Pioneros de la fotografía. Joseph Nicephore Niepce

Antes de la aparición de la fotografía tenemos una serie de precedentes que ayudaron a su desarrollo. El primero sería la cámara oscura, un instrumento óptico que permite un plano de proyección de una imagen externa sobre su superficie. Seré el primer modelo de cámara fotográfica una vez que se descubra el material fotosensible tan solo con un pequeño agujero como objetivo. Hay que decir que la cámara oscura se conocía desde época griega y fueron muchos artistas los que la utilizaron para sus pinturas. 

El origen de la fotografía tiene lugar en la primera mitad del siglo XIX, gracias a gente que conoce como utilizar la cámara oscura y la reacción de la luz a diferentes sustancias químicas. Trataban con ello de obtener un dibujo, una solución en las que no interviniera la mano del autor.

Joseph Niepce que vivió entre 1765 y 1833, tuvo la idea de fijar las imágenes obtenidas en na cámara oscura. Lo consiguió por primera vez en el año 1816. Se trataba de una vista desde una ventana. Era una imagen en papel emulsionado con cloruro de plata que se disipaba con la luz sin un fijador que lo protegiera. Fue una imagen breve que no duró el tiempo suficiente. 

En el año 1827 y tras varios intentos obtuvo con su hermano la imagen de un grabado titulado "La Sagrada Familia". La imagen se fijaba sobre el papel con betún de Judea, conocemos a este proceso como "heliografo".

La más antigua fotografía conservada actualmente porque la anterior no la tenemos es la "Vista desde la ventana de Legrass", fue realizada en el año 1827 y se conserva en la ciudad de Austin. Es una imagen negativa sobre una placa de estaño. Como vemos la imagen está excesivamente granulada y el tiempo de exposición necesario para tomarla fue de varias horas, siendo difícil distinguir los elementos que aparecen en la composición.

Otra imagen tomada en un momento similar es "The well loaded table" tomada en el año 1832-1833 donde Niepce cambia como fijador de la imagen el betún de Judea por el agua de lavanda, el nombre de esta técnica se conoce como "fisautipo". Aún así el tiempo de exposición no cambia y el número de horas necesario para tomar la imagen hace que la representación sea de un bodegón ya que sería prácticamente imposible recurrir a un modelo que pudiera estar tanto tiempo en la misma posición.

La fotografía de identidad Claude Cahun

La historia de la fotografía está salpicada de pequeños avances que hacen a sus autores originales. El caso que hoy nos ocupa es una de ellos, ya que lo que hace Claude Cahun es adelantarse a su tiempo para crear un debate que está más cerca del arte contemporáneo que de las décadas de los años 30 o 40 que fue cuando principalmente trabajó.

De hecho su obra fue expuesta por primera vez en el año 1992 y desde entonces se la reconoce como una precursora de uno de los temas que más se tratan en la actualidad, hablamos del tema del género y de la identidad.

Todo es su obra es bastante ambiguo, en primer lugar su nombre (que no era el verdadero porque a ella la llamaron Lucette Schow cuando nació en la ciudad francesa de Nantes en 1894). Pero se hacía llamar a si misma Claude Cahun. Este nombre Claude es ambiguo porque podemos utilizarlo igualmente para un hombre o para una mujer, esa es la duda que quiere transmitir la artista, como vemos no solo en su obra sino en su propio apelativo.

Su trabajo está básicamente centrado en si misma, representa retratos propios disfrazada en diferentes lugares y situaciones, la mayoría de las ocasiones como un hombre, jugando con el tema de la identidad. Ella se reclama a si misma como un ser diferente, independientemente de si se trata de un hombre o de una mujer.

Tuvo relación con el grupo de surrealistas, pero nunca la consideraron como una artista, eran demasiado machistas para ello, solamente se fijaban en ella como musa para sus creaciones y no como una persona capaz de crear cosas nuevas. Era una mujer y eso no era suficiente tarjeta de presentación en aquel momento.

En su trabajo podemos observar como se disfraza, se maquilla con la idea de representar a diferentes personajes, tanto que es muy complicado hacer una diferenciación entre hombre y mujer en sus obras. Ella no paraba de experimentar con su rostro y su cabeza, siempre tratando de mostrar su nariz bastante prominente, con algunas máscaras, afeitando su pelo o bien tiñéndolo de diferentes colores como rosa o dorado.

Claude Cahun era de origen judío y con la llegada de los nazis a Paris fue deportada a la Isla de Jersey junto a su compañera Suzanne Malherne, allí pasó el resto de sus días y continuó con sus experimentos en torno a la identidad hasta su fallecimiento en el año 1954.

Vamos a incluir una fotografía de otra fotógrafa contemporánea llamada Risk Hazecamp. para que podamos observar la influencia de Claude Cahun en uno de los temas que más se tratan en las obras de arte contemporáneo en sus diferentes acepciones. Vemos que los temas son los mismos, disfraces, maquillaje y debate sobre la identidad.

Diane Arbus y la fotografía de los débiles

Diane Arbus es una de las fotógrafas mas interesantes de la escena norteamericana posterior a la Segunda Guerra Mundial, centrando su trabajo principalmente en la ciudad de Nueva York y aquellos personajes que se encuentran alejados del glamour de la ciudad y sus lugares mas conocidos y representados.

