El pintor neofigurativo Lucian Freud para niños

Se trata de uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Su forma de pintar es claramente reconocible, fue capaz de crear un estilo propio que le hace inconfundible con otros artistas. Es cierto que tuvo diferentes influencias a lo largo de su vida, aunque hay dos que podemos destacar, una sería el surrealismo, con el cual empezó su carrera pictórica. Por otro lado la amistad que mantuvo con Francis Bacon pensamos que también le influye a la hora de realizar sus obras.

Lucian Freud era de origen alemán, de hecho había nacido en Berlín. Como consecuencia de la segunda guerra mundial sus padres se trasladaron a Londres, en Inglaterra pasará el resto de su vida, estudiando y después como artista, aunque no muy prolífico. Era nieto del padre del psicoanálisis, Sigmun Freud, que tanta influencia tuvo en los artistas surrealistas durante la primera mitad del siglo XX.

Este artista es muy conocido por sus retratos, ya que podemos decir que se especializó en este tema, aunque también encontramos algunas obras suyas en las que representa plantas o animales. De estos últimos encontramos varias referencias a los caballos, uno de sus animales favoritos. Pero los retratos que hacía no eran por encargo sino que él mismo elegía a quien quería representar, normalmente gente que se encontraba a su alrededor o alguno de sus amigos. No es un artista del que contemos con gran cantidad de obras, gran parte de ello es debido a que el artista necesita tener una relación personal con aquello que está representando, sea un objeto o una persona. Quizás por esa razón o por su estilo tan personal, algunas de sus obras han sido muy valoradas en las subastas, alcanzando precio millonarios por alguno de sus retratos.

Podemos considerarle como un representante de la nueva figuración inglesa. Quizás una de las características de su obra sea el uso del color, el contraste expresionista que a veces nos ofrecen las zonas de luz y las zonas de sombra en el cuerpo de una persona o en su cara. Utilizaba la técnica del impasto que consiste en aplicar la capa de pintura de manera que el volumen de la pincelada y su forma son visibles, con ello se crea un efecto tridimensional con zonas que destaca junto a la pincelada de color que el autor aplica. Junto a ello los colores que utiliza son neutros.

En cuanto a las obras muchas de ellas son un perfecto estudio psicológico del personaje y nos permite apreciar su estado de ánimo o incluso penetrar en su alma. Junto a ello un realismo en ocasiones descarnado también forma parte de su obra.

Falleció en Lóndres no hace tanto tiempo, fue en 2011 cuando contaba con 89 años.

Lecciones de arte con Wassily Kandinsky

De Kandinsky sabemos que es el primer artista que realizó un cuadro abstracto, concretamente una acuarela que fue realizada en el año 1912. Pero para llegar hasta ella pasó, como otros muchos pintores que trabajaban a principios del siglo XX, por diferentes etapas. Pero Kandinsky no es solo un pintor sino también un estudioso de la pintura, sobre todo del color y la reacción que produce en la persona que lo observa.

Las propiedades del color. Frente al contraste entre el blanco y el negro, Kandinsky apuesta por una vida llena de color, convencido de que el uso del color tiene propiedades que ayudan a la psicología del ser humano y le influyen de manera positiva. Por un lado cuando se observa el color, por otro lado en el efecto que este al ser observado y que tocan el alma humana.

Es importante tomarse su tiempo. Las pausas son importantes, no conviene realizar una obra toda del tirón, sino que es bueno parar de vez en cuando, reflexionar sobre lo que se está haciendo, observarlo y darse cuenta de los errores cometidos o bien del camino que debe seguirse de ahora en adelante. Es algo que no solo puede aplicarse a la pintura sino también a la vida cotidiana.

Nunca quedarse parado. Como todo buen artista el estilo que cada uno tiene debe buscar una evolución. La vida de un artista es la de una permanente búsqueda, va pasando por diferentes estilos hasta que encuentra su propia originalidad, aquello que le hace diferente y reconocible por cualquiera que observe alguna de sus obras.

