Ciencia y Caridad de Pablo Ruiz Picasso

Para nosotros Picasso es conocido como el padre del cubismo y un autentico revolucionario en la historia del arte del siglo XX por su forma de comprender la pintura, pero la obra que vamos a ver hoy pertenece a su primera etapa y nada tiene que ver con todo esto sino que forma parte de su etapa de formación.

La obra se pintó en el año 1896, si tenemos en cuenta que Picasso nació en 1881, cuenta con tan solo 15 años cuando realiza la obra, una edad muy temprana. Pero si es interesante analizar que Picasso tiene un perfecto dominio de la técnica desde muy joven. Quizás su padre, que era profesor de dibujo y pintura inculcó a su hijo los valores y las maneras de hacer de los buenos artistas, lo hizo desde la época que pasaron en La Coruña y después ya asentados en Barcelona. Así que cuando pensemos en Picassso como un artista que pinta cosas raras y abstractas, deberíamos tener en cuenta que tiene un perfecto conocimiento de la técnica pictórica y de como aplicarlo. Una vez dominada esa materia trata de hacer algo nuevo y sobre todo de trascender dentro de la historia del arte.

En el momento en que Picasso trabaja en este cuadro esta de moda una corriente costumbrista y también una realista que se preocupa por los temas sociales debido a la incipiente industrialización que viven varios países europeos. También durante la etapa azul y rosa mantendrá esta preocupación social ligada a movimientos de izquierdas. Es aquí donde debemos enmarcar la obra de Picasso, tanto en el detallismo costumbrista como en la preocupación por la ciencia, que está realizando grandes avances en esa época.

El cuadro describe como una mujer bastante enferma es tratada por un médico que como vemos le está tomando el pulso, mientras una monja se encarga de cuidar a su hijo porque ella no puede valerse por si misma. Cada uno de los personajes representa una de las palabras del título del cuadro, el médico es la ciencia mientras que la monja representa la caridad.

En estos primeros cuadros los modelos que utiliza serán gente de su entorno, el médico por ejemplo es su propio padre, para la enferma y el niño contrato a una indigente de la zona donde vivía y le pagó la cantidad de 10 pesetas, por su parte la monja sería una amiga de la familia.

Es curioso fijarse en algunos detalles como el cambio de color en la pared del fondo o como la humedad a desteñido parte de los colores de la ventana que se encuentra en la parte izquierda. También ese adorno modernista encima de la mujer enferma.

Parece ser que hay una corriente de realismo hospitalario que pudo servir a Picasso como inspiración, en el post incluimos dos obras que pudieron influirle para pintar esta. Se trata de La Visita de la Madre al Hospital pintado en 1892 por Enrique Paternina o bien Una sala de hospital durante la visita del médico jefe realizado por Luis Jiménez Aranda y conservados ambos en el Museo del Prado

El cubismo sintético explicado a los niños

El cubismo pasa por diferentes fases en un cambio constante desde su inicio en el año 1907 hasta su conclusión final, que tiene lugar con el inicio de la primera guerra mundial en el año 1914. Tras esta fecha otros pintores podrán practicar o experimentar con el cubismo, pero ya no se producirán avances ni cambios en esta forma de expresión pictórica.

Pablo Picasso 1914. Naturaleza muerta verde

En las dos fases anteriores teníamos el inicio del cubismo reaccionando de forma fuerte contra la fotografía, eliminaba la tercera dimensión, reducía a lineas los cuerpos de las personas y los objetos y descomponía alguna de las figuras para poder ser observada desde distintos puntos de vista.

La segunda fase es la del cubismo analítico donde se le da una gran importancia a la descomposición, de manera que nos es muy difícil reconocer aquello que se trata de representar, porque la geometrización de descomposición es tan grande que prácticamente parece un cuadro abstracto.

La tercera fase del cubismo estaría representada por el cubismo sintético, que abarca los años 1912-1914, donde Braque juega un papel importante en su inicio, ya que fue él quien comenzó a pegar papeles decorados en la pintura, como si fuera un collage. Es común observar papeles de periódico en las obras de este periodo, así como papeles pintados con diferentes colores, que ayudan a componer su trabajo.

