¿Qué es el arte degenerado?

Esta expresión utilizada por los nazis al poco de llegar al poder. Se refiere a una exposición organizada por los nazis y de la que se han cumplido hace poco 80 años de su celebración. Se trataba de una serie de obras que al régimen le resultaban incómodas ya que eran símbolo de la decadencia y, en algunos casos, un símbolo de degeneración.

Este tipo de arte no combinaba muy bien con el estilo que le gustaba imponer al régimen nazi, se trataba de obras demasiado modernas. Según decían no exaltaban los nuevos valores del régimen recién impuesto. Los gustos de Hitler y sus secuaces estaban más ligados al exaltar los valores del país a través del realismo, en un neoclásico revisado.

Resulta curioso que la exposición organizada bajo el nombre de "arte degenerado" no tenía otra pretensión que adoctrinar al pueblo. Hoy en día todas esas obras se aprecian como grandes clásicos de la modernidad. Algunos de los  artistas que formaban parte de la exposición son algunos de los más importantes creadores del siglo XX como Paul Klee, Kandinsky, Edward Much o Marc Chagall.

Es curioso pero el elemento de propaganda llegaba a la colocación de los 600 cuadros que formaban parte de la exposición. Estaban colocados todos muy juntos, sin espacios para respirar, algunos de ellos torcidos o mal colgados. Al tiempo se mostraban dibujos realizados por enfermos mentales o se mostraban fotografías de personas con deformidades físicas. Para completar la exposición los cuadros se acompañaban con cartelas que incluían comentarios sarcásticos sobre aquello que se representaba.

Dentro de este arte degenerado se incluían algunos de los estilos más representativos del siglo XX, por ejemplo el cubismo, dadaismo, fauvimo, impresionismo, surrealismo o expresionismo. Aunque hay que decir que este último fue motivo de controversia. El expresionismo es un movimiento genuinamente alemán. Como disculpa alguno de los jefes del movimiento nazi dijeron que era un movimiento nórdico y así se justificaban un poco.

Esta exposición tenía su contrapunto en otra en la que se mostraban cuadros que se adecuaban a los gustos del régimen que exaltaran los valores de la historia alemana y sus gentes.

Es curioso pero eso me ha recordado algunas exposiciones que se han hecho en contra del arte contemporáneo. Por ejemplo asistí a una en Salamanca que se oponía a lo que se hacía en el centro de arte contemporáneo y se llamaba "figuraciones nuestras" e incluía solo cuadros figurativos principalmente de artistas locales. Fue el hazmerreir del mundo del arte.

La exposición de "arte degenarado" comenzó en Munich. Luego fue trasladada a otras ciudades alemanas y austriacas para así "educar" a un público fácil de manejar en torno a las ideas nazis. Ello llevó a que cerca de 20.000 obras de este estilo salieran en muchos casos compradas en el extranjero o bien tuvieron como destino la hoguera. En 1939 se quemaron más de 1000 obras en Berlín acompañados de multitud de grabados.

La exposición también se presentaba como el despilfarro que había empleado el gobierno anterior a los nazis en obras que no merecían la pena mientras mucha gente lo pasaba más después de la crisis del año 1929. Vamos populismo barato aprovechando las necesidades de la gente y tocando sus sentimientos para conseguir un objetivo. Parece uno de los primeros ejemplos de posverdad a la que tristemente estamos tan acostumbrados en la actualidad.

Lecciones de Paul Klee para ser buen artista

Este artista de origen Suizo afincado en Alemania no solo se dedicó a su oficio de pintor sino que también trabajó como profesor enseñando teoría del color en la escuela de la Bauhaus durante diez años, concretamente entre 1921 y 1931.

Normalmente aprendemos a asociar los colores en nuestra mente cuando somos unos niños, pero es cierto que dentro de cada color existe una gama casi infinita de matices en la que quizás deberíamos fijarnos. Klee prestaba atención a todos esos matices para así crear millones de colores. Es parecido a la inmensa lista de pantonés que podemos encontrar en el estudio de cualquier diseñador gráfico o a las mezclas de color que podemos realizar actualmente con Photoshop.

Había una serie de claves que enseñaba a sus alumnos y que sería bueno comentar:

Les hablaba por ejemplo de la importancia de la línea, partiendo de un punto podemos prolongar esa línea que posteriormente nos ayuda a dotar de expresión a la obra.

