¿Qué es la transvarguardia?

Estamos ante uno de los últimos movimientos artísticos que tuvo lugar a finales del siglo XX, más concretamente en la década de los 80 y 90, siendo su principal lugar de desarrollo Italia, aunque desde allí se extendió a otros países, en los cuales encontramos también representantes de este estilo.

Debemos ponernos en situación para poder entender mejor el surgimiento de la transvarguardia en Italia. ¿Cuales son los estilos que triunfaban en este momento? Tenemos tres referencias de las cuales debemos hablar.

En primer lugar uno de los estilos de moda era el arte conceptual, en este estilo la obra en si pierde su sentido para ser sustituido por una idea sobre la que el espectador debe reflexionar. Es algo que no hemos perdido en el arte actual, aunque las obras han ganado en protagonismo desde entonces. Junto al concepto también se dan sus primeros pasos el videoarte y el body art ligado a la performance.

En segundo lugar el arte pop que tenía una gran implantación a nivel mundial, en este caso la obra ha perdido en gran parte su protagonismo y su originalidad, porque la reproducción y la copia están a la orden del día.

Por último estamos ante los últimos coletazos del informalismo, un movimiento abstracto que tiene sus orígenes en los años 50 relacionado con el expresionismo abstracto y que en Europa tendrá bastante éxito, sobre todo en España con representantes como Tapies, Millares o Antonio Saura.

A todo ello debemos añadir la gran presencia en Italia del arte povera, el uso de materiales de desecho para la composición de obras donde la parte conceptual juega un papel importante.

En este contexto tenemos un grupo de pintores italianos que aboga por la vuelta de la pintura a la esencia, en una mirada a los clásicos que tratan de repetir. Los temas estarán tomados de todo tipo de referencias, pero la obra será el elemento más importante, apartándose del discurso conceptual. Tenemos el tema a tratar y el protagonismo de los personajes y el color. Por tanto la obra de transvarguardia será una obra figurativa. Una de sus mayores referencias será la pintura manierista tanto en la composición de las figuras como en el uso del color. También se vieron influenciados por periodos como el barroco o el futurismo.

El grupo surge en el año 1979 y fueron presentados por primera vez en España con motivo de la celebración de la Feria de ARCO en el año 1982. Otros artistas españoles seguirán esa estela de nuevo realismo ligado a movimientos culturales como la movida madrileña. Hablamos de artistas como Guillermo Pérez Villalta por ejemplo. 

¿Qué es el arte degenerado?

Esta expresión utilizada por los nazis al poco de llegar al poder. Se refiere a una exposición organizada por los nazis y de la que se han cumplido hace poco 80 años de su celebración. Se trataba de una serie de obras que al régimen le resultaban incómodas ya que eran símbolo de la decadencia y, en algunos casos, un símbolo de degeneración.

Este tipo de arte no combinaba muy bien con el estilo que le gustaba imponer al régimen nazi, se trataba de obras demasiado modernas. Según decían no exaltaban los nuevos valores del régimen recién impuesto. Los gustos de Hitler y sus secuaces estaban más ligados al exaltar los valores del país a través del realismo, en un neoclásico revisado.

Resulta curioso que la exposición organizada bajo el nombre de "arte degenerado" no tenía otra pretensión que adoctrinar al pueblo. Hoy en día todas esas obras se aprecian como grandes clásicos de la modernidad. Algunos de los  artistas que formaban parte de la exposición son algunos de los más importantes creadores del siglo XX como Paul Klee, Kandinsky, Edward Much o Marc Chagall.

Es curioso pero el elemento de propaganda llegaba a la colocación de los 600 cuadros que formaban parte de la exposición. Estaban colocados todos muy juntos, sin espacios para respirar, algunos de ellos torcidos o mal colgados. Al tiempo se mostraban dibujos realizados por enfermos mentales o se mostraban fotografías de personas con deformidades físicas. Para completar la exposición los cuadros se acompañaban con cartelas que incluían comentarios sarcásticos sobre aquello que se representaba.

