¿Sabía pintar Pablo Picasso?

Algunas de las personas que observan los cuadros cubistas de Pablo Picasso a veces ponen en duda su capacidad como pintor. Ello es debido a que una de las características del cubismo es la simpleza en la composición de las formas que en muchos casos, las reducen a la mínima expresión. Por ello da la sensación que cualquiera puede repetirlo e reproducirlo sin problema ya que con unas simples líneas podríamos componer una figura u objeto. Pero todo tiene una explicación y de ello vamos a hablar en este post.

Ante la pregunta de si Picasso era buen pintor, la respuesta es que si. Si entendemos por un buen pintor alguien que domina la técnica y que es capaz de representar con realismo personas y objetos colocados en tres dimensiones. Si es así Picasso, como otros muchos artistas, tiene un perfecto conocimiento tanto de las técnica pictórica como de las proporciones de los personajes u objetos representados.

Esto podemos observarlo en algunas de sus obras de primera época. Sus primeros cuadros, que pinta con tan solo 16 años, son un buen ejemplo de dominio de la técnica. Se trata de dos obras de tipo costumbrista que realiza utilizando como modelos a personajes de su familia. Llevan por título "Ciencia y Caridad" y "La primera comunión" y en ellas podemos observar un perfecto uso de la pintura y sus proporciones, al mismo tiempo un realismo casi fotográfico y un detallismo típico de las pinturas costumbristas, que estaban de moda en España en la época en la que Picasso realiza estos cuadros, estamos hablando de una fecha cercana al año 1896. Picasso había nacido en el año 1881.

A partir de el comienzo del nuevo siglo Picassso abandona esta forma de pintar junto con algunas incursiones modernistas para adentrarse en la "etapa azul" que con el paso de los años desembocará en las formas cubistas cuyo primer cuadro fue realizado en el año 1907 con el título de "Las señoritas de Aviñon".

Como decía el cubismo tiene tres características principales, una es la reducción de las formas a líneas bastante simples, otra de ellas sería la eliminación de la tercera dimensión, observando en el cuadro solo ancho y alto, pero no profundidad. Y la tercera es la descomposición de formas y objetos con el fin de que puedan ser observados desde distintos puntos de vista. Todo con la idea de competir con la fotografía, la pintura, en esta ocasión Picasso, quiere ir más allá y ofrecer algo nuevo, completamente diferente, algo no visto hasta el momento y que la fotografía no pueda realizar, porque para hacer un retrato siempre la cámara será más perfecta que la mano del pintor. Pero descomponer una cara, por ejemplo, y observarla desde varios puntos de vista, para la fotografía es imposible porque su punto de vista será único.

Por tanto debemos concluir que Picasso sabía pintar perfectamente, pero que no quería ser un buen pintor más, sino alguien capaz de aportar algo a la historia del arte, un pintor revolucionario, alguien capaz de crear algo nuevo, diferente, algo no hecho hasta ese momento.

La verdadera historia del Guernica de Picasso

Hace unos días tuvo la oportunidad de hablar con un importante comisario de exposiciones que me comentó diferentes cosas sobre el Guernica y las andanzas de Picasso durante la guerra civil. En un momento de la conversación me preguntó si recordaba a un hombre que se ponían en la puerta del Museo Reina Sofía y le decía a la gente que pasaba si quería que les explicara la verdadera historia del Guernica. Es cierto lo recordaba, varias veces que fui a Madrid y visité el Museo me encontré con este hombre que decía que la pintura era un engaño y que no tenía nada que ver con el significado que se le había dado al cuadro. Todo era una mentira, una falacia utilizada políticamente.

Como ya sabemos el Guernica trataría de representar los horrores de la Guerra Civil española y habría sido pensado como encargo del gobierno republicano a Picasso para decorar el pabellón que España tenía en la Exposición Universal de París durante el año 1937. Picasso había sido nombrado director del Museo del Prado en el año 1936, cuando algunas obras fueron trasladadas a Valencia. Hay quien dice que nunca ejerció este cargo realmente, mientras que otros dicen que visitó Valencia en secreto para controlar las obras trasladadas.

Así que tenemos la conexión entre Picasso y el gobierno republicano, no solo ideológica, ya que Picasso se afilió al PCE, sino también artística. Picasso no pudo rechazar un ofrecimiento para dirigir el Prado y así incrementar su propia gloria con este título y también su ego, que no era pequeño, ya que se consideraba al mismo nivel o superior que artistas como Velázquez o Goya. Por sus logros no le faltaba razón, también es cierto.

Tauromaquia de Pablo Picasso

Esta teoría de la verdadera historia del Guernica, dice que todo fue utilizado como un elemento de propaganda y que el cuadro en realidad, nada tiene que ver ni con la guerra civil ni con el bombardeo que se produjo en 1937 contra la ciudad del País Vasco un jueves en el que se celebraba el día de mercado en ese lugar. El nombre de Guernica fue añadido por el gobierno republicano para dar a entender las atrocidades que el bando de Franco, apoyado por alemanes e italianos, estaba cometiendo en España.

