El pintor y maestro Francisco Pacheco para niños

Francisco Pacheco es una de las figuras más importantes y más influyentes de la pintura y la escultura barroca española, ya que no podemos considerarlo solo como artista sino como autor de tratados de iconografía que van a perdurar a lo largo de los años para representar diferentes temas y figuras de santos.

La mayoría de su vida transcurre en la ciudad de Sevilla, aunque nuestro protagonista nació en la localidad gaditana de Sanlúcar de Barrameda, aunque se trasladó a Sevilla desde muy joven para formarse con su tío que era canónigo de la catedral y una persona con gran influencia en la actividad cultural de la ciudad. Esto llevó a nuestro artista a tener muy buenos contactos y amigos que le ayudaron una vez que faltó su tío para continuar con su trabajo, no solo pictórico, sino intelectual en la capital de Andalucía.

Francisco Pacheco también es conocido por ser el maestro de Diego Velázquez, el gran pintor barroco entró en el estudio de Pacheco cuando tenía 11 años y unido a él terminará triunfando en Madrid, donde las influencias y amistades de Pachecho hicieron que allí se trasladara, para comenzar su carrera junto al rey Felipe IV. 

Resulta curioso, aunque no extraño en la época, que Velázquez se casara con la hija de Francisco Pacheco, de nombre Juana. Era normal, en algunos casos, que el alumno más aventajado se casara con alguna de las hijas del maestro. Lo mismo le sucedió al propio Velázquez que casó a su hija con su mejor alumno que se llamaba Juan Bautista Martínez del Mazo.

Como pintor Francisco Pacheco comienza como pintor manierista y no se produce una gran evolución en su forma de pintar a lo largo de su vida, aunque si en los temas a tratar. En muchos casos el maestro ofrece problemas con las figuras en movimiento y a la hora de representar la profundidad donde las proporciones no son correctas. Su gran competidor en la ciudad será el pintor de origen flamenco Juan de Roelas.

Como decíamos Pacheco no se dedicó solo a la pintura y los encargos que pudiera recibir sino que también escribió varios libros, el más conocido de todos se llama El Arte de la Pintura, donde como decíamos nos cuenta como representar temas y figuras de santos de acuerdo a como se supone que se produjeron los hechos históricamente. Este purismo histórico hizo que Pachecho trabajara para la Inquisición velando por la pureza de las representaciones artísticas en la ciudad de Sevilla. El libro se terminó de escribir unos años antes de su muerte, pero no fue publicado hasta unos años después, pero sirvió como modelo para múltiples representaciones posteriores.

Cristo en casa de Marta y María de Diego Velázquez

El artista sevillano es uno de los grandes creadores de todos los tiempos, no solamente porque domina la técnica sino porque es capaz de innovar y no quedarse parado con lo que ya sabe hacer. Velázquez busca nuevos caminos para la pintura y experimenta con ella adelantándose a otros artistas, de manera que podemos observar algunas obras que tienen características del impresionismo, por citar alguno de ellos. Para aquellos que quieran conocer un poco más la biografía de Velázquez pueden seguir el enlace que adjuntamos. 

La pintura que hoy nos ocupa fue realizada durante su estancia en Sevilla anterior a su traslado a Madrid, se trata de una etapa de formación y consolidación de su arte y su forma de pintar, realizada junto al maestro Francisco Pacheco con el que trabajaba en su estudio y que fue quien le consiguió gracias a sus contactos su traslado a la corte en el año 1621.

No conocemos exactamente la fecha de realización pero podemos citar 1618 o 1619 como el año en que estaría realizado este cuadro.

Velázquez utiliza una técnica que ya había utilizado en otra de sus obras, La Mulata, se trata del cuadro dentro del cuadro, es decir en un mismo cuadro tenemos dos escenas diferentes pero conectadas entre si por alguno de los personajes que aparecen en el cuadro. Una ventana se abre en la parte derecha del cuadro donde podemos observar otra escena independiente de lo que sucede en primer plano.

La historia hace referencia a una visita que Cristo realizaría a la casa de Marta, María y su hermano Lázaro, que no aparece en la escena, pero lo citamos por la gran amistad que la familia tenía con Jesús y que sería el motivo de la visita del maestro a la casa. Mientras Marta prepara la comida, vemos como María extasiada, se encuentra escuchando las palabras que Jesucristo sentado le dirige. Tenemos una mujer mayor que nos sirve como enlace entre las dos escenas y que da impresión de estar reprochando a Marta mientras está en la cocina, que su hermana María no le ayuda en nada y que se dedica solo a escuchar las palabras de Jesús, mientras ella se encuentra trabajando. 

Junto a eso encontramos una de las características de Velázquez en esta época y es el tratamiento casi fotográfico que tienen los elementos del bodegón representados encima de la mesa, los huevos, los ajos, el pescado, el mortero que Marta tiene entre sus manos, son tan realistas que parecen casi de verdad. Incluso llegamos a ver un detalle de una pequeña jarra en la segunda escena apoyada encima de una pequeña mesa.

Este tipo de escenas dobles influirán mucho en otros artistas como Salvador Dalí que realizará algo parecido cuando pinte La Muchacha apoyada en la Ventana, obra del año 1925, poco antes de iniciar su etapa surrealista.

El pintor Michelangelo Merisi conocido como Caravaggio

Estamos ante una de las grandes figuras mundiales de la pintura, no solamente porque sea un magnífico artistas, cuya calidad se puede observar en sus obras, sino también porque su influencia en otros artistas que van a seguir su forma de concebir la pintura durante el desarrollo del movimiento barroco.