George Braque. Clarinete, guitarra y frutero

Aparecen las líneas curvas frente al hermetismo recto de las fase anteriores.

Si en la fase anterior del cubismo analítico los colores eran completamente planos y en muchos casos se reducían a una gama de grises y ocres, en esta fase los colores serán mucho más vivos con la incorporación de rojos, verdes y azules.

Estas obras son más fáciles de reconocer que las anteriores, si en el cubismo analítico las obras tienden a la abstracción, ahora es posible reconocer los objetos, aunque se reducen solamente a sus partes esenciales, pero es posible que nuestra mente los pueda asociar de forma más simple que en el periodo anterior.

Serán múltiples los objetos que forman parte del collage, hemos citados los papeles de periódico, pero también encontramos cajetillas de tabaco, papeles que decoraban las paredes de las viviendas, partituras de música, cajas de cerillas, cartas de una baraja. Estos elementos se mezclan con otros tradicionales, como los brochazos pictóricos.

George Braque Violeta de Parma

El cubismo analítico explicado a los niños

El cubismo surgió en el año 1907 cuando dos pintores, Pablo Picasso y George Braque, llegarán a la misma conclusión en un momento muy parecido. Aunque los dos están muy próximo en el tiempo será Pablo Picasso el que sea más conocido de los dos, aunque no solo crean un cuadro cubista sino que continúan con unos experimentos similares después de esa fecha.

George Braque. El Portugués

Debemos partir de la base de las características que tiene el cubismo para comprender este movimiento analítico, las aportaciones de este movimiento se centran en: la desaparición de la tercera dimensión, la simplicidad en las formas que se reducen al mínimo y la descomposición de las figuras y objetos para que sean observados desde distintos puntos de vista.

A partir del 1909 Picasso y Braque van a experimentar y avanzar en el desarrollo del cubismo y así surgirán dos tendencias, el cubismo analítico y el cubismo sintético. El primero que es el que a nosotros nos interesa hoy lo primero que hace es reducir la gama de colores, cuando miramos algunos de estos cuadros nos da la impresión de que solo han utilizado el color gris y alguna tonalidad ocre.

Ahora mismo lo importante para ellos es la descomposición de la realidad, tanto de figuras como de objetos. Todo se reduce a formas geométricas que colocadas en el cuadro hacen que sea difícil una identificación de lo que se trata de representar, entre otras cosas porque la tendencia es hacer un cuadro abstracto. Puede ser que algún detalle nos indique algo, una corbata, la nariz de la cara, una botella, las letras de un periódico, pero el resto es completamente ilegible para una asociación mental con algo reconocible. Los puntos de vista se reproducen y en muchos casos se hacen tan pequeños que confunden al espectador.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard

La figura humana dejará de ser el centro de atención y solo se utiliza como una excusa para comunicar, se trata de un mero objeto, difícil de diferenciar del mobiliario, una botella o un periódico que se encuentra sobre la mesa. Pero al mismo tiempo se busca la implicación del espectador que debe indagar y descubrir en el cuadro cuales y como son esos objetos representados. El color, prácticamente monocromo, no ayuda mucho a la identificación.

Hubo diferentes críticas a esta tendencia, sobre todo por parte del futurismo, que decía que le faltaba el movimiento y la velocidad que impregnaban los tiempos modernos. Para ellos este estilo de pintura era demasiado estático. Existirán intentos por unir las dos tendencias como en alguna de las obras de Marcel Duchamp (Desnudo bajando la escalera).

Lo que los futuristas y otros movimientos de vanguardia no podían negar es la influencia que sobre ellos tuvo el cubismo como primer gran movimiento de ruptura con la forma tradicional de pintura que se venía practicando desde el Renacimiento.

George Braque

El cubismo en tres simples pasos

El cubismo es uno de los movimientos más revolucionarios de principios del siglo XX y lo asociamos principalmente a Pablo Picasso, aunque fue practicado de una u otra manera por la mayoría de artistas que trabajan en las primeras décadas del siglo XX, ya que el estilo aparece como una referencia para la mayoría de los artistas.

