Miguel Angel para niños

Nos encontramos ante uno de los grandes genios de la humanidad. Se trata de un artista completo ya que dominaba las tres grandes disciplinas del arte, conservamos obras suyas tanto en arquitectura, escultura o pintura.

Escultura de Miguel Angel que representa la noche

Miguel Angel nació en la zona de la Toscana, en una familia acomodada. Sintió atracción desde muy pequeño por el arte. Cuando se lo comentó a su padre, no le pareció nada bien porque el futuro de un artista era incierto. El padre de Miguel Angel era magistrado y esperaba algo similar para su hijo.

Pero la insistencia de Miguel Angel y las dotes que mostraba le hicieron desde muy joven estar protegido por uno de los grandes mecenas de la ciudad de Florencia, se trata de Lorenzo de Medicí, para el que trabajó hasta que ese gran benefactor del renacimiento falleció. Pasó un tiempo en Venecia pero al poco tiempo fue a Roma donde comenzó a trabajar para el Papa. Se le conoce en su propia época con el sobrenombre de "el divino".

Se dice que Miguel Angel  tenía mal carácter, discutía con demasiada facilidad, a veces con sus superiores, lo que le acarreó numerosos problemas. Es algo que le suele suceder a muchos genios o a muchos hombres que pierden los nervios llevados por su propio orgullo. Se esforzaba en que sus obras fueran perfectas, trataba siempre de obtener esa perfección en su trabajo. Es muy conocida la anécdota en la cual nuestro artista invitó a hablar a la figura de Moises una vez que estaba terminada.

Capilla Sixtina. La Creación de Eva

Si tenemos que decantarnos por alguna del las artes mayores que practicó Miguel Angel debemos decir que fue fundamentalmente escultor, era su disciplina favorita. En escultura podemos observar algunas de sus mejores obras por ejemplo la Piedad que realiza para la Iglesia de San Pedro o el David que se encuentra en la Academia de Bellas Artes de Florencia. La perfección anatómica y lo masivo de sus personajes (sus figuras tienen unos grandes desarrollos musculares) son alguna de las características de su trabajo.

Como pintor es conocido por realizar el techo de la Capilla Sixtina y también la escena del Juicio Final de la misma capilla. Son algunas de las pinturas más conocidas de la humanidad. A él no le hizo mucho gracia tener que pintar esta obra, pero el Papa insistió tanto que se vio obligado a hacerlo. Sufrió mucho ya que nos describe la posición en la que tenía que pasar horas y horas para componer la obra. El trabajo de pintar la Sixtina le ocupó durante cuatro años

También hemos citado su faceta como arquitecto. Diseñó la cúpula de la Iglesia de San Pedro en Roma, una planta que había modificado de su diseño inicial realizado por Bramante, se trata de una de las obras arquitectónicas más impresionantes del mundo.

Nos queda por decir los años en que vivió este artista, nació en 1475 en Caprese y murió en Roma en 1564, como vemos tuvo una vida muy larga.

Miguel Angel es un artista cuya influencia no termina, siempre se le cita como una de las referencias del siglo XVI. Poemos observar rastros de su trabajo en numerosos escultores y pintores europeos que conocieron su trabajo y se sintieron impresionados por él, tratando de repetir esas pautas en sus propias obras. Migul Angel creía en la belleza del cuerpo humano porque era semejante al cuerpo de Dios y por eso trataba sus obras de esta manera, como si fueran un reflejo de la perfección.

Cúpula y Basílica de San Pedro en Roma

El padre de Pablo Picasso

Hoy vamos a dedicar esta entrada a José Ruiz Blasco, conocido por ser el padre de Pablo Picasso, pero que desarrolló una corta carrera artística sobre todo en su ciudad natal, Málaga. 

El padre de Picasso también era pintor, aunque se dedicaba principalmente a la docencia, ya que era catedrático de dibujo, plaza que tenía en la escuela provincial de Bellas Artes de Málaga. Parece que este oficio no le reportaba una gran cantidad de dinero con la que sacar adelante su familia y también en la ciudad andaluza ejercía como director y conservador del Museo Municipal de la ciudad. En este lugar además de organizar el museo se dedicaba a pintar y al mismo tiempo se movía en el ambiente artístico de la ciudad junto a otros pintores de la época. Nunca destacó excesivamente entre ellos aunque tenía una técnica de dibujo muy depurada.

