El polémico artista Maurizio Cattelan para niños

En épocas antiguas la idea del arte estaba basada en la belleza pero tras las vanguardias artísticas y sobre todo desde los años 60 del siglo pasado lo que entendemos como arte se ha convertido en una amalgama de discursos que han abandonado esa idea primitiva para instalarse en un limbo donde todo tiene cabida.

En ese grupo se encuentra el artista italiano Maurizio Cattelan, nacido en el seno de una familia humilde en el año 1960. Podemos calificar sus obras como conceptuales, es decir que invitan más a la reflexión que a la contemplación activa. Una reflexión que a veces se transforma en simple provocación, ya que en muchos casos te puedes sentir frustrado o enfadado por las consecuencias de las mismas.

Algunos pensadores atribuyen esta forma de trabajar a la falta de formación artística de Cattelan, el cual en muchos casos indica a los trabajadores de su estudio cual es su idea para que después la desarrollen.

Hay una frase muy curiosa que quiero reproducir y que define muy bien el pensamiento del artista y su forma de afrontar sus obras: " Vivimos en el imperio del marketing, el espectáculo y la seducción, de modo que uno de los papeles de artistas y comisarios es deconstruir esas estrategias para resistirse a su lógica, usarlas y encontrar nuevas formas de activismo contra ellas".

Se trata pues de encontrar los huecos del sistema y colarse por ellos para meter un dedo en la nariz a todos los esquemas establecidos, si es que estos existen.

La revoluzione siamo noi

El humor también es parte esencial de su obra. En su primera exposición no se le ocurrió otra cosa que cerrar la galería y colgar un cartel que decía "Vuelvo enseguida", en eso consistía todo. Desde entonces nos encontramos con acciones similares que van desde robar los cuadros de la galería de al lado y exponerlos como suyos hasta copiar los cuadros de otro artista y exponerlos el día de la inauguración de su obra, pasando por alquilar el espacio de exposición de la Bienal de Venecia a una empresa de publicidad.

También ha realizado algunas obras escultóricas que incluyen imágenes del artista como La Revolzione Siamo Noi, animales como el suicidio de una ardilla en su supuesto estudio o la polémica imagen La Ora Nona que describe como un meteorito derriba la figura del icónico Papa Juan Pablo II.

Esta mezcla de performance, ironía, crítica contemporánea y arte ha convertido a Cattelan en el artista más conocido de Italia y uno de los más valorados a nivel mundial, con exposiciones en los más importantes museos de todo el mundo.

Zhang Xiaogang y la Gran Familia China

Cuando nos enfrentamos a una obra de arte contemporáneo ya no se espera que sea estéticamente bonita, eso es solo un simple añadido, sino que también se transmite un mensaje que, gracias a la didáctica, debemos interpretar y llegar a comprender. La didáctica es algo muy importante en el arte contemporáneo ya que nos ayuda a poder reflexionar sobre la obra a la que nos enfrentamos cuyo ideal de belleza puede estar completamente diluido.

Para ambientar estas frases nos sirve perfectamente la serie de pinturas que el artista chino Zhang Xiaogang dedico bajo el título The Big Family al tema de la familia durante la revolución cultural en China.

Es curioso como se da el nombre de revolución cultural a un movimiento político que lo que hace es justo lo contrario, ir contra todo atisbo de cultura. Mao Zedong estaba intentando luchar contra el ala derechista del Partido Comunista que quería abrir la economía al capitalismo y según el líder chino traicionar las bases de la revolución. Ello llevó a un movimiento que se dedicó a destruir todo atisbo de pensamiento que fuera diferente al del Partido Comunista, vamos a cualquiera al que se le ocurriera pensar libremente.

La creación de comités populares donde estaban representados obreros, soldados y cuadros del partido, sirvió como un autentico tribunal de la inquisición donde se perseguía cualquier atisbo de capitalismo y también de idea contraria al régimen. Por tanto las denuncias (verdaderas o falsas) y la represión estaban a la orden del día.

Esta revolución supuso cargarse a toda la élite intelectual del país y anular la capacidad de pensar de la gente, las universidades y cualquier conato de investigación quedaron paralizadas, había que enseñar los valores ideológicos antes que las materias intelectuales. Muchas universidades cerraron y no volvieron a abrir sus puertas en 6 años. Recordemos que esta supuesta revolución abarca desde 1966 hasta 1976 cuando el ala contraria a las ideas de Mao impone su criterio.

