Lluvia vapor y velocidad de William Turner

La obra que hoy nos ocupa se considera una de las mejores realizadas por este pintor al cual consideramos dentro de la corriente de la pintura romántica. Para situar la obra diremos que está realizada a mediados del siglo XIX, concretamente fue expuesta por primera vez en el año 1844.

Hay algo que debemos destacar sobre este trabajo y es que da impresión de que Turner se adelanta a otros pintores en lo que tiene que ver con la liberación del artista y la representación de la realidad. Recordemos que muchos artistas dependían de los encargos que se les hacían, en muchos casos coartando la libertad creativa de los mismos al tener que realizar retratos, paisajes o temas religiosos requeridos por diferente señores.

Pero esta obra parece marcar el comienzo de la modernidad, la belleza se sustituye por otro tipo de discurso que tiende a tener un mensaje que transmitir. En este caso da impresión de que la naturaleza ha sido sustituida por la incipiente llegada del tren y todo lo que ellos significa, una revolución en las comunicaciones al poder realizar un transporte por tierra mucho más rápido tanto de pasajeros como de mercancías. 

Al mismo tiempo que se produce esta revolución mucha gente está pasando del campo a la ciudad para trabajar en una industria que les ofrece nuevas oportunidades para su vida. El paisaje natural que muchas veces se había representado pasa a ser una cosa completamente diferente, al ofrecernos un paisaje urbano donde la niebla, el humo impiden una completa visión del mismo. Con esta obra se pierde el carácter primitivo y el objetivo de la pintura en el sentido de transmitir la belleza.

Turner además aparece como un precedente del impresionismo, en una doble vertiente. En primer lugar por lo que significa la liberación del artista para representar aquello que le apetece hacer. En segundo lugar por representar el paisaje y los diferentes efectos de luz sobre el mismo, niebla o humo de la locomotora incluidos.

Esta llamada a la modernidad también estará presente en una de las primeras obras impresionistas de Claude Monet ya que representa la Estación de Saint-Lazare en su obra realizada en el año 1877, así que se abandona el paisaje tradicional para ser sustituido por otro donde la presencia de la máquina adquiere total importancia.

La obra no deja de tener también un cierto aire abstracto que pudo inspirar a otros artistas de principios del siglo XX para representar una realidad alternativa, donde en muchos casos el espectador es partícipe de lo que está contemplando al tener que interpretar un trabajo. La obra de Turner sugiere aquello que no podemos ver y nos ofrece una visión más moderna de lo que sería el paisaje de una ciudad con una locomotora en movimiento, algo como sabemos muy difícil de representar en pintura que obsesionó al movimiento futurista en la segunda década del siglo XX.

La pintura romántica para niños

Podríamos decir que la época en la que se desarrolla la pintura romántica es justo después del Neoclasicismo, ya que surge como un movimiento de reacción a este movimiento y a las normas que propugna. Así que estaríamos hablando de primera mitad del siglo XIX, aunque hay artistas tanto anteriores a estas fechas como posteriores que también tienen influencia romántica.

Mientras que el Neoclasicismo ensalzaba valores que tenían que ver con la antigüedad clásica, volviendo sus ojos a los grandes periodos de Grecia y de Roma, el romanticismo rendía culto a la edad media y a las mitologías de países del norte de Europa en contraposición a la mitología tradicional que invade la cultura occidental.

La belleza ideal que propugnaba el neoclasicismo se abandona y se sustituye por escenas donde la pasión, lo imaginario, el desorden y el caos tienen su momento de desarrollo, junto a ellos la representación de personajes en una naturaleza que no llegan a dominar, se trata de personas que se encuentran en escenas donde lo místico o en algunos casos el mundo de los sueños, hace su aparición, con unas grandes dosis de sentimentalismo.

Quizás estemos ante un movimiento social que aprecia al individuo por encima de otros valores, los sentimientos son mucho más importantes que la razón, por tanto entran en juego otros valores como son la sensibilidad del ser humano, su capacidad de imaginación o lo sujeto que se encuentra a las pasiones.

Ello nos lleva a que muchos artistas practiquen el individualismo, es decir, por primera vez estos artistas se liberan de los encargos que le han sido realizados por una persona o institución y se atreven a pintar por su cuenta aquello que les motiva o les apetece. Se trata de un gran paso en el desarrollo de la historia del arte, porque hablamos de la libertad del artista en la creación, una novedad que no hemos visto hasta este momento.

La naturaleza también es una constante en la obra romántica, una naturaleza que el ser humano no puede dominar (en contradicción a lo que expresaban los clásicos), por ello surge un sentimiento pesimista que se puede apreciar en muchas de sus obras. Lo trágico será también una de las señas de identidad de este movimiento.

En vez de poner los ojos en la antigüedad clásica vuelven su mirada hacia la Edad Media, además como una época de referencia espiritual, por eso no es extraño observar paisajes en ruinas de edificios de esta época. Al mismo tiempo si otros artistas viajaban a Grecia o Roma como lugares de referencia, los artistas románticos se centran en el exotismo de otras civilizaciones, como el mundo árabe, sus gentes y edificios. Así que tendremos artistas que van a viajar a países del norte de África como Marruecos, Tunez, Argelia o que vendrán a España para ver los restos de la civilización musulmana en este país,

El movimiento tuvo un gran desarrollo en diferentes países europeos, con artistas muy destacados, como William Bake, Friedrich, Antoine-Jean Gros o Francisco de Goya en sus obras de última etapa. 