Y es que Picasso en esa época estaba tratando en su obra temas relativos a las corridas de toros, de las que era un gran aficionado, al igual que Francisco de Goya. La muerte del torero Ignacio Sanchez Mejías, miembro también de la generación del 27 impresionó mucho a Picasso y en homenaje a su muerte habría realizado esta obra de la que hablamos. Sanchez Mejías fue un personaje peculiar, un aventurero que se dedicó a los toros de la mano de "El Gallo" y que abandonó la profesión en 1920 para retomarla en 1934, momento en que fue cogido en el muslo y la tardanza en ser operado le provocó una gangrena en la pierna y su muerte. Fue un torero muy espectacular que puso de moda el torear de rodillas delante del toro o recibir al astado sentado en la barrera.

Así que algunos de los elementos que aparecen en el Guernica nos recuerdan el ambiente de una corrida de toros. El toro que cogió a Sanchez Mejías en el centro, el caballo de uno de los picadores de la corrida, que en esa época y sin protección eran destripados en la plaza por los toros que les embestían, el picador aparece por el suelo, también el torero que yace muerto con sus uno de sus brazos extendidos. La luz sería la bombilla de la enfermería donde el torero fue tratado y el candil sería una persona que se acerca con más luz a la enfermería. Las mujeres serían esposa y madre e incluso amante del torero que lloran su desgracia, la esposa del torero tendría a su hijo en brazos. Una figura alza los brazos desde el burladero y sale corriendo para ayudar al torero.  Algunos de los elementos ya realizados en el cuadro fueron sustituidos por el artista para adaptarlo al momento en cuestión.

Esta sería otra interpretación del Guernica de Picasso, por supuesto diferente. Hay algunos detalles del artista que nos hacen pensar que es posible, trabajos anteriores así lo demuestran. Si lo aceptamos así la obra no sería más que un instrumento de propaganda política para el régimen republicano. Por otro lado cuesta creer que Picasso, implicado en la dirección del Prado, ya que visitaría Valencia para este cometido, afiliado al PCE no quisiera representar en su obra los horrores de la guerra, quizás el título se decidió a última hora, aprovechando el primer bombardeo sobre población civil, en eso quizás la propaganda puede que juegue un papel mas importante.

El cubismo sintético explicado a los niños

El cubismo pasa por diferentes fases en un cambio constante desde su inicio en el año 1907 hasta su conclusión final, que tiene lugar con el inicio de la primera guerra mundial en el año 1914. Tras esta fecha otros pintores podrán practicar o experimentar con el cubismo, pero ya no se producirán avances ni cambios en esta forma de expresión pictórica.

Pablo Picasso 1914. Naturaleza muerta verde

En las dos fases anteriores teníamos el inicio del cubismo reaccionando de forma fuerte contra la fotografía, eliminaba la tercera dimensión, reducía a lineas los cuerpos de las personas y los objetos y descomponía alguna de las figuras para poder ser observada desde distintos puntos de vista.

La segunda fase es la del cubismo analítico donde se le da una gran importancia a la descomposición, de manera que nos es muy difícil reconocer aquello que se trata de representar, porque la geometrización de descomposición es tan grande que prácticamente parece un cuadro abstracto.

La tercera fase del cubismo estaría representada por el cubismo sintético, que abarca los años 1912-1914, donde Braque juega un papel importante en su inicio, ya que fue él quien comenzó a pegar papeles decorados en la pintura, como si fuera un collage. Es común observar papeles de periódico en las obras de este periodo, así como papeles pintados con diferentes colores, que ayudan a componer su trabajo.

George Braque. Clarinete, guitarra y frutero

Aparecen las líneas curvas frente al hermetismo recto de las fase anteriores.

Si en la fase anterior del cubismo analítico los colores eran completamente planos y en muchos casos se reducían a una gama de grises y ocres, en esta fase los colores serán mucho más vivos con la incorporación de rojos, verdes y azules.

Estas obras son más fáciles de reconocer que las anteriores, si en el cubismo analítico las obras tienden a la abstracción, ahora es posible reconocer los objetos, aunque se reducen solamente a sus partes esenciales, pero es posible que nuestra mente los pueda asociar de forma más simple que en el periodo anterior.

Serán múltiples los objetos que forman parte del collage, hemos citados los papeles de periódico, pero también encontramos cajetillas de tabaco, papeles que decoraban las paredes de las viviendas, partituras de música, cajas de cerillas, cartas de una baraja. Estos elementos se mezclan con otros tradicionales, como los brochazos pictóricos.

George Braque Violeta de Parma

El cubismo analítico explicado a los niños

El cubismo surgió en el año 1907 cuando dos pintores, Pablo Picasso y George Braque, llegarán a la misma conclusión en un momento muy parecido. Aunque los dos están muy próximo en el tiempo será Pablo Picasso el que sea más conocido de los dos, aunque no solo crean un cuadro cubista sino que continúan con unos experimentos similares después de esa fecha.

George Braque. El Portugués

Debemos partir de la base de las características que tiene el cubismo para comprender este movimiento analítico, las aportaciones de este movimiento se centran en: la desaparición de la tercera dimensión, la simplicidad en las formas que se reducen al mínimo y la descomposición de las figuras y objetos para que sean observados desde distintos puntos de vista.

