El polémico arte conceptual. Definición y orígenes

 Debemos partir de la base de que el arte conceptual no es un arte más en la línea de tiempo que va marcando los diferentes estilos artísticos, sino que se trata de una nueva forma de definir el arte que hasta ese momento se había producido. Existe una doble relación en las obras, por un lado lo sensual, por otro lado lo conceptual, el éxito estará en ser capaz de unir ambas en un mismo resultado. 

El arte conceptual lo que hace es cuestionar la experiencia estética del objeto, lo visual como experiencia estética no es lo único que se valora en la obra de arte, lo visual cuenta pero pasa a un segundo plano. 

La mirada por tanto deja de ser relevante en la contemplación del objeto. El arte conceptual supone un ataque a la representación artística tradicional. 

Hay dos áreas que hasta ese momento no se habían tratado de juntar pero que el arte conceptual se encarga de unir, por un lado tendríamos al tradicional campo de la producción artística y por otro lado tenemos el amplio campo de la filosofía. Se produce arte pero dentro del ámbito de la filosofía, lo que convierte al artista no solo en un creador sino también en un intelectual capaz de adaptar cuestiones filosóficas al ámbito artístico. Y no vale cualquier visión sino una que sea capaz de convencer a los que puedan programar, criticar y visitar ese trabajo. 

Es decir la obra de arte pasa a tener una autoridad cultural de la que había carecido hasta ese momento porque sus pretensiones eran otras. Pensemos que esta nueva concepción artística también lleva a replantearse el papel de la crítica de arte y en concreto el de la estética que también acepta la filosofía para transformar al crítico en un observador cultural de los fenómenos contemporáneos y como extraer estos fenómenos a través de las obras que contempla. 

Así que, como podemos observar, el ámbito filosófico adquiere gran importancia desde los años 60 a la hora de configurar un significado a la obra de arte. Ya no basta o mejor, ya no es necesaria una representación agradable, sino que la valoración de la obra requiere de una explicación filosófica coherente y cargada de significado, incluso con capacidad de prevalecer en el tiempo. 

En sus inicios el arte conceptual está muy unido a la filosofía analítica que tuvo en un gran desarrollo en países como el Reino Unido o Estados Unidos. Tenemos a un creador que se centra en el uso de las palabras y el significado o sentido que estas puedan proporcionar a aquello de lo que se está hablando. Un creador que ha dejado de ser un profesional con dominio de la técnica para convertirse en un intelectual riguroso. Más intelectual que crítico ya que su labor no es emitir un juicio sobre el significado de la obra sino plantear ese juicio a los que sean capaces de contemplarla. 

El inicio del arte conceptual podemos fecharlo en el año 1967 con diferentes parrafos dedicados al tema por el artista Soll Lewitt en el año 1967. En ellos nos habla de una producción artística no basada en los objetos sino más bien en la toma de decisiones, el objeto en este caso pasa a ser un elemento secundario porque la explicación de la obra habla por sí misma. Así que las obras objetuales pasan a un segundo plano porque lo importante es el concepto y este aparece ligado al lenguaje. El material ya no es la tela, el lienzo, la madera o el hierro sino que es el lenguaje. 

Joseph Kosuth se considera el padre del conceptualismo. Parte de las obras de Marcel Duchamp para revisarlas desde un punto de vista lingüístico. De esta manera extiende el giro linguistico que la filosofía había tomado después de la segunda guerra mundial y lo aplica al campo de la producción artística de una forma rigurosa. 

Kosuth en 1969 decía que ser artista significa cuestionar la naturaleza del arte, la función del arte que como una pregunta surge por primera vez con los trabajos que había realizado Marcel Duchamp en la segunda década del siglo XX. El acontecimiento que hizo posible que los artistas fueran capaces de hablar en otro lenguaje fueron los primeros ready made de Marcel Duchamp. Con el ready made el arte cambia su enfoque y el lenguaje pasa a ocupar un papel de suma importancia en la obra. Este cambio supone para Kosuth, el principio del arte moderno y el inicio del arte conceptual. Todo arte después de Duchamp es conceptual porque solo existe conceptualmente. 

Los escritos de Kosuth fechados en el año 1969 no solo se plantean el trabajo de Marcel Duchamp décadas atrás sino también cuestionar la naturaleza del arte. Pasamos de preguntarnos si ese tipo de representaciones son artísticas para afirmar de forma rotunda que sí, que pueden ser consideradas como arte.