Debemos tener en cuenta en el nacimiento del cubismo el shock que para la mayoría de los artistas supone la irrupción de la fotografía durante la segunda mitad del siglo XIX, muchos retratistas abandonaron la pintura y se pasaron a la fotografía, mucho más perfecta en la ejecución de las obras. ¿Cual era el futuro de la pintura si la fotografía podía representar la realidad de una manera mucho más fiel? La respuesta a esta pintura resulta complicada, pero lo experimentos llevados a cabo por diferentes artistas darán como fruto el surgimientos de diferentes estilos que conocemos con el nombre de vanguardias.

Tres son las grandes características del cubismo, no es que sean nuevas, ya que algunas ya podíamos observarlas en el pasado, pero la mezcla de las mismas hace que el estilo se convierta en original y diferente de lo hecho hasta el momento.

El primer paso del cubismo es la eliminación de la tercera dimensión, es decir en el cuadro se elimina la profundidad y solo se aprecia en el cuadro el ancho y alto, pero da la impresión de que todos los objetos y personas se encuentran representados en el mismo plano.

El segundo paso del cubismo es la simpleza a la hora de representar los personajes u objetos representados en el cuadro. Picasso estaba influido por un par de exposiciones sobre arte africano que pudo observar y también por la nula complicación de la pintura románica a la hora de representar las figuras. Es decir con unas pocas lineas se compone una figura, todo muy simple, nada complicado.

El tercer paso del cubismo será la descomposición de las figuras u objetos para poder ser observados desde distintos puntos de vista. Si la fotografía solo nos ofrece un punto de vista que puede ser por ejemplo frontal, lateral, alto, bajo, en pintura tratan de hacer algo diferente representando diferentes partes del cuerpo de una persona desde distintos puntos de vista, que incluyen también mayor o menor grado de luz. Esta descomposición que empieza por cosas muy pequeñas, terminará invadiendo todo el cuadro hasta llegar a una representación de tan difícil interpretación que se convierte en abstracto.

Estas son algunas de las principales características del cubismo que pueden observarse en la mayoría de los cuadros de este estilo. Como vemos se trata de un movimiento que trata de reaccionar contra la irrupción de la fotografía, tratando de crear algo nuevo, diferente, algo no visto hasta ese momento sobre un lienzo.

Si te apetece ver un vídeo sobre este tema, aquí lo tienes:

 

El intruso obra del Equipo Crónica

El Equipo Crónica tiene su origen en valencia, cuando tres artistas bajo la tutela de Tomas Llorens redactan un manifiesto con sus pretensiones y se lanzan a representar apropiaciones de cuadros famosos y artistas pop para criticar algunas de las situaciones que se producen en España bajo la dictadura. Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo formarán parte del grupo, aunque el trío pronto se convertirá en dúo ya que Toledo abandonó pronto este proyecto.

El cuadro representa la irrupción de forma abrupta de El Guerrero del Antifaz, espada en mano,  en la mítica obra de Picasso titulada Guernica. El Guerrero del Antifaz fue un héroe medieval, que había alcanzado una gran popularidad en el comic durante la época franquista, se trataba de un niño católico criado en territorio musulmán durante la edad media hispana que, al enterarse de su origen y ante la poca ayuda recibida, renegará de aquellos que le criaron para luchar contra los católicos en todo tipo de aventuras.

En el cuadro apreciamos como el Guerrero parece arrasar con todo aquello que se interpone en su camino como si estuviera protagonizando la masacre, además algunos de los símbolos que representa el personaje también se identifican con algunos utilizados por el bando nacional durante la guerra civil.

Además debemos tener en cuenta otra cosa, en el momento en que se pinta, el año 1971, Franco y su gobierno no quería saber nada de este cuadro, que tenía unas claras connotaciones políticas para ellos, aunque Picasso lo pintara como una alegoría de la paz. La relación entre Picasso y Franco fue inexistente, de hecho el artista malagueño regaló el cuadro al estado español pero solo con la condición de que Franco debía estar muerto, hasta ese momento la obra, que fue exhibida por primera vez en 1937 en la Exposición Universal del París, estuvo en Nueva York, hasta que fue reclamada por el gobierno español, ya durante la democracia para ser expuesta primero en el Museo del Prado y después en el Centro de Arte Reina Sofía.