A partir del 1909 Picasso y Braque van a experimentar y avanzar en el desarrollo del cubismo y así surgirán dos tendencias, el cubismo analítico y el cubismo sintético. El primero que es el que a nosotros nos interesa hoy lo primero que hace es reducir la gama de colores, cuando miramos algunos de estos cuadros nos da la impresión de que solo han utilizado el color gris y alguna tonalidad ocre.

Ahora mismo lo importante para ellos es la descomposición de la realidad, tanto de figuras como de objetos. Todo se reduce a formas geométricas que colocadas en el cuadro hacen que sea difícil una identificación de lo que se trata de representar, entre otras cosas porque la tendencia es hacer un cuadro abstracto. Puede ser que algún detalle nos indique algo, una corbata, la nariz de la cara, una botella, las letras de un periódico, pero el resto es completamente ilegible para una asociación mental con algo reconocible. Los puntos de vista se reproducen y en muchos casos se hacen tan pequeños que confunden al espectador.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard

La figura humana dejará de ser el centro de atención y solo se utiliza como una excusa para comunicar, se trata de un mero objeto, difícil de diferenciar del mobiliario, una botella o un periódico que se encuentra sobre la mesa. Pero al mismo tiempo se busca la implicación del espectador que debe indagar y descubrir en el cuadro cuales y como son esos objetos representados. El color, prácticamente monocromo, no ayuda mucho a la identificación.

Hubo diferentes críticas a esta tendencia, sobre todo por parte del futurismo, que decía que le faltaba el movimiento y la velocidad que impregnaban los tiempos modernos. Para ellos este estilo de pintura era demasiado estático. Existirán intentos por unir las dos tendencias como en alguna de las obras de Marcel Duchamp (Desnudo bajando la escalera).

Lo que los futuristas y otros movimientos de vanguardia no podían negar es la influencia que sobre ellos tuvo el cubismo como primer gran movimiento de ruptura con la forma tradicional de pintura que se venía practicando desde el Renacimiento.

George Braque

El Harén de Pablo Picasso cuadro premonitorio del cubismo

En el año 1906, un año antes de que se pinte el primer cuadro cubista de la historia del arte, Pablo Picasso realiza una obra cuya temática es exactamente igual que la que va a aparecer en Las Señoritas de Aviñón, obra de 1907 que da inicio a la temática cubista y que supone una revolución y una referencia para la mayoría de artistas que trabajan en la primera mitad del siglo XX, ya que todos, de una u otra manera estarán influenciados por las características del cubismo.

El harén es una obra con características de la etapa rosa de Picasso, sobre todo en el color, que tampoco podemos calificar como rosa, sino más bien como anaranjado o un pálido color salmón. Pero será este un color que vemos en otras obras de esa etapa que va desde 1904 a 1906, en ella además del color algunos personajes generalmente tristes y apartados de la sociedad suelen ser los protagonistas de sus obras.

Lo que representa este cuadro es el momento en el que Pablo Picasso visita una casa de prostitutas y se encuentra observando a las mujeres mientras come y bebe algo. Las mujeres se encuentran arreglándose, quizás momentos antes de empezar su jornada. Como podemos observar una de ellas se está peinando, otra parece que se lava uno de sus muslos y la que se encuentra apoyada en la pared se pinta los labios reflejando si rostro en un pequeño espejo. Hay dos mujeres más, una de ellas ya ha terminado el arreglo y levanta sus brazos para ofrecerse a los clientes y que decidan irse con ella, levanta los brazos para ofrecer una visión mas esbelta de sus pechos. Al fondo tenemos otra mujer, que parece una vieja y se encuentra vestida, a la que podemos considerar la Madamme de la casa, la dueña, la encargada de cobrar cuando el cliente decide ocuparse con una de las chicas.

Este tema será el mismo que se represente un año después en Las Señoritas de Aviñón, un hombre visita una casa de prostitutas y observa como estás salen detrás de una cortina para ofrecer sus cuerpos desnudos y que así el cliente pueda decidir con quien le apetece más pasar un rato. Al lado del hombre, al igual que en el otro cuadro, algo de alimento.

Las meninas pintadas por Pablo Picasso

Velázquez es un pintor que ha ejercido gran influencia en grandes artistas, no solo españoles sino también extranjeros, que vieron en el genio sevillano, un ejemplo a seguir y una persona adelantada a su tiempo. Velazquez ofrecía soluciones para sus obra que no se verán en muchos casos hasta 200 años más tarde, nos referimos por ejemplo a sus obras impresionistas que pueden apreciarse en Los Paisajes de la Villa Medici, realizados durante el segundo viaje a Italia del artista hispalense.

Por ello no es extraño que Pablo Picasso quisiera realizarle un homenaje, cosa que hizo en el año 1957, año en el que realizó 58 versiones diferentes de Las Meninas de Velázquez. El número parece un poco exagerado, quizás con una sola versión hubiera bastado, pero nuestro artista representó el cuadro con todos los colores y posiciones posibles. Muchas de estas versiones se conservan actualmente en el Museo Picasso de Barcelona.