 

Lo cierto es que a partir de ese momento se empieza a percibir como artístico el hecho conceptual. Las obras de Duchamp aparecen expuestas en diferentes instituciones. El rechazo que hasta entonces habían sufrido se torna en aceptación, donde la provocación no deja de jugar un papel importante a la hora de cuestionar al espectador y requerir por su parte una aceptación. No deja de ser un movimiento de rechazo al tipo de pintura americana que había surgido en oposición al expresionismo abstracto y que se habría camino a través de diferentes manifestaciones, algunas ligadas al arte pop, otras al hiperrealismo y otras al minimalismo. 

Para Joseph Kosuth en su obra “Art after philosophy” el arte conceptual es un arte que reconoce que la condición artística que tiene el arte es un estado conceptual, es decir que los objetos son conceptualmente relevantes para la condición del arte. Es un arte cuya intención es claramente conceptual. De forma más específica se podría decir que la filosofía fue el mediador evanescente en la transición desde el conceptualismo débil o inclusivo y ontológicamente ambiguo de Soll Lewitt  a la conceptualización  genérica, o al status Post conceptual del arte desde mediados de los 70. 

Filosofía analítica y Joseph Kosuth

Ayer tuve la oportunidad de ver en directo una de las obras clásicas del que podríamos considerar el principal teórico del arte conceptual. Fue en el Museo Helga de Alvear de Cáceres, un edificio inaugurado hace poco tiempo, que viene a aportar algo de luz al oscuro destino extremeño abandonado en un estío artístico contemporáneo que dura ya demasiado tiempo. 

La obra consiste un un cuadrado blanco y otros tres cuadrados que incluyen definiciones tomadas del diccionario de diferentes palabras que, en realidad, forman parte de lo que podemos ver en el cuadro.

La conexión del arte conceptual con la filosofía analítica es muy grande. Se trata del sentido que damos a las palabras y qué es lo que con ellas queremos expresar. Cuál es su sentido, indagando en la profundidad de su significado para así comprender un poco mejor cuáles han sido las intenciones del artista. Indudablemente el análisis de cada una de las palabras puede llevarnos por unos derroteros inesperados, desconocidos, desafiantes e interesantes (quizás en el sentido que a esta palabra daba Rosenkaranz cuando decía que interesante es aquello que sí presenta una contradicción). Ahora mismo con esta última palabra ya estamos jugando con aquello que intentamos describir.

No cabe duda que el análisis de las palabras es, en ocasiones, complicado y digno de dedicación. Quiero recordar las dificultades que existen para la traducción de la palabra Unheimliche del alemán, que en español se ha traducido como siniestro u ominoso, pero que en otros idiomas adquiere una significación diferente. La propia palabra alemana en sí tiene un sentido que alberga su significación y la contraria en su propia acepción. Cuando catalogamos algo como siniestro podemos remitirnos a la definición que hacía Freud, es decir algo que era familiar y debía permanecer oculto, pero que se ha revelado y al salir a la luz, es capaz de crear esa sensación. Quizás queremos darle este sentido pero tiene también otros que conviene aclarar a aquella persona que se decida a leer el porqué podemos calificar una obra de arte como siniestra.

Volvamos al trabajo de Kosuth, tenemos pues un cuadro blanco colgado en la pared. Y tres cuadrados con definiciones tomadas del diccionario. En ellas (en inglés) podemos leer las acepciones de tres palabras. También los diferentes sentidos que estas palabras puedes adquirir. En primer lugar white, es decir blanco. En segundo lugar wall ósea muro, recordemos por ejemplo que no es lo mismo el muro blanco de un museo que el muro de una casa o el muro defensivo que rodea una fortificación. En tercer lugar la última palabra es plaster que podríamos traducir como yeso, aunque estoy firmemente seguro que puede tener otras acepciones. Yeso tiene el emplasto que se encuentra a la izquierda de todas estas definiciones.

Analizar las palabras resulta crucial en el arte contemporáneo así como comprender el sentido de las mismas. Aquello que el artista específicamente ha tratado de transmitir al espectador o bien que el crítico ha sido capaz de desentrañar y que el propio artista desconocía. Uno y otro son capaces juntos de construir la obra. 

Los años 60 son ricos en diferentes movimientos artísticos, son una gran aportación para el presente y futuro del arte. Uno de ellos es el conceptual y como decimos este sentido que adquiere gracias a la filosofía analítica. 