Podéis encontrar más información sobre el Guernica de Picasso en este enlace.

El Harén de Pablo Picasso cuadro premonitorio del cubismo

En el año 1906, un año antes de que se pinte el primer cuadro cubista de la historia del arte, Pablo Picasso realiza una obra cuya temática es exactamente igual que la que va a aparecer en Las Señoritas de Aviñón, obra de 1907 que da inicio a la temática cubista y que supone una revolución y una referencia para la mayoría de artistas que trabajan en la primera mitad del siglo XX, ya que todos, de una u otra manera estarán influenciados por las características del cubismo.

El harén es una obra con características de la etapa rosa de Picasso, sobre todo en el color, que tampoco podemos calificar como rosa, sino más bien como anaranjado o un pálido color salmón. Pero será este un color que vemos en otras obras de esa etapa que va desde 1904 a 1906, en ella además del color algunos personajes generalmente tristes y apartados de la sociedad suelen ser los protagonistas de sus obras.

Lo que representa este cuadro es el momento en el que Pablo Picasso visita una casa de prostitutas y se encuentra observando a las mujeres mientras come y bebe algo. Las mujeres se encuentran arreglándose, quizás momentos antes de empezar su jornada. Como podemos observar una de ellas se está peinando, otra parece que se lava uno de sus muslos y la que se encuentra apoyada en la pared se pinta los labios reflejando si rostro en un pequeño espejo. Hay dos mujeres más, una de ellas ya ha terminado el arreglo y levanta sus brazos para ofrecerse a los clientes y que decidan irse con ella, levanta los brazos para ofrecer una visión mas esbelta de sus pechos. Al fondo tenemos otra mujer, que parece una vieja y se encuentra vestida, a la que podemos considerar la Madamme de la casa, la dueña, la encargada de cobrar cuando el cliente decide ocuparse con una de las chicas.

Este tema será el mismo que se represente un año después en Las Señoritas de Aviñón, un hombre visita una casa de prostitutas y observa como estás salen detrás de una cortina para ofrecer sus cuerpos desnudos y que así el cliente pueda decidir con quien le apetece más pasar un rato. Al lado del hombre, al igual que en el otro cuadro, algo de alimento.

La vida de Pablo Picasso obra de la etapa azul

Picasso al igual que otros artistas de su época sufre una fuerte evolución que le lleva desde los estilos tradicionales, en su caso el costumbrismo, hasta el descubrimiento de un nuevo estilo, el cubismo, que en poco tiempo le conducirá a la abstracción, aunque nunca abandonará la seña de identidad de su pintura que comienza en el año 1907 tras múltiples investigaciones.

En esa evolución hacia el cubismo nos encontramos con la etapa azul de Pablo Picasso, un momento artístico del autor que tiene lugar entre los años 1901-1903 y que nace como consecuencia de la muerte del poeta, amigo de Picasso, Carlos Casagemas, que se suicidó muy joven tras un desengaño amoroso, en el que dicen que Picasso estuvo implicado, ya que tuvo algo que ver en la ruptura de la pareja.

Esta obra refleja bastante bien e incluso de forma autobiográfica en algún caso, algunas de las características de la etapa azul de Picasso, nos referimos a aquella en la que el artista siente identificación con los seres más pobres e humildes de la sociedad. Mendigos, alcahuetas, desarrapados, en una palabra lo que el mismo pintor está sufriendo en un momento en el que sus obras no son suficientemente conocidas y se las ve y se las desea para poder vender su trabajo, afortunadamente para él las cosas cambiaran en poco tiempo.

