La historia de Santa Catalina de Alejandría por Carvaggio

Caravaggio es uno de los pintores mas reputados a nivel mundial que da inicio al estilo barroco en Italia y se convierte en un maestro del claroscuro, movimiento que se extenderá por toda Europa y donde nuestro artista tiene una importancia crucial en su difusión e influencia.

Caravaggio murió joven, no llegó a legar una gran cantidad de obras, pero entre ellas encontramos esta representación tremendamente realista de Santa Catalina de Alejandría, acompañada de sus símbolos habituales, una rueda con cuchillos y una espada que porta en sus manos.

La historia sobre Catalina de Alejandría fue escrita varios siglos mas tarde de su muerte, con lo que es posible que muchos aspectos de su vida se encuentren distorsionados. Nació en el año 290 viviendo a principios del siglo IV y destacando por su habilidad para los estudios relacionados con la filosofía. Según cuenta la leyenda se le apareció Jesucristo una noche y desde entonces decidió consagrarle su vida.

Requerida tanto ella como otros fieles por el emperador de la zona a realizar sacrificios a los dioses paganos Catalina se negó, regando de conversiones a su paso cada una de las veces que se le preguntaba para hacerlo. Sabios, militares, damas, hasta la propia emperatriz admiraban y seguían las ideas de Catalina.

Pero pese a todos estos hechos y su capacidad de convencimiento fue condenada por el emperador a morir en una rueda llena de cuchillos, cuyo cuerpo se colocaba en medio y al ir girando lo cortaba en diferentes piezas. Parece ser que cuando el cuerpo de Santa Catalina tocó la madera, esta se rompió, con lo cual fue imposible ejecutar el castigo. Pese a este símbolo tan claro, el emperador obcecado pensó en un método mucho mas eficaz y útil para hacerla morir, mucho más rápido eso sí, le cortaría la cabeza con una espada.

Según la tradición su cuerpo se encuentra depositado en un monasterio del Monte Sinai, donde la gente peregrinaba para visitarlo.

Estos símbolos de los que hablamos podemos observarlos en la obra de Caravaggio, la rueda rota, la espada y la mujer que nos mira de forma siniestra con ánimo de preguntar algo al espectador. Todo acompañado del tenebrismo típico del artista que observamos en la zona iluminada y el fondo completamente oscurecido.

El pintor Michelangelo Merisi conocido como Caravaggio

Estamos ante una de las grandes figuras mundiales de la pintura, no solamente porque sea un magnífico artistas, cuya calidad se puede observar en sus obras, sino también porque su influencia en otros artistas que van a seguir su forma de concebir la pintura durante el desarrollo del movimiento barroco.

Intentaremos describir una pequeña biografía de Caravaggio, que nació en Milán en 1571 aunque le conocemos por el nombre de la localidad donde se trasladó su familia poco después de la peste que asoló la gran ciudad de Milán, lugar donde su padre trabajaba.

En el desarrollo de su vida y los lugares a los que va a desplazarse tiene mucho que ver el carácter del artista. Debemos decir que Caravaggio tenía un carácter complicado, en ocasiones violento, lo cual le llevaba a pelearse constantemente y tener problemas con la policía de la época. Por ejemplo, tras su traslado a Roma tendrá que abandonar la ciudad como consecuencia de que había dado muerte a un hombre, eso le llevó por diferentes ciudades, se trasladó a Napoles, viajó a la isla de Malta, se trasladó a Sicilia, de nuevo a Napoles y cuando se encontraba camino de Roma tras ser perdonado por su asesinato gracias al nuevo Papa, falleció tempranamente quizás como consecuencia de unas fiebres en el año 1610, privándonos de un artista excepcional y mágico.

Con respecto a su obra, su forma de pintar era sinónimo de escándalo. Muchos de sus contemporáneos acostumbrados al idealismo típico de la pintura italiana, se daban de bruces con un naturalismo exagerado, llevado al extremo. Daba igual a quien tuviera que representar, que representaba a su modelo de forma tan natural, que daba igual que no tuviera nada que ver con el personaje representado. Muchas de sus obras fueron un gran escándalo y fueron rechazadas nada más ser presentadas. Pero al mismo tiempo hay que decir que otra mucha gente apreciaba su obra y fue protegido por alguno de los personajes más importantes de la época, ello le sirvió para salvar la cárcel en varias ocasiones.

Hay otro aspecto destacable en su pintura y es el uso del claroscuro. No es que Carvaggio inventara el claroscuro porque ya existía en la pintura italiana, pero él lo llevó a su máxima expresión, llenando de dramatismo sus obras, gracias a los contrastes entre luces y sombras que podemos observar en sus obras.

La influencia de Carvaggio es estos dos aspectos, naturalismo y claroscuro, será una constante en los más importantes artistas del barroco. Estamos hablando de nombres tan importantes como Rubens, Rembrandt, Gentileschi, Diego Velázquez o José de Ribera (que pudo observar sus obras de forma directa en Napoles).

La mujer barbuda de José de Ribera

José de Ribera es un artista con tendencia a exagerar las situaciones, a llevar al extremo el tema que está tratando, bien sea la vida o el martirio de un santo, cuadros estos últimos donde es conocido por su extrema crueldad y realismo, fruto de su aprendizaje dentro de la escuela española, suavizado con su traslado a Italia donde tras pasar por Roma se instalará definitivamente en Napoles desde donde realizó muchísimas obras tanto para clientes españoles como italianos.

Piensa que el tema que se nos planeta incluso puede convertirse en algo divertido de explicar. Como vemos en la obra nos encontramos a una mujer que parece acaba de dar a luz hace poco tiempo, sabemos que es una mujer porque podemos ver que saca uno de sus pechos para dar de mamar al niño. Algo extraño si obervamos la cara de esta señora con ese rostro barbudo y descuidado. La enfermedad que sufre está descrita en la parte derecha del cuadro, allí se indica que alguna mujeres después del parto, mientras su cuerpo se regulariza, segregan hormonas masculinas en exceso, lo cual les provoca la aparición de vello en algunas zonas que hasta entonces no tenían, como por ejemplo la barba o el pecho.

Lo que ocurre es que José de Ribera lleva hasta el extremos está situación, de manera que lo que ha representado es directamente un hombre, no una mujer a la que le está saliendo pelo en estas zonas indicadas, tanto que el dibujo del pecho parece forzado en el pecho de ese hombre.

Es muy curiosa también la cara del esposo situado en la parte posterior del cuadro, como mira al espectador con una cara de incredulidad, no explicándose muy bien lo que está sucediendo y de aceptación dando por hecho que es una circunstancia con la que tiene que convivir, aunque no sea de su agrado.

Todo ello en un ambiente de claroscuro barroco, tan típico de estos primeros años de la pintura barroca española con ese foco de luz que ilumina en este caso la zona de la cabeza del niño y el brazo derecho de la madre, dejando en penunbra el resto de la obra. 

Este claroscuro lo abandonará Ribera una vez que se establezca en Italia.

La obra se conserva en el Palacio Ducal de Medinaceli en Toledo estando fechado en 1531.