Algunas de las últimas tendencias artísticas

Hal Foster es uno de los grandes pensadores de nuestro tiempo, sus trabajos relacionados con el arte y con la estética están muy considerados. Sus libros marcan la pauta no solo del arte sino de la relación de éste con la sociedad. Su último libro publicado se llama Malos Nuevos Tiempos y ha sido publicado por la editorial Akal. En este libro hace un repaso a algunas de las últimas tendencias del arte contemporáneo que queremos resumir en este post.

Grand Pop Paul McCarthy

En primer lugar habla de como algunos artistas se decantaron por el arte abyecto en la década de los 80 y la década de los 90, quizás como una manera de oponerse al fin de los movimientos que vanguardia que se producen en esa época con los últimos coletazos del minimalismo y el inicio de la posmodernidad. Señala Foster que la sociedad se fundó con una oposición a lo anal que se ha mantenido a lo largo de los siglos y que estos artistas tratan de sacar a la luz. Hablamos de las obras de Mike Kelley, Paul McCarthy o John Miller.

En segundo lugar tenemos a los artistas archivistas, Thomas Hirschhorn puede ser un ejemplo de ellos. Podemos compararlo con esos altares improvisados que surgen en las diferentes ciudades después que se produce un atentado, allí se atesoran objetos y mensajes de todo tipo acompañados de velas y flores o bien quioscos que incluyen todo tipo de información sobre un tema deseado. Según palabras del propio artista, se trata de conectar aquello que no se puede conectar.

Tenemos otros artistas que se dedican al tema del archivo, por ejemplo Tacita Dean, sus obras reflejan objetos que fueron creados con una visión futurista pero que fracasaron en su intento y fueron abandonados, se trata en muchos casos de un pasado heterogéneo e incompleto. 

Joaquim Koester presenta historias desconocidas que sucedieron hace tiempo y que sirven como elemento de reflexión para el espectador, aspectos que pudieron suceder y que desconocemos. 

Un tercer aspecto estaría conectado con la instalación a modo de diorama de diferentes objetos, conecta con la idea de los dadaistas que en 1916 querían poner el arte y la cultura al servicio del espectáculo y presentarlo al público como un programa de variedades. Rober Gober puede ser uno de los artistas que nos sirva como ejemplo de esta corriente.

Un cuarto aspecto tiene que ver con lo precario, lo que trata de denunciar una situación social en la cual el gobierno no quiere implicarse. Foster indica que lo lastimero es uno de los símbolos de lo precario. Es como esos cartones que exhiben algunos pobres en la calle que informan de una situación triste cargada de faltas de ortografía y de sinceridad. La precariedad y la emergencia se encuentran unidas. Thomas Hirschhorn ha trabajado también este tema.

Por último afirma el autor que se ha producido una vuelta a lo performativo. La performance como proceso que sirve para activar al espectador.

Por si tienes interés en ver en vídeo algunas de las obras y los artistas de los que hablamos en este post sobre últimas tendencias artísticas

El arte efímero explicado a los niños

La propia palabra que estamos utilizando para definir este tipo de arte, nos habla sobre su fugacidad, es decir, sobre expresiones artísticas que no duran en el tiempo, que no prevalecen sino que duran un tiempo determinado y después desaparecen sin poder conservarse, por ejemplo, en un Museo. Es una obra o una expresión que no se puede conservar.

Quizás lo primero que haya que hacer sea hablar de aquello que entendemos por arte, es decir, en la antigüedad el arte estaba unido a la belleza estética, tanto de los personajes como de los objetos representados. Pero esta idea comienza a cambiar a principios del siglo XX, donde las expresiones artísticas abandonan en muchos casos la belleza para transmitir una idea o un concepto que sirve como base para la comprensión de esa obra y le da carácter propio. Para entender lo que significa este tipo de arte, si podemos definirlo así, debemos cambiar nuestra mentalidad y pensar en él como algo que no es tangible, que existió en un momento determinado pero que no volveremos a disfrutar de él.

