Visitas en familia en el Museo del Prado de Madrid

Desde el 30 de marzo de 2010, las familias que visiten el Museo encontrarán a su disposición un nuevo material de apoyo recomendado para niños a partir de 8 años de edad. Inscrita en el programa educativo ‘la Caixa’·Museo del Prado El arte de educar, esta iniciativa consiste en la propuesta de desarrollo de una actividad familiar autónoma durante el recorrido por la colección del Museo.

El nuevo material didáctico, que incluye un plano de situación y adhesivos para completar la actividad, propone la realización dos recorridos de visita alternativos planteando un juego de pistas en torno a ambos con el fin de que los más pequeños puedan descubrir los detalles más sorprendentes de las obras seleccionadas. Los adultos que les acompañen participarán también de forma activa en esta actividad actuando como mediadores.

El primer itinerario, Contar historias, se desarrolla por la planta baja del edificio Villanueva y es una invitación a conocer las diferentes maneras de pintar una historia observando el trabajo de autores como Memling, Patinir, El Bosco o Goya. Mirar sin parar es la segunda propuesta y, a diferencia de la habitual posición estática frente a las obras, plantea formas más dinámicas de contemplar las composiciones artísticas de El Greco, Tintoretto, Rubens y Leone Leoni.

Material gratuito disponible en todos los puntos de información del Museo.

Joan Miró para niños

Siempre se ha pensado en Miro como el más infantil de los pintores contemporáneos, llegando en algunos casos a acusar a su pintura de ser ingenua y en ocasiones torpe.

Joan Miró nació en el año 1893 teniendo una vida bastante larga, ya que murió en 1980, por lo que su obra, tanto pictórica como gráfica es muy extensa.

Cataluña y Mallorca serán siempre dos referencias en su obra, el paisaje de estas zonas, la luz, los colores y los objetos populares se repiten de forma constante.

Si identificamos a Miró con un movimiento artístico es con el surrealismo. André Breton, padre de los surrealistas, decía que Miró era el mas surrealista de todos, por encima de otros artistas destacados como el mismo Dalí.

En la obra de Miró hay una preocupación por la naturaleza, un sentimiento que se refugia en las formas humildes y auténticas. Piedras, conchas, insectos, la luz, los colores. Existe una unión con la naturaleza a través de las pequeñas cosas.

Los animales que aparecen en sus obras carecen de violencia, no hay agresividad en ellos. Lo grotesco y lo humorístico son determinantes en su obra, el aspecto lúdico nunca desaparece. El proceso que conduce a las imágenes definitivas adquiere un tono de divertimento, como si el artista llevara a cabo una grotesca deformación del mundo en la que el sentido del humor se propone como rasgo esencial.

El mundo de Joan Miró se somete a una metamorfosis, donde cada personaje u objeto queda a juicio del espectador, la transformación es jocosa y alegre.

El color es muy importante. No está distribuido de forma aleatoria sino ponderada, orientando la mirada del espectador.

Todo aderezado con motivos gráficos que no representan nada en especial, líneas diagonales, líneas en zig-zag, líneas curvas, manchas y elementos que sirven para enlazar figuras.

Joan Miró. Carnaval del Arlequín. 1924-1925

La violencia en el arte contemporáneo (2)

Vamos a comparar hoy dos imágenes en las que los personajes mueren de forma trágica y así podemos ver como se representa este tema en el arte contemporáneo y como se hacía en la antiguedad. Y podremos darnos cuenta de que antes no reparaban en cuidar los aspectos desagradables para llamar la atención sobre la pieza, frente a ello observamos la delicadeza con la que esta obra contemporánea trata el desagradable tema que plantea.

La primera imagen pertenece al fotógrafo holandés Erwin Olaf, uno de los más reputados artistas contemporáneos en esta disciplina. Representa a la Emperatriz Isabel de Baviera, apodada familiarmente Sissi. Por su matrimonio se convirtió en Emperatriz de Austria en 1854. A finales del siglo XIX, en 1898, paseando por un lago en Ginebra junto a su dama de compañía, fue atacada por un anarquista italiano, que fingió tropezarse con ella y le clavó durante el descuido un estilete en el pecho. Isabel no fue consciente hasta que al montar en un barco cercano se sintió mareada y solo al abrirle el vestido su acompañante se dieron cuenta de que había sido atacada, causándole una herida pequeña pero suficiente para provocarle la muerte.