La ruptura con lo antiguo bien fueran costumbres, tradiciones, cultura o pensamiento llevó a que miembros de la guardia roja destruyeran obras de arte, libros, templos y edificios antiguos al tiempo que sometían a los intelectuales sesiones donde se les criticaba abiertamente por su actitud.

De todo ello nos hablan las obras de Zhang Xioaogang, sobre todo de esa época en la que dentro de la familia el propio hijo podía ser miembro de la Guardia Roja y denunciar a su padre por el hecho de ser un intelectual o simplemente por acercarse al mundo capitalista al tener un pequeño negocio. La traición estaba a la orden del día y la falta de educación ayudaba a extender el mensaje del miedo ya que el enemigo podía encontrase en cualquier parte, incluso dentro de tu propia familia.

Sin duda todo este texto como vemos nos puede ayudar a comprender un poco mejor las obras de nuestro artista que hoy destacamos, sin esta explicación resulta mucho más complicado comprenderlas, de ahí la importancia que damos a la didáctica en museos y centros de arte.

Damien Hirst para niños

Nos encontramos ante el que quizás sea el pintor más importante vivo en el arte contemporáneo actual. Damien Hirst podrá gustar más o menos al público pero lo que es claro es que nadie se queda indiferente ante su obra, o la amas o la odias y piensas que es un verdadero fiasco.

El éxito de Damien Hisrt está unido a un personaje, el diseñador y marchante de arte Charles Saatchi que fue su descubridor a principios de los 90, cuando Hirst se encontraba haciendo exposiciones junto a estudiantes que habían acabado recientemente la carrera de Bellas Artes. Saatchi prometió a Hirst tras ver una de sus creaciones que financiaría cualquier obra que quisiera hacer para una exposición que llevaba el título de Sensation, que se celebró en la Galería Saatchi de la ciudad de Londres en el año 1992. En ella participaron algunos de los más interesantes artistas jóvenes ingleses a los cuales se conoce con el sobrenombre de Young British Artist.

Si el éxito se lo debe a Saatchi la segunda seña de identidad de su obra es la provocación, que es lo que llamó la atención del marchante sobre su obra. Prueba de ello es el trabajo que presentó para la exposición Sensation bajo el título The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, se trata de una figura completa de un tiburón de más de cuatro metros metido en una urna llena de formol, con la idea de que se conserve perfectamente. 

Sin duda el trabajo, mejor o peor, llama la atención. Desde entonces ha presentado todo tipo de animales metidos en este tipo de urnas, algunos completos y otros diseccionados provocando todo tipo de reacciones, desde admiración al vómito.

El caso es que gracias a estas obras se hizo famoso y comenzó a vender sus trabajos por grandes cantidades de dinero, lo cual llevó a convertirle en un artista marca. Esta combinación de palabras indica que se trata de una persona que es más importante por el nombre que tiene que por las obras que realiza, llega un momento en que da igual lo que haga, porque lo que le importa al coleccionista es tener una obra de Damien Hirst en casa.

Desde ese momento ha realizado diferentes series, que incluyen armarios cargados de píldoras, las spot paintings que son cuadros con puntos de diferentes colores, donde ninguno es igual a otros ya que los colores varían de posición o los puntos cambian de tamaño, ello hace que siempre tengas un cuadro original del artista. Los Spin Paintings consisten en colocar la zona a pintar en una máquina que al girar va distribuyendo los colores de forma aleatoria (recuerdo como existían una máquina igual a principios de los 80 en el Parque de Atracciones de Madrid y podías llevarte como recuerdo tu propia obra cuando acudías) y por fin las Butterfly Paintings, que incluyen figuras de mariposas en el lienzo.

Desde entonces su nueva creación ha incluido una serie de pinturas con fondo azul en las que se insertan pintadas en blanco figuras de cráneos humanos, estas obras han sido muy criticadas, llegando a decir que se trata de la creación de un recién licenciado en Bellas Artes.