Vamos a poner un ejemplo simple de algo que sucedió en el año 1899, porque ese es el año de construcción de la Torre Eiffel coincidiendo con el aniversario de la revolución francesa y con la exposición universal que tenía lugar en París en ese mismo año. Esta torre estaba destinada a ser una obra de arte efímero, mas concretamente de arquitectura, ya que pensaba destruirse una vez finalizada la exposición. Pero el edificio gustó tanto que, una vez finalizada, decidieron conservarla, y como sabéis se ha convertido en un símbolo de la ciudad de París visitado por cualquier turista que se acerque a la ciudad. Una obra destinada a ser efímera se convirtió en permanente.

Pensemos ahora en un artista que realiza una acción o una performance, gente tan conocida como Joseph Beuys o Marina Abramovich, su obra dura el mismo tiempo que tiene lugar el evento, si no estás allí te lo vas a perder ya que sino no hay manera de apreciarlo. Bien es verdad que en muchos casos estos artistas juegan con la fotografía y el vídeo para dejar constancia de la acción que ha tenido lugar, obras estas que a falta de otro material se venden en el mercado del arte como recuerdo de eso que pasó y donde no pude estar o bien eso que este artista realizó en este lugar.

Igual puede suceder con algunas instalaciones que se realicen en Museos y que cambian de uno a otro, ya que los espacios serán distintos y habrá que adaptarlo y colocarlos de una forma u otra, creando una obra diferente en cada ocasión.

Hay algunas manifestaciones que tienen conexión con este tipo de arte y que son hechas para un momento y, como decimos, luego desaparecen. Por poner algunos ejemplos, pensemos en el peinado, es algo que no se conserva, al día siguiente y después de dormir el pelo no se conserva de la misma manera. La moda también nos sirve, muy asociada al arte en muchas ocasiones, permanece, mas tiempo que un peinado, pero como sabemos cambia cada temporada y lo que hoy es tendencia mañana puede cambiar y ya no sirve. Algo similar podríamos decir sobre el maquillaje o el Tattoo o el piercing. ¿Que pasa con la gastronomía? ¿Lo consideramos arte efímero? Porque el cocinero se afana en realizar una presentación lo más agradable posible o cargada de un discurso conceptual, pero eso va a desaparecer a los pocos minutos, se trata de una primera impresión que entra por los ojos y otros sentidos para desaparecer en nuestra boca al momento de ingerirlo.

Pensemos en el Grafiti, realizado como expresión artística, muchos ayuntamientos tratan de mantener sus ciudades uniformes y se dedican a pintar sobre estos grafitis que en su mayoría han sido realizados de forma ilegal. Es decir no están hechos para perdurar ya que pueden ser borrados en cualquier momento.

Escultura hiperrealista contemporánea. John de Andrea

Tras dos meses vamos a cerrar nuestra serie dedicada a la escultura más realista realizada en los últimos años con una entrada dedicada al artista norteamericano John de Andrea. Han sido ocho entradas que podéis encontrar en el blog y que repasan los mejores artistas hiperrealistas que existen en el mundo del arte actual.

John de Andrea nació en Denver en el año 1941, en esa ciudad sigue residiendo el artista actualmente tras formarse en la Universidad de Colorado y en la Universidad de Nuevo México.

Este artista es conocido porque muchas de sus figuras aparecen desnudas, realizadas en materiales típicos de la escultura hiperrealista como son el plástico, poliester o la fibra de vidrio y añadiendo elementos naturales como el pelo o las uñas para añadir realismo a las figuras. Los modelos que utiliza son gente de su alrededor, amigos o conocidos, en cada uno de ellos trata de representar sus características propias que los hacen únicos.

También ha representados muchas figuras de parejas donde trata de representar muchos de los sentimientos que emergen tras compartir la convivencia, en ellas la figura de la mujer suele aparecer desnuda. Desgracia, miseria, desazón son algunos de los sentimientos que afloran en muchas de sus figuras.