Intentaremos describir una pequeña biografía de Caravaggio, que nació en Milán en 1571 aunque le conocemos por el nombre de la localidad donde se trasladó su familia poco después de la peste que asoló la gran ciudad de Milán, lugar donde su padre trabajaba.

En el desarrollo de su vida y los lugares a los que va a desplazarse tiene mucho que ver el carácter del artista. Debemos decir que Caravaggio tenía un carácter complicado, en ocasiones violento, lo cual le llevaba a pelearse constantemente y tener problemas con la policía de la época. Por ejemplo, tras su traslado a Roma tendrá que abandonar la ciudad como consecuencia de que había dado muerte a un hombre, eso le llevó por diferentes ciudades, se trasladó a Napoles, viajó a la isla de Malta, se trasladó a Sicilia, de nuevo a Napoles y cuando se encontraba camino de Roma tras ser perdonado por su asesinato gracias al nuevo Papa, falleció tempranamente quizás como consecuencia de unas fiebres en el año 1610, privándonos de un artista excepcional y mágico.

Con respecto a su obra, su forma de pintar era sinónimo de escándalo. Muchos de sus contemporáneos acostumbrados al idealismo típico de la pintura italiana, se daban de bruces con un naturalismo exagerado, llevado al extremo. Daba igual a quien tuviera que representar, que representaba a su modelo de forma tan natural, que daba igual que no tuviera nada que ver con el personaje representado. Muchas de sus obras fueron un gran escándalo y fueron rechazadas nada más ser presentadas. Pero al mismo tiempo hay que decir que otra mucha gente apreciaba su obra y fue protegido por alguno de los personajes más importantes de la época, ello le sirvió para salvar la cárcel en varias ocasiones.

Hay otro aspecto destacable en su pintura y es el uso del claroscuro. No es que Carvaggio inventara el claroscuro porque ya existía en la pintura italiana, pero él lo llevó a su máxima expresión, llenando de dramatismo sus obras, gracias a los contrastes entre luces y sombras que podemos observar en sus obras.

La influencia de Carvaggio es estos dos aspectos, naturalismo y claroscuro, será una constante en los más importantes artistas del barroco. Estamos hablando de nombres tan importantes como Rubens, Rembrandt, Gentileschi, Diego Velázquez o José de Ribera (que pudo observar sus obras de forma directa en Napoles).

La dignidad de los bufones de Velázquez

Velázquez es uno de los grandes genios de la pintura, pero no solamente porque pinte bien, sino porque en muchos de sus cuadros, que simplemente representan retratos o paisajes, podemos sacar una segunda lectura que no lleva a un plano más humano y personal. Algo que hace hincapié en el estado de ánimo o la condición de la persona representada.

Esta es una cosa que le ocurre cuando realiza retratos de los bufones de la corte. Así como por ejemplo con el rey Felipe IV podemos ver una evolución desde su radiante juventud a su cansancio senil, cuando representa los bufones de la corte Velázquez trata de dotarlos de toda la dignidad posible.

Decimos los de la dignidad porque debemos recordar que los bufones eran personas, muchas de ellas con deformidades físicas o psíquicas, cuya labor era entretener al monarca y otros miembros de la corte, diciendo o haciendo tonterías que provocaran la risa del monarca o sus más allegados. Digamos que puede resultar una labor no muy reconfortante y sin ninguna posibilidad de ascenso social.

Es por ello que cuando Velázquez decide pintar los bufones de la corte no los represente en ninguna de estas actitudes que acabamos de señalar. Los bufones aparecen haciendo cosas que resultan totalmente ajenas a su condición como por ejemplo leer un libro, cosa que ni siquiera se pensaba en la época para un personaje de este tipo, con la pluma y la tinta preparadas para poder tomar alguna nota o escribir algo. Velázquez piensa que es bueno representar un bufón como una persona culta. 

En otras ocasiones sobre un fondo que tiene una pared o un paisaje aparece un enano altivo, mirando de forma desafiante al espectador, como si no se sintiera inferior o "diferente" a ningún otro de los seres humanos, elegante y señorial.

De esta manera podemos ver a estos personajes, considerados como "monstruos" en su época, revestidos de una dignidad que no poseían y que a través de los cuadros el pintor barroco español más importante decide otorgarles para que la posteridad los juzgue de una manera diferente, humana podríamos decir.

Las tres gracias de Peter Paul Rubens

Las tres gracias es una pintura de Rubens que se conserva actualmente en el Museo del Prado. Estaría pintada en torno al año 1636 y fue comprada por el rey Felipe IV tras el fallecimiento del artista en el año 1640 ya que pertenecía a su colección particular.

En esta obra siempre puede hablarse de los cánones de belleza femeninos y como estos van cambiando a lo largo de los siglos y tanto en el siglo XX o XXI dependiendo de la década de la que hablemos, nos encontramos ante un modelo diferente, ya que no son para nada lo mismo la visión atlética de los años 20 con la voluptuosidad de los años 50.

El barroco es la época del teatro y del truco, muchas veces con la finalidad de engañar al espectador, pero en muchos casos nos encontramos ante un movimiento mucho más realista que sus predecesores. Encontramos otra obra de las tres gracias pintada por Rafael Sanzio donde el cuerpo desnudo de las mujeres está por completo idealizado, ya que muestra la perfección de sus curvas y sus carnes. La forma que tienen las mujeres de mirar también es diferente en los dos cuadros, mucho más perdida en la obra de Rafael que en la de Rubens. Frente a esta idea Rubens nos acerca mucho mejor a lo que sería la realidad de la mujer en esa época y también a un canon estético que podría estar de moda a tenor de las muchas veces que repite estos modelos en sus cuadros. Se trata de una belleza mucho más sensual que física.