Aún así, los precios que se pagan en cualquier subasta por una obra de Damien Hirst son de los más altos y ni su ruptura con Saatchi o con las galerías más importantes de Londres (White Cube) o Nueva York (Larry Gagosian) parece que vayan a acabar con una carrera cargada de éxito y provocación

Por amor de Dios es una calavera realizada en 2007 con mas de 8000 diamantes que fue vendida por 70 millones de euros

Escultura hiperrealista contemporánea. Evan Penny

Continuamos con nuestra serie dedicada al hiperrealismo en la escultura actual y donde ya hemos revisado algunos de los artistas mundiales más importantes que contamos en el mundo de la escultura actual, nos referimos a artistas de la talla de Ron Mueck, Patricia Piccinini o el español Eugenio Merino.

Hoy dedicamos este capítulo al artista canadiense Evan Penny, nacido en el año 1953, un creador que antes de dedicarse al arte estuvo trabajando en diferentes estudios de cine como maquillador y creador de imagen de varios actores hasta que se decidió a dar el salto y cambiar el maquillaje por la escultura. Sin duda este periodo le ha influido y ha marcado su forma de trabajar en sus creaciones posteriores.

Las esculturas de Evan Penny son de un gran hiperrealismo, se puede observar por ejemplo en el uso del pelo y como trata de adaptarlo al original, bien en las cejas, en las orejas o el incipiente crecimiento de la barba, es de un detalle enorme cada uno de estos ejemplos.

Para obtener la imagen sobre la que después va a trabajar en un principio sus modelos posaban para él, pero el tiempo que necesitaba para obtener las imágenes era muy alto, el propio artista habla de más de 400 horas, con ello el rostro iban variando y se producían cambios de un día a otro, lo cual molestaba al artista. Para evitarlo comenzó a trabajar con distintas fotografías del sujeto desde distintos puntos de vista para tener una visión completa de la imagen que después debía ser desarrollada en tres dimensiones.

En los últimos tiempos, según declara el propio artista, está utilizando el escaner en 3 dimensiones para crear los modelos de lo que quiere representar y que se acerca a ese hiperrealismo que trata de representar en sus obras.

Como hemos observado a lo largo de la explicación el paso del tiempo es un elemento importante en la obra de Evan Penny, lo podemos ver no solo en su planteamiento sino en algunos retratos que han llevado al artista a representarse mucho más joven y como un anciano en distintos autorretratos que han obtenido bastante éxito en sus diferentes exposiciones.

Acercándonos al arte Contemporáneo. Tracey Enim My Bed

My Bed es una de las obras más representativas de esta artista británica, que presentó esta obra en el año 1998 y se expuso por primera vez en el año 1999, formando parte de la lista de obras nominadas a los prestigiosos premios Turner, aunque no consiguió el premio.

Como podemos ver la obra representa la propia cama desordenada de la artista, una cama sin hacer con un montón de objetos, quizás residuos, basura en muchos casos, representados a su alrededor. Aparentemente la obra no nos dice mucho mas, pero si buscamos más información podemos encontrar que la obra está realizada después de un periodo de depresión de la artista, en la cual ella misma dice que estuvo tentada por el suicidio tras un desengaño amoroso. La propia cama tiene en sus sábanas restos de sus secrecciones y entre los objetos del suelo podemos encontrar algunas de las pastillas que utilizaba contra la depresión y también preservativos y su ropa íntima con restos de sangre, sus zapatillas y un montón mas de detritus. Tony Matelli presento algo más tarde una obra similar titulada Total Torpor de la que hablamos cuando dedicamos un post a lo desagradable en el arte actual.

Claro que lo que debemos preguntarnos es si esto es una obra de arte, el coleccionista el inversor Charles Saatchi debió pensar que si porque pagó por ella 150.000 libras y desde entonces ha revalorizado mucho su valor. Paul Virilio hablando de la valoración de ciertas obras dice que las obras ya no son cotizadas sino "deliradas" y que todo esto ya no tiene que ver con el arte sino con la lógica comercial en el sentido más banal del término.

Pienso que tenemos dos aspectos en los cuales debemos poner el punto de atención. Primero, como decía Duchamp, cualquier objeto es susceptible de convertirse en obra de arte, eso ya lo hizo él en 1917 cuando llevó un urinario a un Museo como obra artística bajo el nombre de La Fuente. Decía Nicolas Bourriaud que la forma de la obra contemporánea se extiende más allá de la forma material, es una amalgama, un principio aglutinante dinámico. En su estética relacional Bourriaud nos recuerda que la participación del espectador se ha vuelto una constante en la obra artística.