Este tipo de obras donde el desnudo juega un papel importante han sido objeto de polémica en alguna de sus exhibiciones, cosa que no llegamos a entender, la gente se sorprende por un desnudo hiperrealista pero visita masivamente la figura del David de Miguel Angel y lo admira, aunque de forma incongruente, también se encuentra completamente desnudo. Pero a veces nuestra sociedad tiene este tipo de contradicciones asociadas sobre todo al arte contemporáneo. Es más muchas de sus figuras tienen gran semejanza con la búsqueda del ideal de belleza que perseguían los escultores de la antigua Grecia.

Sus obras se han llegado a comparar con las del también norteamericano Duane Hanson, pero en comparación con este las figuras de John de Andrea incluyen un mayor torrente de sentimientos, sobre todo aquello que tiene que ver con el individualismo y la soledad a las que en muchas ocasiones nos dirige nuestro sistema de vida, basado en el triunfo personal y no en la inversión en afectos que puedan granjear un alejamiento de la soledad.

Escultura Hiperrealista Contemporánea. Richard Stipl

Dentro de la serie dedicada a este tipo de escultura por la que ya han desfilado artistas de la categoría de Ron Mueck o Patricia Piccinini, hoy es el turno del artista canadiense Richard Stipl nacido en el año 1968 y cuyas curiosas esculturas no dejan indiferente al que las observa sino que llaman la atención por su capacidad gestual.

Richard Stipl es un artista que representa su propio rostro en la mayoría de sus esculturas, se trata de un extraño caso de introspección personal que recuerda otros casos como el de la fotógrafa Claude Cahun en la segunda década del siglo XX. 

Pero si Claude Cahun lo que hacía era disfrazarse como un hombre y mostrar algunos de sus rasgos faciales cambiando el tipo de peinado o el traje, Richard Stipl se representa con diferentes poses y rostros que incluyen distintos estados de ánimo que van, como indica el comisario Paco Barragán, desde el asco al agobio, la nausea, la agonía o incluso la locura. Se trata de procesos o momentos por los que pasa el ser humano a lo largo de su vida tratando de buscar una respuesta a algunas preguntas de nuestro tiempo que muchas veces escapan a nuestra capacidad de comprensión.

Este tipo de estudios o estados de ánimo no son ajenos a otros artistas, contemporáneos como Bill Viola y su vídeo titulado Six Heads o barrocos como Antonio de Pereda que trabaja con un tema muy similar en el siglo XVII o José de Ribera que realizaba dibujos de distintas posiciones del rostro o gritos que después plasmaba en sus cuadros de martirio.

La serialización, uno de los síntomas del neobarroco, según el profesor Mario Calabrese, también es una seña de la obra de Richard Stipl, ya que, aunque en diferentes posiciones, las obras con el mismo rostro o cuerpo se repiten.

Los rostros tienen una dosis de hiperrealismo muy grande, el artista toma cuidado de cada uno de los pliegues o pequeños detalles del rostro, que va variando con la expresión de la cara. Se trata de una versión teatral de los rostros, un teatro que vuelve a recordarnos al estilo barroco, donde la línea entre realidad y ficción a veces es tan delgada que es complicado distinguirla, como ocurre actualmente.

Escultura hiperrealista contemporánea. Eugenio Merino

Si bien todos los artistas que hemos visto en esta serie han sido extranjeros, hoy nos ocupa uno de los grandes representantes españoles que también se dedican de una forma magnífica a la escultura hiperrealista, se trata de Eugenio Merino.

Antes de decantarse de forma contundente por la escultura, Eugenio Merino, practicaba otras disciplinas como el dibujo, el vídeo o la instalación, utilizando en muchos casos imágenes recurrentes de la iconografía pop, asociada en muchos casos a dibujos famosos que se pueden ver en películas o televisión, hablamos de figuras relacionadas con Walt Disney o bien personajes que aparecían en la famosa serie Los Simpson.

