Miguel Angel para niños

Nos encontramos ante uno de los grandes genios de la humanidad. Se trata de un artista completo ya que dominaba las tres grandes disciplinas del arte, conservamos obras suyas tanto en arquitectura, escultura o pintura.

Escultura de Miguel Angel que representa la noche

Miguel Angel nació en la zona de la Toscana, en una familia acomodada. Sintió atracción desde muy pequeño por el arte. Cuando se lo comentó a su padre, no le pareció nada bien porque el futuro de un artista era incierto. El padre de Miguel Angel era magistrado y esperaba algo similar para su hijo.

Pero la insistencia de Miguel Angel y las dotes que mostraba le hicieron desde muy joven estar protegido por uno de los grandes mecenas de la ciudad de Florencia, se trata de Lorenzo de Medicí, para el que trabajó hasta que ese gran benefactor del renacimiento falleció. Pasó un tiempo en Venecia pero al poco tiempo fue a Roma donde comenzó a trabajar para el Papa. Se le conoce en su propia época con el sobrenombre de "el divino".

Se dice que Miguel Angel  tenía mal carácter, discutía con demasiada facilidad, a veces con sus superiores, lo que le acarreó numerosos problemas. Es algo que le suele suceder a muchos genios o a muchos hombres que pierden los nervios llevados por su propio orgullo. Se esforzaba en que sus obras fueran perfectas, trataba siempre de obtener esa perfección en su trabajo. Es muy conocida la anécdota en la cual nuestro artista invitó a hablar a la figura de Moises una vez que estaba terminada.

Capilla Sixtina. La Creación de Eva

Si tenemos que decantarnos por alguna del las artes mayores que practicó Miguel Angel debemos decir que fue fundamentalmente escultor, era su disciplina favorita. En escultura podemos observar algunas de sus mejores obras por ejemplo la Piedad que realiza para la Iglesia de San Pedro o el David que se encuentra en la Academia de Bellas Artes de Florencia. La perfección anatómica y lo masivo de sus personajes (sus figuras tienen unos grandes desarrollos musculares) son alguna de las características de su trabajo.

Como pintor es conocido por realizar el techo de la Capilla Sixtina y también la escena del Juicio Final de la misma capilla. Son algunas de las pinturas más conocidas de la humanidad. A él no le hizo mucho gracia tener que pintar esta obra, pero el Papa insistió tanto que se vio obligado a hacerlo. Sufrió mucho ya que nos describe la posición en la que tenía que pasar horas y horas para componer la obra. El trabajo de pintar la Sixtina le ocupó durante cuatro años

También hemos citado su faceta como arquitecto. Diseñó la cúpula de la Iglesia de San Pedro en Roma, una planta que había modificado de su diseño inicial realizado por Bramante, se trata de una de las obras arquitectónicas más impresionantes del mundo.

Nos queda por decir los años en que vivió este artista, nació en 1475 en Caprese y murió en Roma en 1564, como vemos tuvo una vida muy larga.

Miguel Angel es un artista cuya influencia no termina, siempre se le cita como una de las referencias del siglo XVI. Poemos observar rastros de su trabajo en numerosos escultores y pintores europeos que conocieron su trabajo y se sintieron impresionados por él, tratando de repetir esas pautas en sus propias obras. Migul Angel creía en la belleza del cuerpo humano porque era semejante al cuerpo de Dios y por eso trataba sus obras de esta manera, como si fueran un reflejo de la perfección.

Cúpula y Basílica de San Pedro en Roma

La arquitectura del Renacimiento pleno en España

El Renacimiento es un estilo que en la arquitectura española tiene una duración muy corta, ya que el gótico se extiende en el país a lo largo de 3 siglos. Ello hace que mientras en países como Italia estaban desde hace tiempo redescubriendo el estilo, en España se seguía construyendo en estilo gótico hasta en pleno siglo XVI.