Pero la obra en si no está alejada de lo que podemos encontrar en algunas casas, donde la cama solamente se hace una vez cada quince días, justo en el momento en que deciden cambiarse las sábanas. Así que no es para nosotros una imagen tan extraña, tan alejada de la realidad.

Claro que por otro lado surge la idea de lo siniestro y esta llega con la cotidianidad de la artista (como expresa el profesor Fernando Castro Flórez acostumbrados a terribles noticias en los medios de comunicación lo terrible para nosotros no es algo extraño y por tanto hay que detallar las imágenes y en arte a veces llevarlas hasta el extremo), con lo que conocemos de su vida personal, todo ese cúmulo de desgracias que le llevan a que el caos se apodere de su vida y decida contar su historia a todo el mundo a través de uno de sus objetos más personales, en este caso su cama llena de secrecciones, de una vida desperdiciada porque ha perdido momentáneamente su sentido.

Esa estética del caos, del desorden (presente por otras parte en muchas casas actuales donde ropa sucia se mezcla con restos de polvo, basura, papeles sueltos, suelos sin fregar y cocinas a rebosar de platos que ni siquiera se han metido en el lavavajillas) , no se aleja mucho del concepto neobarroco que invade nuestra vida diaria, donde tendemos a buscar en lo cotidiano aquello que resulta diferente y por tanto angustioso para nosotros (Sigmun Freud decía que la esencia de los siniestro no se encuentra en lo desconocido sino en lo familiar que poco a poco se fue tornando extraño). Aquello que forma parte de la vida privada de los demás nos inquieta, mientras que para ellos resulta algo normal. Se trata de la inseguridad que produce lo desconocido. Solo cuando esos secretos salen a la luz causan admiración, a veces incluso sin reflexionar que nosotros mismos también tenemos leones debajo de nuestra cama, pero somos más pudorosos y formales porque al contrario que Tracy Enim decidimos no mostrarlos, son o serán un secreto para el resto de nuestras vidas.

Criticar un obra de arte contemporáneo resulta muy complicado después del espectáculo que cada día nos ofrece la televisión, por eso los críticos tienen dificultades para justificar y separar lo bueno de lo malo, cualquier obra comparada con alguno de los programas televisivos siempre saldrá perdiendo, por eso muchos artistas muestran un afán continuo por llamar la atención, con aspectos extremos que intenten producir una reacción, aunque solo sea de asco y desprecio.

Oportunismo y arte contemporáneo

Hace poco tiempo el artista español Toño Velasco presentaba una serie de retrato entre los que se encontraba uno de Luis Barcenas sacando la lengua, con intención de hacer burla a todo el mundo que lo estuviera contemplando. Sin duda el retrato está más de moda que nunca ya que el personaje actualmente está todos los días en los medios de comunicación debido a sus andanzas y presuntos robos y reparto de dinero negro en el partido con más apoyo actualmente en España.

Cuando observamos una obra de arte contemporáneo, en estos momentos de nueva figuración, queremos que la obra observada nos transmita un mensaje, una idea sobre la cual podamos reflexionar, algo que nos sirva para pensar sobre el hecho que el artista quiere que nos fijemos y actuemos en consecuencia tras nuestra reflexión.

Lo que ocurre es que una obra de arte debe ser trascendente, debe perdurar en el tiempo para jugar algún papel. Si una obra es descontextualizada de su entorno pierde la fuerza con la que inicialmente se hizo. En este momento el retrato que podemos contemplar podría ser reconocido por la mayoría de la gente de este país, pero imaginemos que lo mostramos en Portugal, aunque el título de la obra sea Luis Bárcenas, los portugueses no sabrán a que hace referencia a no ser que tenga al lado una somera explicación de los antecedentes y consecuencias de la obra que estamos observando.

Lo mismo sucederá cuando pase un poco de tiempo, bien es sabido que unas noticias se solapan con otras y en estos momentos se habla mucho de Luis Bárcenas, pero quizás dentro de un año no sea el tema de moda y quizás en ese momento sea Manuel Chaves o Juan Antonio Griñán los que estén todos los días en los medios de comunicación presuntamente implicados en cualquier cosa que podamos imaginar. 

