La Venus de Willendorf para niños

Estamos ante una de las esculturas más antiguas de la humanidad ya que la fecha de datación se encontraría entre el 28.000 y el 25.000 a.c. La obra lleva el nombre del yacimiento donde fue encontrada en Willendorf (Austria) y se conserva en el Museo de Historia Natural de Viena.

Es curioso el nombre de la figura. Junto a su lugar de procedencia se ha colocado la palabra Venus. Esta diosa romana representa la belleza, según la mitología fue elegida por Paris como la más bella de todas las diosas a cambio de recibir a Helena, la mujer más bella de la tierra en ese momento. Es decir la diosa Venus ha estado asociada al concepto de belleza a lo largo de la historia. También su imagen se ha asociado al pecado debido al deseo que produce su figura, encontramos numerosos ejemplos de ello en el Renacimiento.

Lo que queremos decir es que se le ha dado a esta figura el título de Venus cuando en realizar se encuentra alejada del concepto tradicional de belleza. Algunos estudiosos quisieron asociar esta figura con la idea del canon que sería habitual en ese momento prehistórico para una mujer. Pero esta idea no tiene mucho sentido, ya que desconocemos cual sería ese canon debido a la falta de documentación. Muchas veces se asocia cosas que desconocemos con suposiciones que tienen que ver con temas relativos a la religión, la caza, la agricultura, la fertilidad o la muerte.

Junto a ello hay personas que lo han identificado con la madre tierra aunque puede estar asociado también a la idea de seguridad y bienestar para la familia que lo posee.

Lo que si es cierto es que se trata de una figura de una mujer desnuda y sobrada de carne tanto en el vientre como en los glúteos. Los órganos sexuales de la figura aparecen muy destacados. Contrastan las piernas que tienen una perfecta fisonomía con unos brazos excesivamente pequeños y cortos que la mujer apoya sobre sus pechos. También es curioso el detalle del ombligo que destaca mucho en el conjunto de la figura.

En cuanto a la cara no podemos apreciarla porque se encuentra cubierta por un extraño peinado que no nos permite ver ojos, nariz o boca.

Tampoco debemos pensar en una gran figura porque en realidad no mida más de 10 cm de alto por 6 cm en su parte más ancha. Se trata de una figura para llevar en la mano de forma fácil

Julie Mehretu y la pintura del caos

La artista de origen etíope aunque afincada en Nueva York Julie Mehretu se presenta como una de las grandes pintoras contemporáneas. No solo ha llamado la atención por la calidad y el discurso que podemos observar en sus obras sino también por el alto precio que han alcanzado en su precio de compra o en alguna subasta.

Tenemos la oportunidad en España de contemplar su primera retrospectiva en el Centro Botín de Santander, aunque ya pudieron verse obras de la artista en la exposición Barrocos y Neobarrocos celebrada en Salamanca en el año 2005 o una exposición individual que el MUSAC de León realizó en el año 2007.

Quizás podríamos comparar las obras de Julie Mehretu con algunas pinturas que los hombres primitivos realizaban en las cavernas, llenas de símbolos o de líneas de todo tipo que muchas veces nos resultan difíciles de interpretar. No conocemos datos acerca de sus rituales o creencias religiosas y puede que muchos de ellos estén asociados con estos temas.

La primera impresión que tenemos al ver una de las obras de Julie Mehretu es que nos encontramos ante un paisaje donde el caos se ha convertido en el rey. Líneas, vectores, diagramas, formas orgánicas se mezclan con líneas rectas, curvas, que se mezclan con la arquitectura en lo que podríamos describir como un paisaje contemporáneo donde la figura del hombre se muestra como algo efímero e insignificante.