El gran hermano del arte

Acostumbrados como estamos a los escándalos televisivos protagonizados por los concursantes que acuden raudos a los programas de televisión a develar los entresijos de su vida o bien los rumores de otros; me ha dado por pensar en la posible realización de un concurso tipo "gran hermano" pero que esté dedicado al mundo del arte. 

Ya que el arte forma parte de la sociedad del espectáculo en la que vivimos, el contenido puede aplicarse perfectamente al formato televisivo. No hace mucho tiempo intentaron hacer una especie de gala de los oscars dedicados al arte contemporáneo patrio que solo contó con una edición, debido en parte a las críticas del vampirismo artístico cargado de envidias y filias.

Imaginemos el premio. Una exposición individual en una o dos salas del Reina Sofía, con todo el bombo y platillo posible y la visita de algunos turistas perdidos que, buscando el Guernica, sean capaces de arribar en esa sala.

Los "teachers" estarían representador por diferentes comisarios y críticos de arte que fueran capaces, libres del institucionalismo, de decir las verdades del barquero a los aspirantes. Me imagino las lágrimas de algunos de los aspirantes al escuchar los veredictos. Algo parecido a los juicios culinarios de Masterchef pero analizando las diferentes creaciones artísticas. 

Un director, al modo de "super" capaz de plantear diferentes retos que sean capaces de abarcar técnicas clásicas o hibridas, ya que el momento en que vivimos nos lleva a esa mezcla de estilos en la que se produce en palabras de Omar Calabrese "poco más o menos y no se que". Pruebas con la pintura expandida, con técnicas que mezclen vídeo, performance varias, oportunismo y fuertes dosis de improvisación. Todo ello perfectamente argumentado siguiendo los paradigmas de los grandes pensadores del siglo XX y XXI.

Tendríamos la oportunidad de asistir a una fuerte lucha de egos para ser reconocido como artista. El mítico "edredoning" para empatizar con la audiencia, conociendo así la vida e inclinaciones de cada uno de los aspirantes o bien esas tiernas historias que cuentan el lado más oscuro de cada familia y que algunos intelectuales han llegado a definir como posverdad (sin duda empática)

Las expulsiones serían lo más. Entre lágrimas se vería frustrada la carrera de alguno de los artistas, obligados desde entonces a exponer en cafeterías de barrio o bien en centros municipales que nunca abren la puerta a grandes oportunidades. 

Y finalmente un ganador de consenso, cuyo trabajo se mostraría cual gala de eurovisión después de haber roto su relación con el expulsado número cinco y, por supuesto, haber acudido a contarlo al programa de análisis de turno. 

El concepto de envidia para Zizek

Me ha parecido interesante el concepto que en una entrevista hecha por periodistas daba el pensador y filósofo Slavoj Zizek acerca de la envidia. Esta entrevista se puede seguir en el libro publicado recientemente por Fernando Castro Flórez, con el título ...and so on and so on, se trata de una publicación de Cedeac de Murcia. Un librito de pequeño formato que cuenta con apenas 125 páginas y puede leerse de un tirón durante un buen rato libre.

Dice Zizek que la envidia es uno de los grandes males de nuestro tiempo. Pero no se trata de una envidia de pobres contra ricos. No es la envidia de la posesión de riqueza la que amenaza nuestra sociedad. No se trata de que los pobres deban hacer la revolución porque ansían aquello que no poseen.

La mayoría de la gente que vive en las sociedades occidentales tiene sus necesidades básicas satisfechas. Por supuesto siempre pueden ser mejor o aspirar a más, algo que puede llegar o no hacerse realidad, pero eso en sí no importa.

Dice Zizek que la envidia actualmente se encuentra en el reconocimiento social. Es decir, teniendo las necesidades básicas satisfechas lo que aspira el ser humano es a ser reconocido por su valía en la sociedad. Ahí es donde principalmente se genera la envidia, entre los que llegan a ello y los que quieren llegar. Es ahí donde se dan las situaciones mas problemáticas y dramáticas, donde se ponen más zancadillas. A veces incluso no es una cuestión de que me vaya bien a mi sino que que le vaya mal al de al lado.

