Retrospectiva de Bill Viola en el Museo Guggenheim de Bilbao

Estamos sin ninguna duda ante una de las exposiciones del año 2017 que muestra las obras de este videoartista desde sus primeros trabajos en la década de los 70 del siglo pasado (junto a otros pioneros como Nam June Paik) hasta nuestros días. Y es que Bill Viola es uno de los pioneros del videoarte y uno de sus máximos representantes activo ahora mismo.

Al igual que otros artistas expresan su contenido a través de la pintura, la escultura o la instalación, desde sus primeros pasos Bill Viola se decidió por el vídeo para transmitir sus emociones y ayudar al espectador a reflexionar sobre ciertos aspectos relacionados con el misticismo, la poesía o la filosofía tanto de occidente como de oriente.

Quizás los temas que trata Bill Viola en sus vídeos no sean novedosos, ya que hablamos de aspectos como el nacimiento, la muerte, el paso del tiempo o los diferentes procesos de cambio que sufren los seres vivios; pero si lo es la técnica en la cual se desarrollan. No solamente hablamos del vídeo como si fuera un método de expresión más, sino como una técnica que ha adquirido un desarrollo puntero en nuestra sociedad actual, como programas y técnicas totalmente novedosas, que permiten jugar prácticamente con las imágenes para hacer con ellas lo que queramos, me refiero a acelerarlas, congelarlas, utilizar la cámara lenta o superlenta y tratar de crear belleza con cada una de esas imágenes.

Los sentimientos y las emociones también son muy importantes en su trabajo. ¿Como nos sentimos ante una obra de Bill Viola? ¿Que es lo que realmente nos transmite? Paz, desasosiego, empatía, angustia, sorpresa, lágrimas, recuerdo, depresión. Hay un amplio abanico de posibilidades. No se trata solo de contemplar el trabajo sino también de buscar una reacción en el espectador, de buscar su participación activa con la obra.

Pensemos en el poder de atracción que para el ser humano tiene la pantalla con imágenes en movimiento, mucho mayor que el de otras expresiones, gracias al desarrollo no solo de la televisión sino de programas de vídeo como Youtube, donde actualmente hay canales seguidos por millones de personas. No debemos descartar la capacidad de atracción del vídeo como parte importante del triunfo de este artista, al tiempo que busca la complicidad del espectador para que este adquiera una conocimiento más profundo de su propia experiencia.

¿Es rentable invertir en arte contemporáneo?

Siempre se ha extendido el falso mito que de comprar arte hay que verlo no solo como un objeto que pueda decorar la casa o formar parte de una colección, sino como una inversión que se revaloriza con el tiempo y que vale más cuanto más tiempo pasa, pro nos quedan ciertas dudas sobre ello que vamos a tratar de desarrollar en este post.

Hugo Alonso RecII

Invertir en lo que llamamos arte emergente puede salir bien o estrepitosamente mal, en primer lugar debemos definir el arte emergente como gente joven que comienza su carrera artística y cuyos precios pueden oscilar entre los 3000 y 5000 euros. Muchos de estos artistas emergente no superan la barrera de una primera exposición en una galería y si tienen una segunda será dos o tres años más tarde, de cada cinco artistas jóvenes que expone una galería solo uno tendrá una nueva exposición dos años mas tarde, con lo cual cuatro se quedan por el camino, si hemos invertido en alguno de ellos, tendrán que buscar una nueva galería y una nueva oportunidad para poder volver a exponer, nuestra obra por tanto no encontrara mercado en caso de que queramos sacarla a la venta.

Última subasta record de Picasso, mujeres de Argel

Otra cosa muy distinta es comprar una obra de uno de los grandes y ahora me refiero a aquellos cuyos nombres salen de forma recurrente en las subastas de arte porque han batido el record de venta, me refiero a nombres como Picasso, Monet, Van Gogh Gaugin, Giacometti y otros muchos artistas situados a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en ese caso si estamos haciendo una inversión mas que comprando una obra. Indudablemente esta opción no se encuentra al alcance de todo el mundo, que digo, ni siquiera de unos pocos.

Son muy pocos los artistas que pueden vivir exclusivamente del arte, en una de los últimos estudios, solo en España, el número no llegaba a 100, muchos llamados artistas tienen que compaginar su vocación con otra profesión, en muchos casos relacionada con la docencia o con el diseño. Claro que tenemos al artista "marca" ese que solo con su nombre es capaz de vender cualquier cosa que haga sea buena o mala, quizás el mejor ejemplo en la actualidad es el artista inglés Damien Hirst, conocido por meter tiburones y otros animales en formol y también por sus diferentes series sobre píldoras y mariposas, creadas en un taller como el que podía tener cualquier artista cargado de encargos en época barroca. El debate aquí es como calificar la obra frente al nombre del artista que abriría todas las puertas posibles y que por ahora se revaloriza. Aunque como decía algún crítico el mejor sedimento para conocer el verdadero juicio de una obra es el tiempo y ya veremos que pasa con Hirst dentro de 100 años, quizás no llegue a ser el nuevo Picasso, sino solo una gran operación de marketing.

