La noche estrellada de Vicent Van Gogh

Estamos ante una de las obras más conocidas del artista y una de las mas reproducidas de todos los tiempos, en muchas ocasiones se identifica al artista con esta obra. Actualmente se conserva en el Museo de Arte de Nueva York que la posee desde el año 1941.

Es bueno poner la obra en contexto con la complicada vida de Van Gogh, ya que se trata de una de sus obras finales, poco tiempo antes de su suicidio.

Van Gogh, que vivía gracias a la caridad de su hermano Theo, se había trasladado a Arles, en el sur de Francia, donde vivía con Gaugin. Pero los dos artistas tenían un carácter bastante fuerte y discutían constantemente. En una de estas discusiones Van Gogh persiguió a Gaugin con una navaja en la mano. Y finalmente nuestro protagonista, algo desequilibrado, se cortó el lóbulo de su oreja. Gaugin y él no volvieron a verse, aunque si cruzaron algunas cartas.

Los últimos años de la vida de Van Gogh están cargados de desequilibrios mentales, en estos momentos pasó por diferentes sanatorios psiquiátricos en los cuales ingresaba por voluntad propia, será en uno de ellos, concretamente en el Sanatorio de Saint Remi de Provenza donde va a pintar esta esplendida obra.

Aunque la obra se llama la noche estrellada, el cuadro habría sido pintado durante el día, reproduciendo Van Gogh los recuerdos que había acumulado por la noche mientras miraba por la ventana del sanatorio.

Hay quien ha conectado el cuadro con las alucinaciones y ataques epilepticos que sufrió el artista que no fueron tratados de ninguna manera, ese tipo de remolinos creados en el cielo son de lo más original y pueden tener conexión con la visiones que tenía Van Gogh durante sus desmayos.

Por otra parte debemos señalar que Van Gogh es un pintor postimpresionista, su forma de pintar esta marcada por diferentes manchas ordenadas de color, que van componiendo, en distintas tonalidades, los objetos, monumentos y formas vegetales que componen el cuadro. Van Gogh es un pintor que pinta con violencia, con rabia, en muchas ocasiones abandona los pinceles para extender la pintura con los dedos de sus manos, creando un efecto mucho más agresivo que con los pinceles. Esa violencia al extender la pasta es rasgo característico de sus últimas obras.

Mierda de artista provocación en el arte

En el año 1961 el artista italiano Piero Manzoni presentaba al mundo su obra Mierda de artista. Se trata de varias latas que como un objeto de consumo cualquiera tiene indicadas todas las propiedades que encierra su interior, desde el número de gramos, que es de 30, al grado de conservación de la misma.

La obra se trata sin duda de una provocación que trata de llamar la atención sobre las desigualdades que crea el mercado del arte en muchas ocasiones. Decía el filósofo alemán Walter Benjamin cuando hablaba de una de las opciones de los intelectuales dedicados a abastecer al sistema de producción. Es decir aquellos artistas famosos que solo con su simple firma pueden vender cualquier cosa o bien las reproducciones en serie de obras famosas, reproducciones en muchas ocasiones firmadas por el propio artista.

Podemos dar un par de ejemplos de esto. Picasso realizó un número superior al centenar de versiones de Las Meninas de Velázquez revisando el tema desde diferentes opciones que se vendían con una facilidad pasmosa, no por la calidad de las obras sino por el hecho de que eran obras de Picasso.

Otro ejemplo lo tenemos con Dalí cuando en la etapa final de su vida se comentaba que sus administradores le acercaban papeles en blanco que pudiera firmar para después añadir el grabado o reproducción que más interesara.

El tema de la provocación en el arte es algo que viene de lejos, es decir debemos remontarnos a 1917 cuando Marcel Duchamp llevó un urinario a una exposición donde se indicaba que no se rechazaría ninguna obra. La obra titulada La Fuente fue finalmente rechazada pese a que el propio Duchamp se encontraba entre los miembros de jurado que debían indicar su obra favorita. Duchamp para no ser reconocido firmó la obra con un sobrenombre R Mutt, a él le interesaba ver la reacción del resto de los miembros de jurado.