Las tres gracias representa a las tres hijas del dios Zeus, reunidas creando un círculo acompañadas por un amorcillo en la parte derecha del cuadro, completamente desnudas, la figura de espaldas se apoya en las otras dos y llevan unos velos transparentes que permiten ver cada una de las partes de su cuerpo, como hemos comentado mucho mas cercanas al realismo imperante en la época barroca que a la idealización medieval. Hay quien afirma que una de las mujeres representadas sería la segunda esposa de Rubens, algo muy habitual que familiares o personas cercanas al artista pudieran servir como modelo a la hora de pintar sus obras, ya que muchos pintores barrocos lo harán de esta manera.

Las tres Gracias. Rafael Sanzio

Historias del Nuevo Testamento. La cena de Emaus para niños

Para situar el episodio que vamos a narrar debemos situarnos después de la Resurrección de Jesucristo, cuando este va a realizar una serie de apariciones a diferentes personas durante 40 días antes de que se produzca su ascensión a los cielos.

Hay un dato que nos parece interesante y que Jesucristo repite en alguna ocasión y es que su presencia después de la Resurrección no es la misma que cuando contaba con su cuerpo mortal, por eso en alguna ocasión no es tan fácil que le reconozcan como ocurría en el pasado. Esa es una de las razones por las que lo discipulos de Emaus no lo reconocen cuando se encuentran y están hablando con él.

La historia nos dice que Jesús comenzó a caminar con dos de sus seguidores camino de la ciudad de Emaus a los tres días de que se produjera su muerte y ellos comenzaron a hablarle de los hechos que habían sucedido en Jerusalem, de su condena, muerte y de como unas mujeres y algunos apóstoles habían encontrado el sepulcro vacío esa misma mañana. Pero ellos no sabían que creer. Jesús mientras tanto les explicaba las escrituras y como estaba escrito acerca de su resurrección. Cuando llegaron a Emaus y Jesús hacía ademán de continuar, los discípulos le invitaron a quedarse porque se hacía tarde. Cenando juntos, en el momento en que Jesús bendijo el pan y lo partió para dárselo le reconocieron y en ese momento la figura de Cristo desapareció de su vista, quedándose ellos extrañados y recordando como les palpitaba el corazón cada vez que El les hablaba.

El momento elegido por muchos artistas para representar es el crucial instante de la cena en el que Jesucisto parte el pan y los discípulos le reconocen, con lo que como vemos en alguna de las pinturas que acompañan esta entrada, hacen ademán de levantarse porque se han dado cuenta de quien está con ellos en ese momento.

Conservamos dos fantásticas pinturas de Caravaggio sobre el tema donde observamos su concepto del barroco, con la utilización del claroscuro y también de personajes populares, nada idealizados que nos muestran un magistral uso de la luz y el color de este maestro nacido cerca de Milán en el año 1572 y muerto prematuramente en 1610 como consecuencia de la malaria. Un autentico referente de la pintura universal que supo retratar como nadie este tema.

La siguiente obra, con la misma temática es obra del artista flamenco Mathias Stom y fue realizada en torno al año 1600. El momento elegido es el mismo, vemos como Jesucristo se encuentra partiendo el pan cuando a los discípulos se les abren los ojos. Fantástica obra también y un excelente uso del claroscuro.

La lechera obra del pintor Johannes Vermeer

Vermeer de Delf es uno de los pintores más conocidos de época barroca. Su obra se centra en pleno periodo barroco, ya que, aunque su fecha de nacimiento es incierta podemos fijarla a principios de los años 30 para fallecer en el año 1675.

No es que sea un pintor de obra extensa, si analizamos la biografía de Vermmer de Delf, veremos que realizó no mas de un treintena de obras. Su proceso de creación era bastante lento, recordaba lo que hace el pintor hiperrealista Antonio López con sus obras, en algunos casas pintaba solo 2 cuadros al año, bastante poco si quería vivir de la pintura pese a que era un pintor considerado en su época. Como tuvo una familia extensa se supone que para poder alimentar a los 15 hijos que tuvo con su mujer debió realizar algún otro tipo de trabajo, que podía incluir ayudar a su madre en las labores de la tasca que tenía en la ciudad de Delft.

Vermmer pintó varios cuadros en los que representaba mujeres en labores cotidianas, no solamente este que analizamos hoy, sino otros en los cuales aparecen en diferentes actitudes, por ejemplo leyendo una carta o bien utilizando el retrato como ocurre con una de sus obras más conocidas que dió lugar a una película protagonizada por Scarlet Johansson, nos referimos a La Joven de la Perla, una joven de gran belleza, aunque desconocemos a quien corresponde el retrato.

Muchas de las obras de Vermmer tienen lugar en el interior de una vivienda, donde al igual que esta obra podemos apreciar una ventana que ilumina el interior de la habitación y donde la figura humana se coloca entre una mesa o diferentes objetos y una pared al fondo que nos ayuda a crear profundidad. Dicha pared siempre es de color blanco y como vemos algunos objetos, como puede ser una cesta nos ayudan a crear esa sensación de profundidad que pretende transmitir al cuadro o bien la fiel representación de los azulejos que podemos admirar en la parte inferior de dicha pared.

