Las claves para entender la pintura surrealista

El surrealismo ha sido uno de los movimientos más populares que ha dado el siglo XX, poniéndose de moda desde que en el año 1924 Andre Breton, padre del movimiento lanzara un manifiesto donde explicaba las pretensiones de cambio radical que suponía este nuevo movimiento que, como otros anteriores, pretendía cambia el mundo. Desde entonces algunos de los artistas más populares del siglo XX siguieron sus ideas para plasmar en lienzos todo aquello que estaba incluido en ese manifiesto, "la imaginación al poder", es una de las frases del fundador.

La clave principal del surrealismo se encuentra en el control de la mente. Para este tipo de pintores la mente debe estar liberada, no debe ejercer ningún tipo de control sobre lo que se está representando. Ello da lugar a dos tipos de formas de expresión. Por un lado tendríamos el automatismo puro, que da lugar a formas abstractas, se trata de liberar la mano que va componiendo formas sin ningún tipo de control, moviéndose por espamos de un lugar a otro del lienzo creando lineas abstractas sin ningún sentido ni orden concreto. Se trata de una liberación de la mente que hace lo primero que se le ocurre en cada momento. Quizás por ello muchos surrealistas estaban interesados en el arte que podían realizar personas dementes o cuyas ideas escaparan de un control racional.

Una segunda vertiente tiene que ver con una pintura figurativa en la que se incluyen imágenes que tienen que ver con el mundo de los sueños o de la imaginación, se trata de las imágenes más profundas que se encuentran en el subconsciente humano, en muchos casos escenas incongruentes que son complicadas de observar en la realidad y cuyo significado a veces tiene que ver con la vida o el pasado traumático del artista.

Es curioso como algunos título evocan el misterio o la contradicción, suelen ser largos y tan sugerentes como "La miel es más dulce que la sangre" primera obra surrealista de Salvador Dalí hoy perdida y del cual solo se conserva una fotografía en mal estado. "El juego lúgubre" del mismo artista es otro ejemplo ya que ese calificativo se puede aplicar a una casa o a un mueble pero un juego no puede ser lúgubre, puede ser divertido o aburrido pero no lo otro. En muchas ocasiones estos extraños títulos tienen más importancia que lo que se representa en el cuadro.

Pero es sin duda el surrealismo un movimiento que nos ha dado algunos de los artistas más conocidos e interesantes del siglo XX, Rene Magritte, Joan Miró o Salvador Dalí son algunos de los mas conocidos, pero no debemos olvidar otros grandes valores como Max Ernst, Yves Tanguy o André Masson que da mucha importancia al color en sus obras.

Tres claves para entender la pintura de Joan Miró

Joan Miró es un pintor surrealista, que explota como tal en la década de los años 20 del siglo pasado, cuando más de moda se encuentra este movimiento artístico, que contará con grandes representantes, como Salvador Dalí o Rene Magritte en el bando masculino y Maruja Mallo o Remedios Varo en el bando femenino.

Antes de llegar a la etapa surrealista Miró pasó por varios estilos e influencias, desde la pintura románica al cubismo, que suponía siempre una referencia para el resto de artistas en la primera mitad del siglo XX, el Retrato de Vicente Nubiola de Miró tendrá esta influencia cubista.

Pero será a partir de 1925 cuando Miró pinte sus obras más conocidas, se trata de un tipo de obras donde la imaginación se hace presente de forma que se crean situaciones imposibles, extrañas, en muchos casos cómicas. Serán algunas de las tesituras que podremos observar más tarde en las escenas de dibujos animados, donde el mundo aparece representado al revés. Hay personas que dicen que Miró influenció a Walt Disney. ¿Es normal que un ratón persiga y torture a un gato? No, debería ser al revés. Pero en la pintura de Miró o bien en los dibujos animados estas escenas tan divertidas se repiten de forma constante.

Así en las obras de Miró podemos observar al sol pintado de color rojo y azul, fumando en pipa. Un murciélago, que debería ser negro, aparece pintado con colores rojo, azul y amarillo. Un perro aparece con un ojo de cada color. Y siempre acompañado de formas de estrella, pero nunca pintadas con gran complejidad, sino más bien de forma simple y accesible para todo el mundo. ¿Cómo pintaría un niño una estrella? Pues posiblemente con un punto central del que parten líneas en diferentes direcciones. Pues así es como lo representa Miró, de la misma manera.