El propio Zizek lo ilustra con un chiste esloveno que dice: a un agricultor se le aparece un mago y le dice que le concederá lo que quiera. Puede pedir aquello que desee. Pero solo le pone una condición, de aquello que pida y reciba su vecino recibirá el doble. El campesino piensa durante un segundo y le dice al mago: sácame un ojo. 

Es muy macabro pero muy ilustrativo de lo que estamos hablando.

Julie Mehretu y la pintura del caos

La artista de origen etíope aunque afincada en Nueva York Julie Mehretu se presenta como una de las grandes pintoras contemporáneas. No solo ha llamado la atención por la calidad y el discurso que podemos observar en sus obras sino también por el alto precio que han alcanzado en su precio de compra o en alguna subasta.

Tenemos la oportunidad en España de contemplar su primera retrospectiva en el Centro Botín de Santander, aunque ya pudieron verse obras de la artista en la exposición Barrocos y Neobarrocos celebrada en Salamanca en el año 2005 o una exposición individual que el MUSAC de León realizó en el año 2007.

Quizás podríamos comparar las obras de Julie Mehretu con algunas pinturas que los hombres primitivos realizaban en las cavernas, llenas de símbolos o de líneas de todo tipo que muchas veces nos resultan difíciles de interpretar. No conocemos datos acerca de sus rituales o creencias religiosas y puede que muchos de ellos estén asociados con estos temas.

La primera impresión que tenemos al ver una de las obras de Julie Mehretu es que nos encontramos ante un paisaje donde el caos se ha convertido en el rey. Líneas, vectores, diagramas, formas orgánicas se mezclan con líneas rectas, curvas, que se mezclan con la arquitectura en lo que podríamos describir como un paisaje contemporáneo donde la figura del hombre se muestra como algo efímero e insignificante.

Quizás ese caos al que aluden sus obras sea uno de los signos de nuestro tiempo. Solo tenemos que escuchar las noticias en la radio o en la televisión. La mayoría de ellas aluden a desgracias (casi siempre ajenas) que han causado muertos, heridos provocados por guerras, terrorismo o desastres naturales. Existen pocas noticias positivas y la mayoría de ellas son descorazonadoras. Ese es un aspecto que debemos tener en cuenta a la hora de contemplar una de sus obras. La catástrofe es uno de los signos de nuestro tiempo.

Ella misma alude a que las revueltas sociales surgidas después de la crisis que tuvo lugar en el año 2008 provocaron en su obra un  cambio en la forma de pintar, pasando del color a las tonalidades en blanco y negro, como sabemos mucho más oscuras y pesimistas respecto al comportamiento humano.

Sus obras aparecen de esta manera como auténticos mapas en los cuales observamos dos vertientes: por un lado la relación de la artista con sus propio pasado, por otro lado la actitud que mantiene frente al mundo. En ellas se dan cita el dibujo y la pintura donde se mezclan sucesos de la historia contemporánea y recuerdos de la propia artista.El caos se vuelve orden cuando se revisita el pasado y se observa desde la perspectiva del tiempo.

Tres elementos tienen una gran importancia en su obra. En primer lugar el dibujo como el elemento vertebrador de la obra, con múltiples influencias. Por otro lado la arquitectura, edificios que se muestran ligados a las estructuras de poder, de los cuales podemos observar sus planos. Por último la resistencia, como las minorías se resisten pero al final acaban por rebelarse, migraciones o asociaciones que en muchos casos son provocadas o terminan en una guerra.

¿Qué es la pintura expandida?

En los años de la posmodernidad se ha tratado de definir el estilo de los múltiples artistas y disciplinas que se practican en la actualidad y que podemos calificar como arte, entre ellas aparece el término "pintura expandida", un término el de expandido que fue utilizado por primera vez por Rosalind Krauss para designar los derroteros que estaba tomando la escultura durante la década de los 60 del siglo pasado. Recordemos que ese es el momento de la escultura minimalista y lo que Krauss se cuestiona son los límites que tiene esta disciplina y cuales son las obras a las que podemos llamar escultura y cuales no.

Con la llegada del nuevo milenio este término, en principio solo aplicado a la escultura, saltó también a la disciplina de la pintura de una manera similar, ¿donde se encuentran los límites entre lo que definimos como una pintura y aquello que ya no es pintura sino otra disciplina? Por ejemplo un artista que practica este tipo de pintura es Fabian Marcaccio que recibió un prestigioso premio de escultura por una obra que partía de una base pictórica. Es decir su obra ¿era pintura o escultura? o bien como decía el profesor Omar Calabrese en su libro titulado Barrocos y Neobarrocos "un no se qué y un que se yo". El propio Fabian Marcaccio cuando habla de su obra la define como "una clase de pintura que incluye material fotográfico, pintura digital, técnicas escultóricas y todo aquello que la obra necesite".