Esta idea de representar actividades cotidianas lejos de la idealización y temática de otros tipos de pintura afecta por igual a la pintura holandesa y a la pintura española del siglo XVII, donde la representación de lo popular toma un protagonismo importante en la obra de grandes creadores como Diego Velázquez o José de Ribera.

Así lo podemos apreciar en esta mujer que se encuentra vertiendo leche en un cuenco , quizás ni siquiera es la dueña de la casa sino una criada que se encarga de las labores de la misma.

Uno de los aspectos que más llama la atención de Vermmer es su prodigiosa utilización del color que tanto llegó a admirar no solo a sus contemporáneos sino a artistas posterior como puede ser el caso de Vicent Van Gogh.

Al igual que ocurre con los pintores españoles el bodegón o naturaleza muerta, es decir los objetos que aparecen tanto encima de la mesa como colgados en la pared, juegan un papel muy importante en la pintura. Están tratados con todo detalle, siendo una parte principal en la obra. Decimos que estos objetos están realizados con un realismo casi fotográfico.

La mujer barbuda de Juan Sánchez Cotán

Se trata de un extraño tema que trataron algunos de los artistas españoles no solo en pintura sino también en otros géneros artísticos, quizás el ejemplo más conocido de esta representación pictórica sea la mujer barbuda de José de Ribera, donde la representación se lleva al extremo de rechazo del personaje que se nos presenta amamantando a un niño mientras su marido observa la escena sin encontrar una explicación clara a lo que le está sucediendo a su mujer.

Brigida del Río. Barbuda de Peñaranda. 1590

Juan Sánchez Cotán es un pintor anterior a Ribera ya que se encuentra a caballo entre las últimas representaciones renacentistas y el inicio del barroco, nació en Orgaz, provincia de Toledo, en 1560 y murió en Granada en 1627. Trabajó intensamente en la ciudad de Toledo, en sus inicios tenía una fuerte influencia de algunos pintores que habían trabajado en El Escorial. En el año 1603 profesó como monje cartujo y se traslado a Granada donde pasó el resto de su vida.

Como pintor Sánchez Cotán destacó por su pintura religiosa, también por sus retratos de una gran delicadeza y sobre todo y ante todo es conocido por los bodegones, muy austeros en su composición y sobrios en los productos que presentan.

La obra que nos ocupa probablemente se trata del Retrato de la Barbuda de Peñaranda que podríamos fechar en el año 1590, por lo tanto habría sido realizado en su etapa toledana. La mujer la identificamos con Brígida del Río, que llegó a ser una persona popular a finales del siglo XVI, ya que aparece mencionada en varias novelas de género picaresco que se editan en ese momento. 

Existía una cierta tendencia en la época a dejar constancia de exte tipo de personas extrañas, diferentes, que llaman la atención porque poseen algún tipo de rasgo fuera de lo común, lo observamos también en la idea de Velázquez al representar a los bufones de la corte, quizás con excesiva dignidad para la profesión a la que se dedicaban. 

Otra cosa es lo que se pensaba acerca de ellas, ya que a estas mujeres se les asociaba en ocasiones con el pecado de lujuria y trato con el demonio, razón por la cual les habría aparecido esa barba tan destacada. Se trataba de cierto tipo de humores cálidos que serían propios del cuerpo masculino pero que aparecían en el cuerpo de la mujer

Quizás por eso Ribera para aclarar un poco la situación describe en su obra una enfermedad que se producía tras el  parto en algunas mujeres y es que perdían el pelo de la cabeza al tiempo que lo ganaban en la barba y otras partes del cuerpo, sin duda se trataba de un exceso de hormonas masculinas segregadas por el cuerpo femenino, pero en ese momento quizás no estaban preparados para esta explicación y preferían asociar este tipo de anormalidades a cuestiones que tenían que ver con el pecado o directamente con el demonio.

Para más información sobre la mujer barbuda en la historia se puede consultar este completo estudio de Pilar Pedraza.

Bodegón del Cardo de Juan Sánchez Cotán

Pedro Pablo Rubens para niños

Rubens es uno de los pintores más importantes a nivel mundial y de los mas destacados del barroco. Tuvo una actividad muy destacada a lo largo de su vida y se conservan gran cantidad de obras suyas debido a los encargos recibidos de países como Bélgica, Italia o España, este último un lugar destacado ya que era uno de los artistas favoritos del rey Felipe IV, como sabemos un autentico mecenas artístico. Gracias a él se conserva en el Museo del Prado noventa obras del artista, la mayor colección que tiene hasta el momento un museo.

Peter Paul Rubens. Rapto de las Sabinas

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Rubens para niños debemos decir que por circunstancias del destino, pese a que sus padres eran de origen belga nació en la ciudad de Siegen en 1577, esta ciudad pertenece a Alemania, desde muy niño destacó por sus dibujos y será entonces cuando empiece su formación de pintor.

Al fallecer su padre su madre decidió regresar a Amberes, lugar donde el artista fijó su residencia, pese a sus constantes viajes al extranjero.

Hay una característica común de muchos de los mejores artistas que cambian su forma de pintar y su temática tras realizar un viaje a Italia, le ocurre a El Greco y le sucederá a Velázquez que viajó a Italia por recomendación de Rubens, el cual le dijo al pintor que ese viaje le cambiaría su vida artística y así fue.