El pintor Mark Rothko para niños

Consideramos a Rothko como uno de los grandes pintores abstractos del siglo pasado, aunque él no estaría deacuerdo con esta afirmación ya que sus obras tienen un profundo significado que roza lo metafísico y siempre busca la relación entre el cuadro y el espectador.

Si tratamos de contar una pequeña biografía de Mark Rothko debemos decir que nació en Lituania en el año 1903, aunque la mayoría de su vida y sus desarrollo artístico tendrán lugar en Estados Unidos, país al que se traslada su familia cuando el artista contaba siete años, huyendo quizás de una zona donde las condiciones de vida de una familia judía, como la suya, comenzaban a complicarse.

El interés de Rothko por el arte llega de forma tardía, su familia tuvo dificultades económicas (su padre falleció muy pronto) y todos tuvieron que trabajar para poder sacar a la familia adelante. No será hasta los veinte años cuando comience su vocación artística. De hecho acudió becado a la Universidad de Yale, aunque perdió la beca, pero sus estudios no tenían nada que ver con el campo artístico.

La ciudad de Nueva York será decisiva en su obra y el gran ambiente artístico que se vivía en la ciudad durante esos años, prolongados por el éxito del expresionismo abstracto después de la segunda guerra mundial, representado por las obras de Jackson Pollock.

Una aproximación a las obras más conocidas de Rothko nos lleva a la finalidad con la que el artista los compone, por ejemplo que sus obras son trabajos para reflexionar, tratando de establecer una relación entre las obras y el espectador. Son trabajos que aluden a la inmensidad del universo y la pequeñez del ser humano, se trata de un espacio de dimensiones inabarcables, donde lo religioso se hace presente. Rothko pertenece a una generación de artistas que tratan de introducir a través de sus obras la filosofía oriental, concretamente el budismo, ellos daban mucha importancia al vacío, algo que estaba en el ambiente en el cual se desarrollan las obras de Rothko.

Para tener una mejor relación con la obra Rothko pensaba en la mejor manera de colocar sus cuadros, le gustaba personalmente que el punto de vista de la obra fuera bajo. Las obras no tenían marco y prefería una iluminación natural a artificial, ya que esta última hacía perder algunos de los matices de la multitud de colores en gradación utilizados en sus obras.

Rothko no se consideraba un artista abstracto, ya que eso no era lo importante para él sino aquellas emociones que pudieran extraerse de la contemplación de sus obras, emociones humanas como el miedo, la inmensidad, el extasis, el destino, la tragedia. Rothko decía que “la gente que llora delante de mis cuadros vive la misma experiencia religiosa que yo sentí al pintarlos. Si usted solo se fija en el color y sus relaciones, se le escapa lo decisivo”.

Los colores utilizados por Rothko en sus obras van cambiando según va avanzando su vida, al final se volverán bastante grises y oscuros fruto de una profunda depresión que le llevara al suicidio, cosa que sucedió el 25 de febrero de 1970, con él se pierde uno de los grandes artistas del siglo XX.

La pintura de Jackson Pollock para niños

Ahora es posible no solamente pintar como Jackson Pollock sino también comprender su planteamiento pictórico. Pollock es uno de los artistas americanos más relevantes e importantes del siglo XX, casi tan conocido como Picasso, su forma de pintar le convierte en el máximo representante del expresionismo abstracto.

Debemos entender que hay un momento, después de las atrocidades cometidas durante la Segunda Guerra Mundial, que muchos artistas se muestran impotentes para representar de forma realista algunos de los hechos ocurridos en ese periodo, el drama vivido, la pérdida de vidas humanas, los ataques a poblaciones civiles incocentes. Para intentar representar o abstraerse de ese dolor se recurre a la pintura abstacta, es una nueva manera de tratar la pintura y de tratar de expresar un sentimiento que no reconoce en el ser humano más que rabia y dolor por lo que ha sucedido.
En el caso de Pollock, para pintar utiliza una técnica conocida como el "dripping", el goteo. Extiende un gran lienzo en el suelo y puede perforar una lata de pintura de un color determinado, de manera que las gotas van cayendo de forma aleatoria sobre el lienzo, componiendo ellas mismas la pintura. Lo mismo puede hacer con un gran pincel, mojándolo en la pintura y moviendo la mano sobre el lienzo mientras las gotas de pintura van cayendo sobre él. Otras veces lanzaba la pintura directamente sobre el lienzo, tratando de cubrir todo el espacio, llenar cualquier vacío que pudiera quedar. El año 1947 será la fecha de inicio de esta forma de pintar que tanto éxito le dió.

Para que los niños puedan comprender como lo hacía ahora es posible utilizando el ratón del ordenador pintar como él, tan solo hay que pinchar en el enlace y utilizar el ratón como pincel, moviéndolo mas rápido o despacio podremos descargar más o menos pintura y haciendo click podremos cambiar de color para pintar como hacía Jackson Pollock, seguro que es divertido y podemos explicar a los niños porque el artista lo hacía y como lo hacía.

Pincha aquí para pintar como Jackson Pollock