Como vemos resulta complicado definir lo que es una pintura expandida, podríamos decir que el artista parte de una base pictórica pero los límites del marco no significan nada para él porque los desborda para incluir en su obra otras partes del edificio donde trabaja, adaptándose en muchos casos al lugar donde trabaja. Franz Ackermann, considerado uno de los mejores pintores contemporáneos, pinta las paredes del muro blanco, al tiempo que incluye sus propias pinturas que muestra combinadas con diferentes instalaciones que hacen referencia a temas de actualidad invitando al espectador a reflexionar sobre ellos.

Es decir el interés de estos pintores, muchos de ellos volviendo la vista hacia las obras de Robert Rauschenberg, tratan de repensar el concepto espacial de manera que no sea solo un simple contenedor sino contenido de la obra en sí. El espacio se convierte en un escenario donde suceden cosas, no solo sirve como un lugar para colgar las obras sino que participa activamente de ellas aportando contenido bien en forma de pintura, escultura o instalación. El artista se va alejando de la idea de pintar para introducir otros materiales o formas de actuar que ya no tienen que ver con la pintura sino con otros procesos.

Hay ejemplos de pintura expandida tanto en artistas extranjeros como Sery C., Katarina Grosse, Paul Morrison o españoles como Daniel Verbis, Angela de la Cruz o Arancha Goyeneche.

Retrospectiva de Bill Viola en el Museo Guggenheim de Bilbao

Estamos sin ninguna duda ante una de las exposiciones del año 2017 que muestra las obras de este videoartista desde sus primeros trabajos en la década de los 70 del siglo pasado (junto a otros pioneros como Nam June Paik) hasta nuestros días. Y es que Bill Viola es uno de los pioneros del videoarte y uno de sus máximos representantes activo ahora mismo.

Al igual que otros artistas expresan su contenido a través de la pintura, la escultura o la instalación, desde sus primeros pasos Bill Viola se decidió por el vídeo para transmitir sus emociones y ayudar al espectador a reflexionar sobre ciertos aspectos relacionados con el misticismo, la poesía o la filosofía tanto de occidente como de oriente.

Quizás los temas que trata Bill Viola en sus vídeos no sean novedosos, ya que hablamos de aspectos como el nacimiento, la muerte, el paso del tiempo o los diferentes procesos de cambio que sufren los seres vivios; pero si lo es la técnica en la cual se desarrollan. No solamente hablamos del vídeo como si fuera un método de expresión más, sino como una técnica que ha adquirido un desarrollo puntero en nuestra sociedad actual, como programas y técnicas totalmente novedosas, que permiten jugar prácticamente con las imágenes para hacer con ellas lo que queramos, me refiero a acelerarlas, congelarlas, utilizar la cámara lenta o superlenta y tratar de crear belleza con cada una de esas imágenes.

Los sentimientos y las emociones también son muy importantes en su trabajo. ¿Como nos sentimos ante una obra de Bill Viola? ¿Que es lo que realmente nos transmite? Paz, desasosiego, empatía, angustia, sorpresa, lágrimas, recuerdo, depresión. Hay un amplio abanico de posibilidades. No se trata solo de contemplar el trabajo sino también de buscar una reacción en el espectador, de buscar su participación activa con la obra.

Pensemos en el poder de atracción que para el ser humano tiene la pantalla con imágenes en movimiento, mucho mayor que el de otras expresiones, gracias al desarrollo no solo de la televisión sino de programas de vídeo como Youtube, donde actualmente hay canales seguidos por millones de personas. No debemos descartar la capacidad de atracción del vídeo como parte importante del triunfo de este artista, al tiempo que busca la complicidad del espectador para que este adquiera una conocimiento más profundo de su propia experiencia.

La belleza estética en el siglo XXI

Las palabras arte y belleza aparecen unidas en muchos momentos a lo largo de la historia. Se trata de una identificación que ha llevado a algunas personas a crear arquetipos de lo que debe ser una imagen bella. 