En Italia donde Rubens permanece entre 1600 y 1608 hará un recorrido similar al de otros pintores, primero adquiere la influencia de la pintura veneciana y aprende a pintar con el color y en segundo lugar en Roma se muestra muy impresionado por la obra de Miguel Ángel y la masificación que aporta a sus figuras pictóricas y escultóricas. Pero sobre todo la influencia de los temas clásicos será algo muy importante en el desarrollo artístico del pintor, influido por la pintura de la antigua Grecia y Roma y también por artistas importantes del renacimiento.

Hablaba varios idiomas y llegó a tener un importante taller en la ciudad de Amberes, ya que se conservan mas de mil quinientos cuadros suyos, lo cual hace dudar a los especialistas sobre la autenticidad de algunas de sus obras. También realizó miles de dibujos preparatorios para sus obras o simplemente que realizaba por afición.

Recordemos que en ese momento Bélgica formaba parte del imperio español y lo seguirá siendo hasta principios del siglo XVIII, no es de extrañar por tanto que el rey de España contará con el artista para diferentes encargos que decoraran los palacios madrileños.

En cuanto a las características de la obra de Rubens podemos decir que son obras de fuerte colorido por influencia de la escuela Veneciana, también muy característico del barroco es el movimiento que imprime a los personajes que participan en las diferentes historias. También es conocido por representar mujeres con muchas carnes, alejadas del ideal clásico y seguro que mas cercano a la realidad del momento aunque mantienen siempre cierta sensualidad, en cambio para los hombres utiliza figuras con una musculatura muy desarrollada mas al gusto del arte italiano y de la escuela de Roma. Igual que Velázquez utilizaba una pincelada muy suelta para componer sus obras.

Peter Paul Rubens. Nacimiento de la Vía Lactea

El pintor Bartolome Esteban Murillo para niños

Murillo puede sea el pintor más delicado de todo el barroco español. Era más joven que Velázquez o Zurbarán y los citamos porque al igual que estos maestros su formación tuvo lugar en Sevilla donde Murillo desarrolló su carrera artística con bastante éxito y múltiples encargos eclesiásticos.

Si por algo es conocido y llegó a hacerse famoso Bartolomé Esteban Murillo es por sus pinturas de la Virgen Inmaculada, una Virgen en pleno ascenso ayudada por varias figuras de angelitos, vestida con un traje blanco y un manto azul movidos por el viento y pisando la media luna en una tradición típica del catolicismo hispano. Varios ejemplos magníficos de este tipo de Virgen pueden contemplarse en el Museo de Bellas Arte de Sevilla

Pero Murillo no solo destaca por el mérito de su pintura religiosa, que es mucho, sino por la maestría que muestra en los últimos 20 años de su vida. Realizará varias escenas de tipo popular que nos muestran una nueva dimensión de un pintor que quiere salirse de su rol habitual para ofrecernos una visión nuevo de su quehacer pictórico. Nos referimos a pinturas como los Niños Comiendo Fruta o los Niños jugando a los Dados, Muchachos comiendo uvas; una manera de ver la realidad que elude lo trágico y busca el lado más amable de la realidad, iniciando un atisbo de crítica social que interpreta la vida callejera con una personalidad abierta, sin amargura ni dolor, pero denunciando al mismo tiempo ese tipo de situación.
Tengamos en cuenta la gran epidemia de peste negra que sufrió la ciudad de Sevilla en 1649 donde el 47% de la ciudad falleció, hablamos de una cifra de 60.000 muertos. Muchos niños quedaron huérfanos y en unas condiciones de vida que les conducía a sobrevivir de cualquier manera en la que fue una de las ciudades más populosas de Europa en esa época.

Podríamos citar como características de la pintura de Murillo su amabilidad en las escenas de tipo doméstico, la Sagrada Familia del Pajarito puede ser un buen ejemplo, la ternura familiar de comerciantes y banqueros, las escenas de tipo popular tan comunes en la pintura sevillana del siglo XVII, sus pilluelos callejeros jugando o comiendo. Es un gran pintor, sensible y refinado, sometido a la limitación de encargos eclesiales, sabe superar esa faceta para cultivar la pintura de género. Es junto a Velázquez el más moderno de los pintores de su siglo.

Sus obras se difundieron fuera de España siendo un artista español reconocido en Europa en su época, quizás el único junto a Diego Velázquez.

Y si lo prefieres en vídeo aquí lo tienes

 

Las dificultades de Zurbarán para pintar en profundidad

Zurbarán es uno de los mejores pintores del panorama español, es muy conocido por sus naturalezas muertas, sus bodegones son algunos de los mejores ejemplos del arte barroco, por su maestría y buen hacer en la calidad de los objetos representados.

Pero nos gustaría llamar la atención sobre un aspecto del pintor que siempre nos ha llamado la atención. Se trata de los problemas que tiene el artistas cuando representa seres vivos que necesitan estar en movimiento o figuras en profundidad.

Es decir si los objetos no se mueven no hay problema para representarlos, Zurbarán es un maestro, pero si existe movimiento comienzan las dificultades para el artista.

El cuadro que podemos ver en la fotografía, que representa a Fray Gonzalo de Illescas es un claro ejemplo de lo que estamos diciendo. Zurbarán es un maestro a la hora de representar todos y cada uno de los objetos que aparecen representados encima de la mesa, casi con una calidad fotográfica digna de las primeras obras sevillanas de Diego Velázquez, de quien es coetáneo. Igual ocurre con el telón rojo que adorna la parte superior derecha, realizado con gran maestría y dominio de los plegados y sombras.