Este cuadro mostrado cinco años después del momento en que fue pintado necesitará una somera explicación de los antecedentes y consecuencias que el mismo provoca.

Por eso hablamos de oportunismo, porque ahora está bien, está de moda y ha servido para que se hable de la obra y el artista, lo cual es muy bueno, pero la trascendencia de la obra se nos antoja mínima, por lo que si alguien la compra no pasará de ser una mera anécdota sin repercusión alguna en el devenir del arte contemporáneo, donde lo obvio generalmente aburre.

La visión contemporánea de las Pasiones de Bill Viola

Las pasiones es una de la series más conocidas del videoartista Bill Viola, esta realizada en torno al año 2000 y en ella el artista trata de reproducir con su particular estilo escenas de grandes artistas de la época medieval y renacentista, la diferencia es que los cuadros se representan sobre una pantalla de plasma y las imágenes se ralentizan de manera que los actores tratan de representar diferente estados de ánimo.

Como hemos dicho es una buena manera de acercar el arte contemporáneo a los niños, comparando obras de la antigüedad con otras contemporáneas, así se dan cuenta de las referencias de los grandes maestros que utilizan en sus obras.

Hoy vamos a tratar la obra Emergence/Emergencia (tal vez deberíamos traducirlo como aparición o surgimiento) donde el video tiene como referencia la Pieta que pinta Masolino y que muestra el cadaver de Cristo sustentado por su Madre y María Magdalena.

En este caso tenemos a dos mujeres que aparecen sentadas a los lados de un pozo de mármol (una mayor y otra más joven), una de las mujeres (la más joven) vuelve su cabeza al pozo del que de repente comienza a surgir la figura de un hombre, la salida provoca que se derrame agua por los bordes del pozo, provocando que el suelo del patio se encharque. El agua llama la atención de la otra mujer que se vuelve. El cuerpo del hombre surge por completo para caer como desmayado inmediatamente, las mujeres lo recuestan en el suelo y lo cubren con una sábana, la escena termina con la mujer mayor llorando y la más joven abrazando el cuerpo con ternura.

Varias escenas relativas a la iconografía religiosa se rememoran en esta proyección. Por un lado el nacimiento, la figura que surge del pozo con el agua que inunda el suelo como elemento generador de vida. Por otro lado la escena semeja una resurrección, el cuerpo blanco del hombre sale del pozo mientras las dos mujeres pensativas parecen sorprendidas por lo que sucede. Por último el cuerpo del hombre que ha surgido parece sin vida y la situación se transforma en una piedad, con una de las mujeres, la mayor,  que rompe a llorar y otra, la mas joven, que abraza el cuerpo de su amado.

(El texto es de Rafel López Borrego y fue publicado en el siguiente artículo sobre Bill Viola)

Pieta. Masolino

Descifrando el arte contemporáneo. Entrevista a Rafael López Borrego y Pilar DM

Originalmente en Articaonline
La escena del arte contemporáneo es en varios sentidos un misterio. No solo por la gran abundancia de artistas que vuelve difícil saber por dónde adentrarse en el panorama actual, sino también porque es complicado tanto para legos como incluso para expertos distinguir hoy entre qué es arte y qué no lo es. Para hacer las cosas aún más difíciles, existe un sistema del arte contemporáneo con reglas idiosincrásicas, que es en buena medida el que legitima o deslegitima a un artista o una obra.
Para comenzar a descifrar esta escena del arte contemporáneo decidimos entrevistar a Pilar DM y a Rafael López Borrego, quienes a partir del 1 de noviembre y hasta el 13 de diciembre darán juntos el curso online “Nuevas tendencias en el arte contemporáneo” en Ártica. Ambos son Historiadores del Arte y apasionados estudiosos del arte que se hace en nuestros días. Pilar es la creadora del blog “El dado del arte”, que es una referencia obligada en la web para conocer nuevos artistas. Rafael ha comisariado varias exposiciones de artistas españoles e internacionales, ha escrito numerosos textos sobre arte contemporáneo y ha dirigido la Feria de Arte Contemporáneo Artsalamanca en el año 2009, entre otras cosas.