Desde las esculturas griegas y su obsesión por la perfección en las proporciones y la idealización de los personajes, pasando por el renacimiento donde asociamos cuadros como el Nacimiento de Venus de Sandro Boticelli o La Gioconda de Leonardo da Vinci con el ideal de mujer bella.

Pero este concepto de belleza ideal, que debemos decir no siguieron todos los artistas ya que muchos se decantaron por el realismo, se trunca con la llegada del siglo XX (la búsqueda de la abstracción o bien la reacción contra la fotografía) y sobre todo con los movimientos estéticos que surgen de la posmodernidad, mucho más centrados en lo conceptual. La idea sustituye a la belleza y de eso nos vamos a ocupar en este post.

Y es que en el arte contemporáneo la belleza estética ha perdido toda su importancia y ha dejado paso a una participación activa del espectador, que, enfrentado a la obra, debe extraer una conclusión o establecer una reflexión sobre aquello que se le ofrece, una imagen o una idea de la cual no ha tomado conciencia hasta ese momento, pero que afecta mucho más de lo que piensa a su vida diaria.

Hemos encontrado esta imagen de un artista que se llama Jorge Gamboa, se trata de una pintura, como vemos pintada con suficiente realismo. Cuando observas la obra, lo primero que te das cuenta es que parece la punta de un iceberg que emerge de la superficie marina, como ocurre en la realidad. Sabemos además que los iceberg solo muestran en superficie una octava parte de su tamaño real, permaneciendo el resto invisible debajo del agua. Todos hemos oido hablar de la historia del Titanic (o visto la película) y conocemos las consecuencias de chocar con un iceberg, que suelen ser catastróficas.

Pero aquí es donde entra la reflexión, ya que si en la pintura observamos la parte sumergida, nos daremos cuenta de que en realidad no se trata de un iceberg, sino de una bolsa de plástico arrojada al agua y que vaga sin destino contaminando la naturaleza. Sabemos que una bolsa de plástico tarda en degradarse unos 150 años, una cantidad de tiempo considerable y muy superior a una vida humana. Así que estaría bien establecer una reflexión sobre el papel que cada uno tenemos en el reciclaje y como afecta el uso indebido de los residuos a la naturaleza.

No hay que negar que la obra a la que nos enfrentamos, con ese hiperrealismo crudo, no esta exenta de cierta belleza. Además podemos apreciar que el artista domina perfectamente la técnica. Pero al mismo tiempo la obra nos ofrece una segundo nivel, no solo se trata de apreciarla por la belleza que tiene sino que, al mismo tiempo, nos ofrece un tema de actualidad sobre el que podemos pensar o reflexionar o simplemente actuar, para poder evitar que situaciones de este tipo se sigan repitiendo.

Como vemos, no es necesario renunciar a la belleza en nuestras obras, pero superada la temática religiosa o mitológica en muchas obras, superada también la abstracción, hay que intentar dar un paso más allá para crear mecanismos de reflexión para un público a veces desconcertado por la sobresaturación informativa.

Royal Blood una serie del fotógrafo Erwin Olaf

Erwin Olaf esta considerado como uno de los mejores fotógrafos contemporáneos que tenemos en la actualidad. Su trabajo ha estado orientado a la publicidad y el diseño, pero tiene una faceta artística que le ha dado renombre y le ha convertido en una referencia de la fotografía contemporánea, entre otras cosas por un estilo personal y fácilmente reconocible.

Hoy vamos a analizar una de sus series más conocidas, que lleva el título de "Royal Blood". En ella trata de representar personajes de la realeza o bien personas cercanas a esta idea que tuvieron una muerte de forma trágica. En algunos casos con modelos que se parecen al original y en otros simplemente con referencias a su forma de morir. Todas las fotografías con diferentes matices del color blanco combinado con rojo que crean una gama cromática donde el retoque y el photoshop juegan un papel muy importante para obtener el resultado final.

Podemos comenzar por el retrato de la Emperatriz Isabel de Baviera, mas conocida como Sisi, que fue atacada por un anarquista momentos antes de tomar una barca en una lago de la ciudad de Ginebra. De hecho fue un golpe en el que al principio ni siquiera se dió cuenta de que estaba herida, pero al tomar una barca comenzó a sentirse mal y es que este anarquista le había introducido un pequeño cuchillo en el pecho, con tan mala suerte que llego hasta el corazón y no pudo salvar su vida.

