Historias de la Biblia para niños. Los desposorios de la Virgen

 Los desposorios de la Virgen. Rafael Sanzio. 1504

Este es un tema sobre el que la Biblia pasa prácticamente por encima, ya que las referencias son mínimas. Lucas alude a "una Virgen desposada con un hombre llamado José, de la casa de David". Mateo alude a que "el origen de Jesús fue así: estando desposada María, su madre, con José, antes de que conviviesen, se hayó en cinta por obra del Espíritu Santo".

Simplemente nos indica que estaban desposados o prometidos, ya que según podemos leer en Mateo todavía no convivían juntos los futuros esposos.

Según la tradición la Virgen sería una mujer bastante joven cuando se une a José, que por su parte sería un hombre mayor, que debería respetar la virginidad de María, que era una joven que había prometido mantener esta virtud. En ocasiones se habla de que la función de María sería ayudar a José, que ya era un hombre mayor. Como José debería respetar la Virginidad de María, de ahí su sorpresa cuando se entera de que ella se encuentra embarazada, por varias razones, no solo por el respeto que él debería tener sino porque ella había prometido mantener esa virginidad a lo largo de su vida.

El cuadro de los desposorios nos muestra a los futuros esposos. Para los judios el matrimonio era un simple contrato civil y no un rito religioso, por esta razón el acontecimiento se representa normalmente al aire libre o como mucho al lado de un templo.

La representación presenta a los futuros esposos y a un oficiantes que va ataviado como un sumo sacerdote, que lleva en su cabeza una tiara de forma picuda. El sacerdote junta las manos derechas de los recién casados y en algunos casos sujeta una estola blanca con la que va a envolverselas para sellar la unión según el rito judío. El Sumo Sacerdote ejerce como eje de simetría que regula la composición. En algunas obras la Virgen baja ligeramente la cabeza de forma sumisa. 

Muy curiosa es la figura del joven que rompe una vara con una de sus rodillas tras ser rechazado como pretendiente de la Virgen.

La belleza del templo del fondo de la obra de Rafael nos muestra la plenitud de la pintura Renacentista en Italia.

Pietro Perugino. Los desposorios de la Virgen. 1501-1504

Página Facebook Arte para Niños

 Para que sea más fácil poder seguir las actividades de la página, estamos preparando una página de Facebook de la que os informaremos en breve. Desde allí podreis seguir cada uno de los post y otras actividades relacionadas con la educación y formación de los más pequeños.

Esperamos que sea un siguiente paso para que la página pueda ganar seguidores y dar a concoer un poquito más la historia del arte, no solo a los niños sino también al resto del mundo.

La época azul de Picasso para niños

Picasso pasa por diferentes etapas en su devenir pictórico, una de ellas es la conocida como etapa azul que podría abarcar los años entre 1901-1904.

Uno de los hechos relevantes que hace cambiar su forma de pintar hasta el momento será la muerte de uno de sus íntimos amigos, el poeta Carlos Casagemas, con el que había compartido residencia en Paris y que se suicidó el 17 de Febrero de 1901 , posiblemente por causa de una mujer, que también sería amante de Picasso.

La muerte de Casagemas afectó profundamente al artista y produce un cambio en la forma de pintar, utilizando más la línea para realizar el trazo de las figuras.

Junto a ello se produce una tendencia a utilizar un solo color en diferentes tonalidades, en este caso el azul.

Observamos como empieza a utilizar los ojos almendrados en sus personajes.

Por último los temas evocan la tristeza, representando a personajes desarraigados o apartados de la sociedad.

Un ejemplo interesante de esto último es la obra conocida como "La vida" donde Picasso representa a un matrimonio, que debe desprenderse de su hijo porque no tiene dinero para alimentarlo, así una mujer ha venido a llevárselo. La desgarradora escena no muestra como el evento transcurre en lo que sería el estudio de un pintor (tal vez sin suerte para vender sus obras), donde el matrimonio que entrega al niño está completamente desnudo, quizás sin dinero para comprar algo de ropa. Triste, muy triste la escena.