Hay un par de cosas que resultan curiosas de estas versiones de Las Meninas. La primera tiene que ver con el cubismo. Una de las máximas del cubismo es que se elimina la tercera dimensión, con lo cual el fondo del cuadro se adelanta al primer plano y se confunde con él. Es una imagen que resulta curiosa en uno de los cuadros más profundos de la historia del arte. Recordemos que Velázquez se afanaba por conseguir la máxima profundidad, combinando zonas de luz con zonas de sombras, colocando personajes y objetos unos detrás de otros y jugando con todo tipo de diagonales en la obra. Todo esto queda anulado en algunas de las versiones de Picasso porque no tenemos profundidad. Y es que Picasso siempre es un pintor cubista, aunque su primera obra de este estilo sea en 1907 y pase por diferentes etapas, el cubismo siempre está presente en su trabajo, prueba de ello son estas obras que hoy nos ocupan.

En segundo lugar se plantea un debate de otro tipo, no artístico sino económico y que tiene que ver con la capacidad del artista. Picasso es un artista tan conocido en ese momento que prácticamente puede hacer lo que le de la gana. Sus trabajos se van a vender con solo firmarlos, sean lo que sean y haga lo que haga. En esa época se ha convertido en un artista marca, es decir vende más por el nombre que tiene que por lo que realmente hace. Ningún crítico se atreverá a criticar lo que hace el artista, solo por el hecho de que es Picasso, así que si le apetece hacer versiones de las Meninas, las hace, aunque no aporten nada a la historia del arte y su lectura tenga mucho más que ver con lo económico que con lo artístico.

Biografia de Pablo Picasso para niños

Picasso es uno de los grandes pintores españoles del siglo XX y uno de los grandes creadores universales de todos los tiempos por las aportaciones que hizo al mundo de la pntura y las artes en general, ya que practicó otros estilos y disciplinas.

Pablo Picasso nació en Málaga en el año 1881, su padre era profesor de dibujo allí, su madre era de origen italiano, por eso ese apellido con dos letras s tan extraño en el idioma español. En Málaga Picasso va a pasar 10 años de su vida disfrutando del sol, los toros y las amistades. Pero su padre se quedó sin trabajo en la Escuela de Bellas Artes de San Telmo y tuvo que buscar otra plaza que le dieron en La Coruña, donde trabajo en la Escuela de Bellas Artes. Este cambio no gustó nada a Picasso, el clima, sus amigos y la nueva ciudad desagradaban al pintor, que tuvo que pasar allí cuatro años de su vida.

En 1885 la familia sufrirá un nuevo traslado y este definitivo ya que su padre consiguió una plaza como profesor en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, lugar donde Picasso ingresó nada mas trasladarse. Su precocidad y buen hacer con el dibujo  la pintura le convirtieron en uno de los alumnos aventajados de la escuela. Algunas de las obras costumbristas de Picasso así lo demuestran, por ejemplo La Primera Comunión o Ciencia y Caridad son perfectos ejemplos del buen hacer y el detallismo del artista con tan solo 14 años.

En 1897 se trasladó a Madrid para realizar estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero pasó poco tiempo en la capital, el ambiente no le gustaba, las nuevas ideas modernistas que traía de Barcelona eran mal recibidas. Durante este tiempo fundó una revista con el nombre Arte Joven que tuvo unos 6 meses de vida.

De regreso a Barcelona tendrá contacto con el ambiente intelectual y artístico de la época con sus visita a El Quatre Gats, una cervecería donde se juntaba la cultura barcelonesa del momento. Posiblemente e influenciado por la gente que le rodeaba viajará a París en el año 1900 donde se ver´influido por el ambiente impresionista y modernista del momento.

En el año 1901 comienza su etapa azul, influenciado por la muerte de su amigo y compañero, el poeta Carlos Casagemas, que se suicidó muy joven por un desengaño amoroso. Ese ambiente de tristeza, unido a un momento de dificultad económica por falta de ventas y una identificación con los mas humildes de la sociedad crearan unas composiciones originales que va a desarrollar hasta el año 1904.

En ese momento de la etapa azul pasamos a la etapa rosa, cambian los colores, aunque no la temática, donde quizás la novedad es la inclusión de saltimbanquis y arlequines en su obra.

Conocerá a Gertrude Stein, una marchante de arte que le compró varias obras y le ayudó a introducirse en el mercado europeo del momento. Picasso debe mucho a esta mujer en la difusión de su obra.

El año 1907 es crucial en el desarrollo de su carrera ya que diferentes influencias van a dar lugar al primer cuadro cubista de la historia, hablamos de Las Señoritas de Avignon, donde podemos observar como Picasso asume postulados de grandes maestros, como Cezanne, Matisse o Ingres, como el arte primitivo y sobre todo un par de exposiciones de arte africano parecen incluidas en el cuadro, al tiempo que la simplicidad del arte románico se aprecia en las figuras y objetos representados. Pero la gran novedad será sin duda la representación de una figura humana desde distintos puntos de vista, ofreciendo algo que la fotografía, siempre mas perfecta, no podía ofrecer, por eso observamos distintas posiciones en los ojos, nariz y boca del personaje que, supuestamente, nos da la espalda.

Desde esta primera obra cubista Picasso se encuentra a caballo entre Francia y España, al tiempo que el cubismo va a sufrir una evolución que va a llevar a muchos de los artistas que la practican a la abstracción.　Al tiempo Picasso será cada vez mas apreciado por los coleccionistas.