Estaba muy interesado por el movimiento, tratando de introducirlo siempre en sus composiciones. Algo parecido sucede con la naturaleza, el artista decía que cualquier obra, fuera figurativa o abstracta debería estar inspirada en formas de la naturaleza.

Hacía que los estudiantes representaran el sistema circulatorio del ser humano. Este tipo de estructuras eran de su interés, por ejemplo las ramas que van creciendo desde un tronco común o una estructura vista de una mapa de los diferentes rios y sus afluente que finalmente desembocan en el mar o el océano.

Después de estudiar las líneas y los planos comenzaban a trabajar con el color. Creaba composiciones de colores en las que unos se oponían a otros, todo ello basado en un dibujo del año 1809. Así el rojo se oponía al verde, el naranja se oponía al azul y el amarillo al violeta. Realizaba conexiones entre el color y la música. Las composiciones de color, como la música, podían ser armoniosas o disonantes, dependiendo de las parejas que pudiéramos establecer.

Para finalizar invitaba a sus alumnos a fijarse en los grandes maestros. La clave del éxito estaba en conocer cuáles habían sido las claves que llevaban a estas figuras al triunfo. La manera era trabajar con grandes obras, reduciendo sus composiciones a simples líneas, formas o colores que poder aplicar a posteriores trabajos personales.

Hasta aquí las teoría de Paul Klee para ser un buen artista que intentó transmitir a sus alumnos.

El minimalismo explicado a los niños

Quizás sea el minimalismo uno de los últimos movimientos con gran éxito en el siglo XX antes de entrar en el momento en el que ahora nos encontramos y que algunos analistas nombran como posmodernidad. Minimalismo y arte pop conviven en la misma época histórica pero sus planteamientos son antagónicos y completamente opuestos.

Frente al colorido y la decoración de las obras del pop, el minimalismo trata de reducirlo todo a su estructura más simple y esencial. Todos los elementos que sobran se eliminan de la composición, tratando de reducir las formas a su origen y su pureza. Todos los elementos que componen la obra, desde estructuras hasta colores se simplifican sobremanera. Las obras resultado de este estilo serán por tanto abstractas y en muchos casos la línea recta o la geometría recta servirá para la composición formal de la obra. Todo es muy sencillo, muy simple, muy sintético, reducido.

Muchas de las obras reproducen diferentes formas geométricas adornados con colores brillantes o pálidos. En muchos casos estas obras bien en escultura o en pintura, se adaptan perfectamente al concepto de sala de exposiciones o cubo blanco, las formas rectas de la sala, de sus pilares o sus paredes hacen perfecta combinación con las obras que presentan estos artistas.

Agnes Martin. Happy Holiday

El minimalismo está mucho más presente en nuestra sociedad de lo que pensamos, no nos referimos solo a la pintura o la escultura como grandes representaciones artísticas sino por ejemplo al diseño industrial (muebles, sofás, sillas, mesas, armarios, estanterías, alacenas) en muchos casos reducidas a su mínima expresión para proporcionar comodidad, ocupar poco espacio y ser perfectamente útiles. En arquitectura sucede los mismo, son varios los arquitectos que han sido influenciados por este estilo, muchos de ellos japoneses, que han impuesto su forma de diseñar y construir, carente por completo de elementos decorativos, para convertir las viviendas en algo funcional y espacioso, donde la línea recta predomina abrumadoramente sobre una curva minusvalorada desde hace bastante tiempo.

Dan Flavin. Untitled. 1974

El minimalismo lo ha invadido todo, hasta la música, con compositores de la talla de Philip Glass, también la filosofía centrándose solamente en lo importante y dejando de lado aquellas cosas que no nos lleven a nuestra realización personal.

Algunos de los representantes artísticos más famosos se encuentran en la escultura, estamos hablando de nombres como Carl André, Dan Flavin, Donald Judd o Sol LeWitt cuyas obras son fácilmente reconocibles.

Robert Rymann. Hansa

El primer ready made de la historia del arte

Nuestro primer paso en este post será aclarar que es un ready made o qué entendemos por este concepto tan ambiguo aplicado al arte. El ready-made alude a un objeto, puede ser cualquier cosa que es susceptible de convertirse en un objeto artístico por el simple hecho de que el artista decide que lo sea. Son objetos de uso cotidiano que por el simple hecho de ser trasladados a un museo, descontextualizados o bien firmados por un artista, se convierten en obras de arte.