No será hasta el año 2005 cuando el artista se decante por la escultura hiperrealista. Él mismo ha reconocido en más de una ocasión que la primera vez que pudo ver la obra de Tony Matelli en España, le cambió su forma de concebir el arte y como debía dedicarse a la escultura hiperrealista.

Desde ese momento ha realizado todo tipo de figuras, muchas veces polémicas por tratarse de figuras políticas de primer nivel, que normalmente general odios y anhelos por parte de defensores y detractores, lo cual le ha valido incluso alguna denuncia por parte de instituciones o fundaciones que representan a estos personajes.

Pero lo cierto es que Eugenio Merino no se queda solo en la representación escultórica sino que siempre busca la reacción del espectador. La reflexión ante sus obras es tan importante como el mensaje irónico y en muchos casos divertido, que lanza el artista, como por ejemplo el poder ver algunos de los principales líderes como un puch in ball, donde aparecen con la cara magullada por algunos de los golpes recibidos.

Muy divertida parece también la imagen de Damien Hirst, uno de los totems del arte contemporáneo muriendo de éxito, como otros muchos artistas, invocando el suicidio par dejar un bonito cadáver, como le ha sucedido a muchos de los más famosos cantantes, convertidos en referencias míticas, como por ejemplo Kurt Cobain o James Dean.

El presentar a Francisco Franco metido dentro de una nevera de Coca Cola donde se puede sacar y meter a gusto de la persona o el momento en que estemos nos parece una gran idea y se ajusta a la realidad de lo que sucede en la política del país. Algo parecido sucede cuando vemos la figura de Fidel Castro avanzando como un Zombie por los pasillos del Museo de Arte. Como vemos, el artista no toma posición política sino que simplemente pone su obra para que sean sacadas las conclusiones por cada uno de los que puede contemplarla.

Y todo ello con un estilo que nada tiene que envidiar a algunos de los más grandes escultores contemporáneos, aunque como suele suceder en este país, siempre se reconoce más a los de fuera que a los de casa, aunque sean mejores que los otros.

Figur oliendo un bote abierto de "Mierda de artista"

Escultura hiperrealista contemporánea. Tony Matelli

Durante las últimas semanas hemos dedicado varias entradas a algunos artistas que realizan figuras hiperrealistas y que tienen la escultura como disciplina de trabajo. Se trata de escenas que no dejan indiferente al espectador porque los materiales utilizados y el trabajo del artista permite contemplar figuras que fácilmente pueden confundirse con un humano real. El color de la piel, las arrugas, los gestos, los añadidos nos llevan a la confusión y nos despistan cada vez que las contemplamos. Artistas como Ron Mueck o Patricia Piccini forman parte de esta serie.

Hoy es el turno de Tony Matelli, un artista norteamericano nacido en Chicago en el año 1971 que vive y trabaja en New York, en esta ciudad se graduó en Bellas Artes. Le ha acompañado la polémica en alguno de sus trabajos debido al hiperrealismo de sus obras y a la provocación que trata de que el espectador reaccione ante ellos.

En su obra encontramos representaciones humanas, pero también animales, plantas y objetos de uso cotidiano. Es curioso que este artista suele trabajar con materiales metálicos para muchas de sus obras, el bronce por ejemplo es uno de ellos, materiales que son coloreados con aerografo para darle después esa apariencia natural.

La crítica social es algo inherente a su trabajo, se trata de obras que nos hablan en muchos casos de normas de comportamiento que pueden ser alteradas. En un mundo dominado por el individualismo y las apariencias de cara a la aceptación social, Tony Matelli nos muestra problemas internos que nos desvelan cuan vacíos se encuentran esos personajes despojados de ayuda y tratando de ocultar sus debilidades. En un mundo en el que parece que está todo delimitado y fijado, sus figuras tratan de mostrarse tal como son, con sus múltiples defectos, lejos de una realidad en muchos casos rutinaria.