Por eso es fácil asociar la pintura de Miró a la pintura que realizan los niños de cuatro o cinco años, las situaciones que se producen y la forma de representar distintos objetos naturales tiene mucho que ver a como lo harían los niños de esta edad. Todo ello aderezado con puntos, líneas que se van cruzando y entrecruzando en el cuadro y combinaciones de colores que tratan de seguir una proporción para dirigir la vista al punto de interés siguiendo una gradación en abundancia que va desde el negro, pasando por el rojo, azul, verde y amarillo.

El hijo de hombre una obra de Rene Magritte

Se trata de una de las obras más conocidas de la historia del arte, obra de este pintor de origen belga, uno de los más reconocidos artistas surrealistas, que desarrolla su carrera al mismo tiempo que otros artistas de este estilo, aunque con un punto de vista personal y original.

Así mientras artistas como Dalí se inclinaban más por los traumas infantiles y sus propias fantasías provocadas por muchos de sus miedos o Miró, se inclinaba por un tipo de pintura muy cercano al comic, las obras de Magritte nos remiten a un surrealismo más conceptual, como si tuviéramos que pararnos y analizar el cuadro con detenimiento, reflexionando ante aquello que se nos ofrece. Hay quien dice que la situación personal vivida en su casa, con una madre enferma mental que acabó suicidándose, tiene gran influencia en la forma de representar que tiene en sus cuadros.

El hijo del hombre representa una figura humana que aparece centrada sobre un paisaje bastante neutro que nos ofrece un muro, la imagen del mar o del océano y un grupo de nubes que simulan un banco de niebla que nos oculta la visión del cielo azul. La figura humana tiene una manzana colocada delante del rostro, de manera que es imposible apreciar quien se encuentra detrás de esa cara, aunque se apunta a que la obra se trata de un autorretrato del artista.

Hay numerosas teorías sobre el significado del cuadro, una de las más comunes dice que se trataría de una representación del Adán contemporáneo, de ahí que aparezca la manzana que se encontraba presente momentos antes de la expulsión del paraíso. Por eso la fruta simboliza las diferentes tentaciones que se nos ofrecen en la vida moderna, de las cuales como vemos el hombre todavía no ha disfrutado porque la manzana se encuentra intacta. Como decimos esto puede ser una teoría, aunque está sujeto a todo tipo de interpretaciones.

La obra fue pintada en el año 1964, poco tiempo antes del fallecimiento del artista, que se produjo en 1967.

Al ser una obra tan popular se han hecho numerosas versiones con todo tipo de personajes, en muchos casos parodias. Le ocurre algo parecido a La Gioconda de Leonardo hay versiones que resultan muy divertidas.

Si quieres saber un poco más sobre la vida y obra de Rene Magritte puedes consultar el enlace que te ofrecemos.

El pintor Rene Magritte para niños

Magritte es uno de los pintores surrealistas mas conocidos del panorama que surge en la primera mitad del siglo XX en Europa, sus obras son muy reconocidas y se encuentran al nivel de otros grandes maestros de este estilo como Dali o Miró.

Si tenemos que trazar una pequeña biografia de Magritte debemos empezar diciendo que era de origen Belga, país en el que nació en el año 1898, sus padres no tenían conexión con la pintura, aunque él empezará muy pronto tomando clases de dibujo.

Hay un hecho que puede marcar su vida, se trata del suicidio de su madre cuando Magritte tenía 13 años. No debía estar muy estable ya que pedía a su marido que la encerrara en una habitación para no dañar a nadie, un día que consiguió escapar del lugar donde estaba encerrada, su cuerpo muerto fue hallado poco después a la orilla del río.

Hay quien dice que este hecho pudo afectar a la obra de Magritte y que esa escena aparecería en alguna de sus obras, como por ejemplo Los Amantes, donde la cara de la mujer está cubierta con una sábana, parecido a la tela del vestido que cubría la cara de su madre cuando fue rescatada del río.Él siempre lo ha negado y ha dicho que las cuestiones personales nunca aparecen en sus obras.

