El Che Guevara como icono pop

Ernesto Che Guevara es una de las figuras más destacadas del siglo XX, una persona que despierta admiración para algunos y odio para otros, en posturas encontradas que tienen que ver mas con lo ideológico que con lo artístico, que es lo que aquí nos ocupa.

El Che Guevara nació en Rosario (Argentina) en el año 1928 en el seno de una familia acomodada, pero es conocido por la lucha armada en diferentes países para entender la revolución comunista. Quizás el episodio de mayor triunfo lo vive junto a Fidel Castro, cuando desde Mexico llegaron con guerrilleros a Cuba y fueron capaces de extender la semilla de la revolución a un pueblo que se encontraba tremendamente oprimido en ese momento.

Una vez en el poder en Cuba, Guevara ocupó diferentes cargos políticos e incluso adquirió la nacionalidad cubana, pero quizás por enfrentamientos ideológicos o quizás porque llevaba dentro el gusanillo de la guerra, decidió abandonar cualquier cargo y seguirse uniendo a diferentes revoluciones comunistas en todo el mundo, principalmente en América Latina. Tras su salida de Cuba luchó en el Congo y también en Bolivia, donde fue herido, apresado y se le dio muerte en el año 1967.

Pero a nosotros nos interesa la parte artística y es que desde entonces el Che Guevara se ha convertido en un icono pop y su imagen ha sido representada en multitud de objetos que son de uso común en la vida diaria de millones de personas.

Lo curioso es que se trata de un icono pop de la sociedad capitalista, que compra tazas, gorras, mecheros, camisetas y miles de objetos con el rostro del Che Guevara, un guerrillero que trataba de extender la revolución comunista y que por tanto detestaba la sociedad que lo convirtió en un icono mercantilista.

A veces es muy curioso como el capitalismo puede darle la vuelta a cualquier cosa para convertirlo en un negocio. Aquellos que compran objetos con el rostro de Guevara, quizás porque se sienten identificados con sus ideas, están contribuyendo al engorde de la industria que lo único que obtiene con grandes beneficios con la venta de todo tipo de objetos.

Simplemente decir que la mayoría de ellos toman como modelo la fotografía realizada por Alberto Korda en 1960, una obra que en sus diferentes variantes se ha reproducido hasta la saciedad, igual que el perfil que de esta fotografía realizó Jim Fitzpatrick y que ha servido para millones de impresiones en objetos de todo tipo.

Esta frase, que también se utiliza profusamente en el Merchandising de Guevara es la despedida de la carta en la que anunciaba a Fidel Castro que renunciaba a todos sus cargos y a la nacionalidad cubana para continuar extendiendo la semilla de la revolución comunista por el resto del planeta.

El pintor Takashi Murakami para niños

Murakami es un artista contemporáneo de origen japonés que se mueve en una línea muy delgada que separa el arte, la cultura de consumo y el pop, en muchas ocasiones salpicados con golpes de manga, quizás extraño para nosotros pero un producto de consumo habitual por los jóvenes y mayores en su país de origen.

Es una de los artistas más famosos en la actualidad, tanto que tiene dos estudios con varios trabajadores a su cargo, uno en la ciudad de Asaka en Japón y otro en Long Islnad en Nueva York. Murakami no se ha dedicado solo a la pintura sino que, al igual que hizo Salvador Dalí durante su etapa en Estados Unidos, ha diseñados todo tipo de objetos y adornos que llevan su nombre, lo cual le ha proporcionado unos grandes beneficios. Bolsos, camisetas de diseño, alfombrillas de ratón, tazas, llaveros, fundas de iPhone. Todo vale si existe negocio de por medio.

Durante su infancia el manga y el anime formaban parte de la cultura popular justo después de la II guerra mundial. Tras la guerra la presencia americana introdujo personajes de Walt Disney, realizando una mezcla entre los clásicos japoneses y el pop occidental.

Para realizar sus pinturas, hechas por sus técnicos, utiliza todo tipo de técnicas de ordenador, con imágenes superpuestas que escanea y colorea con programas de ordenador que después serán trasladados al lienzo.

Uno de sus grandes iconos repetido hasta la saciedad es la figura de Mr DOB, un alter ego, una figura muy cercana a Mickey Mouse que pretende ser tan popular como él. Su cabeza esta formada por esas tres letras. Estas letras hacen alusión a una cuestión, porque? porque? en japonés.