Diego de Siloe. Patio del Colegio Fonseca en Salamanca

Por tanto el fenómeno del Renacimiento tiene una duración bastante corta, que va desde 1512 hasta 1580. Pese a ello podemos dividirlo entres momentos cada uno de ellos con sus características. El primero es el plateresco, que asociamos a un tipo de decoración concreta en los edificios, el segundo es el Renacimiento pleno del cual nos vamos a ocupar. El tercer momento alude al clasicismo y las obras de Juan de Herrera, perfectamente identificadas en la construcción del Monasterio de San Lorenzo del Escorial.

El Renacimiento Pleno comienza a darse desde el año 1530 y podemos decir que la mayoría de sus obras se realizan hacia 1550. Una de las características es que van a eliminar carga decorativa en los edificios, aunque todavía mantienen algunos elementos de la época plateresca, ya que aunque desaparecen los grutescos en columnas y pilastras, se mantienen los escudos de las familias que construyen los edificios. 

Al mismo tiempo se introducen elementos que ya habían sido usados en la arquitectura italiana, bien porque los arquitectos los conocen o bien porque han viajado a Italia y han podido verlos in situ. Se trata de la utilización de arcos de medio punto tanto en el interior como en algunas ventanas y otro tipo de arco como el rebajado que también es profuso en esta época.

Pedro Machuca. Patio del Palacio de Carlos V en Granada

Arquitectos como Rodrigo Gil de Hontañón son representativos de este estilo, sus edificios son fácilmente identificables por la galería de ventanas de medio punto que incluye en sus palacios y en las torres de los edificios, al mismo tiempo mantiene elementos del gótico, como la presencia de escudos, los balcones o la crestería rematando la parte superior. Obras como el Palacio de Monterrey en Salamanca o la Universidad de Alcalá de Henares son fieles testigo de ellos.

Diego de Siloe es también representativo del estilo, aunque este a diferencia de Gil de Hontañón había estudiado en Italia y conocía mas características del renacimiento, como el uso del círculo si se trataba de un panteón, como ocurre en la Catedral de Granada o en la Iglesia del Salvador de Úbeda. Una magnifica obra suya es el patio del Palacio Fonseca en Salamanca, quizás el más bello renacentista que tenemos en España.

No quiero terminar sin citar a Pedro Machuca, un arquitecto más clásico que los anteriores, que también conocía multitud de obras italianas. Se puede ver perfectamente en el Palacio de Carlos V que construyó en Granada y como tanto en el patio como en la fachada introduce estos elementos clásicos en el orden de las columnas, en el almohadillado exterior o en el uso del vano serliano que tuvo que conocer en Italia.

Rodrigo Gil de Hontañón. Universidad de Alcalá de Henares

Leonardo da Vinci para niños

Cuando hablamos de Leonardo, no nos referimos solo a su faceta como artista, ya que dominaba diversas artes mayores sino también a su faceta como científico e ingeniero, nos encontramos ante uno de los grandes inventores de la humanidad, algunos eran tan avanzados para sus diseños que se han hecho realidad en nuestro tiempo en vez de en el suyo.

Leonardo lleva el nombre de la ciudad donde nació, Vinci era una ciudad cercana a Florencia. Era hijo ilegítimo un padre rico y una campesina, aunque fue criado con los mismos privilegios que cualquiera de los otros niños. No llegó a participar de la herencia de su padre por esta razón, aunque la verdad es que no le hizo ninguna falta, ya que tuvo una vida desahogada.

Desde niño fue muy aficionado al dibujo, por lo que su padre viendo su talento le llevó al estudio del mejor pintor del momento en Florencia Andrea Verrochio donde entró como ayudante y con el que permaneció bastante tiempo colaborando, incluso después de su independencia cuando era ya un artista colegiado.