Pero el cuadro se complica al tener que abrir una ventana para representar una escena de la vida de este fraile, allí podemos apreciar una clara desproporción no solo en los personajes que aparecen (demasiado pequeños para la imagen que aparece en primer plano) sino también enn los edificios que se muestran que no combinan en tamaño con la imagen del fraile sorprendido en su mesa de trabajo, dando la impresión de que esa transición entre el primer plano y el fondo del cuadro debería haber sido llenado con una calle o un paisaje. Es algo que le ocurre en varias obras, donde a veces incluso evita abrir una ventana o abrir una línea de paisaje por sus dificultades a la hora de representar las distintas proporciones de personajes u objetos.

El retrato de Juan de Pareja de Diego Velázquez

Este cuadro fue pintado por Velázquez durante su segundo viaje a italia, aproximadamente en el año 1650, durante ese viaje el artista sevillano tendría el encargo de comprar cuadros y esculturas para la colección real, pero permaneció varios años, hay quien especula con la posibilidad de que también conociera a una hija concebida durante su primer viaje a italia realizado 20 años antes.

Juan de Pareja era un esclavo que tenía Velázquez de origen antequerano, le ayudaba en sus labores como pintor, preparando los lienzos o mezclando los colores antes de que pintara el maestro. Pero Juan de Pareja también era pintor y a ello se dedicó después de obtener la libertad, poco después de 1650. Se conservan cuadros suyos en el Museo del Prado, donde se muestra como un digno seguidor de su maestro, su obras más conocida se llama La Vocación de San Mateo.

El retrato puede ser pintado como ensayo antes de realizar un retrato del Papa Inocencio X, es posible que el Papa no se fiara de la pintura de Velázquez y le hiciera presentar otro retrato antes de pintar el suyo. Por eso Velázquez pinta esta obra, que fue del agrado del Papa y le permitiría pintar el suyo propio.

Lo bueno que tiene Velázquez tanto cuando pinta esta obra, como la del Papa Inocencio X, es que es capaz de penetrar en la personalidad del personaje y mostrarnos algunos aspectos de la personalidad que permanecen ocultos, así nos muestra al Papa Inocencio X como un personaje un tanto soberbio, mientras que a Juan de Pareja, que era un esclavo le dota de mucha dignidad, mirando de lado y por encima del hombro al espectador que lo está contemplando.

Al ser un reatrato no está interesado en la profundidad y ni siquiera la trabaja..

La obra se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

El olfato de José de Ribera

Este cuadro pertenece a una serie que el artista realizó dedicada a los sentidos al poco tiempo de llegar a Italia desde su Xativa natal.

Se nota una influencia muy grande los los maestros del claroscuro, sobre todo de Caravaggio,sobre todo en el foco de luz que ilumina desde el lado izquierdo, dejando partes del cuadro completamente oscurecidas.

Ya hemos hablado de que José de Ribera se muestra algo desagradable en algunos de sus cuadros, así pudimos observarlo en obras como La Mujer Barbuda que ya hemos estudiado en este blog.

Podía Ribebra para representar el sentido del olfato a un hombre o una mujer oliendo un perfume o una flor, pero no, para el olfato como vemos elige un hombre que esta oliendo una cebolla y que tiene apoyada en su mesa otra cebolla y también un ajo, que no se caracterizan por su agradable olor.

De hecho la cebolla que tiene abierta en sus manos, si observamos la cara del personaje nos daremos cuenta que le provoca tener los ojos llorosos debido a la reacción después de abrir o cortar una cebolla.

Otro dato interesante es el realismo con el que el artista pinta el cuadro, escogiendo para ello personajes populares. Tan popular es el personaje que escoge un mendigo de la calle, que se puede apreciar perfectamente en la manga de la camisa completamente rota y llena de jirones, al igual que el sombrero que lleva el personaje.

El misterio de las obras de Carles Congost y Caravaggio

Ya hemos comparado en otras ocasiones en este blog obras en las que hemos estudiado como acercarnos al arte contemporáneo, viendo que muchas de ellas tienen inspiración en otras de corte clásico

Hoy traemos dos ejemplos parecidos, una pintura de uno de los más grandes pintores barrocos de todos los tiempos, se trata de Los discípulos de Emaus y la fotografía de un artista español contemporáneo, se trata de Carles Congost y su obra The Revolutionary II. Veamos sus parecidos.

Michelangelo Merisi. Il Caravggio. Los discipulos de Emaus

En la primera obra Caravaggio representa con su claroscuro habitual (ese foco de luz que llega desde la parte izquierda e ilumina la parte más importante del cuadro) el momento en que Jesucristo, después de la resurrección y de caminar junto a dos de sus discipulos durante un largo trecho decide quedarse a cenar con ellos. Durante la cena en el momento de partir el pan, los discipulos se dan cuenta de que han caminado están cenando junto a Jesucristo que ha resucitado. Es ese justo el momento elegido por el artista para representar, por eso vemos la actitud de los dos discípulos, uno moviendo las manos, estirando los brazos y el otro intentando levantarse de la silla, al darse cuenta que es el Señor a quien tiene delante. Algo parecido ocurre con el supuesto camarero que parece mirar a Jesús sin dar crédito a lo que está sucediendo.

