¿Como crear una obra maestra?

Parte de lo que vamos a desarrollar en este texto se basa en lo escrito por Francesca Bonazzoli en un ensayo titulado ¿como nace un icono? que fue publicado en un libro que incluye algunas de las obras más conocidas de toda la historia del arte. El libro lleva por título De la Mona Lisa a los Simpson.

¿Como se transforma una obra de arte en un icono? ¿Por que se forman largas colas en un museo para verla?

Una obra de arte necesita cuatro elementos para ser famosa: lo que se dice de ella, cómo se dice, quién lo dice y dónde se dice. Aunque por si solo no es suficiente ya que influyen otros factores como la historia, sociología, psicología o religión.

Antiguamente se veneraban las reliquias de santos y la gente se desplazaba para contemplarlas, ahora veneramos obras de arte, viajamos para verlas y las protegemos. Antes se depositaban las reliquias en iglesias ahora utilizamos museos. Los museos son los nuevos templos de la historia del arte, donde las obras se contemplan con una veneración casi mística, acompañadas de un silencio que nos invita a la oración.

Para una obra es importante el lugar donde se encuentra depositada, no es lo mismo estar en el museo del Prado en Madrid que en un museo perdido de la ciudad de Oulu en Finlandia. La Mona Lisa fue robada del Louvre en 1911 y también fue posesión de numerosos monarcas franceses acumula fama. Una ubicación prestigiosa ayuda mucho a incrementar la fama.

Otro factor determinante para la fama de la obra es el autor y los mitos que existan sobre él. Pensemos por ejemplo en Caravaggio o Modigliani y una vida atormentada por el alcohol y las drogas antes de llegar a su fin.

Si existe duda sobre la autoría de la obra esta pierde por completo el valor y la admiración del público. El artista se ha convertido en una marca que por si solo da prestigio a la obra. 

La forma de ser del artista también influye en la obra, el éxito de las obras de Andy Warhol o Salvador Dalí es parejo a la personalidad de estos artistas.

Lo que se dice de una obra también es importante. Aquellos detalles o circunstancias que conocemos de ellas. Por ejemplo sobre la maja desnuda de Goya sabemos que existe una historia de engaño y desamor o incluso el nombre y apellidos de la persona representada.

Los años 60 son clave para la difusión de las imágenes y el fácil acceso a exposiciones y museos suponen una amplia expansión al alcance de todos. Carteles, televisión, cine, hacen que veneremos las imágenes. Es el momento en el que surgen algunos iconos. La reproducción masiva de imágenes como decía Walter Benjamin han aumentado su magnetismo sagrado y el deseo de peregrinar para ver con nuestros ojos el original porque no es lo mismo que la reproducción.

La copia y la versión también contribuye a la expansión del mito. pensemos en la gran cantidad de imágenes de la Gioconda que tenemos actualmente o incluso de la cara del Che Guevara como icono de no se sabe muy bien qué.

Algunas imágenes servirán para anuncios de publicidad, algo que será aprovechado desde los años 60 cuando el arte se apropia de la publicidad tal como hizo Andy Warhol en sus obras.

La iconografía creada por los artistas también ayuda a la repetición y asociación de algunas imágenes que para nosotros son icónonicas, La Piedad de Miguel Angel puede ser un buen ejemplo o bien la Creación de Adan de este mismo artista, que se repite en la posición de manos de La Vocación de San Mateo de Caravaggio o el dedo de la película ET.

La religión del arte no distingue fronteras ni continentes sino que aparece como la primera religión planetaria.

Los girasoles de Vicent Van Gogh para niños

Se trata de una de las obras más conocidas del pintor y una de las que más repercusión mediática ha tenido, ya que en el año 1987 un magnate japonés llegó a pagar el record adquirido por un cuadro en una subasta, una posición que ha sido superada por otros artistas a los largo de los años, pero donde se encuentran un elenco reducido de pintores, entre los que aparece Van Gogh.