Armonía en el contraste. El color o la distribución del color puede crear contrastes mas o menos acusados pero que también sirven para excitar el alma del observador. Es uno de los aspectos que el artista estudió con mucho interés. Recordemos que para él no eran importantes los objetos que aparecían en el cuadro sino los colores que formaban parte del mismo.

Reflejo del mundo interior. Cada una de sus obras refleja en parte su deseo interior donde se dan cita cada uno de los apartados anteriores. Cada una de sus ideas aparecen reflejadas en sus obras. Una de las grandes pretensiones de Kandinsky cuando se observan sus obras es que sean capaces de transmitir alguna o varias emociones. Una reacción que tenga que ver con una reflexión interior y que no tiene que ser igual en cada uno de los espectadores. 

Frente al tipo de reacción que espera el arte contemporáneo y que gira en torno a una idea que en muchos casos el espectador debe completar o que invita a la reflexión, las obras de Kandinsky se centran en la emoción que despierta en cada uno de nosotros la observación de sus obras. Emociones como la alegría, esperanza, deseo y muchas otras mas.

El muralista Diego Rivera para niños

Hay dos hechos que marcan la vida de este pintor y que son algo recurrente en su forma de trabajo. Los dos son dignos de tener en cuenta. Primero es que este artista es un muralista, pinta las paredes de diferentes edificios, bien en el exterior o interior. Sus obras son difíciles de mover o de vender. Eso le diferencia de otros artistas cuyos cuadros por efecto del azar o de una subasta pueden cambiar de manos de forma bastante fácil.

En segundo lugar otro hecho que marca su vida es su pertenencia al Partido Comunista, en Mexico, que es el lugar donde se afilió. Pero sus ideas políticas se ven reflejadas en sus murales. Allí vemos no solo personajes sino una identificación con los más humildes y los que más sufren en la sociedad.

Su formación no tiene lugar solo en Mexico, aunque será el primer sitio donde desarrolla su pintura. Es un artista que se verá influido por diferentes movimientos durante una estancia en Europa, coincidiendo con la revolución rusa de 1917. Al igual que otros muchos artistas tendrá un primer contacto con el cubismo, aunque no será este el movimiento que más le influya. Lo abandonó por el postimpresionismo, un cambo bastante extraño sin duda. Pero interesado por el arte figurativo viajará hasta Italia donde estaba muy interesado en conocer de cerca la pintura del renacimiento, sin duda uno de los mejores momentos de la historia del arte de la antigüedad, además en Italia, cuna de los grandes maestros que tanto influyeron en Europa y que hacen estar al país en un escalón superior al resto en ese momento.

De vuelta a Mexico trabajará en distintos proyectos, algunos de ellos serán en Estados Unidos, ciudades como San Francisco o Nueva York fueron sus destinos. Estas obras, pese a su fama, no están exentas de polémica, ya que los temas representados muestran como hemos dicho su ideología y decir comunista en Estados Unidos es como mentar al diablo. Así que alguno de ellos, como el que realizó en el rockerfeller center fue destruido, por incluir en el último momento una imagen de Lenin.

Un personaje para el que pidió el asilo en Mexico y con el que convivió en su casa hasta que acabaron distanciándose. Quizás este por medio su turbulenta relación con la también pintora Frida Kahlo en la que se vió encuelto el líder de la revolución rusa.

Diego Rivera, que había nacido como un niño bastante débil en el año 1886 falleció en la ciudad de Mexico en 1957, dejando un legado importante de obras que no solo son buenas por su calidad artística, sino porque invitan a una reflexión sobre el comportamiento de la sociedad para con los más humildes (que debemos decir que siempre pagan el pato de todo a lo largo de la historia y ahora).

El aura de la fotografía para Walter Benjamin

Repasando alguno de los textos escritos por Walter Benjamin y publicados en 1931 en tres números de una revista alemana bajo el título Breve Historia de la Fotografía, nos damos cuenta de que para él existían fotografías que tenían aura y otras en las que este aura ya no aparece. El aura sería un campo energético que rodea o personas u objetos, un halo invisible para la mayoría de seres humanos.