Dentro de este arte degenerado se incluían algunos de los estilos más representativos del siglo XX, por ejemplo el cubismo, dadaismo, fauvimo, impresionismo, surrealismo o expresionismo. Aunque hay que decir que este último fue motivo de controversia. El expresionismo es un movimiento genuinamente alemán. Como disculpa alguno de los jefes del movimiento nazi dijeron que era un movimiento nórdico y así se justificaban un poco.

Esta exposición tenía su contrapunto en otra en la que se mostraban cuadros que se adecuaban a los gustos del régimen que exaltaran los valores de la historia alemana y sus gentes.

Es curioso pero eso me ha recordado algunas exposiciones que se han hecho en contra del arte contemporáneo. Por ejemplo asistí a una en Salamanca que se oponía a lo que se hacía en el centro de arte contemporáneo y se llamaba "figuraciones nuestras" e incluía solo cuadros figurativos principalmente de artistas locales. Fue el hazmerreir del mundo del arte.

La exposición de "arte degenarado" comenzó en Munich. Luego fue trasladada a otras ciudades alemanas y austriacas para así "educar" a un público fácil de manejar en torno a las ideas nazis. Ello llevó a que cerca de 20.000 obras de este estilo salieran en muchos casos compradas en el extranjero o bien tuvieron como destino la hoguera. En 1939 se quemaron más de 1000 obras en Berlín acompañados de multitud de grabados.

La exposición también se presentaba como el despilfarro que había empleado el gobierno anterior a los nazis en obras que no merecían la pena mientras mucha gente lo pasaba más después de la crisis del año 1929. Vamos populismo barato aprovechando las necesidades de la gente y tocando sus sentimientos para conseguir un objetivo. Parece uno de los primeros ejemplos de posverdad a la que tristemente estamos tan acostumbrados en la actualidad.

Biografía y estilo de Piet Mondrian para niños

A este artista neerlandés le ocurre lo mismo que otros muchos que se encuentran en la transición entre el siglo XIX y el siglo XX y es que comienzan su pintura con referencias figurativas o bien siguiendo estilos de moda en ese momento, pero a partir del año 1905 sufren una transformación que les va a llevar (quizás para desmarcarse de la fotografía que ha dejado muy tocado el paisaje y el retrato) a la abstracción cosa que le ocurre como decimos a la mayoría de pintores conocidos que trabajan en las dos primeras décadas del siglo XX.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Piet Mondrian diremos que nació en el año 1872 y que sufre, como hemos indicado, una transformación desde el naturalismo ligado al paisaje impresionista y postimpresionista a una abstracción que conocemos con el nombre del neoplasticismo. Sus primeras obras abstractas o bien sus primeros experimentos tienen lugar en los años 1905 y 1906, recordemos que en 1907 Picasso pintará el cuadro referente del cubismo, Las Señoritas de Aviñón y será este movimiento uno de los que más influencia tendrá en Mondrián sobre todo a partir del año 1912, un año en el que el cubismo llega a tal grado de descomposición que es capaz de ofrecer un cuadro abstracto, la geometrización de que podemos observar en los cuadros cubistas de la época son aprovechados por Mondrian para componer algunas de sus obras más conocidas en las que simplificación de las formas, se reducen en última instancia a lineas y colores.

De hecho en el año 1915 fundó una revista con el título El Estilo (De Stijl) que estuvo activa hasta el año 1927. En torno a ella se reunió un grupo de artistas influenciados en su mayoría por el estilo cubista de cuya evolución neoplasticista Mondrian es el máximo representante.

Quizás podemos pensar que las obras de Mondrian tienen una composición bastante simple, pero tras esas obras existe un complejo estudio filosófico que intenta lograr un profundo conocimiento de la naturaleza, acercándose a través de las líneas y colores al conocimiento de lo esencial, partiendo de la estructura básica del universo.

El artista falleció en Nuvea York en el año 1944.

