sus obras están basadas en recuerdos infantiles, el estilo de Chagall incluye obras que transmiten felicidad y optimismo, en ello influye los vivos colores que utiliza para decorar estas obras, un mundo en el que el colorido es muy importante, se trata de un arte basado en el amor y en las tradiciones y costumbres tanto rusas como judías aprendidas en su niñez.

Arte para niños nominado a mejor web de arte 2014

La casa de subastas online Setdart ha organizado un concurso para elegir al mejor blog de arte del año 2014, entre los 50 elegidos se encuentra el blog Arte para Niños. Si quieres participar en el concurso y votar por nuestro blog, solo tienes que pinchar en la banner que tenemos en la parte inferior, acceder a  la lista de nominados y añadir el blog Arte para Niños a cualuquiera de las tres redes sociales que se proponen, Facebook, Twitter o Google +. Así de simple y de fácil, vamos a ver si conseguimos si no ser los mejores por lo menos un buen puñado de votos de nuestros seguidores.

Jesús despojado de sus vestiduras. Iconografía

No suele este ser un tema muy representado en la iconografía tradicional sino momentos antes o después del mismo, ya que encontramos a veces a Jesucristo todavía con ropa o ya crucificado mientras los soldados romanos se juegan su vestido a los dados.

Imagen de Jesús Despojado. Salamanca

Así lo apreciamos por ejemplo en El Expolio de El Greco donde se representa justo el momento antes de que le quiten las vestiduras a Jesús, cuyo manto de color rojo carmín destaca sobre el resto de ropas que llevan los personajes incluidos en el cuadro, donde encontramos desde gente que le insulta a personas que están preparando la cruz, las Tres Marías o como es costumbre en El Greco incluir personajes de la época acompañando a Jesús en el momento de la escena.

Mucho más popular en la iconografía barroca era la representación del Ecce Homo frente a este tipo de imagen que mantiene el pecho descubierto y todavía mantiene la túnica en los brazos y en los pies. Lo bustos de Ecce Homo, junto con los de la Dolorosa, se hicieron famosos para conventos de clausura y fueron realizados en el siglo XVIII por el escultor Malagueño Pedro de Mena.

La imagen que tenemos en la fotografía tiene influencia de Pedro de Mena, en la delicadeza corporal de la figura, en la manera ordenada que la sangre cae por el pecho de la figura y en la boca entreabierta y la ondulación de las cejas que le otorga esa mirada tan especial, perdida, como si aceptara su destino, igual que hacía El Greco con algunos de sus personajes como por ejemplo en la obra Cristo abrazando la Cruz.

Mantiene como podemos apreciar la cuerda que han utilizado para tirar de El mientras transportaba la cruz y porta en su cabeza una gruesa corona de espinas, que recuerda otra tan grande como la que utilizó Juan de Mesa para la escultura de Jesús del Gran Poder que desfila en la Madrugada del Jueves Santo por las calles de Sevilla.

Al despojar a Cristo de su ropa se le despoja de su dignidad, para crucificarlo desnudo con lo que ello supone de desprecio y vergüenza para el condenado. La imagen del despojado, más representada en Andalucía, cuya hermandad desfila en Sevilla desde la década de los treinta tiene su réplica salmantina desde el año 2012, una bellísima imagen que nos muestra la vigencia de la iconografía barroca en la actualidad.

La Dama de Elche para niños

Nos encontramos ante la más famosas de las esculturas ibéricas que se conservan en España, pero no la única, ya que tenemos ejemplos similares en otras Damas como la de Baza o la de Ibiza. Una escultura que se puede contemplar en el Museo Arqueológico Nacional, situado en la Calle Serrano número 13 de Madrid

La razón de su nombre tiene que ver con el lugar donde fue descubierta, en una zona cercana a la ciudad de Elche, allá por el año 1897, mientras se realizaba el desmonte de una ladera por unos obreros.

La presencia de un pueblo tan importante y de influencias orientales como Tartessos en la zona sur de España tiene lugar entre el siglo VII y el siglo V antes de cristo, pero tal como aparecieron los Tartessos desaparecen, dando lugar hasta la ocupación cartaginesa y después romana la presencia de tribus que denominamos Iberos, la cultura ibérica, son pueblos que conocen la escritura, la organización social y económica en el trabajo y que se muestran herederos de los Tartessos. Es en esa época cuando debemos situar la realización de la Dama de Elche, entre los siglo V y IV antes de cristo.