Uno de los pescadores de New Haven por David Octaviu Hill

¿Hubo pues un momento en que la fotografía tenía aura? Para Walter Benjamin si, será sobre todo con el los primeros pasos de esta disciplina cuando se consiga ese aura. Es muy posible que sea debido a la cantidad de tiempo de exposición necesaria para tomar la foto. Pensemos que para captar la luz suficiente eran necesarios varios minutos de exposición antes de finalizar el proceso. Por eso da impresión de que algunas fotografías parecen algo quemadas debido a ello.

Pero Benjamin no alude al aura solo porque las fotos parezcan sobre expuestas a la luz sino también porque están hechas para perdurar. Es decir en un primer momento las fotografías son únicas, irrepetibles, han sido realizadas con una finalidad concreta que van a cumplir. Los retratos realizados por David Octavius Hill para pintar la primera Asamblea de la Iglesia Escocesa tienen como finalidad poder individualizar a cada uno de los 500 personajes que aparecían en ese evento y así poder pintarlo. Cuando el mismo artista retrata a los pescadores y familiares en New Haven ocurre lo mismo, esas fotos tienen mucho de artístico, ya que intentan transmitir un estado de animo.

Una calle de París por Eugene Atget

En el momento en que la foto se ha tomado con la finalidad de crear una copia, pierde todo aquello que tiene de artístico y según Benjamin el aura desaparece, son para él "fotos vacías de seres humanos" porque su finalidad es ser reproducidas en un periódico o revista y contamos con decenas o miles de copias que han sido vistas por el mismo número de personas. Los periódicos al principio no contaban con imágenes pero poco a poco las imágenes fueron sustituyendo a la palabra y transmitiendo un mensaje que desvirtúa la finalidad artística de la fotografía. Todo se viene abajo cuando se establezca el concepto de actualidad y fotografía.

Artísticas son las obras de Eugene Atget en París, un fotógrafo capaz de salir del ambiente del retrato y mostrar la ciudad, buscando aquello que estaba perdido, las partes más escondidas. Sus obras tienen un aire romántico.

Artísticas resultan las obras de Auguste Sander porque hay en ellas un discurso conceptual en el que la sociedad está divida por clases y grupos que va clasificando según un criterio propio.

Resulta curioso intentar reflexionar sobre estas palabras de Walter Benjamin en nuestra sociedad actual, cuando la fotografía lo ha invadido todo. En un momento en el que no somos nada sin la reproducción. Actualmente somos capaces de ver y asumir un número de imágenes tremendo a lo largo de un mismo día. ¿Cuantas imágenes vemos en un solo día en revistas, periódicos, anuncios, redes sociales? Pueden ser 1.500, 2000 imágenes diarias. La fotografía perdió sus esencia para Walter Bejamin en la década de los 30, si viviera ahora mismo quizás se habría vuelto loco con el uso indiscriminado y la democratización de la fotografía en los teléfonos móviles, sin aura, sin relación con lo artístico, simplemente como un hecho documental del "yo estuve allí" incluso del selfie efímero en busca de algunos likes.

Uno de los retratos de Auguste Sander

Cuadros de Murillo hechos fotografía

La ciudad de Sevilla tuvo una actividad artística muy importante durante el siglo XVII, algunos de los mejores maestros tanto en escultura como en pintura, nacieron o se formaron en Sevilla. Con Diego Velázquez como referencia, un número importante de buenos maestros coinciden en la misma época, hablamos de figuras tan importantes como Francisco de Zurbarán en pintura o Juan Martínez Montañés en escultura, por citar solo un par de ellos.

Bartolomé Esteban Murillo es otro de estos maestros del cual este 2018 se celebra el año murillo, ya que coincide esta fecha con la de su nacimiento. Para ello la ciudad de Sevilla ha programado diferentes exposiciones en torno a la figura del artista y diferentes eventos a lo largo de todo el año. Se trata de la gran apuesta cultural y turística de la ciudad para el año 2018.