Al contrario que Dalí, sabemos que el pintor ampurdanés refleja en sus obras aquellos traumas que le han afectado de niño, debido al rigor existente en la casa de sus padres, cuestiones relativas a su miedo al contacto sexual, hormigas que devoran el cuerpo de animales en descomposición, una excesiva obsesión por el sexo propio y ajeno, alusiones a la iglesia católica. Magritte siempre negó todo esto en sus obras y disfrutaba mucho más del ambiente conceptual en su trabajo, situando al espectador ante situaciones inverosímiles que le hicieran pensar o reflexionar, es decir Magritte añade un componente conceptual a su pintura que ayuda a que el espectador no quede indiferente cuando se encuentra delante de sus cuadros.

En el momento en que le toca vivir y antes de su llegada al movimiento surrealista, Magritte, igual que otros muchos artistas, empezó pintando obras impresonistas, para después experimentar con otros movimientos de vanguardia durante la segunda década del siglo XX. Cubismo, futurismo, orfismo, purismo, serán algunos de sus experimentos antes de llegar al surrealismo. Lo hace en un momento similar al de los dos grandes genios españoles, Dalí y Miro. Encontró una influencia y apoyo importante en el pintor Giorgio de Chirico.

Según avanza el tiempo sus obras serán muy conocidas, no solo en Europa, sino también en Nueva York, donde se le valora mucho como pintor y donde participa en diferentes exposiciones.

Magritte falleció l 15 de agosto de 1967.

¿Que es el automatismo y cuando se utiliza en pintura?

El automatismo, en su variante pictórica, esta asociado con las primeras décadas del siglo XX y más concretamente con el movimiento surrealista, con el que vivirá su máxima expresión, para ser utilizado después por otras tendencias como el expresionismo abstracto o el happening.

Partimos de la base de que en muchas ocasiones, a la hora de crear una composición pictórica, el artista se nutre de un modelo que le sirve de inspiración y del cual se dispone a realizar una copia, bien podemos estar hablando de un paisaje o también de una figura humana que ha sido colocada en una posición y con una actitud concreta.

Frente a esta técnica de composición encontramos el automatismo, del cual podemos decir que sería una representación de la parte inconsciente del artista, cuyo motivo de inspiración pude ser cualquier cosa, una mirada, un gesto, un sonido, algo que lleve al lienzo o al papel para expresar los sentimientos que ello le produce.

Pero lejos de asociar las imágenes con algo concreto al artista se le entrega la total libertad para crear aquello que le parece, sin ninguna limitación, dejando llevar la mano de manera inconsciente a lo largo del soporte para componer aquello que va saliendo con el simple movimiento de la misma.

Es algo parecido a lo que sucede cuando entregamos un lapicero a un niño de dos o tres años y le decimos que se ponga a pintar, quizás nos devuelva una hoja llena de líneas y tachones carentes totalmente de sentido y fruto del movimiento de la mano en distintas posiciones. Por eso el automatismo se encuentra muy unido a los niños, no solo al movimiento surrealista, ellos son los primeros creadores de este tipo de dibujo o pintura donde el inconsciente juega un papel tan importante.

André Breton, el padre del surrealismo, fue uno de los grandes defensores de esta corriente creativa, un espacio donde las decisiones deben tomarse de forma automática, sin tener ningún tipo de propósito concreto y donde el riesgo es un palabra que no existe, ya que no se asume ninguno a la hora de ejecutar la creación. La razón y le conocimiento no tienen nada que ver con este tipo de técnica, ya que lo irracional es lo que forma parte de la misma.

Esta forma de crear no la veremos solo en pintura o dibujo sino que afecta a otro tipo de creaciones como la literatura o la poesía.

Vídeo con las principales características del movimiento surrealista

Dentro de la serie de vídeos dedicados a las vanguardias históricas que venimos realizando y del cual pudimos contemplar la semana pasada las características del expresionismo, hoy le toca el turno a uno de los movimientos más interesantes en sus planteamientos que incluye además algunos ejemplos prácticos para poder trabajar el surrealismo con los niños y que ellos puedan realizar sus propios dibujos o imágenes de tipo surrealista. Os dejamos el vídeo, esperamos que lo disfrutéis y continuaremos con la serie de vanguardias históricas en vídeo a lo largo de las próximas semanas.

Biografia de Joan Miro para niños

Cuando hablamos de la vida del pintor Joan Miró inmediatamente lo asociamos con el surrealismo, movimiento artístico en el que se desarrolla la mayoría de su carrera pictórica.
Ya en este blog habiamos dedicado un post para hablar de las características mas importante de la obra del pintor Joan Miró para niños. 