Murakami también se ha adentrado en la escultura con grandes imágenes que hacen alusión al manga o al mundo de los videojuegos, donde se alude a la estética japonesa a la hora de representar a la mujer, uniforme de colegiala con grandes ojos y grandes pechos y una estética sexy, que en Japón alude a una mujer sumisa y recatada. 

En una lista aparecida recientemente se le considera como una de las 100 personas más influyentes del mundo.

El pintor pop Eduardo Urculo para niños

Puede que nuestro artista sea uno de los máximos representantes del arte pop en España junto con los cuadros realizados por el equipo crónica en una fecha similar a la que Urculo se encuentra en su etapa pop.

Pero la llegada de Urculo al pop no llega de repente sino que es algo progresivo. Eduardo Urculo no tuvo una vida regalada sino bastante difícil hasta llegar a triunfar en el mundo del arte, una vida llena de lucha y trabajo para ser reconocido como pintor.

Si trazamos una pequeña biografía de Eduardo Urculo diremos que nació en Santurce en 1938. su familia, con grandes problemas económicos tuvo que trasladarse a Asturias, allí muy joven nuestro artista tuvo que ponerse a trabajar para ayudar a su familia, en primer lugar en un estudio topográfico con el que contaba una empresa minera. Será en estos primeros momentos donde muestra su afición por el dibujo ligado a grandes artistas de finales del siglo XIX como Van Gogh o Modigliani.

Una enfermedad que le obliga a permanecer mucho tiempo en cama acrecienta su afición por el dibujo y por la pintura. Una vez recuperado se dedica a dibujar comic para el periódico asturiano, algo muy importante porque entre el comic y el arte pop existe una conexión muy importante, no tenemos mas que pensar en la obra de Roy Lichtentein o bien en algunos de los cuadros realizados por el citado Equipo Crónica.

Es importante reseñar que antes de su etapa pop y gracias a una beca con la que puede estudiar en Madrid, Urculo realiza un tipo de pintura que podríamos calificar como social, una obra que denuncia la mala situación de muchos de los trabajadores de los barrios humildes de la capital de España.

Su afición por el arte pop no llegará hasta 1967 cuando tiene la oportunidad de realizar un viaje por el norte de Europa y apreciar diferentes exposiciones donde estaban incluidos artistas como Andy Warhol, Lichtenstein o Robert Rauchenberg. Su paleta de colores comenzará a cambiar y se vuelve mucho más cálida, acercándose sus obras al mundo del comic y de la publicidad. Será su periodo más fecundo y conocido.

Eduardo Urculo falleció como consecuencia de un infarto en el año 2003

El artista pop Roy Lichtenstein para niños

El arte pop tiene multitud de manifestaciones en su época de mayor esplendor, es decir a partir de los años 60, cuando artistas tan conocidos como Jasper Jhons o Andy Warhol conviertan en arte aquello que hasta ese momento solo se consideraba popular. Como ya vimos en el post Andy Warhol para niños, este se dedicaba a la representación de personajes famosos o bien de latas de comida que se anunciaban en televisión.

Si tratamos de hacer una pequeña biografía de Roy Lichtenstein, lo primero que debemos decir, es que al igual que Andy Warhol, también es Americano, nació en la ciudad de Nueva York en el año 1923 y murió en la misma ciudad como consecuencia de una neumonía en el año 1997.

Ya comentamos que el arte pop surge como reacción al movimiento americano por excelencia, hablamos del expresionismo abstracto. Bien, pues Lichtenstein practicó este movimiento hasta el año 1958, pero desde entonces comenzó a cambiar su estilo y se aproximo mucho más a la idea del pop y a sus cuadros más conocidos en la actualidad.

Lichtenstein se doctoró y trabajó como profesor de Universidad la mayoría de su vida.

Y es que su estilo se caracteriza por el uso de imágenes tomadas de los comics que aparecen aisladas y descontextualizadas de su entorno, en muchos casos reinterpretadas por el autor, que añade nuevos colores y situaciones. No solamente se trataba de comics ya que también utilizaba personajes que aparecían en anuncios comerciales para darles un nuevo valor distinto del que tenían en origen. Por ejemplo algunas de sus primeras figuras son personajes que aparecen en el envoltorio de algunos chicles.

Sus obras recuerdan tanto a los comics que en muchas ocasiones la forma de pintar nos da impresión al ver  como están impresos sobre el papel estos dibujos, reproduciendo los puntos rojos que creaba la impresión del momento. A ello añadía en algunas ocasiones colores que no aparecían en el comic, ya que los colores en la impresión se reducían por el alto valor que tenía imprimirlo, de manera que podemos observar en los cuadros personajes con el pelo azul, cosa que en los comics no aparecía por la razón que acabamos de explicar.