El uso de sus colores será siempre muy parecido, utiliza colores blancos y negros y solamente colores primarios que nunca aparecen mezclados. Pese a sus comienzos abogaba porque el arte debe ser únicamente abstracto para poder buscar la esencia absoluta de los objetos y las cosas.

Resulta pues muy fácil realizar un taller donde se pinte a Piet Mondrian para niños, tan solo tenemos que divir el papel en cuadrados y rectángulo de distinto tamaño en color negro y rellenar algunos como colores primarios, es decir rojo, amarillo o azul.

Existen en la red multitud de dibujos de Piet Mondrian para colorear que pueden servirnos como material para clase.

El futurismo en la Rusia de principios del siglo XX

Las vanguardias históricas que surgen a principios de siglo van a tener una amplia influencia en todos los países europeos, allí los artistas intentan adaptarse de una u otra manera a estas novedades que surgen mayoritariamente en la ciudad de París y desde allí se extienden a otros lugares.

Muchos de estos movimientos tratan de reaccionar contra la fotografía, es decir competir con un elemento que ha revolucionado la representación del retrato o el paisaje, ya que de forma perfecta y rápida ofrece un resultado mucho mejor que cualquier pintura que pueda realizarse. Por ello hay que reaccionar contra ello y ofrecer algo diferente, un estilo que pueda atraer un público que ha sido cautivado por este nuevo instrumento.

Así surge por ejemplo el cubismo, que ofrecerá distintos puntos de vista de un mismo elemento, el fauvismo que altera los colores reales de los elementos representados o el futurismo, que apuesta por el avance de la técnica y l representación de la velocidad con la que se mueve el mundo moderno (de la época), algo realmente difícil de representar en un cuadro.

La obra que observamos es de Natalia Goncharova, una artista rusa nacida en el año 1881 y con una fuerte influencia del cubismo y del futurismo en su pintura. Comenzó a pintar en el año 1904 incorporando elementos de las vanguardias a pinturas que representaban elementos folclóricos propios de su país de nacimiento. La artista falleció en el año 1962.

Una de sus obras más conocidas es El ciclista, una obra realizada en el año 1913, un año muy interesante ya que muchos artistas de estos movimientos de vanguardia llegan a una conclusión abstracta en el año 1912. Ya hemos dicho que es bastante difícil expresar el movimiento y la velocidad en pintura, pero esa sensación es la que intenta transmitir Natalia Goncharova en su obra con ese deportista moviéndose en lo que parece una calle donde la artista parece eliminar la tercera dimensión mezclándose el fondo y el primer plano. Ruedas y cuerpo intentan acrecentar esa sensación de movimiento con la repetición de partes de las piernas o de las ruedas. Sin duda uno de los cuadros más interesantes de este movimiento artístico, el futurismo, fundado por Marinetti en el año 1909.

Vídeo con las principales características y vida de Pablo Picasso

Dentro de la serie de vídeos que dedicamos a los grandes artistas y a las principales obras explicadas de una forma fácil e introduciendo algunas de las obras más conocidas del autor, hoy le toca el turno a Pablo Ruiz Picasso, uno de los pintores internacionalmente más conocidos gracias a que fue el inventor de uno de los principales movimientos artísticos de vanguardia a principios del siglo XX, nos referimos al cubismo.

Como sabéis hemos dedicado vídeos esta año a artistas que tienen grandes celebraciones, por ejemplo El Greco para niños, ya que celebramos el 400 aniversario de su fallecimiento y Toledo se ha convertido en centro de la vida cultural del país en este año 2014.

Ya sabéis, si queréis conocer un poco mejor la vida de los principales artistas, sus obras y las características de su pintura, todo ello acompañado de imágenes, no tenéis mas que pasaros por nuestro canal y buscar el que más os interese, poco a poco vamos ampliándolo para completar una buena colección de videos de historia del arte para los más pequeños.