Gran parte de la vida de Miro se desarrolla entre Bercelona, ciudad en la que nació en el año 1893 y Mallorca, ya que su madre era de la isla y gran parte de su infancia y múltiples veranos los pasaba allí, en constante contacto con la naturaleza.

Si hay otra ciudad importante en su vida esta será París, donde se traslada a principios de los años 20 del siglo pasado. Allí muestra en principio sus obras muy influenciadas por el cubismo, el fauvismo y la obsesión por realizar un inventario de los objetos que podemos hallar en sus lugares elegidos de representación.

Pero estas ideas y forma de pintar será abandonada cuando entré en contacto con el grupo de surrealistas, apoyado en muchas de sus acciones por Picasso, tornando ese inventario para aplicarlo al mundo de los sueños, componiendo obras donde lo infantil se da cita con lo cómico, creando obras llenas de situaciones estrambóticas e incluso cómicas, así lo podemos observar en cuadros como El Carnaval de Arlequín, que fue pintado en el año 1925.

Su primera exposición en París fue un gran éxito, aunque poco a poco comenzara a alejarse del grupo de surrealistas, cambiando su residencia de nuevo a Barcelona a principios de los años 30, ya que los surrealistas y en concreto sus líderes estaban más preocupados por una vertiente de desarrollo político cercana a las ideas de Marx, que en profundizar en el desarrollo teórico y práctico del movimiento artístico.

Como a otros artistas españoles le afecta mucho en su forma de pintar la guerra civil española, aunque una vez superado este periodo de guerras Miro se dedicará a disfrutar de su éxito y de su estilo, realizando sus conocidas "constelaciones" donde el mundo onírico de la evasión nos traslada a planetas imaginarios llenos de estrellas, líneas y formas cómicas que parecen llenarse de vida en un momento positivo de su vida. 

Un proceso creativo que ya no tendrá fin hasta su muerte en el año 1983 donde el artista catalán aprovechara el tirón del mercado para realizar todo tipo de obras, pintura, escultura, series de grabados con el fin de llegar a todo tipo posible de público.

El surrealismo y el sueño

Este es el título de una exposición que puede contemplarse hasta el 12 de enero de 2014 en el Museo Thyssen de Madrid, pero sobre la que nos gustaría llamar la atención sobre alguno de los artistas participantes.

Comisariada por el profesor y político José Jiménez, recordemos que fue director general de Bellas Artes siendo ministro Cesar Antonio Molina, la exposición trata de acercarnos a la esencia del surrealismo y una de sus características principales, la versión o la influencia onírica en la obra de diferentes artistas. Si quieres conocer algo más de la exposición el Museo ha editado un cuadernillo interactivo al cual enlazamos.

Frente al automatismo reclamado por algunos y ya expuesto en nuestra explicación del surrealismo para niños, la otra vertiente expresada por los artistas surrealistas es la representación del mundo de los sueños, quizás el mejor representante del surrealismo y el más conocido sea Salvador Dalí, aunque los surrealistas de la época preferían la forma de expresar el movimiento que realizaba Miró que la del pintor ampurdanes, siempre más cercano a lo comercial.

Pero nos gustaría llamar la atención sobre un personaje que aparece en la exposición, una artista muy poco reivindicada y que juega un papel muy importante en las cuestiones de género a principios del siglo XX, se trata de Claude Cahun.

Nacida como Lucy Schwob en el año 1894, Claude Cahún sería el seudónimo con el que iba a actuar, desde su primer retrato realizado en el año 1911 hasta su muerte acaecida en 1954, estuvo vinculada a las cuestiones de género. Su condición de homosexual pudo influir mucho en su comportamiento y en la forma de presentarse en diferentes autorretratos fotográficos, vestida de mujer o de hombre, pero en ambos casos jugando con la ambigüedad en la representación para inducir al espectador la duda sobre aquello que estaba contemplando. Esa ambigüedad que practica en su obra le lleva a convertirse en una artista muy original y muy poco valorada en su época, siendo la nuestra mucho más abierta a estas cuestiones de género cuando se ha empezado a descubrir y otorgar el sitio que merece dentro de la historia del arte. Pero al mismo tiempo que juega constantemente con su identidad se siente influida por los movimientos artísticos que van tomando forma a lo largo de estos años pudiendo adscribir algunos de sus retratos, como ocurre en este caso al ambiente surrealista, aunque no sabemos si la propia artista lo pretendía o bien estaba más cerca de la provocación dadaista con sus retratos masculinos, para los que se arreglaba de forma especial, destacando siempre sus rasgos distintivos, como por ejemplo su larga nariz. Ya sabemos que sugerir en la mayoría de los casos tiene mucho más éxito que provocar, porque lo obvio es demasiado explícito y lo ambiguo en cambio nos conduce a una reflexión, tan de moda en el arte contemporáneo y de la cual Claude Cahun es una de sus grandes pioneras hace ahora un siglo.