No solamente se dedicó a la pintura, sino también a la escultura, con un estilo muy similar, es posible encontrar obras suyas repartidas por todo el mundo, ya que fue un autor muy prolífico. 

En muchas de sus obras la mujer es protagonista, sobre todo en cuadros de primera época, son muy guapas mujeres que bien anunciaban productos o eran protagonistas como héroes de algún comic de acción y aventura. En muchos casos las emociones se pueden apreciar perfectamente e incluso a veces predominan sobre otro tipo de situaciones.

El equipo crónica explicado a los niños

Para comprender la pintura del Equipo Crónica debemos situarnos en el contexto en el que surge este grupo de pintores que trabajan de forma conjunta. Estamos en la España de los años 60 y a lo largo de los 50 los artistas que más han destacado han sido los informalistas, abanderados por Tapies, Millares o Saura, recogen la tradición del expresionismo abstracto norteamericano y lo adaptan a su propia visión en España.

Pero superado ese momento durante los años 60 se vive un momento de mayor apertura, los turistas comienzan a llenar las playas españolas y existen unas necesidades básicas que han sido cubiertas con el trabajo que ha surgido en las ciudades, ello ha permitido que mucha gente pase del campo a la ciudad y que comience a surgir una clase media ligada a una serie de objetos básicos de consumo que en ese momento se pueden permitir. La industrialización ha generado todo este cambio social en España. 

Es en esa incipiente sociedad algo más abierta y ávida de consumo donde surge el Equipo Crónica. Este grupo de artistas apadrinados por el crítico Tomas Llorens llegarán a redactar un manifiesto en el año 1965 sobre sus pretensiones pictóricas que ayudan a definir su línea y método de trabajo. 

El grupo surge en Valencia y estaba formado por tres artistas, Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Anotnio Toledo. Este último abandonó pronto el grupo, pero Solbes y Valdés continuaron implicados en el proyecto hasta la muerte del primero que tuvo lugar en el año 1981 momento que consideramos el de la desaparición del grupo. Y así debía ser ya que juntos planteaban los temas y juntos realizaban las pinturas los dos artistas.

El equipo crónica recoge algunas de las tendencias europeas del momento, entre ellas una de las que más éxito tuvo, tanto en Europa como en Estados Unidos, nos referimos al pop art. Aunque para ellos, igual que le ocurre a otros pintores como Eduardo Arroyo, el pop art es un método de expresión crítica contra la sociedad y el gobierno español del momento, aunque sea de forma tímida porque quizás no podía hacerse de otra manera.

Trabajaban con iconos claramente reconocibles, tanto españoles como extranjeros, realizando pinturas en serie variando pequeñas posiciones u objetos que portan los personajes. Revisan algunos de los grandes iconos de la historia del arte español, encontrando personajes de artistas como El Greco, Velázquez y Goya en algunas situaciones inverosímiles e incluso divertidas, combinando este tipo de imágenes con algunos iconos del consumo que surgen en los años 60.

Algunos de estos personajes salen de su contexto habitual para integrarse en acciones propias del momento en que son pintados, creando sin duda situaciones la mar de divertidas.

El pintor Eduardo Arroyo para niños

Eduardo Arroyo es uno de los pintores más importantes que ha dado el arte español en la segunda mitad del siglo XX y el siglo XXI. Frente a la moda imperante en España dominada principalmente por el informalismo que tiene su desarrollo en la década de los cincuenta y sesenta del siglo pasado, Arroyo, siempre remando en contra, se decanta por la pintura figurativa para expresar mejor sus ideas y críticas contra la sociedad española de la eṕoca.

Mientras esos pintores informalistas se les acusó en varias ocasiones de colaborar con el régimen de Franco e incluso aprovechar la estructura del régimen, que les permitía ciertas licencias, para su promoción interior y exterior, apoyándose mutuamente para conseguir esos objetivos de promoción, la figura de Eduardo Arroyo representa todo lo contrario. Debemos señalar que gran parte de su vida la pasó exiliado en Francia, donde huye de la presión franquista, contra el que estaba abiertamente en contra.

En una pequeña biografía de Eduardo Arroyo podríamos decir que nació en Madrid, estudió peridismo y practicó la caricatura antes de decantarse definitivamente por la pintura a partir del año 1957, cuando se traslada a París asfixiado por la presión del régimen franquista.