Por ejemplo en su obra Total Torpor, Mad Malaise, que fue mostrada en España por primera vez en el año 2005, se aprecia una figura posando como si fuera una odalisca, pero con múltiples defectos en su cuerpo del que destacan varias protuberancias que convierten la figura en altamente desagradable, al tiempo que unas latas de cerveza se encuentran a sus pies como símbolo de consumo.

Josh es una de sus obras más conocidas, se trata de un joven flotando o levitando que se encuentra perfectamente vestido, con los pies descalzos y mirando el cielo de forma perdida, como si estuviera tratando de elevarse concentrándose en un punto, cosa que parece estar consiguiendo.

Sleepwalker es otra de sus series que representa a varios personajes sonámbulos que desfilan en ropa interior y que, en principio fueron situados en el exterior de un recinto universitario en la Universidad de Wellesley donde estudian 2.300 mujeres, ya que no es una universidad masculina. La obra generó una fuerte polémica, quizás por su forma de vestir, en un puritanismo sin duda fuera de lugar.

Como podemos apreciar sus obras no dejan indiferente al espectador, lo cual es muy bueno y una de las finalidades del arte contemporáneo y en este caso trabajando con escultura hiperrealista.

Escultura hiperrealista contemporánea. Patricia Piccinini

Dentro de la serie que estamos dedicando a la escultura más cercana a la realidad en nuestra sociedad contemporánea, hoy dedicamos nuestro post a una artista multidisciplinar, es decir que no solo se dedica a la escultura, sino que también ha trabajado con otros medios para expresar su arte, como puede ser la pintura, el vídeo, el sonido o la instalación.

Patricia Piccinini reside en Australia, aunque su lugar de nacimiento es Sierra Leona, donde vió la luz en el año 1965, aunque su vida artística está unida a Australia, lugar donde ha recibido varios premios como el que le otorgaron en 2014 por la Fundación de Melbourne para las artes visuales.

Lo primero que nos llama la atención en las esculturas de Patricia Piccinini son los personajes que aparecen representados, ya que se encuentran a medio camino entre el hombre y el animal. Se trata de figuras donde los rasgos humanos y los rasgos animales se mezclan de forma tan curiosa que nos hacen reflexionar y no nos dejan indiferentes cuando las contemplamos. Así podemos encontrar caras de cerdo con cuerpo de hombre o mujer, bebes recién nacidos con trompa de elefante o caras humanas con cuerpo de perro.

La artista hace alusión con estas figuras a los avances de la ciencia y sobre todo, de la genética, adelantándose a algunos experimentos que se pueden llevar a cabo cuando se juegue excesivamente con este tipo de mezclas, de las cuales ya se ha hablado bastante con la clonación de algunos animales, alguno de ellos reales y en otros casos, simplemente por el ansia de aparecer en los medios de comunicación.

Indudablemente los premios reconocen su trayectoria, sus figuras aportan, además de una perfecta realización y ejecución, una buena dosis de espectáculo, que aparece como algo tan necesario en nuestra sociedad. Un espectáculo asociado a las imágenes impactantes y llamativas, que en muchos casos pasan a convertirse en arte.

Escultura hiperrealista contemporánea. Duane Hanson

Estamos realizando un repaso por los mejores escultores contemporáneos en lo que al hiperrealismo se refiere. La semana pasada repasamos la figura de Ron Mueck y esta semana le toca el turno a otro de los escultores más reputados, que desarrolla su labor en la segunda mitad del siglo XX, se trata del norteamericano Duane Hanson.

Este artista nació en el año 1925 en el estado de Minessota y falleció en el año 1996, se graduó en la Universidad y realizó un máster en Bellas Artes que terminó en eñ año 1951.

El uso de diferentes materiales otorga un gran hiperrealismo a sus obras, la fibra de vidrio pintada, la resina, dan un nuevo carácter a este tipo de esculturas. Cuando hablamos de hiperrealismo nos referimos a que todo en la figura nos recuerda un cuerpo humano tal y como lo conocemos, el color de la piel o los diferentes detalles que lo acompañan, como ropa, zapatos o complementos que incluyen las gafas, los relojes u otros detalles hacen que las figuras se confundan con una persona real.

