La Madonna de Edward Munch

Munch es quizás el artista mas representativo del expresionismo, un movimiento entre cuyas características se incluyen el uso de unas largas y sueltas pinceladas, el contraste de colores, con una gran presencia de colores oscuros y unos temas que sueles ser trágicos o tristes. Tenemos una gran referencia en España de este tipo de obras, ya que Francisco de Goya realizó sus pinturas negras en los muros de su domicilio con este estilo, incluyendo deformidades en la cara o el cuerpo de los personajes, debido al uso de una pincelada excesivamente suelta.

Munch vivió entre 1863 y 1944 por centrar la época en la que nos situamos, es decir es un artista que trabaja a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en plena efervescencia de diferentes estilos artísticos que conviven buscando nuevas vías para una pintura asustada por el auge y la perfección de la fotografía.

Existen varias versiones de esta Madonna que hoy nos ocupa, concretamente cinco, que incluyen pequeñas variaciones entre ellas, pero mantienen la posición y composición de la figura representada. Esta obra estaría realizada entre los año 1892-1895. Por tener una referencia, la obra más conocida de Edward Munch, El Grito, fue pintada en el año 1893, es decir estamos en la misma época en la que pinta su obra cumbre.

Lo que es bastante extraño es interpretar lo que quiere representar en esta obra. El título alude a una representación de la Virgen María. Aunque es cierto que Munch no mostró ningún interés por la temática religiosa y menos en el momento en que pinta la obra, con lo cual existen bastantes dudas sobre si esta obra puede representar a la Virgen María. Resultaría muy extraño que además de muestre en esta postura tan sensual y provocativa.

Mas bien deberíamos inclinarnos a una representación del amor, el amor decadente, al mismo tiempo sensual y provocativa, ya que cierra los ojos, como si estuviera disfrutando el momento y levanta uno de sus brazos para poder destacar sus atributos personales, una idea que ya utilizó Ingres en El Baño Turco o que hará Picasso después en Las Señoritas de Aviñón.

Al mismo tiempo sugiere la posición y forma de figuras de mártir, como San Sebastián representado por Boticelli, una sugerente figura que acepta su destino de ser atravesado por las flechas lanzadas por sus torturadores.

El pintor José Gutiérrez Solana para niños

Este artista madrileño ocupa una posición extraña dentro del arte español de principios del siglo XX, ya que su pintura es muy complicada de encajar en el concepto artístico de las vanguardias que se desarrollan en esos años y ante las cuales Solana aparece como independiente a todo lo que ellas representan.

La tertulia del Café del Pombo

Se dice que sus imágenes conectan estilísticamente con las ideas de la generación de 1898, aunque en realidad no pertenecen a ella. Sus obras se encuentran más cercanas al expresionismo, con precedentes en las pinturas negras de Francisco de Goya, pero tampoco son expresionistas, sino que tienen un punto decadente que enlaza con el costumbrismo propio de algunos artistas españoles de finales del siglo XIX, quizás con alguna conexión con Ignacio Zuloaga.

Lo cierto es que la pintura de Solana tiene un estilo muy particular y peculiar, completamente diferente a otros artistas. Cuando sus profesores de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando le preguntaban que porqué pintaba de esa manera, él se limitaba a decir: "porque me da la gana". Su pintura no tiene nada que ver con lo que se está haciendo en Europa al mismo momento.

Para trazar una pequeña biografía de Gutiérrez Solana, debemos decir que nació en Madrid en 1886, sus padres eran primos hermanos y quedó obsesionado por la muerte de su hermana María Gloria en 1891, no era un niño que hiciera cosas muy normales, las máscaras le gustaron desde muy pequeño. El desastre colonial del 98 conduce a su padre a la muerte cuando tiene 14 años y consecuencia de ello, su madre, de nombre María Manuela, comienza con trastornos mentales, que terminan en un proceso que le conduce a la locura. Como vemos el ambiente puede influir tanto en su obra como en su forma de pintar. Asistió a la escuela de Bellas Artes de San Fernando y comienza a dar importancia a temas como la muerte, la máscara, el cuerpo frío, el carnaval, beatas, curas, trabajadores, espectadores, suburbios, interiores de cafés, el anonimato. Aficionado a la tertulia, tuvo gran amistad con Ramón Gómez de la Serna, el cual le dedicó uno de sus libros y al que veía semanalmente en el Café del Pombo de Madrid. De esa ciudad saldrá en pocas ocasiones, Paris, Valencia durante la guerra civil, hizo adhesión al régimen de Franco al concluir la guerra y falleció en la capital de España en 1945.