Sería de su padre de quien recibe las primeras lecciones de dibujo Pablo Picasso, es posible que con cinco años su padre ya le intentara enseñar algunas lecciones al tiempo que era consciente del talento del chico. Parece ser que Pablo Picasso era muy distraído en clase, no prestaba atención y tenían que llamarle constantemente al orden. Lo que quería nuestro pequeño artista era ir a casa o que su padre le llevara al museo donde le dejaba algunos pinceles con los que jugar y también pintar. Alguna escena nos cuenta como su padre habla con un amigo para que le pase un examen de ingreso temiendo que su hijo no sea capaz de hacerlo por si solo ante su pasotismo general. Picasso no realizó estudios superiores, pese a estar matriculado posteriormente en Madrid, no asistía a clase y se dedicaba a la pintura o a editar una revista que tuvo una vida efímera y se editaba bajo el nombre "Arte Joven".

La pinturas de José Ruiz Blasco eran principalmente de palomas, es curioso representaba muy bien a estos animales y hacía practicar el dibujo a Pablo Picasso con ellos. Quizás sea por ello que este elemento aparece de forma constante en la pintura del genio cubista. Junto a estas representaciones de animales también pintaba bodegones y paisajes. Nunca fue un pintor de éxito y poco a poco va a ir abandonando la pintura para dedicarse casi de forma exclusiva a la docencia.

Buscando una mejor oportunidad para su familia todos se trasladaron a La Coruña cunado Picasso contaba unos diez años de edad, en 1891. Nunca se adaptó bien a la ciudad. Era un cambio grande, del sol de Málaga a la lluvia y la nube de La Coruña. Ganaba más dinero pero no era muy feliz. En esta época poco a poco va dejando de pintar.

El siguiente traslado tiene lugar cuatro años más tarde para dar clases en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde permaneció el resto de su vida. En Barcelona abandona todo contacto con la pintura, aunque el clima mediterráneo se adaptaba mucho mejor a su carácter. 

En esta ciudad falleció en el año 1913 cuando Picasso contaba 32 años. Fue un gran sostén para su hijo. Su labor como docente ayudaba perfectamente al desarrollo artístico de su hijo, de cuyo gran talento era consciente.

Tenemos numerosas representaciones realizadas por Pablo Picasso, algún retrato y la inclusión en dos de las grandes obras del artista como son La Primera Comunión o Ciencia y Caridad, obras que se conservan en el Museo Picasso de Barcelona.

Paris y la manzana de la discordia

Una de las historias más conocidas de la mitología griega tiene es aquella en la que se ve envuelto un pastor que a su vez (sin saberlo todavía) es príncipe de la ciudad de Troya, que debemos situar en lo que ahora es Turquía. Se trataba de una de las ciudades más prósperas del momento económicamente y militarmente ya que se decía que sus murallas eran impenetrables.

Eris ofrece la manzana de la discordia. Jacob Jordaens

Debemos partir del hecho de que es una historia mitológico, quizás habrá algunos episodios ciertos pero la gran mayoría son inventados. Lo que si podemos observar en esta historia es algo curioso. Los dioses griegos juegan con los hombres como si fueran muñecos a su antojo y no les importan las consecuencias de sus actos. Para los dioses todo lo que ocurre es algo divertido donde participan seres mortales. No importa lo más mínimo que estos pierdan la vida, son solo simples marionetas en manos de los caprichos de los dioses. Estos se enfrentan entre ellos con unas consecuencias funestas para los humanos.

La historia comienza con una boda entre dioses, se trata de Tetis y Peleo. A esa boda no había sido invitada la diosa Eris mientras que el resto de los dioses si acudirían. Como ella no había sido invitada se presentó en el momento en que se celebraba el banquete y dejó sobre una mesa una manzana de oro que debería de ser para la más hermosa de las mujeres que acudían a esa comida. Para este desafío, provocado por la diosa de la discordia, se presentaron tres candidatas que aspiraban a obtener este título, se trataba de Atenea, Hera y Afrodita.