Esa evolución cubista culmina por algún viaje realizado como el que hace a Italia, donde Miguel Ángel y lo masivo de sus esculturas serán una gran fuente de inspiración o bien el adentrarse en algún otro movimiento de vanguardia como el surrealismo, realizando diferentes obras a mediados de la década de los 20.

Aunque Picasso siempre es un pintor cubista, buena prueba de ello es la realización del Guernica en el año 1937 donde descompone la figura de personas humanas y animales para mostrar una alegoría de la paz cuando en España tiene lugar la Guerra Civil, momento en el que por un tiempo escaso ocupó la dirección del Museo del Prado.

Superada la guerra la vida de Picasso se desarrolla en Francia, pintor muy conocido, no tuvo problemas para desarrollar una obra muy prolífica. No pudo cumplir uno de sus deseos, que era morir antes que Francisco Franco, ya que falleció dos años antes que el dictador, concretamente en 1973 en su casa de Mougins en Francia.

Las mujeres de Argel de Picasso subasta record (por ahora)

El mundo de las subastas es algo atípico respecto al ámbito artístico. El frenesí comprador se ve superado en muchas ocasiones por el nombre del artista mas que por la calidad de los cuadros que se subastan, girando casi siempre los mismos nombres en una carrera sin fin, que sucede nombres de artistas principalmente de finales del siglo XIX y principios del siglo XX que se sustituyen unos a otros para conseguir un trono completamente efímero, ya que solo será ocupado durante unos pocos meses.

Las mujeres de Argel es una obra pintada por Pablo Picasso en el año 1955, estamos en un momento en el que se ha superado la segunda guerra mundial y Picasso recupera la alegría en muchos de sus cuadros, tras las experiencias trágicas de obras realizadas durante la Guerra Civil Española como el archiconocido Gernica que se pintó en el año 1937 para la exposición universal que tenía lugar en París en esa fecha.

Una de las cosas buenas acerca de Picasso en ese momento es el uso que hace del color y como es posible (puesto que parece muy complicado) que consiga cuadros muy expresionistas pese a contar con colores que no suelen usarse en ese estilo, nos referimos al Guernica, cuyo color general se encuentra en las diferentes tonalidades del gris y el azul o por ejemplo en Mujer Llorando, una obra que Picasso pinta en 1937 y que tiene bastantes conexiones (en lo que al colorido se refiere) con esta obra que se acaba de subastar, aunque este pintada unos años después.

Mujer Llorando. Pablo Picasso 1937

Lo que si está claro es que durante toda su vida (mejor dicho desde el año 1907) Picasso es un pintor cubista. Es decir hay una serie de características comunes a sus cuadros que se repiten de forma constante con pequeñas variaciones. Podríamos decir que son tres principalmente las características del cubismo: la primera es la eliminación de la tercera dimensión (solamente tendremos alto y ancho pero no profundo porque como vemos en la obra Picasso se encarga de eliminar esa dimensión), la segunda es la utilización de formas simples ( no existen formas complejas en el cuadro, lineas rectas componen el dibujo de las figuras u objetos, líneas que después se rellenan de diferentes colores como apreciamos en el cuadro) y en tercer lugar descomposición de las figuras para obtener diferentes puntos de vista (esta es una novedad frente al nacimiento y difusión de la fotografía que ofrecía solo un punto de vista. Picasso jugará con la posición y con la luz para ofrecer una imagen diferente de aquello que tenemos delannte, para ofrecer algo que la fotografía no podía ofrecer). 

Estas son las características principales del cubismo que perfectamente podemos observar en la obra subastada hace unos días. También es interesante compararlo con a obra que incluimos del año 1937, porque el colorido es muy parecido, aunque es cierto que la temática y el momento que vive Picasso en cada una de las obras es completamente distinto.

Bacon, Giacometti, Gaugin, Van Gogh, Picasso, son algunos de los nombres que nos encontramos en las últimas subastas, no pensamos que puedan variar demasiado en los próximos años, lo que si podemos decir es que se irán sustituyendo unos a otros y Picasso ocupará el trono por poco tiempo.

Picasso visita el Museo del Prado de Madrid

Si estamos buscando una de las mas espectaculares exposiciones de pintura en Madrid durante el año 2015, esta que tendrá lugar en el Museo del Prado durante la primavera y el verano, será sin duda una de las más interesantes para conocer algunas de las obras del artista Malagueño y contemplar la evolución de su pintura, tratando de descubrir porqué y como llega al cubismo y se convierte en un referente para la mayoría de los artistas del siglo XX en todo el mundo.

El periodo que abarca la exposición va desde el año 1906 hasta el año 1967 dentro del cual se pueden englobar diferentes etapas de la obra de Picasso. El primero de los años es muy importante porque Picasso se encuentra a punto de dar el salto al cubismo y en su obra se pueden apreciar algunas características principales del cubismo que después observaremos en Las Señoritas de Aviñon, su primera obra cubista que fue pintada en el año 1907.

Pero no se trata solo de cubismo, ya que Picasso extendió y experimentó con el movimiento y llegó a la absracción en el año 1912, pero Picasso es mucho más que algunos cuadros cubistas sino que tiene distintas etapas en las que está influenciado por otros movimientos artísticos.