Es un pintor que sabe perfectamente captar el ambiente, su mundo es completamente sórdido, no le interesa el paisaje o la descripción urbana, pero si los tipos, los personajes que se mueven en un ambiente concreto, sin afán ninguno de crítica, sino solo para mostrar y presentar al espectador como actúa esa gente que se mueve en el ambiente madrileño de principios del siglo XX.

Muchas veces nos muestra imágenes de una España negra, escenas de Cristo, corridas de toros, procesiones recorriendo el pueblo, son imágenes de una España tradicional, donde la cultura se mezcla con el dolor y las lágrimas, con la muerte siempre rondando el ambiente.

Solana. La visita del Obispo

Vídeo con las principales características del expresionismo

Tenemos un vídeo donde explicamos el expresionismo a los niños de forma fácil y con algunos ejemplos pictóricos, tanto de sus cuadros más representativos, como de algunos precedentes, como en obras de Francisco de Goya.

En el podemos apreciar los tres principales elementos que se dan cita en las obras expresionistas de estos artistas: los temas tristes o trágicos, la utilización de colores oscuros o en contraste y las deformaciones físicas para representar a los personajes incluidos en los cuadros.

Como siempre, esperamos que lo disfrutéis. Seguiremos haciendo más vídeos relativos a las vanguardias artísticas

¿Como explicar el expresionismo a los niños?

El expresionismo es una vanguardia artística que surge a principios del siglo XX y en la múltiples artistas van a verse influenciados por este movimiento. 

Surge como una reacción al impresionismo y sobre todo al ambiente positivo que intentaba transmitir con sus obras, teniendo una actitud más cercana al sentimiento interior del artista, a su propia expresión. Pese a que fueron, como decimos, muchos los artistas que participan del movimiento, su principal foco de creación y desarrollo será Alemania.

Si analizamos un cuadro expresionista y tenemos que explicarle a un niño cuales son las principales características, nosotros pensamos que existen tres que destacan sobre el resto.

Por un lado da la impresión de que los temas que trata el expresionismo siempre son tristes o trágicos, cuando miramos alguna de estas pinturas, como por ejemplo el conocido Grito de Much nos damos cuenta de que algo grave está sucediendo, aunque no sabemos exactamente que es lo que puede ser, quizás es una interpretación que el artista deja al espectador, pero ese personaje, en medio de un puente, con esa cara de pánico, no nos está indicando que suceda nada bueno. Francisco de Goya se le conoce como un precedente del movimiento, sobre todo por el tratamiento de sus pinturas negras, en algunas de sus obras, como por ejemplo El Perro Semihundido, nos ocurre lo mismo, una sensación de que algo muy malo le está ocurriendo al animal que parece atrapado en una zona llena de arena de la que da impresión que no se puede mover.

En segundo lugar la utilización del color, el expresionismo suele utilizar colores oscuros, muy pocas veces utiliza el color claro, el blanco por ejemplo solo aparece en contraste con el negro y en ocasiones solo se utiliza durante el expresionismo abstracto como observamos en las obras de Jackson Pollock. Si pensamos en las pinturas negras de Goya podemos apreciar esos grandes contrastes de color, negro, blanco, tonalidades marrones oscuras y el rojo que en el caso del pintor aragones siempre alude a la sangre, añadiendo al cuadro una fuerza sin igual. Curioso resulta la utilización del color gris en diferentes tonalidades en El Gernica de Picasso, a veces incluso con tonalidades azuladas, pero el maestro de Málaga consigue con ese color dar al cuadro la fuerza expresiva que necesita para transmitir todo el dolor provocado por la guerra.

En tercer lugar el expresionismo utiliza deformidades físicas para dotar de fuerza a sus cuadros, podemos observarlo perfectamente en la obra de Much que tenemos como ejemplo, las manos del personaje, la propia cara, la disposición del cuerpo está introduciendo estas deformaciones. Goya no es ajeno a este uso, en Saturno devorado a sus hijos podemos comprobar claramente estas deformaciones en el rostro y el cuero del padre que tiene a sus hijos en sus manos. La deformación ayuda a crear ese ambiente de misterio en el cual muchas veces se ven envueltos estos cuadros.