La obra de Piero Manzoni tiene una idea similar, ¿es posible considerar arte cualquier cosa? ¿es aplicable el ready made a cualquier tipo de obra? Quizás una prueba de que si se puede considerar arte es que estamos hablando sobre ello, aunque simplemente sea por el hecho de que nos llama la atención.

Se trata de un momento en que se produce un desarrollo del situacionismo, un grupo que proponía al artista una implicación total, el arte al servicio de la denuncia social y en consecuencia, según ellos, al servicio de la revolución, se trata de una transformación radical del mundo del arte. Esta obra es una buena prueba de lo que estamos diciendo.

Mierda de artista es una crítica mordaz al sistema del arte, donde el artista marca vale más que la obra presentada. El artista presentó un número bastante alto de latas, concretamente 90, todas ellas están firmadas por el artista en la parte superior de la lata. Las latas indicaban un peso de 30 gramos, que realmente eran de yeso, no de mierda y su precio era el mismo que el equivalente a 30 gramos de oro en ese momento.

Eugenio Merino. El olor del arte. Una de las latas abierta

El enigma de la relación entre Juan Bautista y Jesús

Juan Bautista es una figura clave en la historia de los primeros años del siglo I y por supuesto del cristianismo, porque muchos de los mensajes lanzados desde el desierto son iguales que los expuestos por Jesús a las gentes de bien que querían escucharle.

Gran parte de lo que vamos a escribir está inspirado en el libro de Ernest Renan titulado "Vida de Jesús" donde este estudioso francés del siglo XIX hace un pormenorizado análisis de la vida e ideas del maestro intentando desprenderse de todo aquello que de fantástico nos han legado los escritos que consideramos canónicos.

Una primera cuestión sería el parentesco entre los dos personajes, inexistente para el autor, ya que habían nacido y vivían en zonas muy diferentes, aunque si es cierto que los dos llegaron a las mismas conclusiones con un mensaje común expresado eso si de forma diferente.

Juan podía ser considerado como un profeta, un enviado de Dios. Era una persona acostumbrada a los rigores. En muchos casos vivía como un anacoreta, vestía de forma muy humilde y comía aquello que el desierto le proporcionaba, que era más bien poco. Juan es uno de los muchos predicadores que surgen en el momento en Judea, aunque a diferencia de otros consiguió un gran número de seguidores que escuchaban su mensaje.

Quizás tanto Juan como Jesús hubieran pasado desapercibidos si nos quedáramos solo con su mensaje de conversión y de arrepentimiento de cara al Padre, pero tanto uno como otro volcaron su mensaje de una manera política, señalando directamente a los poderosos políticos o religiosos que consideraban culpables de que su mensaje no se llevara a cabo. Y ese fue el verdadero problema, porque cuando el poderoso ve peligrar su sillón se revuelve de manera que mata con tal de conservar su estatus, llevándose por delante a quien haga falta para mantenerlo. 

En cuanto Juan comenzó a denunciar la situación semiincestuosa del rey Herodes y sus seguidores se daban cuenta de que llevaba razón, que se estaba vulnerando la ley, le falto tiempo al títere romano para detener a Juan y mantenerlo en prisión con tal de que su mensaje no se propagara. Es muy posible que Herodes respetara a Juan como profeta e incluso le tuviera miedo como elemento distorisonador de su poder, quizás su muerte es una cuestión de orgullo personal por una palabra empeñada a la cual no se pudo negar, pero seguro que fue un tema que le trastornó, más sabiendo que el mensaje de Juan era verdadero.

Renan apunta que Jesús, que vivió en Nazaret y Caná, se desplazó con un primer grupo de seguidores hasta donde Juan estaba haciendo su predicación. Juan era muy conocido en ese momento y Jesús quería aprender de él. Tenían un mensaje muy similar, aunque Jesús no estaba preprarado todavía para dar el salto, tiene que dar forma a sus ideas y será con Juan cuando aprenda como expresar todas esas ideas que fluyen en su cabeza. Juan sin duda se daba cuenta de la fuerza que poseía Jesús y de que estaba llamado a una labor mucho más trascendente que la suya, aunque como hemos dicho los dos comparten momento y se respetan, jamas Jesús durante el tiempo que pasó con él, intenta imponer sus ideas o preceptos, se limita simplemente a aprender, sabiendo quien lleva el mando en ese momento. Es curioso como algunos discípulos informan a Juan cuando esta preso de los pasos que van a dar en el futuro y de las cosas que está haciendo Jesús. Quizás sea esta detención de Juan la que hace que Jesús vea una oportunidad para lanzarse de forma definitiva a la predicación de su mensaje.