Claude Cahun se autorretrata como un dandy

Suerralismo para niños

El surrealismo es un movimiento que abarca todas las artes y que tiene su principio en el año 1924 cuando André Bretón lanza un manifiesto que sirve para definirlo.

Quizás los ejemplos más conocidos son los pictóricos y para nosotros los artistas que nos son más familiares sean Salvador Dalí y Joan Miró que fueron los grandes representantes de este movimiento durante los años 20 del siglo pasado.

André Breton decía en el manifiesto surrealista que la autocensura impuesta principalmente por la sociedad limita la capacidad de creación del individuo, una persona que debe ser capaz de romper ataduras y dejar que la imaginación se mueva sin trabas de clase alguna. El creador está alienado por la sociedad y solo puede librase de esa carga a través de los irracional, de la locura, del sueño, de la oposición a lo establecido y dominado por las clases dirigentes.

Quizás esta definición nos ayude a comprender un poco mejor algunas de las obras de los artistas antes citados o si estamos buscando alguna manera de definir el arte de Salvador Dalí para niños.

Para definir de una manera fácil el surrealismo para niños podríamos decir que se basa en el mundo de los sueños, de la fantasía y que va más allá de la realidad.

Podemos plantear dos ejercicios para que los niños trabajen o intenten comprender el surrealismo:

1. Por un lado podemos indicar a cada niño que imagine un objeto, un animal, una persona o una cosa preferida y que lo transforme buscando lo más absurdo posible.
2. Por otra parte podemos crear una obra que se acerque al automatismo surrealista, partiendo de la idea de que se puede crear a partir de todo, una forma de crear que se nutre del inconsciente colectivo donde lo no racional es la base de la creación. La toma de decisiones debe ser inmediata, igual que ocurrió, por ejemplo, cuando Salvador Dalí y Luis Buñuel escribieron el guión de la película El Perro Andaluz, donde cada uno aportaba lo que en ese momento le venía a la mente, aunque no tuviera continuidad ni relación con lo que se había planteado anteriormente. No existen propósitos concretos en la creación, sino que se asumen todos los riesgos necesarios. Como decía el propio André Bretón "el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón fuera de cualquier preocupación estética o moral"

El carnaval del arlequín de Joan Miró

Esta es una de las obras más significativas de la etapa surrealista de Joan Miró, debemos tener en cuenta que cuando realiza trabajos de esta época, Miró esta viviendo en París y en contacto constante con el grupo de surrealistas, que allí se reunían en torno a la figura de Andre Bretón, el padre del surrealismo, el cual llegó a afirmar que Joan Miró el mas surrealista de todos los pintores, por encima de otros artistas que se encontraban en ese momento en París y entre los que debemos citar a Salvador Dalí.

Esta obra esta realizada en el año 1925 y marca un poco la trayectoria de las obras surrealistas del artista, donde hay un elemento importante que es una referencia: nos referimos a la naturaleza. Esta es una constante en su obra desde sus primeros trabajos, el paisaje y los elementos que lo componen, algunos naturales y otros fabricados, se dan cita en escenas que recuerdan lugares de Cataluña o de Mallorca.

Una naturaleza que se altera, llegando a realizar una obra que conecta perfectamente con el público infantil ya que muchos de los elementos que la componen cobran vida, actuando de una manera inverosímil, fantástica, onírica, podríamos decir que jocosa y divertida, en muchas ocasiones cercana al comic por las situaciones que se pueden contemplar.