Marc Chagall para niños

Chagall es uno de los pintores más representativos de las vanguardias artísticas anteriores a la Primera Guerra Mundial. Su vida es bastante larga, ya que vivió 98 años, lo que hace que su producción artística sea muy amplia.

Si tenemos que acercarnos a la biografía resumida de Marc Chagall para niños debemos decir que era de origen bieloruso y se asentará en una edad temprana en la ciudad de San Petesburgo, será un momento junto con un viaje a Paris en 1914 de contacto con las vanguardias que le influyen en su forma de pintar. Colaboró con la revolución rusa, fue nombrado comisario de arte, aunque pronto se trasladó a Moscú y después a Paris en 1923. En Francia permanece hasta la ocupación Nazi, momento en el cual se traslada a Estados Unidos, donde permanece hasta mediados de los año 60, cuando vuelve a Francia para realizar varios encargos de tipo público.Esta enterrado en la ciudad francesa de Niza.

Al igual que podemos calificar a otros artistas dentro de un estilo, por ejemplo podemos decir que Picasso es un pintor cubista o Dalí es un pintor surrealista, es más difícil calificar la obra de Chagall, igual que muchos artistas de principios del siglo XX tuvo influencia del cubismo, aunque podemos decir que es el fauvismo el movimiento que más influye en su forma de pintar, sobre todo a la hora de aplicar el color y distribuirlo a lo largo de sus cuadros.

Chagall es un pintor que gusta mucho a los niños y conecta muy bien con ellos porque muchas de sus obras están basadas en recuerdos infantiles, el estilo de Chagall incluye obras que transmiten felicidad y optimismo, en ello influye los vivos colores que utiliza para decorar estas obras, un mundo en el que el colorido es muy importante, se trata de un arte basado en el amor y en las tradiciones y costumbres tanto rusas como judías aprendidas en su niñez.

Los cinco pintores españoles más importantes del siglo XX

El siglo XX español es bastante prolijo en lo que arte se refiere, principalmente pictórico, ya que en su nómina incluye varios pintores que son reconocidos a nivel internacional como revolucionarios en sus composiciones e imprescindibles por sus aportaciones a la historia del arte.

Por ello y siguiendo la línea que habíamos planteado con los diez mejores pintores españoles de todos los tiempos vamos a continuar con esta línea con el post que os ofrecemos hoy en el cual hablamos exclusivamente del siglo XX.

Joan Miro

1. Pablo Picasso: lo bueno de Picasso es que es capaz de revolucionar la pintura del siglo XX con el inicio del cubismo en el año 1907, ya que su obra cubista será una referencia para la mayoría de artistas del momento por lo que tiene de novedoso. Picasso es capaz de ofrecer en pintura algo que la fotografía no puede ofrecer, por ello es reconocido como pintor.
2. Salvador Dalí: el genio ampurdanés nos sorprende en cada uno de sus cuadros gracias a una imaginación desbordante. Sin duda sus cuadros más interesantes son los realizados entre 1925 y 1929 donde se aprecian todos sus traumas infantiles y cuando tienen lugar sus relaciones con Federico Gracía Lorca y con Luis Buñuel. Dalí fue además capaz de jugar con su imagen para convertir su nombre y su figura en una autentica marca gracias a sus excentricidades y salidas de tono.
3. Joan Miró. El artista catalano-mallorquín también es un referente del surrelismo junto a Salvador Dalí, pero con un estilo y temática diferente en sus obras. Era el favorito de los pintores surrealistas. Fue capaz de crear un estilo cercano al comic donde se producían todo tipo de situaciones grotescas e imposibles que desatan en ocasiones la hilaridad de la persona que contempla sus cuadros. Quizás Miró sea el pintor mas cercano a los niños por su simplicidad a la hora de pintar.
4. Antonio Tapies: el artista barcelonés aparece como una referencia del informalismo en España. Sus obras tienen mucha influencia de Joan Miró sobre todo en sus incicios pero el artista es capaz de desbordar esta influencia para componer obras originales y diferentes llenas de símbolos y referentes, muchos de ellos con un sentido espiritual,  al tiempo que incorpora elementos al cuadro.
5. Manuel Millares: todo el mundo apuntaba a Millares como un genio pero su vida se vio truncada cuando el cancer se cruzó en su camino y falleció en el año 1972. El artista canario fue capaz de mostrar en el cuadro una cuarta dimensión con el "mas allá" rompiendo y mostrando lo que es posible encontrar más allá del lienzo o la arpillera, su material favorito que le sirvió para fabricar sus famosos homúnculos. Sin duda sus cuadros tienen muchísima fuerza contemplados en directo.