El gran maestro e inventor del ready-made es Marcel Duchamp, un artista que vivió en primera persona los fervientes años de la revolución que suponen los distintos estilos que surgen a principios del siglo XX y que buscan nuevos caminos para el arte. Duchamp pasó por diferentes movimientos artísticos y estuvo en contacto con los más importantes artistas del momento. Cezanne, Picasso y el cubismo, el fauvismo, su impresión por la plasmación de la velocidad en los cuadros, una de las máximas del futurismo, son algunos de los estilos por lo que pasó este artista en la ciudad de París, hervidero de todos estos movimientos de vanguardia durante la primera mitad del siglo XX.

Portabotellas (original perdido) de Duchamp 1914

Los primeros intentos de ready-made los realizó todavía en París, aunque no conservamos ninguno de ellos sino simplemente reproducciones realizadas años más tarde. El primer ready-made habría que datarlo en el año 1913 y llevaba por título Rueda de bicicleta sobre taburete, aquí Duchamp montó una rueda invertida sobre una escalera de madera. La obra que conservamos es una recreación realizada en el año 1951.

Algo parecido sucedería con su obra Portabotellas, cuya versión original también esta perdida. Con estos ejemplos el artista comienza a observar objetos cotidianos como obras de arte, pasa a considerarlas objetos artísticos.

Marcel Duchamp. In advance of the broken arm. 1915

Como decimos el primer ready-made que conservamos se trata de una pala quitanieves que Duchamp colgó del techo con un hilo y que fue realizada en el año 1915 durante su estancia en Nueva York. La obra se titulaba In Advance of the Broken Arm. Algo parecido sucedió con un ventilador que el artista compró poco tiempo más tarde y que comenzó a observar como obra de arte poniéndole un título totalmente extravagante.

Quizás su obra más conocida en este estilo sea La Fuente, un urinario que firmó en el año 1917 y que presentó con un sobrenombre a un concurso del que era jurado y donde una de las bases era que ninguna obra presentada sería rechazada (es curioso pero esta finalmente lo fue). R. Mutt era el sobrenombre escogido para esta obra 

Aunque pensemos que todo esto es una tontería, estas acciones de Marcel Duchamp han influido mucho en el arte contemporáneo y justificado muchas de las obras que podemos observar en algunos museos, bien como objetos artísticos o como base para un discurso conceptual mas complejo.

El pintor y fotógrafo Alexander Rodchenko para niños

Rodchenko fue un artista casi completo ya que practicó todo tipo de disciplinas artísticas, que van desde la pintura, pasando por la fotografía, el diseño gráfico o lo carteles publicitarios, aspectos este último por el que es más conocido.

Comenzamos como siempre trazando una pequeña biografía de Rodchenko, artista que comienza su labor artística en un momento de plena efervescencia europea, llena de diferentes estilos y técnicas, que buscan nuevas escalas para la pintura contemporánea.

Rodchenko nació en San Petesburgo en 1891 en el seno de una familia que nada tenía que ver con el arte. Por motivos de trabajo, cuando contaba con 16 años, su familia se trasladó a Kazan, allí estudió en su escuela de arte. Con la llegada de la revolución rusa, Rodchenko apoyó la labor del gobierno y trabajó activamente para el régimen, ocupando diferentes cargos, todo relacionados con el mundo del arte.

Con anterioridad a los años veinte, se dedicó a pintar obras abstractas, con cierta influencia de Malevich. No pasó por otros estilos como otros artistas, sino directamente se dedicó a la abstracción.

Su gran momento se vivió a principios de los años 20, cuando junto a un amigo fundó una agencia de publicidad, de donde salieron algunas de sus obras más conocidas en forma de cartel. En este medio Rodchenko se encargaba del diseño y de la fotografía, en caso de que apareciera, mientras que su compañero era el encargado de la frase o eslogan, escrito de una forma corta y bastante directa.

Rodchenko fue un artista al servicio de la revolución rusa y uno de los grandes representantes del constructivismo, que tenía dos aspectos, por un lado la celebración de debates artísticos, que la mayoría de las ocasiones terminaban en discusiones de tipo político. El segundo aspecto del constructivismo tiene que ver con el arte mismo,. donde como hemos comentado el ámbito artístico y la propaganda juegan un papel esencial.