Carles Congost. The Revolutionaty II. 2005

Si observamos la obra de Carles Congost titulada The Revolutionary II nos daremos cuenta que hay un punto de encuentro con la obra que acabamos de ver. Se trata de unos jóvenes skaters que parecen hacer un descanso en un parque mientras se dedican a comer unas hamburguesas acompañadas de sus correspondientes bebidas. Junto a ellos se a acercado lo que parece un vagabundo por su forma de vestir y el estilo de su pelo y barba, pero cuando se encuentran juntos cominedo, ese haz de luz que se observa en la parte derecha de la obra, le añade cierta trascendencia al asunto, como si la persona que estuviera en la parte central del banco, no fuera solo un vagabundo sino alguien con una entidad espiritual mucho mayor. La forma de mirar de cada uno de los personajes así lo ratifica, la mirada trascendenete del supuesto vagavundo y la forma de obsevarle del personaje a su izquierda, nos dan un ámbito de misterio que hace cuestionarnos lo que en realidad está sucediendo en esta obra.

La fragua de Vulcano de Diego Velázquez para niños

Esta obra estaría pintada durante el primer viaje que Velázquez realiza a Italia, concretamente entre los años 1629-1631. No es una obra que fuera objeto de un encargo específico sino que el pintor la hace porque le apetece desarrollar este tema y su potencial artístico. Lo mismo sucede con la obra que también realiza en Italia en este caso con tema religioso, La Túnica de José.

El tema resulta extraño para la pintura española, ya que se trata de una historia del la mitología y los artistas españoles estaban más unidos a la tradición religiosa en este ámbito plástico. Pero el conocimiento que Diego Velázquez tenía tanto de la colección de pintura del rey Felipe IV como la influencia que recibe tras su viaje por Italia y su tradición de representar historias de la mitología, hacen que no sea extraño que el artista sevillano se adentre en este tipo de representaciones.

La historia representa el momento en que el dios Apolo se presenta delante de Vulcano (que se encuentra fabricando armas para el dios de la guerra Marte, concretamente un armadura)  para comunicarle que su esposa Venus, le ha sido infiel con el dios de la guerra. Deahí la cara de sorpresa tanto de Vulcano que deja de martillear sobre el yunque como de alguno de los personajes que se encuentran a su lado.

Es muy destacable la utilización de personajes populares, frente a la idealización del dios Apolo, todos los personajes que trabajan en la herrería son modelos de la calle, lo único que ha aprovechado Velázquez es la opción de mostrar a estas figuras con el pecho descubierto tanto de frente como de espaldas.

Una de las obsesiones del pintor será ganar en profundidad en sus obras, esto lo consigue no solo colocando unos personajes detrás de otros o haciendo más pequeñas las figuras del fondo respecto al primer plano, sino que utiliza "emparedados de espacio", es decir enfrenta figuras unas a otras como si fueran un bocadillo, de manera que así gana en profundidad.

Por último hay que destacar sobremanera el realismo con el que trata Velázquez los objetos metálicos, cristales y cerámicas que aparecen en la obra. No tenemos más que fijarnos en la armadura que se encuentran trabajando en la parte derecha del cuadro, los diferentes objetos de trabajo como yunques o martillos o bien el pequeño jarrón de cerámica de color blanco que aparece en la parte posterior del cuadro, se trata de un realismo que roza lo fotográfico.

Acercando el arte contemporáneo a los niños. Erwin Olaf y José Ribera

Ya hemos comentado que una buena manera de acercarnos a lo contemporáneo es comparar obras actuales con otas clásicas y darnos cuenta de las semejanzas que tienen para buscar nexos de conexión.
Hoy vamos a comparar una imagen del prestigioso fotógrafo holandés Erwin Olaf titulada "The Paradise Club:Viplange" con otra del pintor Barroco José de Ribera.

La foto de Olaf fue realizada en el año 2001 y está inspirada en "El rapto de Hipodamia" de Rubens, en ella trata de representar el conocido Paraiso Club de Amsterdam, una famosa discoteca de la ciudad, donde las fiestas se llevaban hasta el extremo, llena de fetichismo y disfraces. Ello nos lleva reflexionar sobre nuestro mundo como algo violento, banal y deconsolador.
Pero quisiera llamar la atención sobre el personaje de la izquierda, esa mujer barbuda que aparece vestida a lo Degas en un columpio, sonriendo y mirando de forma morbosa a su alrededor.

Nos fijamos en este personaje porque José de Ribera pintó un cuadro en 1631 llamado "La mujer barbuda" depositado actualmente en el Museo del Prado. Es curiosa la representación que Ribera hace de este personaje. Una mujer, con un niño recine nacido al que le está dando el pecho y una descripción de la enfermedad que padece en la parte derecha, una enfermedad justo después del parto que le hace generar hormonas masculinas que provocan, entre otras cosas, el crecimento de vello en la barba y bigote. Pero vemos que Ribera exagera la situación hasta llevarla al límite, tanto que tenemos la sensación de que en vez de estar representando a una mujer ha pintado un hombre, al cual le ha añadido un pecho para intentar que sea creible. Las manos del personaje son claramente las de un hombre.
Curiosa es la cara del supuesto marido que aparece un poco más atrás, sobre todo en la forma de mirar al espectador, con las dudas de lo que le está sucediendo a su mujer que no llega a comprender.

"La Adoración de los Reyes Magos" de Diego Velázquez

Esta obra del genial artista sevillano está fechada en el año 1619 y se conserva actualmente en el Museo del Prado.

Cuando intentamos explicar a los niños una obra de este tipo lo primero a que debemos hacer alusión es a la historia religiosa. En este caso el niño Jesús acaba de nacer y hasta él llegan tres magos venidos de oriente siguiendo una estrella para ofrecerle regalos, oro como rey, incienso como dios y mirra como hombre.