Hanson comenzó representando algunos temas donde la violencia estaba totalmente presente, enfrentamientos de grupos de personas con la policía o las consecuencias de un accidente de moto que representa una figura completamente destrozada tras un choque. 

Esta temática será abandonada en 1970 para realizar algunos temas más relajados que tienen que ver con algunas personas que realizan escenas que podemos encontrar en la vida cotidiana, como limpiadoras que realizan su trabajo, una señora que empuja un carrito de la compra lleno de comida, o parejas de turistas que visitan una exposición. Lo bueno de estas figuras cuando puedes apreciarlas en un museo, es que en muchos casos ni siquiera te das cuenta de que son esculturas y te lleva a pensar, que realmente están allí realizando su trabajado o, como tu, contemplando una exposición cualquiera. Situarlos en salas donde no aparezcan otras obras del artista crea un efecto que roza lo divertido cuando realmente te das cuenta (o alguien te comenta) sobre esa escultura que tu pensabas que era una persona real.

Este tipo de obras también tienen sus detractores, no todo el mundo está a favor, por ello hay gente que dice que este tipo de obras es más propio de un museo de cera que de uno de arte contemporáneo. En nuestra opinión esa ambigüedad con la que juega el artista y el juego entre realidad y ficción merece la pena ser experimentado en las salas de cualquier museo.

Escultura hiperrealista contemporánea. Ron Mueck

Bajo el nombre de escultura hiperrealista contemporánea vamos en las próximas semanas a hacer un resumen de los artistas más destacados del momento en esta complicada especialidad. Muchas veces será difícil distinguir si las fotografías que vemos son o no son reales, porque esa es una de las características de esa escultura. La piel, el pelo, la expresión nos hacen pensar que realmente pueden estar allí, tumbadas en el suelo, sentadas, simulando una acción.

El primero de nuestros artistas elegidos para esta serie es Ron Mueck, un escultor de origen australiano, que nació en ese continente en 1958 pero que ha desarrollado gran parte de su carrera artística en el Reino Unido y más en concreto en Londres, ciudad en la que se dio a conocer.

Su primera aparición importante en el mundo del arte fue en el año 1998, con motivo de la exposición Sensation, donde apadrinados de George Saatchi, varios jóvenes artistas mostraron sus obras un tanto rebeldes y cargadas de provocación. A esos artistas los conocemos como Young British Artist y entre ellos podemos citar a Damien Hirst, Darren Almond, Tracey Enim o Gavin Turk.

En esa exposición Ron Mueck presentó una escultura que se titulada Dead Dad (Papá Muerto) donde se podía ver a un tercio del tamaño natural la figura de un hombre desnudo recién fallecido, que podía representar al padre del artista. Como vemos una obra hiperrealista que llevaba bastante de provocación en el título.

La familia de Ron Mueck eran jugueteros, así que el creció entre muñecos y disfraces y pese a no tener formación artística se decidió por este tipo de obras donde utiliza pinturas acrílicas, silicona y fibra de vidrio para recrear las composiciones.

Este juego de la vida y la muerte es algo que esta muy presente en su obra, así como hablamos de la escultura que representa a su padre, el cuerpo de la mujer es una constante en su trabajo. Podemos fijarnos por ejemplo en la obra Madre e Hijo, que representa una mujer que acaba de dar a luz y donde el niño que se encuentra sobre el vientre de su madre tiene el cordón umbilical todavía conectado con su madre. La obra es de un realismo tremendo tanto en las formas de la madre como en el cuerpo brillante del niño por los fluidos que le han ayudado a salir del interior.

También una de sus obras más destacadas lleva por titulo A Girl, es una figura gigante de un recién nacido de varios metros que impresiona sobremanera cuando la observas en una de las salas del museo, es una gran sorpresa. Y es que en sus obras trata de jugar con el tamaño de la composición, a veces reduciendo el tamaño o bien aumentándolo sobremanera para crear esa sensación de desasosiego.