Claro que existe una gran diferencia entre Juan y Jesús. Juan tiene un mensaje de conversión, de regeneración, de abrir el corazón y el espíritu a una nueva vida, alejarse del pecado porque el fin del mundo es, quizás, inminente. Por su parte Jesús nos habla de las mismas cosas, aunque profundiza mucho más en un mensaje de amor y de un Dios que nos ama y está siempre pendiente de nosotros, debemos amar como él lo hace tanto a nuestro Padre  como a nuestros semejantes. Pero mientras Juan sabe que simplemente es un predicador, un agitador de almas, Jesús posee el espíritu de Dios dentro de si, está imbuido del espíritu de Dios, de manera que expresa que es su propio Hijo, nunca dice que sea Dios mismo sino el Hijo de Dios, aquel que expresa su voluntad por medio de una persona convencida de ello y que cambió la historia de la humanidad con un mensaje rompedor y completamente distinto al que los judíos del momento estaban acostumbrados o esperaban.

La última cena de Leonardo da Vinci para niños

Esta obra del gran artista italiano es una de las más famosas y representadas de toda la historia del arte, ya que por su calidad y maestría ha servido como modelo a otros muchos artistas que querían representar este tema.

Los artistas podían haber escogido varios momentos que tuvieron lugar en esa habitación la noche del jueves santo, pero la mayoría de ellos se decidieron por representar el momento en el que Jesús anuncia a sus discípulos que son sus últimos momentos juntos y que uno de ellos le va a traicionar. 

Esa es la razón para que la mayoría de los apóstoles aparezcan con gran cara de sorpresa, moviendo sus brazos, mirando angustiados a Jesús o el resto de sus compañeros y preguntándose cual de ellos puede ser el traidor.

Detallede Juan,  Judas con la bolsa y Pedro con un cuchillo

Lo que ocurre en la pintura de Leonardo es que los grupos de apóstoles, que se encuentran al los lados de la figura central de Jesús, están muy bien organizados, ya que se agrupan en figuras de tres en tres, donde se producen varios contrastes para poder ganar en tensión y movimiento. Por ejemplo Leonardo contrasta figuras más jóvenes con otras más viejas, unas al lado de las otras y también figuras con mucho movimiento frente a otras que se encuentran más tranquilas, con la idea de generar cierta tensión. 

Judas, el apóstol que va a traicionar a Jesús se encuentra en el segundo grupo empezando por la izquierda, junto a Juan, al que reconocemos porque no tiene barba.

La estructura de la obra y todas las líneas de fuga nos conducen a la figura central, a la cara de Jesús, que se encuentra explicando cual es la situación.

Leonardo se esforzaba mucho en sus obras por no copiar siempre los mismos modelos o repetirlos, como hacían otros artistas, quizás por eso se demoró demasiado en realizar esta obra, porque buscaba los modelos adecuados, incluso hay quien dice que se incluyó a si mismo entre el último grupo de apóstoles junto a la figura de Platón, un filósofo esencial gracias al cual se han explicado muchas de las teorías teológicas de la doctrina católica.

Polémicas aparte (si está Leonardo, si se ha llegado a representar una mujer que podría ser María Magdalena), la obra fue pintada sobre una pared  en el refertorio del convento dominico de Santa María de la Gracia en Milán. La obra ha sufrido deterioro desde los primeros momentos, ya que no es un fresco, que requiere una gran rapidez de ejecución, Leonardo quiso experimentar y mezcló temple y óleo, alargando sobremanera el tiempo de ejecución y provocando que al poco de terminarse ya hubiera zonas que se desprendían de la pared. De todas maneras la obra ha tenido una restauración hace poco tiempo que la ha dejado en perfecto uso y disfrute de los turistas e interesados en el arte renacentista.