En segundo lugar podemos hablar de las características propias del artista. El cuadro pertenece a la primera etapa de Velázquez, cuando este se encuentra en Sevilla antes de su traslado a Madrid en el año 1622.

En esta época los cuadros de Velázquez están influidos por el claroscuro, es decir hay un foco de luz que ilumina desde la parte izquierda del lienzo, en este caso principalmente el cuerpo de la Virgen y el niño, dejando el resto del cuadro más oscurecido, de hecho nos cuesta trabajo (debido a la falta de luz) apreciar el paisaje o incluso el rostro de uno de los reyes que como vemos es de raza negra.

Otra característica de Velázquez es la utilización de personajes populares. Los protagonistas del cuadro no están idealizados (como ocurre en la pintura italiana) sino que son personajes cercanos o personajes de la calle en muchos casos. Concretamente en esta obra pueden reconocerse algunos de estos personajes. La Virgen esta representada por la mujer del pintor, de nombre Juana Pacheco. El niño es en realidad una niña y sería la hija del pintor. El rey más anciano sería su suegro y también maestro Francisco Pacheco. También se especula con que la imagen del rey Gaspar sea la suya propia o la de su hermano Juan.

Por último debemos destacar la calidad de los objetos que aparecen en el cuadro, eso lo apreciamos en los recipientes que portan los reyes para ofrecer al niño. El tratamiento que Velázquez otorga al metal o al cristal es prácticamente fotográfico.

El claroscuro en los cuadros de Velázquez

El claroscuro es una de las características de la pintura de Velázquez en su primera etapa pictórica. Esta se desarrolla en Sevilla durante su aprendizaje de manos de su maestro, Francisco Pacheco, hasta que se produce su marcha a Madrid en el año 1522, cuando pasa a trabajar para el rey Felipe IV.

Varios pintores españoles de la época utilizaron esta técnica en sus lienzos, por ejemplo Zurbarán, Francisco Ribalta o José de Ribera. Algunos como Ribera o Velázquez llegaron a superarlo inundando sus cuadros de luz en estapas posteriores, mientras que otros continuaron con este estilo el resto de su carrera.
Hay una clara influencia italiana en el claroscuro y más concretamente en las obras de Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio.
La técnica consiste en un foco de luz que ilumina desde la parte izquierda del cuadro, centrandose en un punto de atención, de tal manera que el resto del cuadro queda oscurecido, más cuanto más alejado de la luz se encuentre. De esta manera hay zonas en el cuadro donde debido a la oscuridad no podemos apreciar lo que en ellas aparece, por ejemplo, la pared del fondo del cuadro "La vieja friendo huevos", donde intuimos que la pared existe porque hay una cesta colgada en ella, esa sería nuestra única referencia de profundidad en esa obra. Algo parecido sucede con otra obra del artista "La Adoración de los Reyes Magos", la luz ilumina la cara del niño y el cuerpo y rostro de la Virgen, quedando el resto de figuras y el paisaje en penunbra, así nos cuesta apreciar la cara del rey de color negro con la tenue iluminación con la que cuenta su rostro.
Otras muchas obras realizó Velázquez con esta técnica, todas ellas caracterizadas también por un excelente naturalismo, utilización de personajes populares cercanos al artista, calidad en los objetos y alimentos que representaba en ellas, "La Inmaculada Concepción", "Cristo en casa de Marta y María", "El aguador de Sevilla", "La cena de Emaus" son buenos ejemplos de ello.

Lo desagradable en el arte actual

Tony Matelli "Total Torpor"

Muchas veces pensamos que los mensajes del arte contemporáneo para niños son excesivamente complicados, nos ponemos delante de la obra y nos cuesta entender su significado, necesitamos ayuda didáctica para hacernos una idea de lo que estas obras quieren expresar.

Lo mismo sucede con algunas escenas que nos resultan desagradables a la vista, por ser excesivamente violentas o bien se exceden en la representación de ciertos defectos humanos o de nuestra sociedad en general.

Pero esto no es algo relativo solamente a nuestra época, las mismas dificultades debían encontrar en el siglo XVII cuando contemplaran obras como "Sileno Ebrio" de José de Ribera.

En esta obra se representa fechada en 1626 y que se conserva en la Pinacoteca de Capodimonte en Italia, el pintor representa un tema excesivamente complicado para la comprensión del hombre de a pie. Sileno era un dios agrícola griego asociado con la sabiduría y al cual se consideraba un seguidor del filósofo Socrates. Amigo de Sileno fue invitado a una fiesta que se celebraba cada tres años donde le emborracharon ya que cuando se encontraba en estado de embriaguez poseía el don de la profecía.

Estaremos deacuerdo que la forma que tiene Ribera de representar a Sileno no es una forma clásica, sino que se regodea en mostrar sus defectos, tumbado en el suelo se encuentra ya borracho pidiendo más vino, mientras desnudo nos muestra como su inmensa barriga cae hacía el lado donde se encuentra inclinado. El naturalismo es una de las características de Ribera, autor que suele llevar hasta el extremo este tipo de situaciones.

Personajes que aparecen en las Meninas de Diego Velázquez

Vamos a utilizar un vídeo para explicar quien y que cargo ocupan cada uno de los personajes que aparecen en la más famosa de las pinturas de Diego Velázquez. Esta obra se encuentra y puede visitarse actualmente en el Museo del Prado de Madrid.

Utilizaremos vídeos didácticos en otras ocasiones ya que visualmente funcionan y fijan mucho mejor los conceptos que la simple teoría.