Una de las exposiciones más interesantes es la que lleva por título Murillo Fotógrafo donde José Antonio Lamadrid y Laura León han recreado de forma contemporánea algunos de los más famosos cuadros de Murillo. Han querido estos fotógrafos de que sus obras no fueran una simple recreación sino que cada una de ellas fuera capaz de transmitir un mensaje con alguno de los problemas que aquejan a nuestra sociedad y a los que, en muchas ocasiones, damos la espalda, aunque indudablemente están ahí y no se pueden negar.

Murillo es muy conocido por las pinturas en las que representa a la Virgen Inmaculada, ese será su modelo más extendido. Realizó muchas versiones de esta representación que tiene varias características de la escuela Andaluza. Pero Murillo también es conocido por el componente social que tienen sus obras. No existe otro pintor igual para plasmar la delicadeza del rostro de sus personajes, sobre todo de los niños. Pero al mismo tiempo le toco vivir un tiempo difícil en la ciudad de Sevilla, plagada de niños de la calle que se dedicaban al pillaje y coincidiendo con una epidemia de peste que diezmo la ciudad en más de 50%.

Enlazando con esta idea los fotógrafos tratan de introducir este mensaje que haga mover la conciencia de las personas que contemplan la obra. Por ejemplo sus famosos niños jugando a los dados  es representado por unos niños que no se despegan de la consola o el videojuego, de los cuales en muchos casos parecen depender para pasar su tiempo.

Otro caso es su obra de Santa Ana enseñando a leer a la Virgen, que aquí se representa como una abuela que está cuidando de su nieta. No es extraño en nuestra sociedad contemplar como muchos abuelos participan en la educación de sus nietos, acompañándoles al colegio, recogiéndoles o llevándolos a diferentes actividades, mientras sus padres se encuentran trabajando.

Otra de las obras del Murillo que se encuentra en la Catedral de Sevilla es la que representa a las Santas Justa y Rufina sujetando la giralda durante el terremoto del siglo XV, pue la reinterpretación nos lleva a una mujer católica y otra musulmana sujetando la torre y hablando de la difícil convivencia entre las dos culturas, debido entre otras cosas al recelo por los atentados y los episodios de xenofobia que pueden sufrir estas mujeres solo por tener una cultura diferente.

Se abordan otros muchos temas, como los tratamientos de fertilidad, la identidad sexual, el papel de la mujer como madre trabajadora, los obstáculos que encuentran los artistas para abrirse camino o el consumismo en la sociedad contemporánea.

Las obras están muy bien realizadas y si viajáis a Sevilla o vais a visitar Sevilla en el 2018 esta es una de las exposiciones que nadie se debe perder. 

Paul Signac puntillismo para niños

Este pintor era de origen francés, nació en el año 1863 y comenzó pintando obras impresionistas, aunque cambió su forma de pintar a partir del año 1884, cuando conoció a George Seurat y se pasó a la pintura puntillista, que no abandonó hasta el final de su vida. Debemos decir que su vocación como pintor le llegó desde el año 1880 tras ver una exposición de Manet, cuatro años después se produciría el cambio hacia el puntillismo.

Debemos decir que su familia tenía suficiente dinero para que él pudiera dedicarse de lleno a la pintura, sin problema para depender exclusivamente de la pintura. Este es un dato que ayuda mucho para poder dedicarte a lo que te gusta y ejercer tu estilo con plena libertad creativa. Es uno de los fundadores del Salón de los Independientes donde participó junto a otros pintores impresionistas y puntillistas de la época. Es curioso que frente a su acomodado origen ideológicamente era un anarquista, al igual que otros muchos artistas del momento. Aunque hay que decir que envió cheques para el desarrollo del movimiento y también regalo algunos cuadros para el periódico "Los Nuevos Tiempos". Podemos decir que algunas de esas ideas se plasman en sus obras, ya que para él la armonía era muy importante. La armonía no solo debería aparecer en sus cuadros sino que estaba convencido de que debía trasladarse a la sociedad, pero él no contribuía con una lucha activa sino a través de la armonía de sus obras. Conectando con estas ideas estaba convencido de la libertad artística creativa y para ello el anarquismo era (para él) el mejor movimiento que podía garantizar esta actitud.