La fotografía fue un aspecto muy importante en el trabajo artístico de Rodchenko, practicó la fotografía hasta el año 1942, pasando por diferentes estilos, desde la abstracción a la fotografía figurativa.

Rodchenko falleció en Moscú en el año 1956.

¿Que es el automatismo y cuando se utiliza en pintura?

El automatismo, en su variante pictórica, esta asociado con las primeras décadas del siglo XX y más concretamente con el movimiento surrealista, con el que vivirá su máxima expresión, para ser utilizado después por otras tendencias como el expresionismo abstracto o el happening.

Partimos de la base de que en muchas ocasiones, a la hora de crear una composición pictórica, el artista se nutre de un modelo que le sirve de inspiración y del cual se dispone a realizar una copia, bien podemos estar hablando de un paisaje o también de una figura humana que ha sido colocada en una posición y con una actitud concreta.

Frente a esta técnica de composición encontramos el automatismo, del cual podemos decir que sería una representación de la parte inconsciente del artista, cuyo motivo de inspiración pude ser cualquier cosa, una mirada, un gesto, un sonido, algo que lleve al lienzo o al papel para expresar los sentimientos que ello le produce.

Pero lejos de asociar las imágenes con algo concreto al artista se le entrega la total libertad para crear aquello que le parece, sin ninguna limitación, dejando llevar la mano de manera inconsciente a lo largo del soporte para componer aquello que va saliendo con el simple movimiento de la misma.

Es algo parecido a lo que sucede cuando entregamos un lapicero a un niño de dos o tres años y le decimos que se ponga a pintar, quizás nos devuelva una hoja llena de líneas y tachones carentes totalmente de sentido y fruto del movimiento de la mano en distintas posiciones. Por eso el automatismo se encuentra muy unido a los niños, no solo al movimiento surrealista, ellos son los primeros creadores de este tipo de dibujo o pintura donde el inconsciente juega un papel tan importante.

André Breton, el padre del surrealismo, fue uno de los grandes defensores de esta corriente creativa, un espacio donde las decisiones deben tomarse de forma automática, sin tener ningún tipo de propósito concreto y donde el riesgo es un palabra que no existe, ya que no se asume ninguno a la hora de ejecutar la creación. La razón y le conocimiento no tienen nada que ver con este tipo de técnica, ya que lo irracional es lo que forma parte de la misma.

Esta forma de crear no la veremos solo en pintura o dibujo sino que afecta a otro tipo de creaciones como la literatura o la poesía.

El pintor Mark Rothko para niños

Consideramos a Rothko como uno de los grandes pintores abstractos del siglo pasado, aunque él no estaría deacuerdo con esta afirmación ya que sus obras tienen un profundo significado que roza lo metafísico y siempre busca la relación entre el cuadro y el espectador.

Si tratamos de contar una pequeña biografía de Mark Rothko debemos decir que nació en Lituania en el año 1903, aunque la mayoría de su vida y sus desarrollo artístico tendrán lugar en Estados Unidos, país al que se traslada su familia cuando el artista contaba siete años, huyendo quizás de una zona donde las condiciones de vida de una familia judía, como la suya, comenzaban a complicarse.

El interés de Rothko por el arte llega de forma tardía, su familia tuvo dificultades económicas (su padre falleció muy pronto) y todos tuvieron que trabajar para poder sacar a la familia adelante. No será hasta los veinte años cuando comience su vocación artística. De hecho acudió becado a la Universidad de Yale, aunque perdió la beca, pero sus estudios no tenían nada que ver con el campo artístico.

La ciudad de Nueva York será decisiva en su obra y el gran ambiente artístico que se vivía en la ciudad durante esos años, prolongados por el éxito del expresionismo abstracto después de la segunda guerra mundial, representado por las obras de Jackson Pollock.

Una aproximación a las obras más conocidas de Rothko nos lleva a la finalidad con la que el artista los compone, por ejemplo que sus obras son trabajos para reflexionar, tratando de establecer una relación entre las obras y el espectador. Son trabajos que aluden a la inmensidad del universo y la pequeñez del ser humano, se trata de un espacio de dimensiones inabarcables, donde lo religioso se hace presente. Rothko pertenece a una generación de artistas que tratan de introducir a través de sus obras la filosofía oriental, concretamente el budismo, ellos daban mucha importancia al vacío, algo que estaba en el ambiente en el cual se desarrollan las obras de Rothko.