Otras obras muy conocidas de la época son "El viejo guitarrista", donde sus ojos almendrados nos hacen sospechar que es un músico ambulante que pide monedas en la calle, posiblemente ciego. O bien el autoretrato que de si mismo hace el propio Picasso

"La Adoración de los Reyes Magos" de Diego Velázquez

Esta obra del genial artista sevillano está fechada en el año 1619 y se conserva actualmente en el Museo del Prado.

Cuando intentamos explicar a los niños una obra de este tipo lo primero a que debemos hacer alusión es a la historia religiosa. En este caso el niño Jesús acaba de nacer y hasta él llegan tres magos venidos de oriente siguiendo una estrella para ofrecerle regalos, oro como rey, incienso como dios y mirra como hombre.

En segundo lugar podemos hablar de las características propias del artista. El cuadro pertenece a la primera etapa de Velázquez, cuando este se encuentra en Sevilla antes de su traslado a Madrid en el año 1622.

En esta época los cuadros de Velázquez están influidos por el claroscuro, es decir hay un foco de luz que ilumina desde la parte izquierda del lienzo, en este caso principalmente el cuerpo de la Virgen y el niño, dejando el resto del cuadro más oscurecido, de hecho nos cuesta trabajo (debido a la falta de luz) apreciar el paisaje o incluso el rostro de uno de los reyes que como vemos es de raza negra.

Otra característica de Velázquez es la utilización de personajes populares. Los protagonistas del cuadro no están idealizados (como ocurre en la pintura italiana) sino que son personajes cercanos o personajes de la calle en muchos casos. Concretamente en esta obra pueden reconocerse algunos de estos personajes. La Virgen esta representada por la mujer del pintor, de nombre Juana Pacheco. El niño es en realidad una niña y sería la hija del pintor. El rey más anciano sería su suegro y también maestro Francisco Pacheco. También se especula con que la imagen del rey Gaspar sea la suya propia o la de su hermano Juan.

Por último debemos destacar la calidad de los objetos que aparecen en el cuadro, eso lo apreciamos en los recipientes que portan los reyes para ofrecer al niño. El tratamiento que Velázquez otorga al metal o al cristal es prácticamente fotográfico.

Principales elementos de la arquitectura Plateresca

Cuando hablamos de arquitectura plateresca debemos precisar que el plateresco en si no es una forma concreta de construir sino de decorar, hay autores como Fernando Marías que proponen que el término sea solamente escultórico y debe aplicarse a edificios góticos revestidos de un manto decorativo que llamamos plateresco.

Sera a finales del siglo XV cuando la arquitectura de los reyes católicos comience a engalanarse con motivos ornamentales llegados de Italia.

Las fechas de construcción de edificios platerescos irían desde 1515 a 1550

Algunas de las características de la decoración plateresca son las siguientes:

• Presencia del grutesco, una columna o pilastra decorada en el fuste con motivos vegetales o geométricos.
• Presencia de escudos, alusivos a la familia o grado noble de los que construyen el edificio
• Horror vacui, suelen contrastar las zonas muy cargadas de decoración con otras que prácticamente carecen de ella.
• Introducción del desnudo en las figuras de algunos de los personajes representados, es esto una consecuencia de la influencia italiana.
• Todo tipo de arcos fingidos para decorar las fachadas (medio punto, rebajados, polilobulados, etc)

Si te interesa tener toda esta información en vídeo con muchos más ejemplos sobre arquitectura plateresca, aquí lo tienes

Historias de la Biblia para niños. La Anunciación

Imagen de la Anunciación de Dello Delli. Retablo de la Catedral Vieja de Salamanca (detalle)

Vamos a iniciar una nueva sección en la que trataremos acompañados de imágenes diferentes temas tanto del Antiguo como del Nuevo Testamento, con intención de estudiar los diferentes modelos iconográficos que se utilizan a lo largo de la Historia del Arte. 

Así podemos analizar por un lado la historia que cuenta la Biblia, como los aspectos que aparecen en el cuadro y que se van a repetir en otras obras con una temática similar.