Dentro de las influencias de Picasso podemos citar por ejemplo un viaje que realiza a Roma a mediados de la segunda década del siglo XX y que le influirá en unos cuadros de temática realista y figuras muy masivas por la admiración que sentía hacia las obras del escultor Miguel Angel. A mediados de los 20, como otros muchos autores también se dejará influir por el impresionismo, con unas obras extrañas donde extrañas figuras pueblan los lienzos en escenas extrañas conectadas en mcuhas ocasiones con temática sexual.

Si hay algo que influyó mucho en la obra de Picasso fue la guerra civil española, aunque Picasso se posicionó con los republicanos y llegó a ser director del Museo del Prado en difíciles momentos, su obra gira en este momento en torno al sufrimiento que conlleva una guerra, la muerte y la tristeza que provoca entre cualquiera de las personas que les toca sufrirla, sean del bando que sean.

Ese es el mensaje del Guernica al que podemos identificar como un alegato a la paz y otras figuras que compone en ese momento y en las que nos recuerda, que pese a pequeños cambios e influencias, Picasso siempre es un pintor cubista y que algunas características del cubismo como la eliminación de la tercera dimensión, la descomposición de las figuras en distintos planos y la simplicidad en las formas son parte muy importante de sus composiciones.

A todo ello podemos enfrentarnos en una exposición que ayuda a llenar el tiempo de ocio en el Madrid de hoy siendo esta exposición unos de los eventos relevantes en Madrid para el año 2015. Son 10 obras las que forman parte de la exposición que podrá verse desde el 16 de Marzo al 13 de Septiembre de 2015 en el Museo del Prado

Juan Gris para niños

Reconocemos a Juan Gris como uno de los grandes representantes del cubismo, aunque su trayectoria estuvo siempre empañada por la fuerte presencia de Pablo Picasso con el que comparte movimiento artístico y muchas de sus ideas, aunque como veremos Juan Gris también realizó alguna aportación al proyecto cubista.

Si tenemos que describir una pequeña biografía de Juan Gris lo primero es aclarar la época en la que trabaja, su nacimiento fue en 1887, por tanto era más joven que Picasso, quizás esa sea una de las razones de entrar más tarde que el genio malagueño en contacto con el movimiento cubista. Gris no pasó puros económicos pues era de familia acomodada, lo cual le sirvió para establecer buenas relaciones con gente pudiente.

Pero una de las cosas que quería evitar era realizar el servicio militar, largo y peligroso en aquella época, por lo que nuestro artista se traslado a París con apenas 19 años. Allí entrará en contacto con los artistas que estaban trabajando en el proyecto cubista, entre ellos los más conocidos y los que llegaron a una conclusión similar en la misma época, nos referimos a Picasso y Braque.

Pero si consideramos 1907 la primera fecha en la que Picasso pinta un cuadro cubista con la realización de Las Señoritas de Aviñón, las primeras obras de este estilo de nuestro autor no llegarán hasta 1910, tres años después, cuando el estilo cubista esta avanzando y da pasos hacía la abstracción que no veremos hasta el año 1912 en las obras de Picasso. Será ese el año de las verdaderas obras cubistas de Juan Gris.

En ese momento se produce el principal aporte de Juan Gris al cubismo, con el añadido de recortes realizados en cartón y papel, muchos de ellos tomados de periódicos, que, en forma de collage, pasan a a formar parte del cuadro. Una idea que será recogida por otros artistas que practicaron este estilo pictórico.

Debemos destacar que Juan Gris permaneció fiel al estilo cubista durante toda su vida, ello le llevó a alejarse de Picasso, el cual hacia el año 1917 abandona el cubismo para centrarse en movimientos más cercanos al clasicismo y naturalismo italiano, muy influenciado sobre todo por la escultura. El choque con la personalidad del malagueño y el ego personal le llevo a perder uno de sus grandes valedores. 

Juan gris será el máximo defensor del cubismo analítico donde la unidad estructural del cuadro es más importante que la realidad que aparece en el mismo.

Juan Gris falleció bastante joven, en el año 1927, con tan solo 40 años y estuvo olvidando durante bastante tiempo, quizás por el empuje de otros artistas, hasta que fue recuperado en los año 80 del siglo pasado y reconocido por su trabajo y aportación al estilo, del cual hemos desarrollado un post dedicado a como explicar el cubismo a los niños. 

Vídeo con las principales características y vida de Pablo Picasso

Dentro de la serie de vídeos que dedicamos a los grandes artistas y a las principales obras explicadas de una forma fácil e introduciendo algunas de las obras más conocidas del autor, hoy le toca el turno a Pablo Ruiz Picasso, uno de los pintores internacionalmente más conocidos gracias a que fue el inventor de uno de los principales movimientos artísticos de vanguardia a principios del siglo XX, nos referimos al cubismo.

Como sabéis hemos dedicado vídeos esta año a artistas que tienen grandes celebraciones, por ejemplo El Greco para niños, ya que celebramos el 400 aniversario de su fallecimiento y Toledo se ha convertido en centro de la vida cultural del país en este año 2014.