Quizás ese caos al que aluden sus obras sea uno de los signos de nuestro tiempo. Solo tenemos que escuchar las noticias en la radio o en la televisión. La mayoría de ellas aluden a desgracias (casi siempre ajenas) que han causado muertos, heridos provocados por guerras, terrorismo o desastres naturales. Existen pocas noticias positivas y la mayoría de ellas son descorazonadoras. Ese es un aspecto que debemos tener en cuenta a la hora de contemplar una de sus obras. La catástrofe es uno de los signos de nuestro tiempo.

Ella misma alude a que las revueltas sociales surgidas después de la crisis que tuvo lugar en el año 2008 provocaron en su obra un  cambio en la forma de pintar, pasando del color a las tonalidades en blanco y negro, como sabemos mucho más oscuras y pesimistas respecto al comportamiento humano.

Sus obras aparecen de esta manera como auténticos mapas en los cuales observamos dos vertientes: por un lado la relación de la artista con sus propio pasado, por otro lado la actitud que mantiene frente al mundo. En ellas se dan cita el dibujo y la pintura donde se mezclan sucesos de la historia contemporánea y recuerdos de la propia artista.El caos se vuelve orden cuando se revisita el pasado y se observa desde la perspectiva del tiempo.

Tres elementos tienen una gran importancia en su obra. En primer lugar el dibujo como el elemento vertebrador de la obra, con múltiples influencias. Por otro lado la arquitectura, edificios que se muestran ligados a las estructuras de poder, de los cuales podemos observar sus planos. Por último la resistencia, como las minorías se resisten pero al final acaban por rebelarse, migraciones o asociaciones que en muchos casos son provocadas o terminan en una guerra.

¿Qué es el arte conceptual?

Este movimiento ligado al arte conceptual surge durante la década de los 60 del siglo pasado. Se trata de que la idea es más importante que el objeto artístico, que en muchos casos queda reducido a la nada, porque más que la presencia física del objeto, se busca la implicación del espectador, a través de una reflexión, cobre el tema planteado.

Gran parte de las obras de arte contemporáneo se basan en esta idea, algunos artistas tratan de unir la belleza estética con la idea conceptual. Ha calado tan fuerte en nuestra sociedad que se demanda que la obra tenga una lectura mucho mayor que el objeto que podemos contemplar en una de las salas del museo.

Hablamos de un grand desarrollo en los 60 pero en realidad las primeras incursiones sobre estas ideas tienen lugar con los readymades realizados por Marcell Duchamp en la segunda década del siglo XX. Uno de los ejemplos más conocidos es su provocación presentando a un concurso un urinario que llamó "La Fuente" en el año 1917. Se trataba de descontextualizar el objeto y sacarlo de su función habitual para llevarlo al museo y que, solo por este hecho, pasara a convertirse en una obra de arte.

Robert Rauchenberg. Dibujo de de Kooning borrado

Vamos a poner otro ejemplo, que será una buena manera de comprenderlo. Piero Manzoni es uno de los más conocidos artistas conceptuales, presentó una obra que consistía en varias latas que incluían mierda producida por el propio artista. Las latas en cuestión se vendían por peso, pero su peso en oro, como si fuera un objeto de un valor inmenso. Las latas en si son el objeto físico, pero tras ellas se encuentra una reflexión acerca del mundo del arte y la importancia que adquiere el artista dentro de ese mundo.

Otro ejemplo, una obra conceptual puede ser perfectamente una frase escrita en las paredes del Museo que nos invite a reflexionar sobre un tema concreto. Se trata de maneras de protestar sobre algunos temas que se expresan mejor con ideas que con obras. Pensemos en algunos de los temas que estaban de moda cuando surge el movimiento y que levantaron bastante polémica en la sociedad de la época. Hablamos de eventos como la guerra de Vietman, los movimientos feministas o las nuevas formas de comunicación e información.

El arte conceptual afectó a todas las disciplinas, tenemos compositores de música experimental como John Cage, o artistas performativos que desarrollan sus ideas a través de la expresividad del cuerpo, fotografía o vídeo son algunos de los soportes más comunes que utiliza el arte conceptual, junto con los ya citados textos.