Diane Arbus nació en el año 1923 y era hija de una rica familia de origen judío de Nueva York. Estudió fotografía con las austriaca Lisette Model, de quien recibe gran influencia a la hora de realizar su trabajo. A ello debemos sumar la influencia de otros artistas europeos como Eugene Atget y sobre todo Auguste Sander. Pero los retratos urbanos que toma nuestra artista están fuertemente influenciados por Lisette Model.

Gigante judío en casa con sus padres. Diane Arbus. 1970

Su trabajo más interesante se desarrolla durante la década de los sesenta, anteriormente Arbus había trabajado para importantes revistas de moda como Vogue o Esquire.

Arbus decidió representar aquella parte escondida de la sociedad americana del momento, gigantes, enanos, locos, gente que vivía apartada de las sociedad, travestis, hispanos, negros. Realiza multitud de retratos, al mismo tiempo que paseaba por alguno de los más peligrosos barrios de Nueva York.

En sus retratos los personajes suelen aparecer solos, con un gran contraste entre blanco y negro.

Diane Arbus decía: "sinceramente yo creo que hay cosas que nadie puede ver sino se toma una fotografía", se trata de representar aquella parte escondida de la sociedad o aquella que se trata de esconder porque no es políticamente correcta para la imagen de la ciudad, la capital económica del mundo. Se trata de lo contrario al glamour y el lujo al que estamos acostumbrados en esa ciudad y en ese país en general.

En su trabajo, como en el de Auguste Sander, los personajes miran directamente a la cámara. El flash se encarga de reflejar todas las imperfecciones de los personajes.La idea es que el espectador se asuste y al mismo tiempo sienta vergüenza. Arbus trata de representar el dolor, se trata de un dolor que encontramos en la gente corriente.

No era la primera vez que Diane Arbus sufría una depresión, pero en el año 1971 y como consecuencia de ello terminó quitándose la vida. Arbus fue la primera fotógrafa americana que participó en la Bienal de Venecia durante el año 1972.

Existe una película que debemos tener en cuenta cuando analizamos la obra de Diane Arbus, se trata del film Freaks realizada en 1932 por Tod Browning y que fue un fracaso en taquilla para convertirse a partir de los años 60 en un film de culto que nos muestra la vida en un circo lleno de seres deformes, tullidos, deficientes y todo tipo de deformidades, allí un enano ha heredado una gran fortuna y la bella contorsionista intentará seducirle para quedarse con el dinero.

Imagen de la película Freaks, rodada en 1932

La fotografía como arte. August Sander

Sander es uno de los mejores fotógrafos que utiliza el retrato como un nuevo modo de expresión para mostrar gente de diferentes clases sociales. Frente a la obra de Eugene Atget que prestaba atención a lugares, calles, performers o escaparates, Sander comienza a utilizar el retrato desde un nuevo punto de vista.

Tratando de crear un pequeña biografía de August Sander diremos que nació en Herdorf en el año 1876. Trabajó en una mina. Allí aprendió los primeros rudimentos de fotografía ya que ayudaba al fotógrafo de la compañía minera. En el año 1920 abrió un estudio en la ciudad alemana de Colonia donde comenzó a realizar un catálogo de la sociedad alemana contemporánea realizando retratos de diferentes personas correspondientes a distintas profesiones y clases sociales.

Cuando los nazis llegaron al poder su trabajo y sus retratos fueron prohibidos y gran parte de su obra se destruyó. Incluso uno de sus hijos fue detenido en el año 1934 y enviado a prisión donde moriría diez años mas tarde. Es en esa fecha cuando los nazis incautaron su trabajo titulado Face of our Time y las placas que había realizado fueron destruidas. De hecho no volvió a trabajar en este tema hasta su muerte y se dedicó a realizar fotografías bastante insulsas de paisajes y escenas de naturaleza, que nada tenían que ver con lo que había hecho hasta ese momento. En el año 1944 perdió también su estudio ya que fue bombardeado como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial

Sander es famoso por los retratos de su serie Hombres del Siglo XX (people of XX century) donde trata de mostrar como se compone la sociedad alemana durante la república de Weimar. Esta serie esta dividida en nueve secciones que abarcan: agricultores, comerciantes, mujeres, profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, gente sin hogar y veteranos de guerra.

Sander decía que no existe nada mejor que la fotografía para dar una imagen histórica lo más real posible sobre la realidad de su tiempo. Creó con ello una filosofía propia que situaba a cada persona dentro del espacio que ocupaba en la sociedad, en esa distribución los campesinos estaban en la base, seguido por los artesanos, mujeres, obreros cualificados (dentro de los cuales podríamos incluir abogados, soldados, políticos, banqueros los cuales eran la base de la vida cívica) intelectuales, artistas, músicos y poetas, la gran ciudad y el ciclo finaliza con los locos, gitanos, mendigos, hombres agonizantes y gente muerta. 

Como podemos comprobar es una nueva manera de entender el mundo. Pero aún así todos sus retratos tienen la misma unidad formal y estética, con independencia de la clase social o la condición a la que la gente representada pertenezca, todos ellos se muestran con la misma dignidad y respeto, tan solo un pequeño detalle será el que nos ayude a identificar la profesión en la que el sujeto trabaja, quizás con un objeto, tal vez sea por su forma de vestir o simplemente porque está realizando un pequeño gesto.

Esos pequeños detalles son los que hacen que cada foto sea distinta de la anterior y ello nos permite hacer un estudio o una observación individual de cada una de ellas.

August Sander falleció en el año 1964.