La disputa entre las tres provocó una gran confusión siendo el propio Zeus, dios principal de la mitología griega, el que decidió que fuera un mortal el que tomara la decisión. El elegido fue Paris, hijo del rey de Troya, aunque él desconocía esa situación porque había sido criado como pastor. El encargado de llevarle la noticia fue el dios que transmitía los mensaje, Hermes.

Cuando Paris tenía que tomar la decisión las diosas intentaban convencerlo para que eligiera a cada una de ellas. Le ofrecían diferentes premios que obtendría según la elección. Hera, esposa de Zeus le ofreció todo el poder que pudiera desear. Atenea le ofreció la sabiduría y la victoria en cuantas batallas pudiera librar. Afrodita, por su parte, le ofreció el premio de obtener a la mujer más hermosa del mundo.

La decisión de Paris fue por Afrodita y las consecuencias desastrosas. La mujer más bella del mundo era Helena, reina de Esparta, donde su marido Menelao actuaba como rey. Invitado a Esparta Paris y Helena se enamoraron y él la secuestró llevándosela en secreto a Troya. Esta decisión no gustó nada a su marido que unió a los reyes de Grecia, entre ellos su poderoso hermano Agamenon, que reinaba sobre la mayoría de los griegos con diferentes sumisiones de otros reyes.

La guerra de Troya para recuperar a Helena y conquistar la ciudad duró mucho tiempo y provocó un número muy grande de muertos, todo como consecuencia de la decisión de Paris al elegir a Afrodita como la diosa más bella. Finalmente la ciudad fue destruida por completo y desapareció. 

De esta historia nos han quedado nombres que asociamos con grandes héroes y que están mitificados, figuras como Ayax el Grande, Aquiles el guerrero invencible excepto por su talón que era su punto débil, Priamo rey de Troya y padre de Paris o Hector hijo mayor de Priamo casado con Andrómaca que simboliza el amor conyugal y filial frente al ambiente de guerra que se vive en la ciudad.

Un par de cosas curiosas para terminar, la manzana también aparece en la Bliblia como símbolo del desastre. Cuando Adán y Eva comen del árbol prohibido, la manzana es la consecuencia de la expulsión del paraiso. En segundo lugar Cristo también es tentado en el desierto por el demonio con obtener todo el poder y tener el mundo a sus pies, Él renuncia por una vida de sacrificio y entrega a los demás para salvar al mundo.

Lucas Cranach Adan y Eva detalle 

El pintor y cartelista Henri Tolouse Lautrec

Este artista tiene un estilo difícil de defiinir. Se encuentra a caballo entre el siglo XIX y el siglo XX. Aunque siempre se ha hablado de él como un artista postimpresionista observamos en su obra algunas características propias del modernismo, como por ejemplo el interés por plasmar el movimiento tanto en su pintura como en sus carteles.

Tolouse Lautrec era hijo de una familia adinerada de clase noble, así que nunca tuvo problemas económicos. También es cierto que a lo largo de su vida tuvo bastante éxito con sus trabajos que vendía de forma habitual, al tiempo que colaboraba con revistas y locales de la ciudad de París para realizar sus famosos anuncios que animaran a la gente a visitarlos.

Tuvo una vida bastante corta, no llegó a los 40 años. Tuvo diferentes enfermedades, en primer lugar como consecuencia de la endogamia de sus padres, que eran primos carnales. Padecía una enfermedad que impedía el normal desarrollo de sus huesos y que empezó a manifestarse cuando tenía tan solo 10 años. La debilidad d¡que padecía hizo que sufriera dos roturas de fémur algo que le impidió crecer como el resto de los niños. Se quedó en una altura de 1,52 cm. También tenía deformado el rostro.

Ya asentado en París y decidido a ser pintor, tuvo relación con Degás, del cual era vecino. Le influyó mucho en su trabajo, sobre todo con la idea del trabajo en interior. En París Tolouse Lautrec le encantaba la vida nocturna, el ambiente de fiesta que había por la noche en los cabarets, locales de bailes y salas de fiesta. Al mismo tiempo visitaba locales de prostitutas, fruto de ello contrajo la sífilis. También tuvo problemas con el alcohol ya que bebía demasiado y eso le provocaba en ocasiones fases de delirio que eran difíciles de controlar. Fueron varias las ocasiones en que tuvieron que recogerle completamente alcoholizado en la calle.