Para tener una mejor relación con la obra Rothko pensaba en la mejor manera de colocar sus cuadros, le gustaba personalmente que el punto de vista de la obra fuera bajo. Las obras no tenían marco y prefería una iluminación natural a artificial, ya que esta última hacía perder algunos de los matices de la multitud de colores en gradación utilizados en sus obras.

Rothko no se consideraba un artista abstracto, ya que eso no era lo importante para él sino aquellas emociones que pudieran extraerse de la contemplación de sus obras, emociones humanas como el miedo, la inmensidad, el extasis, el destino, la tragedia. Rothko decía que “la gente que llora delante de mis cuadros vive la misma experiencia religiosa que yo sentí al pintarlos. Si usted solo se fija en el color y sus relaciones, se le escapa lo decisivo”.

Los colores utilizados por Rothko en sus obras van cambiando según va avanzando su vida, al final se volverán bastante grises y oscuros fruto de una profunda depresión que le llevara al suicidio, cosa que sucedió el 25 de febrero de 1970, con él se pierde uno de los grandes artistas del siglo XX.

El futurismo en la Rusia de principios del siglo XX

Las vanguardias históricas que surgen a principios de siglo van a tener una amplia influencia en todos los países europeos, allí los artistas intentan adaptarse de una u otra manera a estas novedades que surgen mayoritariamente en la ciudad de París y desde allí se extienden a otros lugares.

Muchos de estos movimientos tratan de reaccionar contra la fotografía, es decir competir con un elemento que ha revolucionado la representación del retrato o el paisaje, ya que de forma perfecta y rápida ofrece un resultado mucho mejor que cualquier pintura que pueda realizarse. Por ello hay que reaccionar contra ello y ofrecer algo diferente, un estilo que pueda atraer un público que ha sido cautivado por este nuevo instrumento.

Así surge por ejemplo el cubismo, que ofrecerá distintos puntos de vista de un mismo elemento, el fauvismo que altera los colores reales de los elementos representados o el futurismo, que apuesta por el avance de la técnica y l representación de la velocidad con la que se mueve el mundo moderno (de la época), algo realmente difícil de representar en un cuadro.

La obra que observamos es de Natalia Goncharova, una artista rusa nacida en el año 1881 y con una fuerte influencia del cubismo y del futurismo en su pintura. Comenzó a pintar en el año 1904 incorporando elementos de las vanguardias a pinturas que representaban elementos folclóricos propios de su país de nacimiento. La artista falleció en el año 1962.

Una de sus obras más conocidas es El ciclista, una obra realizada en el año 1913, un año muy interesante ya que muchos artistas de estos movimientos de vanguardia llegan a una conclusión abstracta en el año 1912. Ya hemos dicho que es bastante difícil expresar el movimiento y la velocidad en pintura, pero esa sensación es la que intenta transmitir Natalia Goncharova en su obra con ese deportista moviéndose en lo que parece una calle donde la artista parece eliminar la tercera dimensión mezclándose el fondo y el primer plano. Ruedas y cuerpo intentan acrecentar esa sensación de movimiento con la repetición de partes de las piernas o de las ruedas. Sin duda uno de los cuadros más interesantes de este movimiento artístico, el futurismo, fundado por Marinetti en el año 1909.

El pintor alemán Paul Klee para niños

Paul Klee es un artista difícil de calificar ya que a lo largo de su vida muestra influencias de varias de las corrientes que conviven en las primeras décadas del siglo XX y por las cuales, este artista nacido en Suiza, pero educado artísticamente en Alemania, no se decanta.

Así encontramos en su obra influencia del surrealismo, en una vertiente más cercana a Miró que a Salvador Dali, pero este tipo de corriente convive con el expresionismo y en muchos casos con la abstracción.

En lo que coincide la mayoría de la gente es que no existía un maestro para distribuir el color como Paul Klee ya que lo hacía de una forma genial, pasando de no tenerlo en cuenta al principio de su obra a tratarlo con verdadera pasión. Es una de las cosas que hace reconocible muchas de sus obra, el uso tan delicado y con gran cantidad de matices que otorgaba al color.