Hemos dejado fuera muchos artistas, Antonio Saura completaría el trío de artistas informalistas de la segunda mitad del siglo XX, Juan Muñoz es una referencia en la escultura de este momento, Antonio López y el desarrollo del hiperrealismo (y la lentitud a la hora del pintar a veces transformada en cachaza o vagancia como expresaba el también magnífico pintor José Ramón Amondaraín), Pablo Gargallo y como interpretar la escultura utilizando extraños materiales para la tradición española y ser capaz de mostrarnos un más allá en sus obras. Maruja Mallo como referente del surrealismo y una de las mejores artistas españolas del siglo XX.  y muchos más. Si conoces alguno que debería estar en esta lista puedes dejarnos un comentario.

Manuel Millares. Homúnculo

El impresionismo explicado a los niños

Cuando hablamos del impresionismo nos estamos refiriendo al primero de los movimientos de vanguardia que surgen a mediados del siglo XIX y que supone una reacción a la pintura tradicional.

Una de las primeras características del impresionismo es que los pintores se liberan de sus ataduras con los encargos que recibían, normalmente de nobles o miembros de la iglesia católica y comienzan a realizarlos cuadros que realmente quieren hacer. Pensemos que hasta ese momento serán muy pocos los pintores que se habían liberado del "encargo" para poder realizar aquellas obras que deseaban, pensemos en Velázquez y los Paisajes de la Villa Medici o bien en Goya cuando realiza en las paredes de su casa las Pinturas Negras. El pintor pasa a ser una persona que depende de si mismo para sobrevivir y no de aquello que le piden que haga para otras personas o instituciones.

Una de las obsesiones de los pintores impresionistas en este momento será la representación del paisaje, pero no solo la vista de un espacio natural sino también urbano o arquitectónico y como la luz influye en ese paisaje a diferentes horas del día. No es extraño encontrar las mismas representaciones de un edificio, como hizo Monet con la catedral de Ruan, a diferentes  horas del día de manera que se pueden observar los cambios que la luz ejerce sobre esas representaciones, así que no era extraño encontrar un pintor que se acercaba a una zona concreta a representar el mismo paisaje a la misma hora del día para poder captar la misma luz que ilumina esa zona.

Otro tema relativo al impresionismo es la forma de pintar, de ahí su nombre porque son impresiones, si nos acercamos al cuadro nos daremos cuenta de que prácticamente son manchas lo que compone el cuadro, pero si nos alejamos unos pasos podremos observar como esas manchas van adquiriendo forma para convertirse en aquello que el pintor desea transmitir. Pinceles poco gruesos y pequeños toques sobre el lienzo serán los que componen la obra. Partes aparentemente inconexas dan lugar a un todo que es unitario, pequeñas pinceladas que que ayudan a percibir un todo que si tiene una estructura concreta.

Vídeo con las principales características del movimiento surrealista

Dentro de la serie de vídeos dedicados a las vanguardias históricas que venimos realizando y del cual pudimos contemplar la semana pasada las características del expresionismo, hoy le toca el turno a uno de los movimientos más interesantes en sus planteamientos que incluye además algunos ejemplos prácticos para poder trabajar el surrealismo con los niños y que ellos puedan realizar sus propios dibujos o imágenes de tipo surrealista. Os dejamos el vídeo, esperamos que lo disfrutéis y continuaremos con la serie de vanguardias históricas en vídeo a lo largo de las próximas semanas.

