La pintura romántica para niños

Podríamos decir que la época en la que se desarrolla la pintura romántica es justo después del Neoclasicismo, ya que surge como un movimiento de reacción a este movimiento y a las normas que propugna. Así que estaríamos hablando de primera mitad del siglo XIX, aunque hay artistas tanto anteriores a estas fechas como posteriores que también tienen influencia romántica.

Mientras que el Neoclasicismo ensalzaba valores que tenían que ver con la antigüedad clásica, volviendo sus ojos a los grandes periodos de Grecia y de Roma, el romanticismo rendía culto a la edad media y a las mitologías de países del norte de Europa en contraposición a la mitología tradicional que invade la cultura occidental.

La belleza ideal que propugnaba el neoclasicismo se abandona y se sustituye por escenas donde la pasión, lo imaginario, el desorden y el caos tienen su momento de desarrollo, junto a ellos la representación de personajes en una naturaleza que no llegan a dominar, se trata de personas que se encuentran en escenas donde lo místico o en algunos casos el mundo de los sueños, hace su aparición, con unas grandes dosis de sentimentalismo.

Quizás estemos ante un movimiento social que aprecia al individuo por encima de otros valores, los sentimientos son mucho más importantes que la razón, por tanto entran en juego otros valores como son la sensibilidad del ser humano, su capacidad de imaginación o lo sujeto que se encuentra a las pasiones.

Ello nos lleva a que muchos artistas practiquen el individualismo, es decir, por primera vez estos artistas se liberan de los encargos que le han sido realizados por una persona o institución y se atreven a pintar por su cuenta aquello que les motiva o les apetece. Se trata de un gran paso en el desarrollo de la historia del arte, porque hablamos de la libertad del artista en la creación, una novedad que no hemos visto hasta este momento.

La naturaleza también es una constante en la obra romántica, una naturaleza que el ser humano no puede dominar (en contradicción a lo que expresaban los clásicos), por ello surge un sentimiento pesimista que se puede apreciar en muchas de sus obras. Lo trágico será también una de las señas de identidad de este movimiento.

En vez de poner los ojos en la antigüedad clásica vuelven su mirada hacia la Edad Media, además como una época de referencia espiritual, por eso no es extraño observar paisajes en ruinas de edificios de esta época. Al mismo tiempo si otros artistas viajaban a Grecia o Roma como lugares de referencia, los artistas románticos se centran en el exotismo de otras civilizaciones, como el mundo árabe, sus gentes y edificios. Así que tendremos artistas que van a viajar a países del norte de África como Marruecos, Tunez, Argelia o que vendrán a España para ver los restos de la civilización musulmana en este país,

El movimiento tuvo un gran desarrollo en diferentes países europeos, con artistas muy destacados, como William Bake, Friedrich, Antoine-Jean Gros o Francisco de Goya en sus obras de última etapa. 

¿Que papel juega la obra dentro del sistema del arte?

Quizás una de las primeras cosas que debemos hacer sea definir el concepto de obra de arte, un término que no empieza a utilizarse hasta el siglo XV y donde se mezcla la naturaleza creadora de Dios, la naturaleza y la capacidad del hombre para imitar las formas que esta nos ofrece. Es decir la condición humana adquiere algo de divina en la capacidad para crear formas que imitan las creaciones de la naturaleza.

La obra de arte aparece como algo creativo, un hombre capaz de crear de "dar vida" conceptos que hacen que esa capacidad creadora sea la que le da un aura divina a los artistas, un algo diferente que les hace distintos del resto de los humanos. Eso ocurre tanto en el pasado como en el presente.

Hasta el siglo XIX la obra de arte era de encargo, el pintor la realizaba para un patrón concreto que a veces tenía sus propias exigencias, pero desde mediados del XIX se produce una independencia de la pintura con el impresionismo, la obra dejará de tener destino en un patrón concreto para estar destinada a toda la humanidad, la proyección de la obra, según Theodor Adorno, cambia y será algo dinámico.

Así entendemos por una obra de arte un objeto producido (incluso una cosa), se supone que la obra tiene un contenido espiritual que favorece su circulación, tiene un principio y un fin (unos límites que no parecen claros en la actualidad), la obra es un mundo en pequeño con sus propias fronteras y por último podemos decir que la obra es única e irrepetible (un concepto que tampoco queda claro en la era de la reproducción de la imagen como la que vivimos).

Claro que el avance la posmodernidad se produce un cambio en el papel tradicional de la obra de arte con algunos parámetros diferentes a los que acabamos de citar en el parrafo anterior, veamos esos cambios que afectan a la obra de arte en la actualidad:

• Vivimos una crisis de los soportes tradicionales y algunos estilos cuyos límites no parecen claros, ya que en muchos casos no podemos definir una obra como pintura, escultura o instalación. Se introducen nuevos términos aplicados a intentar definir algunas obras como por ejemplo pintura expandida, pintar sin pintura, eso por no hablar de como el vídeo o el ordenador han podido cambiar nuestra forma de percibir el arte.
• La obra abandona su contenido "espiritual" para abrazar un mensaje de tipo conceptual que incluye un argumento, una base teórica sobre la que comenzar el análisis de la obra
• Cuando decimos que antiguamente las obras tenían un principio y un fin nos referimos a que fueron creadas para ser colocadas en un lugar concreto, pero esta situación es imprevisible en la actualidad con la cantidad de mediadores que existen, como galerías, museos, subastas o ferias de arte.
• La obra se plantea como algo abierto, donde el espectador puede participar, la estructura de la obra es dinámica.
• No existe un tema concreto sobre el que deba tratar, ya que el creador tiene plena libertad para plantear lo que mejor le parezca.
• El tema de la originalidad de la obra existe, pero al mismo tiempo se han incorporado nuevos conceptos como reproducción masiva, serialidad, multiplicidad, repetibilidad que suenan de vez en cuando con el fin de acceder a mayor cantidad de público (no tenemos mas que pensar en las series fotográficas u obras de video de las que se venden 3 ó 5 ejemplares y pruebas de artista o bien grabados y serigrafías de las que se realizan 100, 200 o 1000 copias a veces incluso firmadas por el artista)

Actualmente para que una creación sea reconocida como "obra de arte" debe ser reconocida antes por las instituciones que sostienen el sistema, si la obra no está insertada o ha pasado por los canales tradicionales como Museos, Galerías de Arte, Salas de Exposiciones o Subastas, no se encuentra dentro del sistema y por tanto no puede calificarse como obra de arte, debe ser sancionada por alguno de los elementos que componen el sistema del arte, hasta por los críticos de arte, aunque debemos decir que el mejor crítico para cualquier obra es el paso del tiempo.

Esta idea el tiempo es importante ya que la obra no debe ser una burla contra la institución o el sistema sino que debe mantener la coherencia para mantenerse en el tiempo.