Todos estos estilos de los que hablamos y que aparecen en su obra posiblemente tienen que ver con la relación que Klee tenía con Wasili Kandinski, con el que coincidió en Munich cuando este fundó un grupo de artistas que se encontraban vinculados al expesionismo. Pero como sabemos Kandinski también evoluciona en su forma de pintar y en sus obras tanto la abstracción como el color jugarán un papel importante en su obra.

Klee también es conocido porque en alguna subasta algunas de sus obras ha adquirido un precio descomunal, aunque como sabemos estas cifras son efímeras y se superan con facilidad en cuanto pasa algo de tiempo, pero este artista se encuentra en el grupo de privilegiados que consiguen grandes cantidades por sus cuadros en las subastas.

Como vemos en la biografía de Paul Klee pese a nacer en Suiza, su padre era alemán con lo que su carrera artística se desarrolló en el país germano. Fue también profesor en la escuela de la Bauhaus  y en la Escuela de Bellas Artes de Dusseldorf, pero cuando los nazis llegaron al poder calificaron su obra como "arte degenerado", los últimos años de su vida los pasó en Suiza aquejado de una grave enfermedad los últimos cuatro, falleció en el año 1940.

Video con las principales características del dadaismo

Dentro de la serie de vídeos que hemos dedicado a las vanguardias históricas, hoy nos toca explicar el dadaismo, uno de los movimientos artísticos con más influencia a lo largo del siglo XX y diríamos que con una excesiva significación en el arte contemporáneo, por lo que tiene el arte de desafío y provocación, elementos sin duda heredados de este estilo tan simple y a la vez de gran profundidad conceptual.

Desde el manifiesto de los dadaistas a algunas de sus representaciones podemos observar en este vídeo de apenas tres minutos que nos informa de las principales elementos que componen el estilo y los principales artistas que lo practican.

Si estas interesado en algún vídeo más de esta sería uno de los más populares es como explicar el impresionismo a los niños, que repasamos la semana pasada.

Esperamos que lo disfruten.

Video con las principales características del futurismo

Las vanguardias históricas son sin lugar a duda uno de los momentos más interesantes de la historia del arte, recordemos que será a lo largo del siglo XX cuando se desarrollan la mayoría de ellas.

Desde el blog hemos dedicado algunos vídeos a hablar sobre algunas de las vanguardias más conocidas, como por ejemplo el cubismo, el expresionismo o las principales características del surrealismo.

En las próximas semanas vamos a completar esta serie con el resto de vanguardias históricas de las primeras décadas del siglo XX, hoy le toca el turno al futurismo, uno de los movimientos más interesantes, en primer lugar por su carácter revolucionario y después por su planteamiento basado en la velocidad y la rapidez de ejecución de la máquina frente al componente humano, algo bastante complicado de expresar en pintura, pero que diferentes artistas intentarán plasmar en sus cuadros es tipo de sensaciones.

Vamos pues con el vídeo que incluye como y donde surge el movimiento futurista, quienes son sus principales representantes y cuales son sus principales características

El informalismo explicado a los niños

El termino informalismo, deriva de la palabra informal, que fue utilizada para designar una pintura por primera vez en el año 1950 con una obra que resultaba diferente a cualquier forma de significado y que se sustentaba en la identidad material de los elementos plásticos que la componen. Los materiales eran los elementos fundamentales de la obra que generalmente era abstracta. Al artista lo que le interesa es explorar aquello que de expresivo tiene la materia.

Composición. Alberto Burri. 1953. Museo Guggenheim, New York

Poco después el estilo fue tomando forma y el informalismo basculaba entre obras en las cuales se insinuaba la figuración y todo aquello que era no figurativo, con una gran capacidad para incluir escrituras o símbolos y signos (puntos, líneas, círculos, cruces...) que no tenían ningún significado concreto.

Esta segunda acepción nos lleva a una extensión del informalismo a aquellas obras en las que la materia, los signos, lo gestual o la ausencia de una estructura prevalecen sobre cualquier otro rasgo de identidad de la obra. La obra no tiene una planificación fija, sino que se va construyendo desde que el pintor realiza la primera mancha "Pintor: mira tus paletas y trapos, las claves que estás buscando en ellos están" afirmaba Georges Mathieu y Jean Dubuffet en el año 1945.

