¿Como debe ser una obra de arte contemporáneo?

Definir una obra de arte¹ en la actualidad puede resultar una tarea complicada, más cuando la estética y los gustos van cambiando con la sociedad y los cánones duran muy poco tiempo, pero quizás debamos situarnos intelectualmente en el mundo que vivimos para tratar de trazar la mejor aproximación a lo que podemos calificar como obra de arte en la actualidad.

Primero deberíamos comentar cuales son los caminos explorados o actualmente superados, es decir aquellos movimientos que ya no tienen nada que aportar al mundo del arte, porque lo dieron todo en el pasado, asociados a unas circunstancias temporales e ideológicas del momento

Miserias ilimitadas. Proyecto de Javier Nuñez Gasco en las calles de Lisboa

¿Que sentido tiene hacer una obra impresionista en la actualidad?² Pues muy poco, la liberación de los artistas de sus mecenas o protectores ya se produjo a finales del siglo XIX y fue explorado en diferentes campos a lo largo de ese mismo siglo, desde la perspectiva del paisaje, los juegos de luz, la óptica o las representaciones que aluden al post-impresionismo, rayonismo, puntillismo y muchos más. Cualquier intento de representación impresionista no pasa de ser una simple imitación

¿Que sentido tiene hacer una obra abstracta en nuestros días? Pues ninguno, la abstracción que surge como consecuencia de irrupción de la fotografía³ en el mundo del arte y la propia experimentación de los artistas ya nos ha ofrecido todas las vertientes posibles para su desarrollo, desde la primera acuarela pintada por Kandinski en el año 1912, pasando por todos los experimentos realizados durante esa década y la siguiente, la fuerte irrupción del expresionismo en la década de los 50 y el minimalismo de los 60, donde la abstracción queda completamente agotada. Cualquier experimento en este campo no pasa pues de la simple imitación o si hay alguien que puede aportar algo nuevo será curioso que pueda explicarlo.

Retratos de familia del artista Mira Bernabeu

Realizar una pintura de paisaje o retrato, no pasa de ser un simple ejercicio de técnica, tenemos a nuestro alcance avances científicos que nos permiten representar ese mismo paisaje con más calidad, colorido y pixelado que lo que pueda realizar un pintor hiperrealista (incluido Antonio López y esos cuadros perfectos que tarda en pintar años y años). Se puede ser un retratista o paisajista excelente, pero se espera algo más de un artista contemporáneo que solo pueda aportar una gran destreza a la hora de representar.

Y es que la posmodernidad nos ha traído una nueva forma de concebir el arte, donde la belleza o la destreza técnica han pasado a ser temas secundarios, frente al posible mensaje que debe lanzar la obra, implicando al espectador no solo en la información que quiere transmitir sino en una reflexión (a veces profunda) sobre diferentes temas que afectan a la sociedad contemporánea⁴.

Para ello puede servirse de todo tipo de técnicas y soportes, desde el ámbito pictórico escultórico, video, instalación, performance o el simple debate conceptual que pueda trasmitir un objeto expuesto en una galería o centro de arte.

Pero si se desea la participación del espectador, el mensaje debe ser claro y conciso, a veces didáctico. Es bueno explicar la obra y cuales han sido las ideas del artista y su finalidad, cual es el tema que ha decidido desarrollar y porqué elige ese tema. Indudablemente para que exista una mejor conexión entre la obra y espectador el lenguaje figurativo permite una rápida asociación de ideas, será mucho mas efectivo que cualquier otro que desarrolle otra técnica artística. Quizás el caos pueda asociarse bien con una pintura abstracta, pero si estamos tratando temas como puede ser el género, política o medios de comunicación de masas está mejor que se pueda identificar con una imagen reconocible.

Por tanto el arte deberá llenar aquellos huecos que nuestro sistema no sea capaz de hacer⁵, buscar las grietas que produce nuestro sistema de convivencia y tratar de entrar por ellas para hacer reflexionar a la gente sobre esos fallos, esos defectos que se producen y que permiten situaciones que no pueden convivir con el sistema de leyes que nos gobierna y que hemos decidido como el menos malo de los que existen.