De todas maneras el número de obras que Leonardo realizó a lo largo de su vida no fue muy grande, ya que conservamos solo 10 pinturas del artista. Como otros muchos genios era una persona poco constante, empezando proyectos que a veces dejaba a medias y siempre con la cabeza en todas partes. Si resulta curioso que no llegará a triunfar en Roma donde tanto Rafael como Miguel Angel recibían gran cantidad de encargos, pasando las obras de Leonardo desapercibidas en la ciudad eterna. Sin embargo protegido por Ludovico Sforza tuvo mucho éxito en Milán donde participó en obras de arquitectura, al igual que en otras ciudades como Venecia o su ciudad de residencia, la magnífica Florencia.

Las constantes escaramuzas militares hicieron que el ducado de Milán cambiara de manos de manera constante, perteneciendo en diferentes ocasiones a la corona francesa. Esa es una de las causas de que el rey francés Francisco I invitara a Leonardo a territorio francés durante los últimos años de su vida, allí murió en el año 1519, concretamente en la ciudad de Amboise donde su cuerpo se encuentra enterrado.

Científico, inventor, dibujante, investigador, filósofo, poeta, diseñador urbano y además arquitecto, escultor y pintor. Un hombre completo del renacimiento. Algunos de sus cuadros son considerados como los mejores que ha pintado la humanidad, no tenemos más que pensar en La Gioconda o La Última Cena donde podemos contemplar algunos avances pictóricos revolucionarios a la hora de representar el paisaje y la perspectiva.

Tenemos la historia de Leonardo da Vinci en vídeo por si apetece verlo en este formato:

La última cena de Leonardo da Vinci para niños

Esta obra del gran artista italiano es una de las más famosas y representadas de toda la historia del arte, ya que por su calidad y maestría ha servido como modelo a otros muchos artistas que querían representar este tema.

Los artistas podían haber escogido varios momentos que tuvieron lugar en esa habitación la noche del jueves santo, pero la mayoría de ellos se decidieron por representar el momento en el que Jesús anuncia a sus discípulos que son sus últimos momentos juntos y que uno de ellos le va a traicionar. 

Esa es la razón para que la mayoría de los apóstoles aparezcan con gran cara de sorpresa, moviendo sus brazos, mirando angustiados a Jesús o el resto de sus compañeros y preguntándose cual de ellos puede ser el traidor.

Detallede Juan,  Judas con la bolsa y Pedro con un cuchillo

Lo que ocurre en la pintura de Leonardo es que los grupos de apóstoles, que se encuentran al los lados de la figura central de Jesús, están muy bien organizados, ya que se agrupan en figuras de tres en tres, donde se producen varios contrastes para poder ganar en tensión y movimiento. Por ejemplo Leonardo contrasta figuras más jóvenes con otras más viejas, unas al lado de las otras y también figuras con mucho movimiento frente a otras que se encuentran más tranquilas, con la idea de generar cierta tensión. 

Judas, el apóstol que va a traicionar a Jesús se encuentra en el segundo grupo empezando por la izquierda, junto a Juan, al que reconocemos porque no tiene barba.

La estructura de la obra y todas las líneas de fuga nos conducen a la figura central, a la cara de Jesús, que se encuentra explicando cual es la situación.

Leonardo se esforzaba mucho en sus obras por no copiar siempre los mismos modelos o repetirlos, como hacían otros artistas, quizás por eso se demoró demasiado en realizar esta obra, porque buscaba los modelos adecuados, incluso hay quien dice que se incluyó a si mismo entre el último grupo de apóstoles junto a la figura de Platón, un filósofo esencial gracias al cual se han explicado muchas de las teorías teológicas de la doctrina católica.

Polémicas aparte (si está Leonardo, si se ha llegado a representar una mujer que podría ser María Magdalena), la obra fue pintada sobre una pared  en el refertorio del convento dominico de Santa María de la Gracia en Milán. La obra ha sufrido deterioro desde los primeros momentos, ya que no es un fresco, que requiere una gran rapidez de ejecución, Leonardo quiso experimentar y mezcló temple y óleo, alargando sobremanera el tiempo de ejecución y provocando que al poco de terminarse ya hubiera zonas que se desprendían de la pared. De todas maneras la obra ha tenido una restauración hace poco tiempo que la ha dejado en perfecto uso y disfrute de los turistas e interesados en el arte renacentista.