La escultura es de una gran belleza, representa una mujer que curiosamente tiene un gran hueco en la parte posterior, que posiblemente se utilizaría para introducir diferentes elementos que servían para acompañar a la persona fallecida dentro de la tumba en la que la estatua fue depositada. Joyas, objetos sagrados o cenizas pueden ser los elementos que podían colocarse en ese hueco.

Una de las cosas más curiosas es que la escultura no nos ha llegado con la pintura original, pero originalmente estaría pintada, como ocurre con otras muchas representaciones escultóricas. Es posible observar restos de esta pintura en algunas partes de la misma, como zonas del vestido lo los labios. Debió de ser imponente poder observar la escultura con su pintura original, tal como por ejemplo podemos hacer con la Dama de Baza.

La escultura esta decorada con las joyas típicas de los íberos. Esas típicas ruedas cerca de las  orejas, de las cuales cuelgan unas pequeñas cadenas: Junto a ello unos preciosos collares que decoran el pecho de la obra, tallados con una filigrana muy detallista. Son de influencia oriental, ya que encontramos joyas similares en zonas de la Grecia asiática, hoy Turquía y en Etruria, zona de origen de lo que será la ciudad de roma. Todo ello nos índica que estos pueblos mantenían un constante contacto e influencia con otras zonas del mediterráneo donde los productos y minerales españoles servían de excusa para los intercambios culturales con estas zonas. Estas influencias de tipo oriental afectan al modo de vida de las familias íberas y ocupan también ámbitos religiosos, no es extraño encontrar esculturas de dioses y diosas orientales en estas épocas.

La muerte de Aquiles. Mitología e Iconografía

La historia de Europa Occidental está salpicada de historias fantásticas que han dado origen a numerosas ciudades que son la cuna de nuestra civilización. Son narraciones que de una manera u otra se encuentran en el subconsciente colectivo de manera que queremos o no siempre hemos oído hablar de estos héroes épicos que vivieron muchos años antes, concretamente para hablar de Aquiles y la Guerra de Troya debemos remontarnos a 2000 años aproximadamente antes de cristo (dependiendo del hisoriador algunos sitúan la fecha en el año 1200 a.c.)

Aquiles, guerrero legendario e incomparable con cualquiera de su época, participa en la Guerra de Troya de lado de los Aqueos, que habían organizado una expedición de castigo contra la ciudad como consecuencia del rapto que uno de los príncipes de Troya, de nombre Paris, había organizado para llevarse a Helena, esposa del rey de Esparta.

El asedio de la ciudad duró diez años y en la batalla final Aquiles tuvo una participación muy activa, siendo prácticamente imparable. Corría el rumor de que Aquiles era inmortal, su madre Tetis era de estirpe divina, su padre fue Nereo, dios del mar, ella pudo ser cortejada por otros dioses pero renunció a ello para entregarse a Peleo, rey de Fitia de Tesalea. Tetis sabía que su hijo se convertiría en un gran héroe, pero también era consciente de que no llegaría a alcanzar la madurez, para evitarlo bañó a su hijo en la laguna Estigia que conducía al Averno y de esta manera que su hijo fuera inmortal, pero al sumergirlo la parte que sujetaban sus manos, es decir el talón del niño, se convirtió en su única parte vulnerable, ya que no había tenido contacto con el agua y continuó siendo mortal.

No pensemos que la conquista de Troya fue cosa de unos días ni tuvo facilidades. Aquiles tuvo la oportunidad de mostrar su valor y sus dotes como guerrero, ya que los troyanos le temían cada vez que aparecía montado en su cuadriga.

No será hasta el final de la batalla cuando Aquiles pierda la vida a manos de Paris y después de matar a su hermano Hector como venganza por la muerte de uno de los mejores guerreros de Aquiles que se había vestido con su armadura para infundir miedo y respeto, el nombre de este guerrero era Patroclo. Pero Paris que era muy diestro con el arco fue capaz de herir y dar muerte a Aquiles atrvesándole el talón de su pie con una fecha que cuenta la leyenda, estaba dirigida por Apolo.

Como sabemos el final de la guerra de Troya tuvo lugar desde dentro, cuando los Aqueos fueron capaces de introducir un gran caballo realizado con madera como ofrenda a la ciudad y que en realidad era el envoltorio donde se escondían un buen puñado de soldados enemigos que abrieron las puertas de la ciudad y comenzaron el incendio y destrucción de la ciudad de Troya.

Entre los personajes que huyen de esta devastación se encuentra Eneas, que asentado en Italia, será el padre de los fundadores de Roma, Romulo y Remo, dando origen al más grande imperio que haya tenido lugar en la antigüedad clásica.

El caballo dentro de la ciudad de Troya