Para ello no es necesario que la belleza esté presente en la obra, si se pueden combinar las dos cosas estética y mensaje será ideal, pero no tiene porqué ser así y se puede prescindir de la primera en pos de la segunda.

Victima es una obra del colectivo Democracia que ha realizado un arte de implicación política

Se trata pues de establecer un diálogo con el espectador, llevarle a una profunda reflexión sobre algunos de los temas sobre los que solo interesa pasar por encima, sobre aquellas noticias que se callan o de las cuales ya no interesa hablar por la simple razón de que ya no están de moda y necesitamos novedades diarias para alimentar nuestras conversaciones y opiniones personales, pero son temas, como decimos, que penetran en los huecos del sistema y señalan cuales son los fallos que deben ser corregidos o bien las incongruencias que a veces se plantean⁶.

Hacia ello debe orientarse el artista contemporáneo, existen muchos artistas que saben pintar o esculpir bien. A un verdadero artista se le debe pedir algo más, un paso adelante en este tipo de reivindicaciones, un posición clara y militante, crítica y reflexiva sobre todo aquello que nos rodea.

1“La modernidad nos ha hecho libres y ha logrado ensanchar el concepto de obra de arte más allá de la imitación artesana, aunque mucha gente tiene dudas sobre el uso que muchos artistas están haciendo de esa libertad”. Fernando Torres Rodríguez. Hacia la madurez de la modernidad. Junta de Castilla y León 2009

2“Cabe preguntarse en esta sociedad consumista, ávida de novedades, donde se intentan atraer cada vez mas aficionados a los contemporáneo para justificar grandes inversiones, que sentido tienen propuestas que partiendo de la experimentación del siglo pasado apostarán por profundizar en ella desligándose de la inmediatez del comercio”. Fernando Torres Rodríguez. Opus cit.
Kandinski decía que una obra de arte debe ser reflejo de su tiempo y no debe mirar nunca al pasado porque en ese caso nacería muerta. Kandinski V. De lo espiritual en el arte. Editorial Paidos 1996

3Susan Sontag nos dice que la fotografía surgió como enemigo mortal de la pintura pero la situación se fue suavizando. Así pues liberada de la simple tarea de representación, cosa que ya hacía la fotografía pudo lanzar se a una tarea mas elevada como era la abstracción, apoyándose a veces en la fotografía para poder realizar algunas composiciones. Por tanto la abstracción tenía una finalidad que ha dado multitud de maneras diferentes de llegar a ella. Susan Sontag. Sobre la fotografía. Barcelona. Abril 2013

4Guy Debord decía que desde 1950 el arte estaba muerto y que debía ser superado por una nueva forma de vida y actividad recolucionaria. Debord veía en el arte como un instrumento al servicio de la revolución, una revolución que sería parte de su contenido y realización. Esa invitación de Debord parece haberse desarrollado en el último tercio del siglo pasado en todo tipo de revoluciones sociales, sexuales, coloniales o políticas que tuvieron como inicio del body art o el happening. Carlos Jiménez Moreno. La escena sin fin. El arte en la era del Big Bang. Microgemas. Miurcia 2013

5“Se trata de un arte político que salga de lo ideológicopara producir un concepto de relevancia para el presente que supere y adquiera sedimento con el tiempo” Fernando Castro Flórez. Arte y política en la era de la estafa global. Editorial Sendema. 2014

6Fernando Castro afirma que el arte no debe ser gobernado y que solo puede mostrarse como tal a través de la resistencia, se trata de la negativa a aceptar como verdadero lo que la autoridad dice que es verdad. Fernando Castro Flórez. Opus cit.

¿Que papel juega la obra dentro del sistema del arte?