No tenemos mas que fijarnos en algunos elementos que componen la obra, por ejemplo ese cigarrillo tremendamente alargado que recorre los límites de la ventana que intenta mostrarnos un paisaje. En la parte inferior apreciamos como un ratón ha enganchado el cuello de un gato con lo que parece un hilo y parece que tira de él dominándolo  el mundo al revés ya que la situación debería ser la contraria. Vemos como unos peces parecen nadar sobre una mesa que en vez de tabla de madera parece tener agua que se sujeta de una manera que no podemos imaginar. Apreciamos también una libélula en la parte central del cuadro, con unos colores un tanto llamativos e inexistentes. Algo similar sucede con la figura del sol que vemos también en el centro, no representado con el color amarillo como suele ser tradicional sino dividido en dos colores, azul y rojo, con ojos y un gran bigote y lo que parece ser una barba que cuelga debajo de su barbilla. Y una escalera que parece que si ascendemos por ella nos conduce a un mundo de fantasía que es todo aquello que podemos contemplar en la obra. Todo acompañado por otro tipo de figuras, estrellas, lineas de distintos colores sin ningún significado especial pero son detalles que componen o forman parte de una obra llena de detalles y cargada de matices. 

El surrealismo de Miró abre el camino hacia un mundo fantástico y cómico, lleno de imaginación y situaciones que hasta el momento no eran posibles y que enlazan con los personajes de las obras de El Bosco y nos muestran la capacidad creativa del autor.

La maquina de coser del pintor Oscar Domínguez

El pintor tinerfeño Oscar Domínguez nació en el año 1906 y se trasladó a París en 1927, un poco más tarde que lo habían hecho otros pintores de su generación como Joan Miró o Salvador Dalí. Allí se dedicó a trabajar en un almacén de frutas hasta que su padre falleció y tuvo que ganarse la vida como dibujante publicitario. Se adherió tarde al surrealismo, en el año 1934, participando activamente en tertulias del barrio de Montmartre en París.

Tiene, como pùede observarse una fuerte influencia de Dalí, esto puede notarse en el alargamiento de los miembros y el empleo de figuras que dan la impresión de comportarse como formas gelatinosas y desbordadas. La imagen dobre también esta presente en su trabajo. 

Sin embargo en su obra la sexualidad está muy comedida siendo el humor y el deseo los principales motivos y motores de la actividad humana. El humor como una parte de la subversión de la realidad, tal como lo consideraba el surrealismo.

Máquina de coser electro-sexual fue pintada en el año 1934 y quizás sea su obra más conocida. Lo erótico y lo mortal se dan cita en esta obra, donde aparece un desnudo femenino, acompañado por una cabeza de toro de cuya boca surge un hilillo de sangre, al mismo tiempo que el cuerpo de la mujer es engullido por una gigantesca planta carnívora.

Fantasías frtuo de la liberación de la conciencia y el desborde de la imaginación, que dan origen a todo tipo de fantasías, tal como propugna el surrealismo

Joan Miró para niños

Siempre se ha pensado en Miro como el más infantil de los pintores contemporáneos, llegando en algunos casos a acusar a su pintura de ser ingenua y en ocasiones torpe.

Joan Miró nació en el año 1893 teniendo una vida bastante larga, ya que murió en 1980, por lo que su obra, tanto pictórica como gráfica es muy extensa.

Cataluña y Mallorca serán siempre dos referencias en su obra, el paisaje de estas zonas, la luz, los colores y los objetos populares se repiten de forma constante.

Si identificamos a Miró con un movimiento artístico es con el surrealismo. André Breton, padre de los surrealistas, decía que Miró era el mas surrealista de todos, por encima de otros artistas destacados como el mismo Dalí.

En la obra de Miró hay una preocupación por la naturaleza, un sentimiento que se refugia en las formas humildes y auténticas. Piedras, conchas, insectos, la luz, los colores. Existe una unión con la naturaleza a través de las pequeñas cosas.

Los animales que aparecen en sus obras carecen de violencia, no hay agresividad en ellos. Lo grotesco y lo humorístico son determinantes en su obra, el aspecto lúdico nunca desaparece. El proceso que conduce a las imágenes definitivas adquiere un tono de divertimento, como si el artista llevara a cabo una grotesca deformación del mundo en la que el sentido del humor se propone como rasgo esencial.

El mundo de Joan Miró se somete a una metamorfosis, donde cada personaje u objeto queda a juicio del espectador, la transformación es jocosa y alegre.

El color es muy importante. No está distribuido de forma aleatoria sino ponderada, orientando la mirada del espectador.

Todo aderezado con motivos gráficos que no representan nada en especial, líneas diagonales, líneas en zig-zag, líneas curvas, manchas y elementos que sirven para enlazar figuras.

Joan Miró. Carnaval del Arlequín. 1924-1925