Marcos López. Última cena

El pintor Michelangelo Merisi conocido como Caravaggio

Estamos ante una de las grandes figuras mundiales de la pintura, no solamente porque sea un magnífico artistas, cuya calidad se puede observar en sus obras, sino también porque su influencia en otros artistas que van a seguir su forma de concebir la pintura durante el desarrollo del movimiento barroco.

Intentaremos describir una pequeña biografía de Caravaggio, que nació en Milán en 1571 aunque le conocemos por el nombre de la localidad donde se trasladó su familia poco después de la peste que asoló la gran ciudad de Milán, lugar donde su padre trabajaba.

En el desarrollo de su vida y los lugares a los que va a desplazarse tiene mucho que ver el carácter del artista. Debemos decir que Caravaggio tenía un carácter complicado, en ocasiones violento, lo cual le llevaba a pelearse constantemente y tener problemas con la policía de la época. Por ejemplo, tras su traslado a Roma tendrá que abandonar la ciudad como consecuencia de que había dado muerte a un hombre, eso le llevó por diferentes ciudades, se trasladó a Napoles, viajó a la isla de Malta, se trasladó a Sicilia, de nuevo a Napoles y cuando se encontraba camino de Roma tras ser perdonado por su asesinato gracias al nuevo Papa, falleció tempranamente quizás como consecuencia de unas fiebres en el año 1610, privándonos de un artista excepcional y mágico.

Con respecto a su obra, su forma de pintar era sinónimo de escándalo. Muchos de sus contemporáneos acostumbrados al idealismo típico de la pintura italiana, se daban de bruces con un naturalismo exagerado, llevado al extremo. Daba igual a quien tuviera que representar, que representaba a su modelo de forma tan natural, que daba igual que no tuviera nada que ver con el personaje representado. Muchas de sus obras fueron un gran escándalo y fueron rechazadas nada más ser presentadas. Pero al mismo tiempo hay que decir que otra mucha gente apreciaba su obra y fue protegido por alguno de los personajes más importantes de la época, ello le sirvió para salvar la cárcel en varias ocasiones.

Hay otro aspecto destacable en su pintura y es el uso del claroscuro. No es que Carvaggio inventara el claroscuro porque ya existía en la pintura italiana, pero él lo llevó a su máxima expresión, llenando de dramatismo sus obras, gracias a los contrastes entre luces y sombras que podemos observar en sus obras.

La influencia de Carvaggio es estos dos aspectos, naturalismo y claroscuro, será una constante en los más importantes artistas del barroco. Estamos hablando de nombres tan importantes como Rubens, Rembrandt, Gentileschi, Diego Velázquez o José de Ribera (que pudo observar sus obras de forma directa en Napoles).

El Juicio Final de la Capilla Sixtina

Esta magnifica obra pintada por Miguel Angel se encuentra representada en el ábside de la Capilla Sixtina y fue realizada 25 años después que la misma obra del propio artista en el techo de la capilla donde estaban representadas diferentes escenas del Antiguo Testamento.

El esquema de representación sigue la forma tradicional de representar el Juicio Final, acorde con las ideas que nuestro artista había aprendido en Florencia, su lugar de formación antes de trasladarse a Roma para desarrollar su trabajo.

Así por ejemplo la figura de Cristo se encuentra en la parte central, con una posición de la mano derecha que se encuentra entre la bendición y la amenaza, ya que de forma muy agresiva levanta el brazo como si fuera a golpear a quien se encuentre debajo. La mano izquierda tiene una actitud de llevarla a la herida del costado, para mostrarla a todo el mundo y así demostrar que es realmente el mismo Cristo el que llega para juzgar a vivos y muertos. Esta actitud se repite por ejemplo en el Juicio Final del cascarón del ábside de la Catedral Vieja de Salamanca donde Nicolas Delli, de origen florentino, pintó un Cristo igual con la misma posición, aunque exagerando un poco más la posición de la mano izquierda.

Al lado derecho de Jesús se encuentra la Virgen María, en muchos casos encontramos la figura de Juan Bautista a la izquierda, pero en este caso aparecen mezclados diferentes santos alrededor del Cristo a los cuales podemos identificar por algunos de sus símbolos, por ejemplo San Pedro con las llaves, San Lorenzo con una parrilla, San Bartolomé con su propia piel. Recordemos que la función de Juan era presentar las almas que llegaban al cielo.