La figura que representa a la princesa Diana de Gales tiene semejanzas físicas con el original. Sabemos que la princesa falleció en un accidente de tráfico en uno de los túneles de la ciudad de París cuando trataba de huir de la prensa del corazón y diferentes paparazzis que querían tomarle fotos acompañada de pareja del momento. El mercedes en que viajaba se estampó contra uno de los muros del túnel y como consecuencia de las heridas la princesa falleció. Es curiosa la marca de mercedes que aparece incrustada en uno de sus brazos recordando el coche en el que viajaba.

Jackie Kennedy no es miembro de la realeza, ya que fue la esposa del presidente de los Estados Unidos que fue asesinado de varios disparos en la ciudad tejana de Dallas. Como alguno de los disparos le voló la tapa de los sesos a su marido, así es como aparece ella, salpicada por los sesos de su marido en distintas partes de su cuerpo.

Por último me gustaría citar una obra más de la serie, la dedicada a María Antonieta a la cual le tocó vivir en época de la revolución francesa, donde como sabemos muchos miembros de la realeza y también nobles perdieron la cabeza por su condición social. Ella fue uno de ellos y así nos lo representa Erwin Olaf en esta fotografía.

La promiscuidad de la imagen y los medios de comunicación

La idea de este texto es como las instituciones han utilizado la imagen (en muchos casos artística) produciendo las mismas con la intención de contar historias, recreándose a veces en lo imaginario para crear una cierta realidad o bien como símbolo o expresión de poder. Lo que pretendían era amenazar o tratar de luchar contra cualquiera que pudiera discutir su existencia. 

Vamos a ilustrarlo con dos ejemplos que pueden servirnos perfectamente. El primero trata sobre una imagen muy difundida curiosamente solo en España pero que en la Edad Media sirvió como símbolo de la reconquista española, estamos hablando de la imagen de Santiago Matamoros. 

Ello nos lleva a una historia legendaria donde la ficción se mezcla con la realidad y posiblemente hace que suceda en un solo día lo que en realidad aconteció en siete años (o quizás mas). Estamos hablando de la batalla de Clavijo que tuvo lugar en el año 844 y donde (supuestamente) se apareció Santiago para ayudar a los cristianos contra los pérfidos musulmanes. El rey Ramiro I acudió a la batalla con su ejercito y su bandera blanca con una cruz roja inscrita en la parte central. Los musulmanes tenían mejor ejército y contaban con mucha gente llegada desde Marruecos para ayudarles. En la ciudad de Clavijo, cuando el rey se encontraba durmiendo, el apóstol se le apareció y le dijo que él era el protector de España. Le anunció que ganaría la batalla al día siguiente y que la gente podría verle luchando vestido de blanco, montado en un caballo del mismo color y portando una bandera blanca en sus manos.

El rey Ramiro contó su visión a los caballeros, obispo y ejército. Por la mañana las tropas estaban seguras de su victoria y con el nombre de Santiago en sus bocas se prepararon para entrar en combate. En medio del enfrentamiento Santiago apareció y los cristianos ganaron esa importante batalla ese día. 

Posiblemente toda la historia es falsa al igual que el impuesto que los cristianos dejaron de pagar tras esta batalla y que consistía en la entrega de 100 mujeres vírgenes anuales para los nobles musulmanes de la ciudad de Córdoba. Es posible que hubiera muchas batallas en una zona de paso como era La Rioja en ese momento, el control de las carreteras y comunicaciones es vital en cualquier batalla y, como decimos, puede que estemos hablando de siete años de diferentes campañas. 

Pero todo esto no importa porque lo importante es lo que la gente pueda llegar a creer y esta historia sirve para reforzar, no solo la moral del ejército, sino también la de muchos creyentes a los que se les explica lo sucedido a través de imágenes escultóricas o pictóricas. Se usan las imágenes con un fin concreto, buscando la extensión de una idea, que convierta en símbolo algo que realmente ofrece muchas dudas sobre su veracidad. 

El segundo ejemplo nos sirve para confirmar la reafirmación del poder a base de retratos, como el que Velázquez realiza del Conde Duque de Olivares, valido del rey Felipe IV y verdadero gobernante del país debido a la desidia del monarca. Montado en su caballo, el bastón de mando nos indica que es una persona que tiene y ejerce el poder, con una mirada incisiva e incluso desafiante para aquel que se le ocurra cuestionar su posición de privilegio. 

Es solo un ejemplo de los miles que podemos encontrar a lo largo de la profusa sucesión de imágenes artísticas. 