Futurismo para niños

Giacomo Balla. Niña corriendo en un balcón

Dentro del estudio que estamos haciendo de la vanguardias históricas hoy le toca el turno a las principales características del futurismo, uno de los movimientos artísticos que surgen junto con otros en las dos primeras décadas del siglo XX.

El futurismo es un movimiento de vanguardia fundado por Marinetti, que es la persona que va a realizar un manifiesto del movimiento, lo cual hizo en el año 1909, publicándolo en el prestigioso periódico francés Le Figaro. Recordemos que en esa época París era el centro del arte mundial, situación que ya no es igual ya que ha sido desplazado por otros centros como Nueva York o Londres. 

Como otros manifiestos publicados en esa época el futurismo pretende ser un movimiento nuevo y rompedor con la forma tradicional de la pintura, tenía la pretensión de ser un movimiento agresivo, queriendo apropiarse de las novedades de la vida contemporánea como elementos propios del movimiento.

La máquina será una de las claves de este estilo, el movimiento y la rapidez del mismo será la segunda característica importante, tratando de representar la rapidez de la vida moderna.

El movimiento tuvo muchos seguidores entre los pintores italianos, siendo Giacomo Balla uno de sus más importantes representantes. El punto de partida del movimiento está en el cubismo, son obras reconocibles por el color y por el uso de la geometría en las formas, las cuales tratan de representar el movimiento y la velocidad, pintando objetos en diferentes posiciones para lograr ese efecto de movimiento. Esta intención de conseguir movimiento se ha hecho muy común a la hora de representar comic y dibujos animados.

Duchamp. Desnudo bajando la escalera

El fauvismo explicado a los niños

Hoy vamos a tratar de explicar el fauvismo para niños, uno de los movimientos de vanguardia que surgen a comienzos del siglo XX de los cuales algunos hemos hablado ya en este blog, como el cubismo para niños o el surrealismo para niños.

El fauvismo como otros movimientos de vanguardia, surge como reacción otro movimiento y con espíritu revolucionario, con la intención de cambiar las cosas, de abrir una nueva ventana fresca a la historia de la pintura.

El movimiento surgió en el año 1905 tras una exposición en el Salón de Otoño de París, siendo uno de sus principales valedores y considerado el precedente del movimiento el pintor Herny Matisse. La palabra traducida al castellano significa fiera porque así lo definió un crítico al comentar la exposición reseñada.

La explicación más interesante para comprender el fauvismo es el uso del color, mas que nada el uso arbitrario del color. Es decir si pintamos un rostro deberíamos hacerlo según se hacía tradicionalmente con color carne, mas claro, mas oscuro, dependiendo de la persona. Pero la novedad del fauvismo es la ruptura con ese tipo de cánones, es decir podemos contemplar un rostro pintado de color azul, algo que sabemos que es imposible, pero ahí es donde reside la novedad de este movimiento, la libertad a la hora de distribuir el color de manera que no coincide con la realidad. Así lo observamos en el paisaje que podemos observar en este post donde el río por el que se encuentra navegando un barco es de color rojo, en vez del tradicional azul claro o verdoso que debería tener el río. Igual sucede con esas montañas de color azul que observamos en la parte izquierda o un cielo entre amarillo y naranja que vemos al fondo.

Los contrastes cromáticos son muy importantes en la obra, colocados de manera en que los colores se distinguen entre primarios (rojo, amarillo, azul) secundarios y complementarios que surgirían de mezclar colores primarios y los resultantes entre si.

El color es lo más importante en el cuadro, de manera que se olvidan de otras características como la perspectiva o el claroscuro. Además las obras tratan de representar el sentimiento, cosa que el impresionismo, movimiento contra el que reaccionan, no se había ocupado preocupados solo por representar la luz y la influencia de la misma en el paisaje.

La raya verde. 1905. Henry Matisse

Lujo, calma, voluptuiosidad de Henry Matisse se considera el precedente del fauvismo