Es por ello que el cuadro se desarrolla en el estudio de un artista, que puede ser el propio Picasso, porque vemos algunas obras en las que está trabajando al fondo. Se trata al parecer de una pareja, tan pobres que ni siquiera tienen dinero para comprar ropa con la que vestirse, esa el la razón por la que aparecen desnudos. La pareja tiene un niño pequeño, pero incapaces de poder mantenerlo de forma digna deciden entregarlo a una mujer que pueda hacerse cargo de él y por lo menos asegurarle la comida. El desgarrador momento de la entrega es lo que se representa en este cuadro, por eso las dos figuras que forman la pareja se encuentran con esos rostros consternados ante la decisión tan trágica que han tenido que tomar respecto a su hijo.

Ahí tendríamos la segunda característica de esta etapa azul, junto a la identificación por los humildes (que llevará al artista a la militancia en el Partido Comunista) a la tristeza que presentan los cuadros de esta época, los temas representados siempre nos conducen a este tipo de situación que enlaza, como deciamos con el fallecimiento de su amigo Casagemas.

Junto a ello la presencia del color azul dominando toda la escena del cuadro, un azul en diferentes tonalidades que inunda cada una de las partes que componen el cuadro y que conforma la tercera característica de este momento artístico en los inicios del trabajo del artista malagueño.

Pablo Picasso para niños

Si tenemos que resumir la biografía de Pablo Picasso para niños, debemos decir que nació en Málaga, aunque su familia se traslada al poco tiempo a Barcelona, donde el artista vivirá sus primeros años como artista y entrará en contacto con otros pintores de la época. Era un artista muy avanzado llegando a realizar unos temas costumbristas sorprendentes con tan solo 16 años de edad.

Al comenzar el siglo XX y tras la muerte de su amigo, el poeta Carlos Casagemas su pintura da un vuelco influenciada por ello y comienza lo que conocemos como la etapa azul, cuyas características se verán prolongadas en los años 1905 y 1906 cambiando la tonalidad cromática al rosa, dando nombre a la etapa del mismo color. En estos momentos Picasso se ha trasladado a Paris donde en contacto con otros intelectuales de la época va a componer el cuadro que será una revolución en la historia del arte del siglo XX, se trata de Las Señoritas de Avignon, la primera obra cubista pintada por el artista en el año 1907 y que sirve como referencia a otros muchos artistas que la contemplan como un modelo a través del cual empezar a componer sus obras.

Lo importante del cuadro es que Picasso es capaz de ofrecer algo que la fotografía no puede, observar cuerpos y objetos desde diferentes puntos de vista, para que así tengamos una perspectiva mayor. Para ello adelanta el fondo al primer plano, elimina la tercera dimensión y toma partes del cuerpo y objeto desde diferentes posiciones, para que nosotros podamos contemplarlos en el cuadro tal como los veríamos observándolos desde esos puntos de vista, incluso con sus diferentes tonalidades de color o sombra. 

Picasso es un pintor cubista y eso lo mantendrá toda su vida, tanto en sus dibujos, esculturas o realizaciones pictóricas o sus experimentos con la cerámica, pero hay momentos en los que se acerca a otros estilos artísticos que están de moda en ese momento o bien porque se ha sentido influenciado por ellos. Por ejemplo tras llegar a la abstracción a través del cubismo pasará por una etapa clasicista, muy influenciado por la escultura clásica, tendrá un pequeño acercamiento al surrealismo a finales de los años 20 y principios de los 30 y compondrá una de las obras cumbres del arte del siglo XX, el Guernica, un alegato contra la guerra y a favor de la paz, no solo en España sino aplicable a cualquier país que se encuentre en esa situación.

A nivel personal su vida no fue excesivamente fiel por decirlo de alguna manera, tuvo varias esposas, amantes, varios hijos con cada una de ellas, a las cuales ponía a vivir juntas al mismo tiempo que él estaba con una nueva. En ese aspecto no es un gran modelo de comportamiento. Se aprovechaba claramente de su fama y del aura artística para conquistar mujeres de todo tipo y condición.

Falleció en el año 1973 en Francia, no pudiendo cumplir uno de sus grandes deseos, morir después que Franco, dictador español tras la guerra civil y al que no se sentía unido ideológicamente. Tiene una vida muy longeva y una producción artística muy abultada en todo tipo de soportes. Sin duda es una figura clave para la historia del arte, su aportación artística es revolucionaria como ya hemos indicado.