Uno de los tiburones en formol de Damien Hirst, abanderado de los Young British Artist

Justo antes de la crisis muchos de los museos de arte contemporáneo invertían en arte y creaban unas colecciones que iban aumentando cada año jaleados por unas galerías que veían un negocio fácil, en vez de trabajar el coleccionista privado. ¿Que pasaría si alguno de estos museos trataran de poner esas obras en el mercado para hacer dinero? Pues en nuestra opinión la gran mayoría no saldrían de los almacenes, quizás algún artista con mucha demanda y poca producción y quiero pensar en la Etíope Julie Mehretu, por poner un ejemplo, pero pocos mas se me ocurren en una situación similar. La mayoría de estos artistas están vivos y se puede conseguir obra con facilidad, en muchos casos hasta por ebay.

Voy a dar un ejemplo real, conocí un constructor en una inauguración de la única exposición que en España se hizo de la artista Suling Wang, concretamente en la Galería Soledad Lorenzo, esta persona pago por el cuadro una cifra cercana a los 26.000 euros. ¿Que pasaría si por problemas económicos quisiera desprenderse de ella? Pues pensamos que tendría muchas dificultades, la galería ha cerrado con lo cual ya no se la puede comprar, la galería de esta artista está en Londres y aunque siempre tenderá a mantener el precio de la artista no pensamos que quiera recomprar este tipo de obra porque tiene material de sobra para ofrecer a sus clientes, es complicado llegar a otro coleccionista, el mercado del arte no funciona de esa manera, hay otros canales en los cuales se prefiere una obra nueva a una obra usada, por ultimo no pensamos que Suling Wang (con respeto) haya revolucionado o piense revolucionar la historia del arte contemporáneo, con lo cual esa inversión se encuentra en un ángulo muerto.

Julie Mehretu

Por todas estas razones pensamos que la inversión en arte es un falso mito para crear mercado pero que la realidad es que no existe el mercado cada vez que se quiera vender una de las obras que hemos adquirido en una feria o una galería de arte. Se trata de una inversión perdida o quizás no, si conseguimos que por lo menos sirva para decorar el salón de nuestra casa, siempre haciendo juego con el ambiente general.

Una de las obras de la artista Taiwanesa Suling Wang

El pintor español Luis Gordillo para niños

Gordillo es uno de los pintores vivos contemporáneos más representativos de la segunda mitad del siglo XX en España y también ha estado muy activo en estos primeros años del siglo XXI. Es un pintor que no reduce su mercado a España ya que es bastante conocido en el ámbito internacional, donde varias galerías se dedican a comercializar su obra.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Luis Gordillo debemos decir que nación en Sevilla en el año 1934, allí realizó estudios de derecho, aunque no tenía ninguna intención de continuar su labor como abogado y, una vez que terminó, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes donde finalizó sus estudios. Su incorporación al ambiente pictórico se produce con cierto retraso ya que sus primeras obras no llegaran hasta el año 1956 y su primera exposición no tendrá lugar hasta 1959 en Sevilla, Fruto de sus viajes a París donde entró en contacto con algunos de los artistas y estilos imperantes en ese momento, justo cuando el mercado del arte y el centro neurálgico se estaba trasladando de la capital de Francia a la ciudad de Nueva York donde el expresionismo abstracto comenzaba a florecer.

Luis Gordillo es un artista difícil de clasificar en cuanto a su estilo, ya que ha recibido diferentes influencias a lo largo de su vida. Vamos a destacar tres de ellas, en primer lugar el informalismo, un estilo que alcanza gran desarrollo a finales de los años 50 y principios de los sesenta, no tenemos mas que recordar algunos ejemplos como su artista más representativo, Antonio Tapies.

Una segunda influencia será del arte pop, que en España alcanza su desarrollo en los años setenta y principios de los ochenta, aunque debemos decir que Luis Gordillo puede clasificarse como un pintor abstracto, pese a sus incursiones en la pintura pop, donde quizás Eduardo Arroyo o Eduardo Urculo sean algunos de sus máximos representantes en España.

Una tercera influencia, que se puede apreciar en las formas que adquieren muchas de sus obras, es la del surrealismo, dotando sus obras de un discurso conceptual que no se reduce a la mera expresión plástica, sino que busca una reflexión sobre el desarrollo de la expresión estética.

En ocasiones su trabajo se vuelve obsesivo llegando a ofrecer diferentes puntos de vista de un mismo objeto o escena

Luis Gordillo es un artista muy reconocido entre el mundo contemporáneo, tanto artistas como críticos le admiran por su brillante trayectoria profesional y su actitud conceptual frente a  las obras de este pintor (y fotografo) sevillano.