Es un contraste importante que Van Gogh adquiera record en alguna de las subastas mientras pasó la mayoría de su vida pasando grandes penurias económicas y subsistiendo gracias a la ayuda que le proporcionaba su hermano Theo.

La obra que nos ocupa fue pintada en el año 1888, como sabemos Van Gogh era holandés, pero por recomendación de su hermano y tras el fallecimiento de su padre, se estableció en París, donde entró en contacto con los más importantes pintores del momento. En ese momento en París estaba de moda el impresionismo y Van Gogh junto con otros artistas quería renovarlo. 

En París Van Gogh no se encontraba a gusto, tenía demasiada presión para trabajar y quería un lugar mucho más tranquilo, así que Tolouse-Lautrec le recomendó que se trasladar a Arles, en el sur de Francia, al lado del mediterráneo, allí se trasladó en el año 1888. No se encontraba solo pues su amigo Gaugin también estaba en la zona y realizaba allí sus trabajos. Es curiosa la relación de amistad con Gaugin, podía pasar por ejemplo de adornar la casa de Van Gogh con cuadros de girasoles para agasajar a Gaugin cuando iba a visitarle a discutir y amenazarle con una navaja de afeitar con la que el propio Van Gogh se cortó una oreja e ingresar en un psiquiatrico para allí refugiarse únicamente en el trabajo.

Van Gogh pasó un año en Arles pero fue muy fecundo en su obra. Como decimos, no existe solo un cuadro de Los Girasoles, sino que pintó varias versiones variando en algunos casos el color o el número de girasoles que aparecen en un jarrón, llegando a realizar hasta 7 cuadros con el mismo tema. Como decimos con la finalidad de decorar su casa para una visita que iba a hacer Gaugin.

Hay que destacar el uso del color, sobre todo del amarillo, el color favorito de Van Gogh, el que podía expresar de una mejor manera su estado de ánimo en un lugar donde la luz y el colorido tiene un encanto especial. Otro de los aspectos que destaca en la obra de Van Gogh es la fuerza con la que pinta, en gruesas pinceladas que parece que extiende de forma muy brusca, como si estuviera apretando el lienzo con ellas, como si en vez de utilizar un pincel lo hiciera con alguno de sus dedos. A veces da la sensación de que Van Gogh está pintando con rabia.

El contraste de color en todos los cuadros donde representa girasoles es uno de sus aspectos más destacados.

Historias del Nuevo Testamento. La cena de Emaus para niños

Para situar el episodio que vamos a narrar debemos situarnos después de la Resurrección de Jesucristo, cuando este va a realizar una serie de apariciones a diferentes personas durante 40 días antes de que se produzca su ascensión a los cielos.

Hay un dato que nos parece interesante y que Jesucristo repite en alguna ocasión y es que su presencia después de la Resurrección no es la misma que cuando contaba con su cuerpo mortal, por eso en alguna ocasión no es tan fácil que le reconozcan como ocurría en el pasado. Esa es una de las razones por las que lo discipulos de Emaus no lo reconocen cuando se encuentran y están hablando con él.

La historia nos dice que Jesús comenzó a caminar con dos de sus seguidores camino de la ciudad de Emaus a los tres días de que se produjera su muerte y ellos comenzaron a hablarle de los hechos que habían sucedido en Jerusalem, de su condena, muerte y de como unas mujeres y algunos apóstoles habían encontrado el sepulcro vacío esa misma mañana. Pero ellos no sabían que creer. Jesús mientras tanto les explicaba las escrituras y como estaba escrito acerca de su resurrección. Cuando llegaron a Emaus y Jesús hacía ademán de continuar, los discípulos le invitaron a quedarse porque se hacía tarde. Cenando juntos, en el momento en que Jesús bendijo el pan y lo partió para dárselo le reconocieron y en ese momento la figura de Cristo desapareció de su vista, quedándose ellos extrañados y recordando como les palpitaba el corazón cada vez que El les hablaba.