Fue muy crítico, pero no solo contra la dictadura de Franco sino con cualquier tipo de dictadura, por ejemplo dedicó una obra titulada Los Cuatro Dictadores dedicada a Hitler, Mussolini, Franco y el portugués Salazar, un trabajo del año 1963 que no gustó nada en España que realizó una protesta formal a Francia.

Podemos decir que la pintura de Eduardo Arroyo se encuentra mas cerca del pop art que de cualquier otro estilo, aunque también observamos en su trabajo una fuerte influencia del surrealismo. Se trata en ocasiones de figuras y objetos típicos, fáciles de asociar con España, nos referimos a botellas de vino fino, bailarinas de flamenco, personajes históricos, todos ellos representados desde una vertiente bastante crítica con la sociedad y el momento político que en ese momento se está viviendo en España. Los colores de sus obras serán bastante vivos y llamativos, muy cercanos a la misma idea de obras del arte pop norteamericano e inglés.

Resulta curioso que Eduardo Arroyo siempre ha defendido el papel del mercado del arte como el símbolo más importante para el reconocimiento del artista, frente a la presencia del Museo y la promoción museística en muchos casos patrocinada con dinero público. Es cierto que es la venta de obra la que sostiene al artista, pero el sistema del arte está integrado por diferentes agentes, dentro del cual el Museo cumple un papel esencial como sancionador de la obra de arte y promotor de la misma por su capacidad para llegar al gran público. Indudablemente como ya sabemos el Museo no se dedica a la venta de obras de arte, sino que se integra como un elemento más, tan importante como pueda ser la Galería, la subasta o la crítica de arte.

El arte pop de Richard Hamilton en el Museo Reina Sofía

Hamilton es uno de los mayores iconos del arte pop a nivel mundial. Podríamos decir que es la referencia europea del estilo a un nivel muy similar al que ejerció Andy Warhol en Estados Unidos. El tratamiento que los dos artistas hacen de los iconos de la cultura contemporánea son muy similares, aunque intentaremos ver algunos pequeños matices e influencias diferentes entre ellos.

Quizás la obra que mejor identifiquemos con Ruchar Hamilton es una de título muy largo "Que hace que los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan llamativos" (Just What is it that makes today´s homes so different, so appealing), una obra presentada en el año 1956 dentro de una exposición titulada This is Tomorrow (Esto es mañana). En ella es muy destacable en primer lugar el uso del collage para componer los diferentes elementos que conforman la pintura, quizás porque ello enlaza con una de las tendencias que tendrá un resurgir a finales de esa década y la siguiente, nos referimos al dadaismo, al neo dada, por el cual Hamiltón se sentía influido, llegó de hecho a organizar una exposición de Marcel Duchamp por aquello años. Recordemos que al explicar el dadaismo a los niños dijimos que el collage era uno de los elementos más importantes de este estilo, entre otras razones para tratar de provocar al público.

Recordemos que el dadasimo tendrá mucha influencia en la estética punk, no tenemos mas que pensar en algunos de los dibujos realizados por Jamie Reid para componer las portadas de los trabajos, singles mas bien, de la banda de punk inglesa Sex Pitols, el uso del collage y algunos de los iconos contemporáneos nos recuerdan el estilo de Hamilton y, por supuesto, el dada.

Entonces en la obra de Hamilton reseñada encontramos muchos elementos propios de la cultura de masas, una pin up, un televisor, un culturista, un enorme chupa chup, un símbolo de la marca de coches Ford, un cartel de una película, una aspiradora, elementos claramente reconocibles en la vida diaria de cualquier persona.

Se dedico también Hamilton al diseño, quizás su obra más conocida por su excesivo minimalismo sea el White Album de The Beatles que como sabemos no tiene más que el nombre de los artistas sobre un fondo completamente blanco.

Hamilton es un artista que como muchos otros se apropia de los elementos contemporáneos para incluirlos en su obra, dándoles un nuevo punto de vista respecto al que jugaban en su contexto original.

Ahora es posible contemplar una exposición de este artista en el Museo Centro de Arte Reina Sofía que con 250 obras del artista, entre la que se encuentra la que acabamos de citar de forma extensa, permanecerá abierta hasta el 13 de Octubre de 2014, compitiendo en el eje prado con la visión contemporánea de las obras de El Greco en el Museo del Prado.