Frente a los impresionistas que representaban la naturaleza, Tolouse Lautrec prefería los ambientes interiores, iluminados con luz artificial. Representaba a la perfección los gestos de las bailarinas y los comediantes de los locales que visitaba, también observaba a las personas de la alta sociedad que se divertían en estos locales al tiempo que parecían llevar un vida tranquila con su familia. Pensaba de si mismo que era un cronista social. Lo que realmente le interesaba eran las personas, sus reacciones y sus gestos.

Con el fin de promocionar los espectáculos que tenían lugar en estos locales, algunos dueños le contrataban para que realizara carteles que los anunciaban. Tiene una gran capacidad para representar el movimiento de los diferentes personajes. Se dedicó mas a la ilustración que a la pintura, conservamos pocos óleos del artista.

Los orígenes del impresionismo

Estamos hablando del primero de los movimientos de vanguardia que surge en la segunda mitad del siglo XIX. Como la mayoría de estos movimientos supone una ruptura con los esquemas tradicionales de la pintura a la cual pretenden cambiar y revolucionar.

El nombre del movimiento tiene que ver con un comentario despectivo realizado por un crítico de arte cuando contempló una obra de Claude Manet, que lleva por título Impresión, sol naciente. Esta obra, junto a otros trabajos impresionistas, estaban siendo expuestos en un Salón denominado de los Independientes, durante la primavera de 1874. El comentario del crítico aludía a que las obras que se exponían en esa exposición parecían no estar acabados de acuerdo con los estándares clásicos, sino que parecían bocetos a medio hacer, obras que habría que terminar de una u otra manera.

No era la primera vez que estos artistas intentaban exponer, lo intentaron por primera vez de una manera oficial en el año 1860, pero fueron rechazados por el jurado que debía juzgar las obras que allí se exponían. Al ser rechazados de esta manera decidieron montar sus propias exposiciones. En un principio recibieron una gran cantidad de críticas, ya que tanto el público como lo escritores sobre arte, estaban acostumbrados a unas formas de expresión mucho más clásicas.

Otras de las características del impresionismo es la libertad de la que gozan los artistas a la hora de realizar sus obras. No dependen ya de ningún encargo sino que hacen las obras que realmente quieren, dependiendo solamente de las ventas que de sus obras se realicen, abandonando las peticiones para centrarse en el gusto del público que admite y acepta ese tipo de obras en su domicilio.

Existen precedentes de la pintura impresionista que podemos encontrar en artistas como William Turner. Su obra Lluvia, vapor y velocidad, realizada en 1844, es un buen ejemplo de un trabajo en el que cuesta apreciar las formas debido al humo y la niebla general que invade la obra. Da la impresión, como algunas obras de estos autores, que son simples manchas realizadas sobre el lienzo. Junto a ello tenemos la idea de representar el paisaje, que puede ser una paisaje de todo tipo, desde el ámbito urbano a una vista tradicional de zona de campo, agua o bosque. De hecho para los pintores impresionistas tanto el paisaje como la luz serán elementos esenciales de representación en la mayoría de sus obras.

El pintor neofigurativo Lucian Freud para niños

Se trata de uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Su forma de pintar es claramente reconocible, fue capaz de crear un estilo propio que le hace inconfundible con otros artistas. Es cierto que tuvo diferentes influencias a lo largo de su vida, aunque hay dos que podemos destacar, una sería el surrealismo, con el cual empezó su carrera pictórica. Por otro lado la amistad que mantuvo con Francis Bacon pensamos que también le influye a la hora de realizar sus obras.

Lucian Freud era de origen alemán, de hecho había nacido en Berlín. Como consecuencia de la segunda guerra mundial sus padres se trasladaron a Londres, en Inglaterra pasará el resto de su vida, estudiando y después como artista, aunque no muy prolífico. Era nieto del padre del psicoanálisis, Sigmun Freud, que tanta influencia tuvo en los artistas surrealistas durante la primera mitad del siglo XX.