El momento elegido por muchos artistas para representar es el crucial instante de la cena en el que Jesucisto parte el pan y los discípulos le reconocen, con lo que como vemos en alguna de las pinturas que acompañan esta entrada, hacen ademán de levantarse porque se han dado cuenta de quien está con ellos en ese momento.

Conservamos dos fantásticas pinturas de Caravaggio sobre el tema donde observamos su concepto del barroco, con la utilización del claroscuro y también de personajes populares, nada idealizados que nos muestran un magistral uso de la luz y el color de este maestro nacido cerca de Milán en el año 1572 y muerto prematuramente en 1610 como consecuencia de la malaria. Un autentico referente de la pintura universal que supo retratar como nadie este tema.

La siguiente obra, con la misma temática es obra del artista flamenco Mathias Stom y fue realizada en torno al año 1600. El momento elegido es el mismo, vemos como Jesucristo se encuentra partiendo el pan cuando a los discípulos se les abren los ojos. Fantástica obra también y un excelente uso del claroscuro.

El grito obra de Edward Munch explicado a los niños

Estamos ante una de las obras más conocidas de toda la historia del arte por la repercusión mediática que tiene, uno de los cuadros más famosos que fue pintado en el año 1897 aunque se conservan cuatro copias de esta obra, tres en Museos y una en manos de un coleccionista privado. De hecho en el año 2012 fue la pintura por la que más dinero se pagó en una subasta, luego superada por otras obras en una carrera sin fin a la cual no vemos mucho sentido. El precio que alcanzó El Grito fue de 119,9 millones de dólares.

El cuadro se considera un ejemplo de pintura expresionista ya que algunas de las características de este movimiento se pueden ver en la obra, por ejemplo la temática triste que observamos en el cuadro, en segundo lugar el uso de colores con tendencia al negro, a veces utilizando blanco y negro en contraste. En tercer lugar la deformación de las figuras que podemos observar perfectamente tanto en la cara como en las manos del personaje principal.

El tema representado en El Grito es extraño, se trata de una figura que se encuentra cruzando un puente, donde como podemos observar al fondo también se encuentran otros personajes en actitud de paseo. Pero esta figura ha visto algo que le atemoriza, que le hace llevarse las manos a la cabeza y abrir la boca para expresar su rabia, dolor, incapacidad o lo que sea, de ahí el título de el cuadro. El escenario es un puente desde el que se puede apreciar una vista de la ciudad de Oslo que aparecería al fondo de la obra completamente desdibujado en un uso de la pincelada completamente suelto.

La obra como dijimos fue pintada a finales del siglo XIX por Edward Munch que fue pintor hasta que se produjo su fallecimiento en el año 1944.

Hay quien alude en su obra a la realización de otra muy parecida que después sería modificada por el autor y que lleva el nombre de La desesperación, se trataría de una serie que el artista estaba realizando sobre distintos estados de ánimo. Esta obra tiene el mismo escenario que la anterior, pero el personaje, al cual se reconoce perfectamente, muestra una cara deprimida, de un conformismo impotente ante la situación que se le plantea. Es el personaje que cambia en el grito para adquirir una actitud completamente diferente y muy activa respecto al anterior.

Ese aura de misterio que tiene la figura representada en El Grito y el no saber que es lo que le provoca ese terror nos causa una gran angustia de la que no podemos abstraernos mientras observamos el cuadro.

No queremos citar sin citar al verdadero precursor del expresionismo y los cuadros de este tipo que es el pintor español Francisco de Goya que cumple todas las reglas citadas para los cuadros expresionistas en las pinturas negras que realizó en los muros de su casa y que ahora se pueden contemplar en el Museo del Prado, esas obras fueron realizadas 80 años antes de expresionistas como Munch trabajaran en este cuadro, de ahí el gran mérito del pintor aragonés.

La desesperación. Edward Munch