Por otro lado tenemos un tríptico del artísta de mediados del siglo XV, Fernando Gallego, que representa el martirio de Santa Catalina conservado en el Museo de la Catedral de Salamanca. Esta santa fue condenada a ser colgada en una rueda llena de cuchillos que cuando iba girando le cortaría el cuerpo en pedazos. Pero cuando iban a colocar allí a la santa la rueda se rompió y no pudieron hacerlo. Por lo que decidieron cortarle la cabeza y observamos en la parte derecha como lo están haciendo, incluso, como han dado un tajo en el cuello y la cabeza todavía no ha caido, pero parece estar a punto de hacerlo. Bastante desagradable, ¿verdad?.
(Pincha sobre la fotografía para hacerla más grande)

Arquitectura Mediterránea del siglo XIV

Tras la construcción de las grandes catedrales góticas del siglo XIII, como la de Burgos, León o Toledo, la inestabilidad de los reinos castellanos hace que se desarrollen otras zonas, como por ejemplo la zona de Cataluña y Aragón.

Las iglesias que se van a construir tiene la forma de un gran salón, con una o tres naves y capillas laterales que se abren a la nave, integradas en ese gran salón.
Los pilares de separación no entorpecen la visión del conjunto ya que diferencia de altura entre la nave central y las laterales es mucho menor que antes.
La iglesia quiere mostrar la idea de una sociedad que vive en armonia, donde los artesanos tienen sus propias capillas y al mismo tiempo la nobleza tiene las suyas, el sitio de reunión de todos sería la iglesia, que ha sido finanaciada con el dinero conseguido por la venta de esas capillas.
El cubrimiento se hace con una bóveda de crucería (que sale de cruzar dos arcos apuntados), aunque van a introducir una bóveda de terceletes con cinco claves que enlazan entre si con formas curvadas.
Para recoger el peso de las bóvedas utilizan el pilar de forma octogonal con baquetones o pequeñas columnas adosadas al pilar que suben hasta la bóveda para recoger los nervios de la bóveda de terceletes con cinco claves.
Las iglesias mediterráneas tienen forma cuadrada frente a la forma triangular del perfil de las iglesias castellanas del siglo XIII. Algunos ejemplos son la Catedral de Gerona, de la cual podemos ver la planta en el dibujo superior. Allí apreciamos las capillas estructuradas en torno a la nave, todas con el mismo tamaño en una iglesia de una sola nave. La iglesia de Santa María del Mar en Barcelona de la cual vemos su foto en la parte inferior, allí apreciamos que la diferencia de altura es mínima, que los pilares no obstaculizan la visión del altar mayor y vemos también las capillas abierta a la vace, el cubrimiento se hace con bóvedas de crucería. Otros ejemplos de este tipo de iglesias son la Catedral de Palma de Mallorca o la Catedral de Barcelona.

¿Como distinguir un crucifijo románico?

El modelo que usan desde el primer románico para representar esta escena de la pasión de Jesucristo deriva de Bizancio. Se trata de poner ne valor no el dolor sino la salvación que supone la muerte en la cruz, la victoria de Cristo sobre la muerte.
La figura de Cristo es muy hierática, no tiene ningún movimiento ni se retuerce de dolor.
Tiene los ojos abiertos, lo cual nos indica que es un Cristo que está vivo. Podremos comprobarlo también en que no tiene herida en el costado, que es una indicación de que el Cristo está muerto.
Está sujeto a la cruz con cuatro clavos. Si fueran solo tres el sufrimiento y la inestabilidad de la figura sería mucho mayor, debería cruzar los pies en ese caso.
Los brazos van perpendiculares a los hombros y no se alzan por encima de ellos impidiendo a la figura respirar correctamente.
Los pies están apoyados de manera que el peso del cuerpo no tira de la figura hacia abajo, impidiendo a la figura respirar correctamente
El cristo no tiene manchas de sangre, quizás pequeños puntos en los clavos, pero no es un cristo que este al borde de la muerte por pérdida del rojo elemento. Parece no tener huellas del maltrato sometido durante la pasión, no lleva corona de espinas. Da impresión de que no quieran comprender como un Dios puede sufrir hasta morir en la cruz.
El paño que cubre su cuerpo suele ser una falda que le tapa por debajo de las rodillas, cuanto más alto se encuentre el paño significa que estamos avanzando en el tiempo, no tapando las rodillas en época gótica y quedando convertido en un trapo en época renacentista o barroca.
En la foto aparece la Majestad de Lluca en el Museo de Vic.