Tanto en esta como en otras de sus obras suele utilizar pelo natural que ayuda a dar realismo a la composición. 

¿Como debe ser una obra de arte contemporáneo?

Definir una obra de arte¹ en la actualidad puede resultar una tarea complicada, más cuando la estética y los gustos van cambiando con la sociedad y los cánones duran muy poco tiempo, pero quizás debamos situarnos intelectualmente en el mundo que vivimos para tratar de trazar la mejor aproximación a lo que podemos calificar como obra de arte en la actualidad.

Primero deberíamos comentar cuales son los caminos explorados o actualmente superados, es decir aquellos movimientos que ya no tienen nada que aportar al mundo del arte, porque lo dieron todo en el pasado, asociados a unas circunstancias temporales e ideológicas del momento

Miserias ilimitadas. Proyecto de Javier Nuñez Gasco en las calles de Lisboa

¿Que sentido tiene hacer una obra impresionista en la actualidad?² Pues muy poco, la liberación de los artistas de sus mecenas o protectores ya se produjo a finales del siglo XIX y fue explorado en diferentes campos a lo largo de ese mismo siglo, desde la perspectiva del paisaje, los juegos de luz, la óptica o las representaciones que aluden al post-impresionismo, rayonismo, puntillismo y muchos más. Cualquier intento de representación impresionista no pasa de ser una simple imitación

¿Que sentido tiene hacer una obra abstracta en nuestros días? Pues ninguno, la abstracción que surge como consecuencia de irrupción de la fotografía³ en el mundo del arte y la propia experimentación de los artistas ya nos ha ofrecido todas las vertientes posibles para su desarrollo, desde la primera acuarela pintada por Kandinski en el año 1912, pasando por todos los experimentos realizados durante esa década y la siguiente, la fuerte irrupción del expresionismo en la década de los 50 y el minimalismo de los 60, donde la abstracción queda completamente agotada. Cualquier experimento en este campo no pasa pues de la simple imitación o si hay alguien que puede aportar algo nuevo será curioso que pueda explicarlo.

Retratos de familia del artista Mira Bernabeu

Realizar una pintura de paisaje o retrato, no pasa de ser un simple ejercicio de técnica, tenemos a nuestro alcance avances científicos que nos permiten representar ese mismo paisaje con más calidad, colorido y pixelado que lo que pueda realizar un pintor hiperrealista (incluido Antonio López y esos cuadros perfectos que tarda en pintar años y años). Se puede ser un retratista o paisajista excelente, pero se espera algo más de un artista contemporáneo que solo pueda aportar una gran destreza a la hora de representar.

Y es que la posmodernidad nos ha traído una nueva forma de concebir el arte, donde la belleza o la destreza técnica han pasado a ser temas secundarios, frente al posible mensaje que debe lanzar la obra, implicando al espectador no solo en la información que quiere transmitir sino en una reflexión (a veces profunda) sobre diferentes temas que afectan a la sociedad contemporánea⁴.

Para ello puede servirse de todo tipo de técnicas y soportes, desde el ámbito pictórico escultórico, video, instalación, performance o el simple debate conceptual que pueda trasmitir un objeto expuesto en una galería o centro de arte.

Pero si se desea la participación del espectador, el mensaje debe ser claro y conciso, a veces didáctico. Es bueno explicar la obra y cuales han sido las ideas del artista y su finalidad, cual es el tema que ha decidido desarrollar y porqué elige ese tema. Indudablemente para que exista una mejor conexión entre la obra y espectador el lenguaje figurativo permite una rápida asociación de ideas, será mucho mas efectivo que cualquier otro que desarrolle otra técnica artística. Quizás el caos pueda asociarse bien con una pintura abstracta, pero si estamos tratando temas como puede ser el género, política o medios de comunicación de masas está mejor que se pueda identificar con una imagen reconocible.