El informalismo vivirá su gran momento desde el final de la segunda guerra mundial hasta bien avanzada la década de los años 60. Son muchos los movimientos que influyen en el origen informalista, quizás el más conocido sea el expresionismo abstracto en Estados Unidos, pero también la abtracción lírica en Europa o el tachismo. Todos ellos conviven y se influyen mutuamente.

El movimiento informalista tuvo mucha repercusión en España donde contó con algunos de los más conocidos pintores de la segunda mitad del siglo XX, quizás el más representativo de todos sea el pintor recientemente fallecido Antonio Tapies, el color, la materia, los grafismos y los símbolos ( a veces inspirados en la filosofía oriental)  forman parte inequívoca de sus obras, Manuel Millares es uno de nuestros favoritos, muy conocido por sus homúnculos (representaciones de figuras humanas encontradas en la excavación de una ciudad), falleció tempranamente, en el año 1973, utilizaba la arpillera (entre otros desechos y desperdicios) con coloraciones blancas y negras y la perforaba de manera que sus cuadros parecían adquirir una tercera dimensión a través de esos restos de saco. También Antonio Saura participó en muchas de sus obras de la estética informalista, quizás en este caso más cercana al tachismo y al expresionismo abstracto por la fuerza de las pinceladas que observamos en sus obras.

Antonio Saura Memoria y Recuerdo.

Marc Chagall para niños

Chagall es uno de los pintores más representativos de las vanguardias artísticas anteriores a la Primera Guerra Mundial. Su vida es bastante larga, ya que vivió 98 años, lo que hace que su producción artística sea muy amplia.

Si tenemos que acercarnos a la biografía resumida de Marc Chagall para niños debemos decir que era de origen bieloruso y se asentará en una edad temprana en la ciudad de San Petesburgo, será un momento junto con un viaje a Paris en 1914 de contacto con las vanguardias que le influyen en su forma de pintar. Colaboró con la revolución rusa, fue nombrado comisario de arte, aunque pronto se trasladó a Moscú y después a Paris en 1923. En Francia permanece hasta la ocupación Nazi, momento en el cual se traslada a Estados Unidos, donde permanece hasta mediados de los año 60, cuando vuelve a Francia para realizar varios encargos de tipo público.Esta enterrado en la ciudad francesa de Niza.

Al igual que podemos calificar a otros artistas dentro de un estilo, por ejemplo podemos decir que Picasso es un pintor cubista o Dalí es un pintor surrealista, es más difícil calificar la obra de Chagall, igual que muchos artistas de principios del siglo XX tuvo influencia del cubismo, aunque podemos decir que es el fauvismo el movimiento que más influye en su forma de pintar, sobre todo a la hora de aplicar el color y distribuirlo a lo largo de sus cuadros.

Chagall es un pintor que gusta mucho a los niños y conecta muy bien con ellos porque muchas de sus obras están basadas en recuerdos infantiles, el estilo de Chagall incluye obras que transmiten felicidad y optimismo, en ello influye los vivos colores que utiliza para decorar estas obras, un mundo en el que el colorido es muy importante, se trata de un arte basado en el amor y en las tradiciones y costumbres tanto rusas como judías aprendidas en su niñez.

Vídeo con las principales características del movimiento cubista

Dentro de la serie de vídeos que venimos realizando sobre la vanguardias históricos y a los cuales hemos dedicado uno al expresionismo y otro al surrealismo, hoy le toca el turno a uno de los primeros movimientos que forman parte de la vanguardia, ya que en el año 1907 Pablo Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón,. cuadro que da el pistoletazo de salida del movimiento y pintura que por su concepción revoluciona el arte del siglo XX y la perspectiva que hasta ese momento se tenía del mismo.

Os dejamos con el vídeo y algunos de sus ejemplos más significativos, continuaremos en semanas posteriores con otros vídeos dedicados a las vanguardias.

Vídeo con las principales características del movimiento surrealista

Dentro de la serie de vídeos dedicados a las vanguardias históricas que venimos realizando y del cual pudimos contemplar la semana pasada las características del expresionismo, hoy le toca el turno a uno de los movimientos más interesantes en sus planteamientos que incluye además algunos ejemplos prácticos para poder trabajar el surrealismo con los niños y que ellos puedan realizar sus propios dibujos o imágenes de tipo surrealista. Os dejamos el vídeo, esperamos que lo disfrutéis y continuaremos con la serie de vanguardias históricas en vídeo a lo largo de las próximas semanas.