Jason Rhoades. Instalación

¿Qué es una performance?

La palabra performance es un anglicismo que significa interpretar o representar. Se trata de una actuación. Esta palabra se ha difundido sobre todo a partir de los años 60 asociado al arte performativo, se trata de un arte en vivo, en la mayoría de los casos utilizando el cuerpo como medio de expresión.

Hablamos de los años 60 como inicio del arte performativo pero durante la segunda década del siglo XX hay algunos movimientos de vanguardia que van a utilizar en circuitos alternativos de exposición, la representaciones de diferentes acciones utilizando el cuerpo como sostén artístico. Dadaistas, futuristas, surrealistas, serán algunos de los que van a utilizar este tipo de acciones.

Dentro de este tipo de representaciones se incluyen todo tipo de artes, teatro, danza, poesía, instalaciones, son solo algunos de los escenarios que se representan durante la performance.

Una de las desventajas de la performance es que como hecho artístico no se dispone de ningún objeto físico como en pintura o en escultura para poder vender. En algunos casos lo que se hace durante la performance es tomar fotografías o grabar en vídeo que luego son vendidas en el mercado del arte como recuerdo de la acción llevada a cabo, es la manera de rentabilizar de alguna manera este tipo de representación.

Joseph Beuys es alguno de los mayores representantes de la performance o de la acción artística que orientaba como crítica social para concienciar a la gente sobre hechos que afectan a la sociedad. Fue el máximo representante del grupo Fluxus. Beuys mostró su gran calidad artística usando elementos como animales muertos, papel, paja o árboles en peligro.

Otro de los artistas que más se ha dedicado a la performance es Marina Abramovic, esta artista ha realizado acciones durante toda su vida y es una de las artistas contemporáneas más consideradas. En una de sus últimas exhibiciones en el MOMA de Nueva York sentada en una silla miraba fijamente a los ojos durante un tiempo a todo el que quería sentarse frente a ella.

Una de las características de la performance es el carácter de sorpresa que tiene, puede anunciarse pero en muchos casos no se hace y la propia gente que está en la calle o que acude a un museo, se puede encontrar con ese tipo de acción para seguirle o verse inmerso en la misma como participante activo. Junto a ello existe un gran factor de improvisación en muchas de estas acciones.

El arte conceptual o la estética conceptual juega un gran papel en la performance, se parte de una idea y se intenta interpretar esta idea de forma teatral, invitando al público a reflexionar sobre esas ideas mientras se lleva a cabo la acción performativa.

El escenario puede ser cualquiera, no necesariamente tienen que representarte performance en un Museo, sino que una calle, una estación de tren, un centro comercial o una tienda pueden ser el escenario escogido por el artista para sorprender al público.

El sistema del arte contemporáneo

¿Te interesa saber como funciona el sistema del arte contemporáneo? ¿Cuales son los agentes que intervienen para poder llegar a ser un artista conocido? Fuera del sistema del arte solo queda la mas absoluta irrelevancia. Tu obra nunca será conocida ni apreciada por el gran público.

Conocí un chico que hizo todo lo posible por entrar en el sistema del arte, invitaba a los diferentes agentes a visitar su estudio y enseñarles su obra. Mandaba proyectos a diferentes galerías y museos. Acudía a todo tipo de inauguraciones para ser visto. Comentaba en charlas y debates con intención de hacerse notar. No era un mal pintor, su obra podría haber estado en cualquier galería. Pero nunca fue capaz de encontrar una que quisiera representarle. Ningún museo realizó una exposición suya. Ningún crítico hablaba sobre su trabajo o sobre la oportunidad que merecía. No entró dentro del sistema del arte. Al cabo del tiempo abandonó la idea y no se ha vuelto a saber de él. Esta fuera del sistema y por tanto su trabajo nunca será reconocido por los agentes que trabajan en el mundo del arte. Podrá realizar exposiciones pero en un circuito alternativo que se encuentra lejos del reconocimiento oficial.