La mayoría de sus obra tiene que ver con paisajes, concretamente con escenas en las que el paisaje marino está presente. Se nota perfectamente, al igual que otros pintores de esta época, que tiene un gran interés por la distribución de la luz y por la forma de aplicar el color en sus obras. Estas representaciones representan algunas de sus grandes aficiones, fue un gran amante del mar y la navegación.

Además de dedicarse a la pintura también escribió algunos libros. En ellos hablaba de sus ideas estéticas y sobre todo de la técnica puntillista. En todas ellas la luminosidad juega un papel muy importante. Los colores no deben mezclarse en la paleta sino que colocados unos junto a otros en el lienzo nuestra mente hará que se fundan ofreciendo una mezcla que no existe en la realidad sino que se crea por una ilusión óptica mientras observamos la obra.

Tras la muerte de Seurat se traslado al sur de Francia y viajó por otros puertos de la zona mediterránea. Allí se dedicó a pintar escenas marinas. Podemos observar que en los últimos años de su vida también pintó algunos bodegones y retratos.

Es muy curioso observar las diferentes combinaciones de colores que se observan en el reflejo que nos ofrece el agua en muchas de sus composiciones. Falleció en el año 1935.

Algunas de las últimas tendencias artísticas

Hal Foster es uno de los grandes pensadores de nuestro tiempo, sus trabajos relacionados con el arte y con la estética están muy considerados. Sus libros marcan la pauta no solo del arte sino de la relación de éste con la sociedad. Su último libro publicado se llama Malos Nuevos Tiempos y ha sido publicado por la editorial Akal. En este libro hace un repaso a algunas de las últimas tendencias del arte contemporáneo que queremos resumir en este post.

Grand Pop Paul McCarthy

En primer lugar habla de como algunos artistas se decantaron por el arte abyecto en la década de los 80 y la década de los 90, quizás como una manera de oponerse al fin de los movimientos que vanguardia que se producen en esa época con los últimos coletazos del minimalismo y el inicio de la posmodernidad. Señala Foster que la sociedad se fundó con una oposición a lo anal que se ha mantenido a lo largo de los siglos y que estos artistas tratan de sacar a la luz. Hablamos de las obras de Mike Kelley, Paul McCarthy o John Miller.

En segundo lugar tenemos a los artistas archivistas, Thomas Hirschhorn puede ser un ejemplo de ellos. Podemos compararlo con esos altares improvisados que surgen en las diferentes ciudades después que se produce un atentado, allí se atesoran objetos y mensajes de todo tipo acompañados de velas y flores o bien quioscos que incluyen todo tipo de información sobre un tema deseado. Según palabras del propio artista, se trata de conectar aquello que no se puede conectar.

Tenemos otros artistas que se dedican al tema del archivo, por ejemplo Tacita Dean, sus obras reflejan objetos que fueron creados con una visión futurista pero que fracasaron en su intento y fueron abandonados, se trata en muchos casos de un pasado heterogéneo e incompleto. 

Joaquim Koester presenta historias desconocidas que sucedieron hace tiempo y que sirven como elemento de reflexión para el espectador, aspectos que pudieron suceder y que desconocemos. 

Un tercer aspecto estaría conectado con la instalación a modo de diorama de diferentes objetos, conecta con la idea de los dadaistas que en 1916 querían poner el arte y la cultura al servicio del espectáculo y presentarlo al público como un programa de variedades. Rober Gober puede ser uno de los artistas que nos sirva como ejemplo de esta corriente.

Un cuarto aspecto tiene que ver con lo precario, lo que trata de denunciar una situación social en la cual el gobierno no quiere implicarse. Foster indica que lo lastimero es uno de los símbolos de lo precario. Es como esos cartones que exhiben algunos pobres en la calle que informan de una situación triste cargada de faltas de ortografía y de sinceridad. La precariedad y la emergencia se encuentran unidas. Thomas Hirschhorn ha trabajado también este tema.

Por último afirma el autor que se ha producido una vuelta a lo performativo. La performance como proceso que sirve para activar al espectador.

Por si tienes interés en ver en vídeo algunas de las obras y los artistas de los que hablamos en este post sobre últimas tendencias artísticas