En la parte superior grupos de ángeles portan algunos elementos de la pasión, por ejemplo la cruz, la corona de espinas y la columna para recibir los latigazos, que son los que aparecen en esta representación. En algunos casos se incluyen mas elementos, como por ejemplo los clavos, martillo o la esponja.

Debajo de la figura de Cristo un grupo de ángeles toca unas trompetas anunciando la llegada del Jucio Final, como es tradicional en este tipo de representación.

A los lados de la figura de Cristo se sitúan personas que ya están salvadas. Mientras en la parte inferior, a la derecha aparecen las personas que van a salvarse, los cuales ayudados por ángeles suben al cielo, entre ellos algunas personas que acaban de resucitar, mientras al otro lado están los condenados, que son forzados a introducirse en la barca de Caronte para dirigirse al abismo, al tiempo que unos ángeles en la parte superior les impiden la entrada en el cielo a algunas figuras que muy angustiadas y apelotonadas lo intentan con bastante fuerza.

La mayoría de figuras se encontraban desnudas pero unos años más tarde un discípulo de Miguel angel, llamado Danielle de Volterra se encargó de cubrir la mayoría porque a ciertos sectores del clero romano le parecían indecentes, aunque bien es cierto que falleció y no pudo terminar su labor.

Biografía de El Greco para niños

Domenikos Theotocopoulos es uno de los pintores mas conocidos a nivel mundial que trabajó en un momento de transición entre el renacimiento y el barroco, pudiendo observar algunas características propias del manierismo en muchos de sus trabajos. Fue un hombre muy culto y tenía nociones de arquitectura, de hecho su hijo Jorge Manuel se dedicó a esta profesión en la ciudad de Toledo.

El Greco nació en la isla de Creta, concretamente en la ciudad de Candia en el año 1541. En la isla va a permanecer hasta que cumpla los 26 años influenciado entonces por es estilo bizantino, donde los iconos eran algo típico en esta pintura desarrollada en la zona.

Con esa edad se trasladó a Venecia, en esos momentos la isla de Creta formaba parte de la República Veneciana y no era extraño que muchas personas pasaran por la capital, en este caso para formarse como pintor, al lado de algunos de los más grandes artistas que en ese momento trabajaban en el conjunto de islas. Nos referimos a artistas de la talla de Tizianno, Tintoretto, Verones o Bassano. Aquí El Greco abandonó los iconos y empezó a representar como lo hacían sus maestros, introduciendo esos colores tan llamativos típicos de la pintura veneciana que le acompañarán a lo largo de toda su vida.

Detalle de la pintura El Martirio de San Mauricio

En el año 1570 se trasladó a Roma para continuar su formación, en la ciudad eterna eran las obras de Miguel Angel y Rafael las que tenían más influencia, pese a que los dos ya habían fallecido. Hay quien dice que su salida de Italia tiene que ver con unas declaraciones en las que habría calificado algunas figuras realizadas por Miguel Angel como indecentes, al estar completamente desnudas, en un momento en el que en Roma se planteaban tapar la desnudez de alguna manera. Esto está sin confirmar, lo que hace el Greco es continuar su formación y aprender de los grandes maestros.

En el año 1577 llega a España y se estableció en Toledo, había hecho en Italia algunas amistades que podían favorecerle en este nuevo país. Es un momento en que se están acabando las obras del Monasterio del Escorial, lugar para el que se le encargaron dos cuadros, uno de ellos El Martirio de San Mauricio, parece ser que no fue del gusto del rey Felipe II por lo que su colaboración con el Monaserio no continuó centrándose en su trabajo toledano. Allí, en la capital religiosa del país, recibió múltiples encargos y vivió un éxito continuado, llegando a ganar grandes sumas de dinero por las obras realizadas.

Falleció en el año 1614 en la ciudad imperial, como hemos dicho con numerosos encargos hasta el final de su vida, fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Dejó una gran biblioteca, plagada de todo tipo de títulos, desde tratados de pintura, filosofía o arquitectura. Era una de las bibliotecas personales más grandes del momento, que todavía puede verse en la Casa Museo en la ciudad de Toledo.