Ártica: ¿Por qué un curso de nuevas tendencias en el arte contemporáneo? ¿A quiénes puede servirles y de qué manera?
Rafael: El curso está dirigido a todas aquellas personas que tengan interés por conocer un poco mejor el ambiente que rodea al arte contemporáneo, a veces algo que nos suena lejano, distante e incomprensible. Desde las dificultades para integrarse en su sistema, entendiendo el papel de cada uno de los agentes que intervienen, hasta las diferentes tendencias artísticas en algunos nuevos movimientos que han surgido en los últimos años, que ayudan a configurar el espectro de artistas que, en la actualidad, marcan las diferentes tendencias del sector.
Pilar: En primer lugar porque en muchas universidades parece que da miedo hablar de arte contemporáneo, y los docentes se quedan en las vanguardias porque gracias a la perspectiva histórica pueden hablar de ellas, se ha investigado mucho a posteriori, y es un arte “aceptado”. Sin embargo, el arte contemporáneo de hoy, el realizado por artistas vivos está muy inexplorado. Y es precisamente ese desconocimiento del arte contemporáneo junto con el rechazo que en la sociedad producen obras a las que no les encuentran un significado, el que pretendemos minimizar. El objetivo es mostrar que hay muy buen arte contemporáneo en la actualidad y que merece la pena seguirle la pista, por ello el curso se dirige a cualquier persona que quiera explorar las nuevas tendencias del arte contemporáneo.

Á: ¿Cuáles son las tendencias que ustedes identifican como las más relevantes en el arte contemporáneo actual?
Rafael: Quizás la palabra que mejor define alguna de las tendencias actuales sea el límite. ¿Dónde se encuentra el paso de una tendencia a otra? ¿Podemos acotar un cuadro como pintura o en realidad invade otras disciplinas artísticas? Han surgido en los últimos años nuevas denominaciones que tratan de dar contenido a estas preguntas. Términos como “pintura expandida” o “pintar sin pintura” están a la orden del día en los textos que tratan de desentrañar las obras de los distintos artistas, que realizan obras cuya base es pictórica, escultórica o bien que trabajan con vídeo. Quizás otra palabra que nos ayuda a definir este momento sea hibridación, la mezcla entre disciplinas, donde no sabemos realmente cuándo finaliza una y comienza la otra.
Pilar: En la actualidad puede parecer que “todo vale”. Cuando vamos a ferias de arte, exposiciones o galerías y vemos piezas catalogadas como “obras de arte” es cuando deberíamos reflexionar acerca de qué está aportando esa obra o ese artista en la evolución del arte, por ejemplo. Hoy día no hay tendencias extremadamente claras debido en parte a la remezcla de técnicas. Antes o era pintura o era escultura, pero apareció la fotografía, llegó el vídeo, se mezcló con la instalación, la pintura quiso salir a la calle y ser graffiti y después pasar a ser digital para posteriormente transformarse en algo que está por venir. En definitiva, la mejor manera para disfrutar del arte es aprender a ser receptivo y a darle una segunda oportunidad a cada obra, ejercer la mirada para poder distinguir entre lo bueno y lo menos bueno.

Á: ¿Qué rol cumplen los críticos de arte con respecto a los espectadores y, también, con respecto a los creadores?
Rafael: En mi opinión la crítica de arte ha dejado de existir, una crítica real y sincera entendida como tal, basada en aspectos relativos a la historia del arte y al momento que vive la sociedad en la que esa obra se está desarrollando. El crítico se ha transformado en un orientador (en ocasiones un simple adulador), un informador que ayuda a comprender mejor lo que el artista quiere transmitir para justificar la visita a la exposición. Su fuerza es prácticamente nula, aunque el sistema del arte lo acepta e incluso reverencia en un entramado lleno de intereses de todo tipo. Pero aunque solo sea para orientar, su labor no deja de ser importante. Según algunos datos, el público que puede mover la crítica no llegaría al 2% mientras que un anuncio impactante en prensa es capaz de crear colas a las puertas de un museo. Quizás es el signo de los tiempos, una imagen vale más que toda una justificación teórica con base científica.
Pilar: Yo diferenciaría entre el crítico y el reseñista informador y a su vez, el para qué de la crítica, es decir, si escribe para una publicación o no. Yo si leo a un crítico espero más que datos básicos de la exposición. Sin embargo, también espero que me hable en un lenguaje comprensible. Ésta es precisamente una de las corazas más utilizadas por algunos críticos, algunos consideran que cuanto menos se les entienda más célebre será su crítica, sin preguntarse realmente cuántas personas terminaron de leer su crítica y cuántas se quedaron en la primera frase. Es esta tendencia la que ha provocado que el papel de la crítica sea cada vez menor y roce el aburrimiento halagador. Las críticas han de ser apasionadas y honestas, tanto para lo bueno como para lo malo, pero ello escasea. Los medios de comunicación populistas defienden los textos neutros y cuanto más informativos mejor.