Marcos López. Última cena

Biografía de El Greco para niños

Domenikos Theotocopoulos es uno de los pintores mas conocidos a nivel mundial que trabajó en un momento de transición entre el renacimiento y el barroco, pudiendo observar algunas características propias del manierismo en muchos de sus trabajos. Fue un hombre muy culto y tenía nociones de arquitectura, de hecho su hijo Jorge Manuel se dedicó a esta profesión en la ciudad de Toledo.

El Greco nació en la isla de Creta, concretamente en la ciudad de Candia en el año 1541. En la isla va a permanecer hasta que cumpla los 26 años influenciado entonces por es estilo bizantino, donde los iconos eran algo típico en esta pintura desarrollada en la zona.

Con esa edad se trasladó a Venecia, en esos momentos la isla de Creta formaba parte de la República Veneciana y no era extraño que muchas personas pasaran por la capital, en este caso para formarse como pintor, al lado de algunos de los más grandes artistas que en ese momento trabajaban en el conjunto de islas. Nos referimos a artistas de la talla de Tizianno, Tintoretto, Verones o Bassano. Aquí El Greco abandonó los iconos y empezó a representar como lo hacían sus maestros, introduciendo esos colores tan llamativos típicos de la pintura veneciana que le acompañarán a lo largo de toda su vida.

Detalle de la pintura El Martirio de San Mauricio

En el año 1570 se trasladó a Roma para continuar su formación, en la ciudad eterna eran las obras de Miguel Angel y Rafael las que tenían más influencia, pese a que los dos ya habían fallecido. Hay quien dice que su salida de Italia tiene que ver con unas declaraciones en las que habría calificado algunas figuras realizadas por Miguel Angel como indecentes, al estar completamente desnudas, en un momento en el que en Roma se planteaban tapar la desnudez de alguna manera. Esto está sin confirmar, lo que hace el Greco es continuar su formación y aprender de los grandes maestros.

En el año 1577 llega a España y se estableció en Toledo, había hecho en Italia algunas amistades que podían favorecerle en este nuevo país. Es un momento en que se están acabando las obras del Monasterio del Escorial, lugar para el que se le encargaron dos cuadros, uno de ellos El Martirio de San Mauricio, parece ser que no fue del gusto del rey Felipe II por lo que su colaboración con el Monaserio no continuó centrándose en su trabajo toledano. Allí, en la capital religiosa del país, recibió múltiples encargos y vivió un éxito continuado, llegando a ganar grandes sumas de dinero por las obras realizadas.

Falleció en el año 1614 en la ciudad imperial, como hemos dicho con numerosos encargos hasta el final de su vida, fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Dejó una gran biblioteca, plagada de todo tipo de títulos, desde tratados de pintura, filosofía o arquitectura. Era una de las bibliotecas personales más grandes del momento, que todavía puede verse en la Casa Museo en la ciudad de Toledo.

El David de Miguel Angel para niños

El David es una de las esculturas más famosas de toda la historia del arte, fue realizada por el artista multidisciplinar Miguel Angel nada más comenzar el siglo XVI. En principio fue un encargo de la Catedral de Florencia. Actualmente se encuentra en la Galería de la academia en Florencia.