Pero con la llegada de los medios de comunicación de masas la situación comienza a cambiar, el arte ya no sirve para expresar estas convicciones y serán estos medios aceptados por la gente los nuevos lugares donde estas expresiones de poder y engaño tengan lugar. 

Eso permite al arte tener un nuevo desarrollo, diferente del papel que había desempeñado hasta ese momento. Se trata de una libertad que quizás jamas se tuvo y que a partir de ese momento permite al artista expresarse como realmente le viene en gana y experimentar para ofrecer novedades que asociamos a muchos de los estilos que tienen lugar con el nacimiento de las vanguardias históricas a principios del siglo XX. 

Serán los periódicos, la radio, el cine, la televisión donde se libren las batallas por contar historias que manipulen a la gente y tenga lugar esa eterna lucha por el poder que consiste, como hemos expresado alguna vez, en mentir y hacerlo mas que nadie hasta que tus seguidores te aclamen de tal manera que puedas jugar con ellos como autenticas marionetas aunque estés diciendo lo contrario de lo que expresabas hace cinco minutos. 

Quiero poner un ejemplo que me parece clarificador y que forma parte de una experiencia personal pero que se adapta perfectamente a lo que estamos diciendo.

Conozco una persona a la que considero inteligente, no tiene una gran profundidad y sus valores se basan mas en el placer que en la amistad, pero es listo y orgulloso. Debemos situarnos en los preámbulos de la guerra de Iraq, cuando George W. Bush buscaba aliados para su inminente invasión y encontró en Europa los amigos que necesitaba para llevar a cabo su plan, entre los que se encontraban el premier del Reino Unido, Tony Blair y el Presidente del Gobierno español, José María Aznar. Este último anunció su apoyo a los aliados americanos basándose en la presencia de armas de destrucción masiva en Iraq (algo que no era nuevo y que el presidente americano no paraba de repetir), unas armas que podían destrozar la convivencia en occidente y acabar con nuestro "maravilloso" sistema de vida, cargado de libertad y derechos. Estas declaraciones vinieron acompañadas de un documental en la cadena pública de televisión reproducido en horario de máxima audiencia, donde se enseñaban los efectos de esas armas de destrucción masiva que acumulaba el gobierno de Iraq que incluían todo tipo de enfermedades, deformidades y muerte general, el fin del mundo tal como lo conocemos en la actualidad. No tuve la oportunidad de ver el reportaje, bien es verdad que no planteaba en mi ningún interés, ya que he sido bastante escéptico en este y otros aspectos desde el principio. Pero mi conocido, algo banal pero inteligente, se presentó al día siguiente en nuestro lugar de encuentro completamente blanco y no quería mas que hablar de lo que el día anterior había visto en televisión, donde componentes químicos de todo tipo destruían rostros y miembros de seres humanos inocentes que se dedicaban a trabajar en libertad y disfrutar de sus derechos civiles. Se convirtió en un firme defensor de la invasión, si no fuera edonista y supiera que podía perder la vida, le veía al día siguiente alistado para combatir semejantes monstruos. Si este era el pensamiento de una persona inteligente y formada, aunque banal y epicúreo en su comportamiento, que sucedería con el gran grupo que carece de formación y que no son tan inteligentes para plantearse y analizar que estaban sufriendo una manipulación apoyándose en los medios de comunicación de masas. 

Como quedó demostrado las armas de destrucción masiva no existían, pero eso es algo que se descubrió después, quizás en un momento en el que la conversación de moda giraba en otro sentido, con lo cual los aliados realizaron un ataque preventivo sobre población civil y militar, que no sirvió mas que para desestabilizar un poco más la zona y enardecer a los islamistas radicales que exactamente igual que los otros, es decir manipulados, entregan su vida por el bien de unos ideales por los que, por supuesto, no merece la pena morir, ni por estos, ni por cualquier otros. 

Y volvemos sobre el concepto de mentira y poder que caminan firmemente unidos como perfectamente podemos comprobar desde el principio de los tiempos, en ocasiones unidos al mundo del arte, hasta que fue desbancado por otro elemento con mucho mas poder de persuasión como son los medios de comunicación, auténticos enemigos de la inteligencia y de la verdad, ya que, en la mayoría de los casos, sirven a los intereses del poder cuando no a los suyos propios. 

Adel Abidin. Memorial 2009