Esta historia y otras más pueden leerse en el libro "El sistema del arte contemporáneo" que acabo de publicar en formato kindle en Amazon. Allí encontrareis numerosos ejemplos como este relacionados con el mundo del arte. En ellos aparecen implicados los distintos agentes que trabajan juntos y que como decimos son tan importantes para este mundo. ¿Sabes cual es el porcentaje de ventas que se lleva una galería cuando realiza una exposición de un artista? ¿Conoces como manejan los museos los datos relativos al público que los visita? ¿Que tiene más fuerza para mover al público una buena crítica de arte o la publicidad en una marquesina de autobús? Estas son algunas de las preguntas que nos planteamos en este libro descubriendo el papel pasado y presente de artistas, museos, marchantes de arte, ferias, subastas, críticos, público y demás piezas que forman parte del engranaje del arte contemporáneo.

¿Eres artista y quieres llegar a triunfar dentro del mundo del arte? ¿Te gustaría ser una persona reconocida gracias a tu obra? En este libro encontraras las pautas y las dificultades a las que te tienes que enfrentar para poder llegar a lo más alto. Es complicado pero posible.

El arte efímero explicado a los niños

La propia palabra que estamos utilizando para definir este tipo de arte, nos habla sobre su fugacidad, es decir, sobre expresiones artísticas que no duran en el tiempo, que no prevalecen sino que duran un tiempo determinado y después desaparecen sin poder conservarse, por ejemplo, en un Museo. Es una obra o una expresión que no se puede conservar.

Quizás lo primero que haya que hacer sea hablar de aquello que entendemos por arte, es decir, en la antigüedad el arte estaba unido a la belleza estética, tanto de los personajes como de los objetos representados. Pero esta idea comienza a cambiar a principios del siglo XX, donde las expresiones artísticas abandonan en muchos casos la belleza para transmitir una idea o un concepto que sirve como base para la comprensión de esa obra y le da carácter propio. Para entender lo que significa este tipo de arte, si podemos definirlo así, debemos cambiar nuestra mentalidad y pensar en él como algo que no es tangible, que existió en un momento determinado pero que no volveremos a disfrutar de él.

Vamos a poner un ejemplo simple de algo que sucedió en el año 1899, porque ese es el año de construcción de la Torre Eiffel coincidiendo con el aniversario de la revolución francesa y con la exposición universal que tenía lugar en París en ese mismo año. Esta torre estaba destinada a ser una obra de arte efímero, mas concretamente de arquitectura, ya que pensaba destruirse una vez finalizada la exposición. Pero el edificio gustó tanto que, una vez finalizada, decidieron conservarla, y como sabéis se ha convertido en un símbolo de la ciudad de París visitado por cualquier turista que se acerque a la ciudad. Una obra destinada a ser efímera se convirtió en permanente.

Pensemos ahora en un artista que realiza una acción o una performance, gente tan conocida como Joseph Beuys o Marina Abramovich, su obra dura el mismo tiempo que tiene lugar el evento, si no estás allí te lo vas a perder ya que sino no hay manera de apreciarlo. Bien es verdad que en muchos casos estos artistas juegan con la fotografía y el vídeo para dejar constancia de la acción que ha tenido lugar, obras estas que a falta de otro material se venden en el mercado del arte como recuerdo de eso que pasó y donde no pude estar o bien eso que este artista realizó en este lugar.

Igual puede suceder con algunas instalaciones que se realicen en Museos y que cambian de uno a otro, ya que los espacios serán distintos y habrá que adaptarlo y colocarlos de una forma u otra, creando una obra diferente en cada ocasión.