Ya sabéis, si queréis conocer un poco mejor la vida de los principales artistas, sus obras y las características de su pintura, todo ello acompañado de imágenes, no tenéis mas que pasaros por nuestro canal y buscar el que más os interese, poco a poco vamos ampliándolo para completar una buena colección de videos de historia del arte para los más pequeños.

Vídeo con las principales características del movimiento cubista

Dentro de la serie de vídeos que venimos realizando sobre la vanguardias históricos y a los cuales hemos dedicado uno al expresionismo y otro al surrealismo, hoy le toca el turno a uno de los primeros movimientos que forman parte de la vanguardia, ya que en el año 1907 Pablo Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón,. cuadro que da el pistoletazo de salida del movimiento y pintura que por su concepción revoluciona el arte del siglo XX y la perspectiva que hasta ese momento se tenía del mismo.

Os dejamos con el vídeo y algunos de sus ejemplos más significativos, continuaremos en semanas posteriores con otros vídeos dedicados a las vanguardias.

Las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso para niños

Nos encontramos antes una de las pinturas que revoluciona la pintura del siglo XX y que va a influir en todos los autores que se dediquen a la pintura a partir de entonces. Este cuadro es pieza clave en el desarrollo pictórico y es una obra que cualquier artista que se dedique a pintar debería conocer en profundidad.

Se trata de la primera obra cubista de la historia del arte y fue realizada por Pablo Picasso en el año 1907. Debemos decir en este punto que hay dos artistas trabajando en la misma dirección, que serían Picasso y Braque, los dos llegan a las mismas conclusiones al mismo tiempo, aunque sabemos que Picasso es mucho más conocido que el segundo, el cual también realiza alguna obra cubista por esta época.

Cuando tratamos de explicar el cubismo lo primero que debemos entender es la encrucijada en la que se encuentran los pintores en ese momento. No hace mucho tiempo que se ha inventado y desarrollado la cámara de fotos, un artilugio capaz de representar la realidad tal como es, con todo detalle. El papel del pintor ha quedado relegado a un segundo plano, porque la cámara puede realizar su trabajo mucho mejor que él. Por tanto la pintura deberá buscar un nuevo camino para sus representaciones, algo que sea diferente, un resultado final que la fotografía no pueda ofrecer.

Por eso una de las características principales del cubismo es la eliminación de la tercera dimensión, la pintura no tiene fondo, sino que este se adelanta al primer plano, perdiendo la profundidad en el cuadro, una segunda característica es la descomposición de algunas figuras o partes del cuerpo en distintos planos, de manera que pudiéramos apreciarlas desde distintos puntos de vista al mismo tiempo, algo que la fotografía no puede hacer, ya que esta solo representa un único punto de vista. Esto es algo que podemos observar en el cuadro en el personaje que se encuentra de espaldas, pero cuya cabeza parece de frente, con un ojo a distinta altura y una sombra que podemos considerar su nariz. Algo parecido ocurre en los rostros de las mujeres, como vemos unas tienen el rostro más oscuro que otras, su punto de vista habría sido tomado en un momento de más luz o menos luz por eso esa diferencia de colores que podemos apreciar.

Por último debemos habla de las influencias que el cuadro tiene de otros momentos artísticos y que aparecen claramente reflejadas, por ejemplo la influencia del arte primitivo, incluso de la pintura románica, la simpleza a la hora de representar los cuerpos, dibujados a base de lineas, sin grandes complicaciones, cuatro lineas diagonales nos ayudan a componer un brazo o una pierna. Junto a ello muchos de los artistas de vanguardia se vieron influidos por una exposición de arte africano que tuvo lugar en París  la visión de este tipo de arte, su simpleza a la hora de componer las máscaras también aparece reflejada en el cuadro, sustituyendo la cara de alguno los personajes que aparecen por estas máscaras africanas, los apreciamos claramente en la primera mujer de la izquierda y en la primera por la derecha.

El tema que se representa sería la llegada de un personaje, quizás el propio Picasso a un burdel, donde tras una cortina, aparecen una serie de mujeres que se ofrecen para dar sus servicios.  El hombre sería el personaje que aparece de espaldas y las mujeres desnudas se encuentran como vemos enseñando sus cuerpos y moviendo las cortinas del supuesto fondo. Hay un claro precedente en un cuadro pintado por Pablo Picasso en el año 1906 y titulado El Haren, donde un personaje desnudo se encuentra observando a las chicas de un prostíbulo  que parecen estarse arreglando, mientras al fondo la dueña del misma las observa, el tema sería el mismo, incluso en algunas posiciones como la mujer que levanta los brazos, pero Las Señoritas de Avignon añade las características cubistas como ya hemos visto y eso le hace diferente.

Tiene la obra de Picasso influencia de varios artistas a la hora de realizarlo y no solo como hemos visto de la pintura románica o del arte africano, ya que hay elementos que se repiten de otras obras. Por ejemplo la idea de colocar a tantas mujeres desnudas juntas y con las posiciones de los brazos levantados,es algo que ya veíamos en alguno de los cuadros de Ingres, el cuadro titulado El Baño Turco es un buen ejemplo de ello, allí podemos observar a un grupo de mujeres desnudas, muy distendidas y dos de ellas levantan los brazos en posiciones similares a las que encontramos en la obra pintada en el año 1907.