Para conocer la Anunciación, reconocemos a Maria que se encuentra en casa cuando delante de ella se presenta el Arcángel Grabriel para preguntarle si quiere ser la Madre de Dios. María sorprendida va aceptar y en ese momento desde el cielo llega el Espíritu Santo que es quien obra el milagro y María se queda embarazada sin intervención de ningún varón.

Algunos elementos que aparecen en la obra nos indican aspectos relativos a la historia. Por ejemplo, María se encuentra en casa, concretamente en esta obra en su dormitorio. Elementos como una cesta con artilugios de costura nos muestra que María es un ama de casa. Ella se encuentra leyendo, lo cual nos índica que era una mujer culta, que sabe leer en un momento en que la educación no es accesible para todo el mundo sino para un porcentaje muy pequeño de personas. Al lado de la Virgen aparece un búcaro o jarrón con azucenas, flores de color blanco que aluden a la pureza de la Virgen, es decir María no ha conocido varón hasta ese momento. El Arcángel se presenta humilde delante de ella, por eso se pone de rodillas para iniciar el saludo y preguntar si acepta. María se sorprende por la llegada del Arcángel, coloca su mano en el pecho en actitud defensiva, mientras observa al Arcángel y baja de cabeza en un símbolo de humildad y aceptación de la pregunta que acaban de hacerle. En la parte superior podemos observar a Dios Padre que en el mismo momento en que María acepta, suelta la Paloma, el Espíritu Santo, que obra el milagro y deja a María embarazada.

La Anunciación. Fra Anggelico.

Recordemos que cuando María acepta termina la condena que supone la expulsión de Paraiso donde las puertas del cielo se encuentran cerradas, la muerte de Jesucristo y su posterior Resurrección supone un cambio en este esquema, ya que las puertas del cielo se vuelven a abrir y eso supone la salvación de miles de almas atrapadas desde entonces. Por esa razón incluye Fra Angelico una escena de la expulsión del Paraiso en la obra. La historia de la humanidad cambió con el anuncio del nacimiento de Jesucristo.

La visión contemporánea de Eugenio Merino

Hace poco más de un mes, durante la Feria de ARCO, el artista madrileño Eugenio Merino, presentó en la Galería ADN de Barcelona una escultura que tuvo cierta polémica. No es la primera vez que le ocurre al artista, ya que las imágenes que ha presentado en esta Feria nunca han dejado al público indiferente, generando en ocasiones un gran debate o ciertas denuncias de sectores que veían afectado su honor. Este año amenazó con la denuncia la Fundación Francisco Franco.
Quizás debamos fijarnos más en el mensaje que tiene la obra que en la belleza de la misma. La belleza estética no es tan importante en el arte contemporáneo como la idea que trata de transmitir. Un menaje que cree debate, que sea capaz de llevar al público a una reflexión sobre un tema concreto.
Eso no quita que Eugenio Merino sea un gran escultor, que practica una técnica hiperrealista que roza la perfección, con detalles que nos dejan sorprendidos, como las manos del personaje que nos ocupa o de otras obras del artista, que lo colocan en la vanguardia de este tipo de obras, en la linea de Ron Mueck o Evan Penny.
Ahora, ¿como explicamos la obra de Eugenio Merino?. Presenta una imagen del general Francisco Franco metido en una nevera de coca-cola. Visto así no tiene mayor trascendencia. Pero tras los últimos acontecimientos sucedidos en España la figura nos lleva a cierta reflexión. La imagen de Franco se ha utilizado de forma partidista por detractores y partidarios, sacando su recuerdo cuando ha sido necesario y escondiendolo cuando interesaba. No tenemos más que pensar en todas las cuestiones relativas a la memoria histórica y el tratamiento que ha tenido durante los últimos años de la etapa socialista, con jueces estrella muy implicados en este tema.
Así Merino nos planeta una imagen de Franco que se saca de la nevera cuando se necesita e igualmente se vuelve a meter cuando no interesa su uso. Ahí radica el debate o la reflexión que el público debe hacer cuando se enfrenta a ella. Una ironía que marca la mayoría de su obra no exenta de crítica de los comportamientos de la sociedad en este y otros casos.