La Piedad contemporánea

Hace un mes aproximadamente se falló uno de los premios de fotografía más prestigiosos de todo el mundo, el World Press Photo. En el año 2012 este galardón ha recaido en el fotógrafo español Samuel Aranda. La imagen ha sido elegida entre más de 100.000 fotografías y han competido fotógrafos de 124 países diferentes de todo el mundo. La fotografía fue publicada en el periódico New York Times en octubre del año pasado.
Si nos fijamos en la imagen nos daremos cuenta que representa a una mujer árabe con el rostro completamente cubierto que abraza el cuerpo de un hombre herido o muerto. Toda esta situación está muy de moda con las revueltas árabes que se han vivido el año pasado y este año. Allí numerosas personas han entregado sus vidas para intentar cambiar una situación que piensan injusta.
Nos llama la atención el contraste de color blanco y negro, el cuerpo desnudo del hombre y, sobre todo, la representación del dolor, que es igual en todas partes. No se sufre más por ser rico, el sufrimiento por la pérdida esta balanceado en todo el planeta.
Pero lo curioso de la imagen es que se encuentra en nuestro subconsciente sin que nos demos cuenta. Ya lo explico el medico psiquiatra, psicólogo y ensayista Carl Gustav Jung, nacido en Suiza en el año 1875. Él decía que el subconsciente colectivo es como una memoria biológica de las experiencias repetidas por un grupo humano, donde sin darnos cuenta somos capaces de reproducir algunos elementos que permanecen en la memoria de todos porque han sido vistos y transmitidos a lo largo de la historia. Estas imágenes se activan inconscientemente siendo compartidas con el resto de humanos de todos los tiempos y lugares del mundo.
La imagen ganadora del World Press Photo de este año reune todas las características de una imagen de la Piedad, la Virgen María llora ante el cuerpo muerto de Jesucristo que acaban de bajar de la cruz.
Esa imagen que está en nuestro subconsciente se repite en esta otra con carcaterísticas similares, no solo en la posición de los actores sino en el dolor compartido por la pérdida.

El claroscuro en los cuadros de Velázquez

El claroscuro es una de las características de la pintura de Velázquez en su primera etapa pictórica. Esta se desarrolla en Sevilla durante su aprendizaje de manos de su maestro, Francisco Pacheco, hasta que se produce su marcha a Madrid en el año 1522, cuando pasa a trabajar para el rey Felipe IV.

Varios pintores españoles de la época utilizaron esta técnica en sus lienzos, por ejemplo Zurbarán, Francisco Ribalta o José de Ribera. Algunos como Ribera o Velázquez llegaron a superarlo inundando sus cuadros de luz en estapas posteriores, mientras que otros continuaron con este estilo el resto de su carrera.
Hay una clara influencia italiana en el claroscuro y más concretamente en las obras de Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio.
La técnica consiste en un foco de luz que ilumina desde la parte izquierda del cuadro, centrandose en un punto de atención, de tal manera que el resto del cuadro queda oscurecido, más cuanto más alejado de la luz se encuentre. De esta manera hay zonas en el cuadro donde debido a la oscuridad no podemos apreciar lo que en ellas aparece, por ejemplo, la pared del fondo del cuadro "La vieja friendo huevos", donde intuimos que la pared existe porque hay una cesta colgada en ella, esa sería nuestra única referencia de profundidad en esa obra. Algo parecido sucede con otra obra del artista "La Adoración de los Reyes Magos", la luz ilumina la cara del niño y el cuerpo y rostro de la Virgen, quedando el resto de figuras y el paisaje en penunbra, así nos cuesta apreciar la cara del rey de color negro con la tenue iluminación con la que cuenta su rostro.
Otras muchas obras realizó Velázquez con esta técnica, todas ellas caracterizadas también por un excelente naturalismo, utilización de personajes populares cercanos al artista, calidad en los objetos y alimentos que representaba en ellas, "La Inmaculada Concepción", "Cristo en casa de Marta y María", "El aguador de Sevilla", "La cena de Emaus" son buenos ejemplos de ello.