Otros artistas estaban haciendo esfuerzos por eliminar la tercera dimensión, no es algo que se le ocurra a Picasso sino que tenemos ejemplos anteriores, Cezanne es uno de ellos y su obra Los Jugadores de Cartas nos puede servir como ejemplo, no existe una total eliminación del fondo, pero si se produce un adelantamiento del fondo al primer plano, que tendrá su influencia a la hora de que Picasso pinte su obra.

Es curioso observar como en ocasiones lo más antiguo nos trae lo más moderno, es decir el arte primitivo y el arte africano están muy presentes en la composición de un cuadro que, como hemos dicho, revoluciona toda la pintura del siglo XX y abre un nuevo camino para los pintores de la época.

Si debemos decir que este cuadro se pintó en 1907 pero que a Picasso le dió cierta vergüenza que se mostrara al público, cosa que no se hizo por primera vez hasta 1916. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Los Jugadores de Cartas. Paul Cezanne

Aquí tenéis es cuadro explicado en vídeo por si así es mas fácil de comprender.

El retrato de Gertrude Stein de Pablo Picasso

Esta obra fue realizada por Pablo Picasso en el año 1906, poco tiempo antes de dar el salto al cubismo y llevar a cabo "Las Señoritas de Avignon", una obra fechada en 1907 y que será la primera cubista de la historia del arte, al mismo tiempo que una revolución en el arte de principios del siglo pasado.

Gertrude Stein era una joven adinerada de origen norteamericano. Se trasladó a París en 1903, allí su hermano era habitual comprador de pintura de vanguardia. Quiso que Picasso le hicera un retrato y, pese a no ser muy agracidada según cuentan, el artista malagueño se presto a ello. 

Picasso inicia el retrato como una obra de la época rosa, pero podemos observar que existe una evolución muy clara, no solo en el colorido que aparece casi complemtamete superado, sino en la forma de conformar el rostro del personaje representado.

En el año 1906 en el Louvre de París Picasso podrá ver una exposición que va a influirle mucho en su forma de pintar, se trata de los relieves ibéricos de Osuna. Allí la expresividad de la esculturas, la simpleza de las lineas y el primitivismo se dan cita para que el artista intente fijándose en lo más antiguo dar lugar a lo más moderno.

Si nos centramos en el rostro de la representada nos daremos cuenta de estos cambios, lineas rectas componen el contorno de la cara, acercándose al esquematismo, diferenciando cada una de las partes del mismo: boca, nariz, ojos, orejas. Especial atención llama de forma de representar sus ojos, similar a una  almendra y como podremos observar en obras posteriores con un tamaño y colocación diferentes, llegando a introducir los distintos puntos de vista de observación del espectador en una pintura.

Estamos avanzando hacia el cubismo y esta es una obra clave en la evolución de Pablo Picasso para llegar a componer su primera obra cubista en el año 1907.

Video como explicar el Guernica de Picasso a los niños

Una de las entradas más populares del blog es como explicar el Guernica de Picasso a los niños, así que hemos decidido hacer un video donde pueda verse el cuadro y contar las circunstancias en las que se pinta la obra y también explicar las características del cubismo que están presentes en la misma.

Ya hemos realizado otros videos sobre los diferentes elementos de una catedral gótica o como leer una planta de un edificio gótico

Esperamos que os guste.

La epoca rosa de Pablo Picasso para niños

Familia de Saltimbanquis. Pablo Picasso. 1905. Washington National Gallery

La epoca rosa de Picasso es consecuencia de una evolución que sufre su pintura desde el año 1904 y principalmente en 1905, la época rosa llega después de la etapa azul, que como ya vimos en este blog se produce entre 1901 y 1903. Picasso todavía no es un pintor cubista, pero se encuentra evolucionando hacia ello. Algunas exposiciones que puede contemplar en estas fechas como las retrospectivas de Manet e Ingres o bien la exposición de escultura Ibérica en el Louvre añaden carcaterísticas importantes a su pintura.

Desde la etapa azul a la etapa rosa no se produce una evolución en la temática, si introduce nuevos personajes, como los arlequines, que serán muy importantes en su obra, pero el argumento general de su pintura sigue siendo el mismo. Lo único que ocurre es que el colorido de la pintura va cambiando, pasamos de un dominio general del azul (que aparecía hasta en la coloración de los cuerpos) al rosa, pero no un rosa chillón sino bastante pálido. Quedan como podemos comprobar restos de azul en algunas zonas del cuadro, pero poco a poco irán desapareciendo.

Hablabamos de la temática y deciamos que no cambia. Picasso sentía cierta identificación con los desarraigados de la sociedad, incluye en sus obras mendigos, indigentes, gente abandonada sin posibilidades. Esos personajes van a continuar.

En la pintura que tenemos se puede observar ese pesimismo general que invade su obra en este momento. Esta familia se encuentra en un paraje desolado, sin referencia arquitectónica, sin mirarse ni siquiera entre ellos. Resulta curioso que un grupo de personajes que se dedica al entretenimiento del público aparezca con unos rostros tan serios como los que aparecen aquí, sin un atisbo de sonrisa que quizás salva la chica holandesa que aparece en primer plano a la derecha.