Quizás una de las primeras cosas que debemos hacer sea definir el concepto de obra de arte, un término que no empieza a utilizarse hasta el siglo XV y donde se mezcla la naturaleza creadora de Dios, la naturaleza y la capacidad del hombre para imitar las formas que esta nos ofrece. Es decir la condición humana adquiere algo de divina en la capacidad para crear formas que imitan las creaciones de la naturaleza.

La obra de arte aparece como algo creativo, un hombre capaz de crear de "dar vida" conceptos que hacen que esa capacidad creadora sea la que le da un aura divina a los artistas, un algo diferente que les hace distintos del resto de los humanos. Eso ocurre tanto en el pasado como en el presente.

Hasta el siglo XIX la obra de arte era de encargo, el pintor la realizaba para un patrón concreto que a veces tenía sus propias exigencias, pero desde mediados del XIX se produce una independencia de la pintura con el impresionismo, la obra dejará de tener destino en un patrón concreto para estar destinada a toda la humanidad, la proyección de la obra, según Theodor Adorno, cambia y será algo dinámico.

Así entendemos por una obra de arte un objeto producido (incluso una cosa), se supone que la obra tiene un contenido espiritual que favorece su circulación, tiene un principio y un fin (unos límites que no parecen claros en la actualidad), la obra es un mundo en pequeño con sus propias fronteras y por último podemos decir que la obra es única e irrepetible (un concepto que tampoco queda claro en la era de la reproducción de la imagen como la que vivimos).

Claro que el avance la posmodernidad se produce un cambio en el papel tradicional de la obra de arte con algunos parámetros diferentes a los que acabamos de citar en el parrafo anterior, veamos esos cambios que afectan a la obra de arte en la actualidad:

• Vivimos una crisis de los soportes tradicionales y algunos estilos cuyos límites no parecen claros, ya que en muchos casos no podemos definir una obra como pintura, escultura o instalación. Se introducen nuevos términos aplicados a intentar definir algunas obras como por ejemplo pintura expandida, pintar sin pintura, eso por no hablar de como el vídeo o el ordenador han podido cambiar nuestra forma de percibir el arte.
• La obra abandona su contenido "espiritual" para abrazar un mensaje de tipo conceptual que incluye un argumento, una base teórica sobre la que comenzar el análisis de la obra
• Cuando decimos que antiguamente las obras tenían un principio y un fin nos referimos a que fueron creadas para ser colocadas en un lugar concreto, pero esta situación es imprevisible en la actualidad con la cantidad de mediadores que existen, como galerías, museos, subastas o ferias de arte.
• La obra se plantea como algo abierto, donde el espectador puede participar, la estructura de la obra es dinámica.
• No existe un tema concreto sobre el que deba tratar, ya que el creador tiene plena libertad para plantear lo que mejor le parezca.
• El tema de la originalidad de la obra existe, pero al mismo tiempo se han incorporado nuevos conceptos como reproducción masiva, serialidad, multiplicidad, repetibilidad que suenan de vez en cuando con el fin de acceder a mayor cantidad de público (no tenemos mas que pensar en las series fotográficas u obras de video de las que se venden 3 ó 5 ejemplares y pruebas de artista o bien grabados y serigrafías de las que se realizan 100, 200 o 1000 copias a veces incluso firmadas por el artista)

Actualmente para que una creación sea reconocida como "obra de arte" debe ser reconocida antes por las instituciones que sostienen el sistema, si la obra no está insertada o ha pasado por los canales tradicionales como Museos, Galerías de Arte, Salas de Exposiciones o Subastas, no se encuentra dentro del sistema y por tanto no puede calificarse como obra de arte, debe ser sancionada por alguno de los elementos que componen el sistema del arte, hasta por los críticos de arte, aunque debemos decir que el mejor crítico para cualquier obra es el paso del tiempo.

Esta idea el tiempo es importante ya que la obra no debe ser una burla contra la institución o el sistema sino que debe mantener la coherencia para mantenerse en el tiempo.