Por tanto el arte deberá llenar aquellos huecos que nuestro sistema no sea capaz de hacer⁵, buscar las grietas que produce nuestro sistema de convivencia y tratar de entrar por ellas para hacer reflexionar a la gente sobre esos fallos, esos defectos que se producen y que permiten situaciones que no pueden convivir con el sistema de leyes que nos gobierna y que hemos decidido como el menos malo de los que existen.

Para ello no es necesario que la belleza esté presente en la obra, si se pueden combinar las dos cosas estética y mensaje será ideal, pero no tiene porqué ser así y se puede prescindir de la primera en pos de la segunda.

Victima es una obra del colectivo Democracia que ha realizado un arte de implicación política

Se trata pues de establecer un diálogo con el espectador, llevarle a una profunda reflexión sobre algunos de los temas sobre los que solo interesa pasar por encima, sobre aquellas noticias que se callan o de las cuales ya no interesa hablar por la simple razón de que ya no están de moda y necesitamos novedades diarias para alimentar nuestras conversaciones y opiniones personales, pero son temas, como decimos, que penetran en los huecos del sistema y señalan cuales son los fallos que deben ser corregidos o bien las incongruencias que a veces se plantean⁶.

Hacia ello debe orientarse el artista contemporáneo, existen muchos artistas que saben pintar o esculpir bien. A un verdadero artista se le debe pedir algo más, un paso adelante en este tipo de reivindicaciones, un posición clara y militante, crítica y reflexiva sobre todo aquello que nos rodea.

1“La modernidad nos ha hecho libres y ha logrado ensanchar el concepto de obra de arte más allá de la imitación artesana, aunque mucha gente tiene dudas sobre el uso que muchos artistas están haciendo de esa libertad”. Fernando Torres Rodríguez. Hacia la madurez de la modernidad. Junta de Castilla y León 2009

2“Cabe preguntarse en esta sociedad consumista, ávida de novedades, donde se intentan atraer cada vez mas aficionados a los contemporáneo para justificar grandes inversiones, que sentido tienen propuestas que partiendo de la experimentación del siglo pasado apostarán por profundizar en ella desligándose de la inmediatez del comercio”. Fernando Torres Rodríguez. Opus cit.
Kandinski decía que una obra de arte debe ser reflejo de su tiempo y no debe mirar nunca al pasado porque en ese caso nacería muerta. Kandinski V. De lo espiritual en el arte. Editorial Paidos 1996

3Susan Sontag nos dice que la fotografía surgió como enemigo mortal de la pintura pero la situación se fue suavizando. Así pues liberada de la simple tarea de representación, cosa que ya hacía la fotografía pudo lanzar se a una tarea mas elevada como era la abstracción, apoyándose a veces en la fotografía para poder realizar algunas composiciones. Por tanto la abstracción tenía una finalidad que ha dado multitud de maneras diferentes de llegar a ella. Susan Sontag. Sobre la fotografía. Barcelona. Abril 2013

4Guy Debord decía que desde 1950 el arte estaba muerto y que debía ser superado por una nueva forma de vida y actividad recolucionaria. Debord veía en el arte como un instrumento al servicio de la revolución, una revolución que sería parte de su contenido y realización. Esa invitación de Debord parece haberse desarrollado en el último tercio del siglo pasado en todo tipo de revoluciones sociales, sexuales, coloniales o políticas que tuvieron como inicio del body art o el happening. Carlos Jiménez Moreno. La escena sin fin. El arte en la era del Big Bang. Microgemas. Miurcia 2013

5“Se trata de un arte político que salga de lo ideológicopara producir un concepto de relevancia para el presente que supere y adquiera sedimento con el tiempo” Fernando Castro Flórez. Arte y política en la era de la estafa global. Editorial Sendema. 2014

6Fernando Castro afirma que el arte no debe ser gobernado y que solo puede mostrarse como tal a través de la resistencia, se trata de la negativa a aceptar como verdadero lo que la autoridad dice que es verdad. Fernando Castro Flórez. Opus cit.