La obra está realizada en mármol blanco, acorde con la tradición italiana y la romana, foco de referencia del renacimiento italiano. La altura de la obra es de 5,17 metros de altura

Representa al rey David en su enfrentamiento contra el gigante Goliat. Debemos de pensar en Goliat como un ser legendario, casi sobrenatural, una persona de un tamaño excepcional, ya que se dice que su altura podía ser de 2.90 metros. Goliat luchaba por los filisteos, en un momento en que estaban en guerra con los isarealitas y les tocaban la moral después de varias derrotas. Goliat salí de su campamento cada mañana y a voz en grito exhortaba a cualquier israelita que quisiera enfrentarse con él y solucionar de esta manera la batalla que tenían pendiente. El resultado final decidiría la batalla y así el ganador se declararía siervo del otro pueblo. Durante 40 días Goliat retaba a sus rivales sin que estos ofrecieran respuesta, hasta el que David (que después sería rey de Israel) se decidió a plantarle cara.

Eso es lo que trata de representar la escultura, como sabemos David venció a Goliat, golpeándole en la cabeza con una piedra que había lanzado con su honda, ya que era pastor y tenía habilidad en el manejo de este arma, para así poder controlar su ganado. La única duda que nos queda es si Miguel Angel ha representado el momento antes de lanzar la piedra o bien el momento después, por esa razón estaría mirando fijamente su objetivo, para fijarlo en el primer caso o bien para observarlo después de su caída en el segundo.

Esta representación se salta un poco la iconografía tradicional, donde se suele representar el momento después de la batalla, cuando David, una vez vencido el gigante, le corta la cabeza y aparece con ella en sus manos.

En la escultura de Miguel Angel, observamos una bellísima composición, la figura tiene un fuerte contraposto, apoyando todo el peso en la pierna derecha y relajando ostensiblemente la izquierda. Se trata de una figura fuertemente musculada y no parece tan niño como le habái representado por ejemplo el artista Andrea Verrochio que también realizó años antes una versión de este tema. 

La mano izquierda parece alzarse para tocar el hombro, donde sujeta su honda que cae sobre su espalda, mientras la otra mano aparece relajada y parece tocar el muslo de la pierna derecha.

Como hemos dicho se trata de una obra de gran belleza y una de las referencias del Renacimiento italiano, realizada de la mano de un genio como es Miguel Angel, que destacó también por sus trabajos de arquitectura y pintura.

La creación de Adán de Migel Angel para niños

Esta pintura es uno de los nueve episodios representados por Miguel Angel en la Capilla Sixtina en Roma, bajo encargo del Papa Julio II que le había requerido para este trabajo así como para la representación en el ábside de una escena del Juicio Final.

La obra fue pintada en el año 1511 y ha servido de modelo iconográfico para una representación extraña a lo largo de la historia del arte como es la creación del primer hombre.

Según la tradición cuando Dios había terminado la creación de la tierra, montañas, agua, ríos, cielo, decidió crear al hombre a su imagen y semejanza, como si fuera un reflejo suyo y entonces modeló en barro una figura humana que solo necesitaba que le insuflaran vida para poder moverse. Ese es el momento que tenemos representado en la escena, justo cuando se tocan los dedos de Dios y de Adan es el momento en el que el primer hombre adquiere la vida. Así lo vemos recostado sobre la tierra, completamente desnudo y esperando el toque para poder incorporarse.

Dios Padre aparece como era tradicional representado como un anciano venerable, es decir mayor y con barba blanca, da cierta impresión de velocidad, como si estuviera muy ocupado, parece que va a tocar la figura de Adan e inmediatamente marcharse para hacer otra cosa, en esa especia de velo que le protege y donde aparece rodeado de personajes.

Es curioso que con su brazo izquierdo está rodeando los hombros de una mujer. Esta figura quiere interpretarse como Eva, que todavía no habría sido creada, pero lo va a ser. Recordemos que según la tradición Eva fue creada de una de las costillas de Adán. El resto de figuras que rodean al Padre serían ángeles y amorcillos.

Miguel Angel es uno de los grandes genios de la pintura, había venido de Florencia a Roma, en la ciudad donde pasó su infancia aprendió muchísimo sobre pintura con los más grandes desarrollando un estilo personal, con grandes figuras muy musculadas y una perfecta distribución de color, que incluye tonalidades a veces un tanto extrañas, como colores anaranjados o el mismo rosa del manto del Padre que podemos observar en la pintura. Miguel Angel es un artista que en muchas ocasiones se acerca al manierismo mas que al Renacimiento, el uso de esos colores son prueba de ello.