Hay algunas manifestaciones que tienen conexión con este tipo de arte y que son hechas para un momento y, como decimos, luego desaparecen. Por poner algunos ejemplos, pensemos en el peinado, es algo que no se conserva, al día siguiente y después de dormir el pelo no se conserva de la misma manera. La moda también nos sirve, muy asociada al arte en muchas ocasiones, permanece, mas tiempo que un peinado, pero como sabemos cambia cada temporada y lo que hoy es tendencia mañana puede cambiar y ya no sirve. Algo similar podríamos decir sobre el maquillaje o el Tattoo o el piercing. ¿Que pasa con la gastronomía? ¿Lo consideramos arte efímero? Porque el cocinero se afana en realizar una presentación lo más agradable posible o cargada de un discurso conceptual, pero eso va a desaparecer a los pocos minutos, se trata de una primera impresión que entra por los ojos y otros sentidos para desaparecer en nuestra boca al momento de ingerirlo.

Pensemos en el Grafiti, realizado como expresión artística, muchos ayuntamientos tratan de mantener sus ciudades uniformes y se dedican a pintar sobre estos grafitis que en su mayoría han sido realizados de forma ilegal. Es decir no están hechos para perdurar ya que pueden ser borrados en cualquier momento.

¿Sabía pintar Pablo Picasso?

Algunas de las personas que observan los cuadros cubistas de Pablo Picasso a veces ponen en duda su capacidad como pintor. Ello es debido a que una de las características del cubismo es la simpleza en la composición de las formas que en muchos casos, las reducen a la mínima expresión. Por ello da la sensación que cualquiera puede repetirlo e reproducirlo sin problema ya que con unas simples líneas podríamos componer una figura u objeto. Pero todo tiene una explicación y de ello vamos a hablar en este post.

Ante la pregunta de si Picasso era buen pintor, la respuesta es que si. Si entendemos por un buen pintor alguien que domina la técnica y que es capaz de representar con realismo personas y objetos colocados en tres dimensiones. Si es así Picasso, como otros muchos artistas, tiene un perfecto conocimiento tanto de las técnica pictórica como de las proporciones de los personajes u objetos representados.

Esto podemos observarlo en algunas de sus obras de primera época. Sus primeros cuadros, que pinta con tan solo 16 años, son un buen ejemplo de dominio de la técnica. Se trata de dos obras de tipo costumbrista que realiza utilizando como modelos a personajes de su familia. Llevan por título "Ciencia y Caridad" y "La primera comunión" y en ellas podemos observar un perfecto uso de la pintura y sus proporciones, al mismo tiempo un realismo casi fotográfico y un detallismo típico de las pinturas costumbristas, que estaban de moda en España en la época en la que Picasso realiza estos cuadros, estamos hablando de una fecha cercana al año 1896. Picasso había nacido en el año 1881.

A partir de el comienzo del nuevo siglo Picassso abandona esta forma de pintar junto con algunas incursiones modernistas para adentrarse en la "etapa azul" que con el paso de los años desembocará en las formas cubistas cuyo primer cuadro fue realizado en el año 1907 con el título de "Las señoritas de Aviñon".

Como decía el cubismo tiene tres características principales, una es la reducción de las formas a líneas bastante simples, otra de ellas sería la eliminación de la tercera dimensión, observando en el cuadro solo ancho y alto, pero no profundidad. Y la tercera es la descomposición de formas y objetos con el fin de que puedan ser observados desde distintos puntos de vista. Todo con la idea de competir con la fotografía, la pintura, en esta ocasión Picasso, quiere ir más allá y ofrecer algo nuevo, completamente diferente, algo no visto hasta el momento y que la fotografía no pueda realizar, porque para hacer un retrato siempre la cámara será más perfecta que la mano del pintor. Pero descomponer una cara, por ejemplo, y observarla desde varios puntos de vista, para la fotografía es imposible porque su punto de vista será único.

Por tanto debemos concluir que Picasso sabía pintar perfectamente, pero que no quería ser un buen pintor más, sino alguien capaz de aportar algo a la historia del arte, un pintor revolucionario, alguien capaz de crear algo nuevo, diferente, algo no hecho hasta ese momento.