Este artista es muy conocido por sus retratos, ya que podemos decir que se especializó en este tema, aunque también encontramos algunas obras suyas en las que representa plantas o animales. De estos últimos encontramos varias referencias a los caballos, uno de sus animales favoritos. Pero los retratos que hacía no eran por encargo sino que él mismo elegía a quien quería representar, normalmente gente que se encontraba a su alrededor o alguno de sus amigos. No es un artista del que contemos con gran cantidad de obras, gran parte de ello es debido a que el artista necesita tener una relación personal con aquello que está representando, sea un objeto o una persona. Quizás por esa razón o por su estilo tan personal, algunas de sus obras han sido muy valoradas en las subastas, alcanzando precio millonarios por alguno de sus retratos.

Podemos considerarle como un representante de la nueva figuración inglesa. Quizás una de las características de su obra sea el uso del color, el contraste expresionista que a veces nos ofrecen las zonas de luz y las zonas de sombra en el cuerpo de una persona o en su cara. Utilizaba la técnica del impasto que consiste en aplicar la capa de pintura de manera que el volumen de la pincelada y su forma son visibles, con ello se crea un efecto tridimensional con zonas que destaca junto a la pincelada de color que el autor aplica. Junto a ello los colores que utiliza son neutros.

En cuanto a las obras muchas de ellas son un perfecto estudio psicológico del personaje y nos permite apreciar su estado de ánimo o incluso penetrar en su alma. Junto a ello un realismo en ocasiones descarnado también forma parte de su obra.

Falleció en Lóndres no hace tanto tiempo, fue en 2011 cuando contaba con 89 años.

Lecciones de arte con Wassily Kandinsky

De Kandinsky sabemos que es el primer artista que realizó un cuadro abstracto, concretamente una acuarela que fue realizada en el año 1912. Pero para llegar hasta ella pasó, como otros muchos pintores que trabajaban a principios del siglo XX, por diferentes etapas. Pero Kandinsky no es solo un pintor sino también un estudioso de la pintura, sobre todo del color y la reacción que produce en la persona que lo observa.

Las propiedades del color. Frente al contraste entre el blanco y el negro, Kandinsky apuesta por una vida llena de color, convencido de que el uso del color tiene propiedades que ayudan a la psicología del ser humano y le influyen de manera positiva. Por un lado cuando se observa el color, por otro lado en el efecto que este al ser observado y que tocan el alma humana.

Es importante tomarse su tiempo. Las pausas son importantes, no conviene realizar una obra toda del tirón, sino que es bueno parar de vez en cuando, reflexionar sobre lo que se está haciendo, observarlo y darse cuenta de los errores cometidos o bien del camino que debe seguirse de ahora en adelante. Es algo que no solo puede aplicarse a la pintura sino también a la vida cotidiana.

Nunca quedarse parado. Como todo buen artista el estilo que cada uno tiene debe buscar una evolución. La vida de un artista es la de una permanente búsqueda, va pasando por diferentes estilos hasta que encuentra su propia originalidad, aquello que le hace diferente y reconocible por cualquiera que observe alguna de sus obras.

Armonía en el contraste. El color o la distribución del color puede crear contrastes mas o menos acusados pero que también sirven para excitar el alma del observador. Es uno de los aspectos que el artista estudió con mucho interés. Recordemos que para él no eran importantes los objetos que aparecían en el cuadro sino los colores que formaban parte del mismo.

Reflejo del mundo interior. Cada una de sus obras refleja en parte su deseo interior donde se dan cita cada uno de los apartados anteriores. Cada una de sus ideas aparecen reflejadas en sus obras. Una de las grandes pretensiones de Kandinsky cuando se observan sus obras es que sean capaces de transmitir alguna o varias emociones. Una reacción que tenga que ver con una reflexión interior y que no tiene que ser igual en cada uno de los espectadores. 

Frente al tipo de reacción que espera el arte contemporáneo y que gira en torno a una idea que en muchos casos el espectador debe completar o que invita a la reflexión, las obras de Kandinsky se centran en la emoción que despierta en cada uno de nosotros la observación de sus obras. Emociones como la alegría, esperanza, deseo y muchas otras mas.