La expulsión del paraíso de Masaccio

Masaccio es uno de los pintores más importantes del cuatrochento italianao, un artista que ejercerá una influencia muy grande en otros artistas florentinos, como por ejemplo Miguel Angel a la hora de ejecutar el mismo tema. Vivió solo 27 años pero su corta vida no implica una obra que no sea destacada en la historia de la pintura.

La obra que hoy nos ocupa se encuentra en la ciudad de Florencia, concretamente en la Capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine.

El tema está narrado en el génesis y representa el momento en que Adan y Eva son expulsados del paraiso después de comer la fruta del árbol prohibido o el árbol de la vida.

Existen algunas diferencias frente al relato bíblico que ahora vamos a destacar. La primera de ellas tendría que ver con el desnudo de los personajes, ya que de acuerdo con el génesis, una vez que comieron la fruta, se dieron cuenta que estaban desnudos y se cubrieron con unas hojas de parra porque sentían vergüenza, pero en ese caso vemos que durante la expulsión los dos se encuentran desnudos, aunque Eva trata de taparse con sus manos mientras es expulsada. Por su parte Adán se muestra completamente desnudo.

Da impresión, en segundo lugar, de que el acceso al paraíso se hace por un arco de forma semicircular del que estos personajes acaban de salir, ese arco tampoco se menciona en el génesis, así como la presencia del ángel, ya que una vez expulsados dice el texto que Dios colocó a la entrada del Paraíso un querubín para proteger el acceso.

Por último resulta muy interesante fijarse en los rostros de los personajes, desgarrados por el dolor tras el error que acaban de cometer y que les priva de una vida regalada y plácida. Adán se lleva las manos a la cara en una posición propia de los niños que tapan o cierran sus ojos cuando sienten vergüenza ante una situación comprometida. Por su parte el rostro de Eva, que podemos apreciar completamente, parece el de una mujer madura, terriblemente arrepentida por el momento que le está tocando vivir.

Esos rostros patéticos, cercanos a la tragedia, nos recuerdan algunas de las caras representadas por uno de los grandes maestros del trechento que es capaz de dotar a los rostros de esa expresión tan propia de una situación dolorosa, nos referimos a Giotto, que fue el que despojó al arte medieval de su hieratismo, introduciendo una energía en sus obras hasta entonces desconocida para una obra que se realiza en el primer cuarto del siglo XIV.

Principales elementos de la arquitectura Plateresca

Cuando hablamos de arquitectura plateresca debemos precisar que el plateresco en si no es una forma concreta de construir sino de decorar, hay autores como Fernando Marías que proponen que el término sea solamente escultórico y debe aplicarse a edificios góticos revestidos de un manto decorativo que llamamos plateresco.

Sera a finales del siglo XV cuando la arquitectura de los reyes católicos comience a engalanarse con motivos ornamentales llegados de Italia.

Las fechas de construcción de edificios platerescos irían desde 1515 a 1550

Algunas de las características de la decoración plateresca son las siguientes:

• Presencia del grutesco, una columna o pilastra decorada en el fuste con motivos vegetales o geométricos.
• Presencia de escudos, alusivos a la familia o grado noble de los que construyen el edificio
• Horror vacui, suelen contrastar las zonas muy cargadas de decoración con otras que prácticamente carecen de ella.
• Introducción del desnudo en las figuras de algunos de los personajes representados, es esto una consecuencia de la influencia italiana.
• Todo tipo de arcos fingidos para decorar las fachadas (medio punto, rebajados, polilobulados, etc)

Si te interesa tener toda esta información en vídeo con muchos más ejemplos sobre arquitectura plateresca, aquí lo tienes