Á: ¿Cómo piensan que influyen Internet y los medios sociales en el mercado del arte y en la producción artística en general?
Rafael: Los artistas y el sistema del arte en general está desaprovechando una gran oportunidad de abrirse a las redes sociales e implicar al público en sus diferentes proyectos y exposiciones. Recordemos que un artista es una pequeña empresa, que como tal debe estudiar el público al que se dirige y explotar las oportunidades que le ofrece internet y las redes sociales. No hay que estar por estar e incluir un post en Facebook cada vez que abro una nueva exposición, sino implicarse activamente en ello, de manera que se transmita una información de calidad que ayuda a aumentar el número de seguidores en las diferentes plataformas que, de forma gratuita, se ponen a nuestra disposición. Tener un blog personal actualizado, una página web accesible y de fácil manejo y estudiar qué redes sociales se adaptan mejor a mi proyecto, ya sea de un artista o de una institución, es básico en el mundo en el que nos movemos. Dejarlo de lado es perder una gran oportunidad.
Pilar: En la actualidad, aún influyen poco en el mercado y en la producción, no así en la difusión. Gracias a Internet y las redes sociales es mucho más fácil saber por ejemplo cuándo se inaugurará una exposición, o cuál será la programación de un museo para la próxima temporada. Sin embargo, cada día me levanto con la esperanza de que los artistas entiendan que pueden vender su obra en Internet, que estar en redes sociales no es una opción, que no pueden darle la espalda y esperar que un magnate les haga una visita a su taller. Todo lo contrario, han de dar a conocer su obra al mundo, y hoy día, la mejor manera de hacer eso es gracias a Internet. Respecto al mercado, existen ya numerosas galerías virtuales, que te ofrecen comprar arte online, desmitificando la necesidad de ver la obra físicamente antes de comprarla, aportando visualizaciones en 3D y todo tipo de detalles sobre la obra, para que el futuro comprador tenga la sensación de estar delante de la obra, pero estoy segura que todo esto evolucionará profundamente en los próximos años.

Á: ¿Cuáles son los artistas contemporáneos que les resultan más interesantes e influyentes?
Rafael: Realmente es una pregunta complicada. Vamos a tratar de responderla. En pintura Fabian Marcaccio, Franz Ackermann, en video Julian Rosefeldt, Judith Barry, Tony Oursler, en fotografía Gregory Crewdson, Sam Taylor-Wood, Erwin Olaf, Manolo Bautista, en escultura Ron Mueck, Eugenio Merino, en instalación Kendell Geers, Jan Fabre.
Pilar: A mí un artista me parece interesante por lo que me transmite. Me puedo enamorar de la obra de un artista totalmente desconocido y querer ver más y más obras de ese artista, o interesarme por una serie en concreto de su producción. Cada día descubro obras interesantes gracias a Internet, aunque si tuviera que resumir, en este momento me quedaría con la obra de Bernardí Roig, Yaşam Şaşmazer, Harijs Brants, Ackermann, Alexandre Madureira, Fernando Bayona, Bill Viola, Olafur Eliasson, Yue Minjun, Pedro Varela, Max Sauco, Yinka Shonibare, Ernesto Neto, Vik Muniz o Maleonn, entre otros muchos.

Agradecemos a Pilar y a Rafael por la entrevista y les recordamos que el 1 de noviembre comienza el curso online “Nuevas tendencias en el arte contemporáneo”. Para informarse sobre el curso e inscribirse, los invitamos a visitar este enlace. Entre el 8 y el 20 de noviembre hay una promoción por la cual los inscriptos tendrán un importante descuento.